Are you the publisher? Claim or contact us about this channel


Embed this content in your HTML

Search

Report adult content:

click to rate:

Account: (login)

More Channels


Channel Catalog


older | 1 | .... | 58 | 59 | (Page 60) | 61 | 62 | 63 | newer

    0 0
  • 07/02/18--13:29: Marevna Vorobev-Stebelska

  • Una de las exponentes originales del cubismo. Vorobev se movía en el círculo íntimo de  Modigliani, Ilya Ehrenburg y Picasso, así como a poetas y escritores como Maxim Gorki, que le dio el apodo de Marevna sarina, que significa princesa de mar. Nacida como hija natural de un funcionario forestal polaco expatriado, los primeros años de vida de Vorobev parecen una repugnante versión rusa, primero de lolita, luego de Pryton Place, ya que a menudo la dejaban a cargo de adultos desagradables. Se esforzó por avanzar en su educación artística en Italia y Francia, apenas pudo sobrevivir a los rigores de la pobreza en una época en que los artistas dependían en gran medida de la nobleza y  de los ricos. Con el tiempo, se convirtió en la amante de Diego Rivera, antes de que sus frescos alcanzaran fama internacional. A pesar de la naturaleza patética, a menudo sórdida de su existencia, Vorobev de alguna manera ha dotado a su historia de un esplendor interior al describir a los genios que conoció. 

    A los veinte años  llega a la estación de Lyon, en París. Allí, inicialmente se aloja en “La Ruche”, una hostelería para artistas inmigrantes que más tarde la inspirarán para escribir su libro 'Life with the Painters of La Ruche'.


    Frecuentaba mucho a los inmigrantes rusos, como el pintor Chaim Soutine, el escultor Ossip Zadkine y el escritor Iliá Erenburg, así como a los pintores de Montparnasse, como Marc ChagallMoise KislingAmadeo ModiglianiFernand LégerGeorges BraqueHenri Matisse, Fougita y Pablo Picasso, quienes se reúnen en el café 'La Rotonde'. Se hace amiga también de los poetas Max JacobGuillaume Apollinaire y Jean Cocteau. Picasso que la admiraba mucho y que se convertirá en un fiel amigo dirá de ella: 'Haremos de ti una artista aún más célebre que Marie Laurencin'

    Ella pinta a estos personajes ilustres en grandes cuadros reproduciendo sus rasgos y expresiones con una impresionante semejanza.

    Fue la primera mujer que adoptó el estilo cubista, inspirándose en el  puntillismo de Seurat y asociará las dos técnicas. Expone en Tuileries en 1912, en Independientes en 1913 y en el “Salon d’Automne” en 1919.

    En 1915 conoce a Diego Rivera, quién se convertirá en el amor de su vida y con quien tiene una relación apasionada y turbulenta, de la cual nacerá en 1919 una hija: Marika. El alquila para ellas una casa en Chatillon a donde va a ver a su hija hasta la edad de 2 años.
    Diego Rivera la dejará en 1921 para regresar a México donde su padre está gravemente enfermo. En cuanto a ella, gracias a los mecenas como el subastador Zamaron y Zborowsky a quienes les vende sus pinturas, puede educar y mantener a su hija Marika.

    En 1979, publica “Memorias de una nómada”. Muere el 4 de mayo de 1984 a la edad de 92 años.



    0 0
  • 07/03/18--16:14: Pedro Nel Gómez


  • Pintor, muralista, escultor, ingeniero civil, arquitecto y urbanista antioqueño (Anorí, julio 4 de 1899 - Medellín, junio 6 de 1984). Realizó sus primeros estudios de dibujo y pintura en la Academia de Bellas Artes de Medellín, con los profesores Humberto Chávez y Gabriel Montoya. Cursó el bachillerato en el Liceo de la Universidad de Antioquia y realizó estudios de ingeniería civil en la Escuela de Minas de Medellín, graduándose en 1922.
     Viajó a Europa (Francia y Holanda) para continuar los estudios de pintura. Regresó a Colombia en 1930 para dirigir la Escuela de Bellas Artes de Medellín.


    Pedro Nel Gómez no sólo se dedicó al arte de la pintura, sino que sus trabajos se extendieron a la ingeniería y a la arquitectura. Planteó soluciones inmediatas y proyectos futuros tales como la construcción de su casa-museo localizada en el barrio Aranjuez, y diseñó y dirigió la construcción de los edificios de la Escuela de Minas. Suyos fueron los proyectos para la Cooperativa de Vivienda del barrio San Javier y para el Cementerio Universal. También realizó la planificación del sector de Laureles, obras llevadas a cabo en la ciudad de Medellín. En el municipio de Medellín ocupó diversos cargos, tales como: Presidente de la Casa de la Cultura (1949), Miembro de las Empresas Públicas (1935), de la Junta de Valorización del Municipio (1936) y del Consejo Directivo de la Facultad Nacional de Minas (1951). Fue arquitecto del Departamento de Antioquia (1934) y miembro del Consejo Administrativo (1955). Internacionalmente, Pedro Nel se desempeñó como cónsul de Colombia en Florencia (1930).
    Como docente, fundó en 1946 la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Medellín y fue varias veces su decano. La gran empresa mural de Pedro Nel Gómez cubrió buena parte de la historia en la búsqueda de la identidad y el rostro del país. En sus obras reflejó la historia de la raza antioqueña, sus símbolos, sus leyendas y su interpretación literaria.


    En sus murales late constantemente la presencia humana en todas sus dimensiones, donde plasmó la angustia de la existencia humana, tanto en el plano material como espiritual. Particularmente, importa en las obras de Pedro Nel la presencia de la mujer, pero no la mujer como figura decorativa, ni la mujer como personaje aleatorio en los problemas del ser humano. En sus obras, la mujer está en el centro luchando hombro a hombro con su compañero, el hombre. Algunas de sus obras escultóricas son: Mujeres emigrantes (1950-1955), El cacique Nutibara (1954), La barequera (1955), Diógenes (1983) y Desnudos (1984). Complementan sus obras escultóricas los siguientes murales: Historia de la Química a través de la humanidad(en el Colegio Mayor de Antioquia, 1954), Historia del desarrollo económico e industrial del Departamento de Antioquia (Banco Popular del Parque de Berrío, 1956), Victoria contra la enfermedad, la ignorancia y la miseria (Clínica León XIII, 1961), Espíritu Creador del pueblo antioqueño (Servicio Nacional de Aprendizaje, SENA, 1962), Raíces económicas y biológicas del desarrollo del Departamento de Antioquia (Cámara de Comercio de Medellín, 1976). Pedro Nel Gómez realizó trabajos de campo hasta sus últimos días.





    0 0
  • 07/04/18--11:56: JUAN ANTONIO RODA
  •  Resultado de imagen de Juan Antonio Roda


    Juan Antonio Roda (1921-2003): Nació en Valencia, España, y se formó en París, el artista vivió en Colombia desde 1955. Sus primeros trabajos fueron figurativos y su tema preferido fue el retrato del cual dejó numerosos ejemplos en pintura y dibujos. Entre 1961 y 1963 realizó una serie de cuadros no figurativos, dentro de los cuales sobresalieron los denominados “Tumbas”. Estas obras, con grafismos y muchas texturas, pueden considerarse expresionistas, próximos a las pinturas de la segunda escuela de París. Roda tuvo en cuenta para la elaboración de las “Tumbas” la idiosincrasia de los personajes a los cuales estaban dedicados. En esta forma, a base de colores y de manchas, el artista nos presentó una sutil referencia de escritores como Shakespeare o Miguel Hernández y de reyes como Agamenón o Felipe II. En 1964, Roda retornó a la figuración con la serie de doce óleos de Felipe IV, tema que realizó no por Velázquez que lo retrató muchas veces, sino por el personaje triste y solitario. Vinieron los “autorretratos” de 1967 y los “Cristos” de 1968.
     Resultado de imagen de Juan Antonio Roda
     En 1970 inició su producción gráfica de la que existen numerosos ejemplos realizados en series: “Retratos de un desconocido”, “Risas”, “Delirios de las monjas muertas”, “Amarraperros” y “La tauromaquia”, sin duda algunos de los mejores grabados del arte colombiano. Sin haber abandonado la pintura, el artista presentó los óleos “Los objetos del culto” en 1979, en los que con visos surrealistas hizo referencia a su vida y a su relación con personajes cercanos. Luego de muchos dibujos y óleos con más “autorretratos” de 1979 a 1983, Roda volvió a los grabados, y cuando estaba en España, en 1984, hizo la serie “Flora”. Estas técnicas mixtas de aguafuertes y aguatintas abrieron el camino a numerosos cuadros semifigurativos: “Flores” –1987–, “Montañas” –1989-99–, “Ciudades perdidas” –1990-91–, “Tierra de nadie” –1992-1993– y a numerosos óleos abstractos como “La lógica del trópico”, de 1998, y la hermosa serie “El color de la luz” de 2001, los lienzos no figurativos más bellos del arte colombiano de comienzos del nuevo milenio.
     Inicio

    0 0
  • 07/09/18--11:19: ENRIQUE GRAU


  • El pintor y escultor colombiano Enrique Grau falleció el 1 de abril 2004 en Bogotá a los 83 años de edad tras una corta enfermedad pulmonar. Grau, uno de los artistas plásticos más prolíficos de Colombia, hizo estudios de pintura y artes gráficas en el Art Students League de Nueva York y de Pintura Mural en diferentes técnicas en la Escuela de Bellas Artes de San Marcos, en Florencia, Italia, entre otras.

    Resultado de imagen de enrique grau
    Junto a Fernando Botero, David Manzur y el fallecido Alejandro Obregón, Grau integraba lo más destacado de la pintura y la escultura en Colombia, destacándose su comprensión de la anatomía, de las sutilezas del claroscuro, su vitalidad luminosa y su hábil manejo del contraste cromático.
    En declaraciones a la radio Caracol, el pintor Manzur -gran amigo del fallecido- dijo que "Grau fue ante todo un maestro que enseñó sin egoísmos". "Fue un artista expresionista figurativo, tenía un contacto directo con la cotidianidad del ser humano, y mezclaba en su obra el humor y la trascendencia", precisó Manzur.
    Para el pintor, Grau tuvo a lo largo de su obra tres posturas conceptuales ligadas a la misma tendencia: la manifestación expresionista del medio, un segundo momento que prescinde de la figuración y se acerca a la abstracción, y un tercero en que vuelve a la figuración.

    Resultado de imagen de enrique grau
    Su última serie de 22 obras entre óleos, dibujos a lápiz y carboncillo, y cuatro piezas tridimensionales, muestra una sociedad en conflicto y expresa una denuncia contra la violencia, que alude más a las víctimas que a los verdugos. Sobre dicha obra, Grau decía que "la vida humana es sagrada".
    El maestro Grau fue velado en la sede del Congreso de la República, y luego llevado al puerto caribeño de Cartagena, en donde vivió durante toda su vida y a la que consideraba la ciudad de sus entrañas, a pesar de haber nacido en Panamá. El presidente Álvaro Uribe ofreció un breve homenaje a Grau en el colonial teatro Heredia. El presidente invitó a las autoridades del departamento de Bolívar y su capital, Cartagena, a que junto al Gobierno central unan "voluntades para cumplir el doble deseo del maestro: tener ese gran museo y convertirlo en un sitio de concurrencia de toda la patria".
    Grau anunció a mediados de 2003 que donaba sus colecciones privadas de arte y arqueología, además de su biblioteca, para un museo en esta ciudad. Unas 350 piezas, incluidas de creación propia, y más de 4.000 libros conforman el legado del pintor y escultor. El claustro de la Merced, edificación colonial propiedad de la Universidad de Cartagena, había sido señalado por el artista como el edificio más adecuado para la nueva entidad cultural.

    Información, EL PAIS

    0 0
  • 07/10/18--10:29: Alex Stevenson Díaz


  • Alex Stevenson Díaz, nació en Codazzi, Cesar, Colombia el 2 de marzo de 1962, viviendo desde muy niño en Barranquilla capital del departamento del Atlántico.
    Artista plástico colombiano que desde muy pequeño demostró sus dotes artísticas, estudió Publicidad y diseño publicitario en la Universidad Litoral de Barranquilla 1990. Realizó estudios de Escultura, vitral, escultura y dibujo y pintura. Expuso en: Concejo de Bogota (Bogota 2008), Universidad los Libertadores, (Bogota 2007), Taller de Artes Claudia Olano (Bogota 2005) y Hotel puerta del Sol, (Barranquilla 2002).

    0 0
  • 07/12/18--13:11: Niels Reyes

  • Niels Reyes (Santa Clara, Cuba,1977) Graduado de Nivel Medio en Artes Plásticas en la Escuela Profesional de Arte “Oscar Fernández Morera, Trinidad, 1998 y Graduado de Nivel Elemental de Artes Plásticas en la Escuela Vocacional de Arte (EVA) “Olga Alonso”, Santa Clara en 1992. Graduado en 2006 de nivel superior de la especialidad de Pintura en el Instituto Superior de Arte (ISA), La Habana. Desde el año 2002 ha participado en numerosas exposiciones personales y colectivas en diferentes países como Cuba, Austria, México, Estados Unidos, Alemania, etc. En el año 2012 obtuvo el reconocimiento de K.K.A in residence programme, Viena, Austria.                                

    0 0
  • 07/17/18--12:40: Patrick Heron

  • Patrick Heron (1920-1999) fue uno de la media docena de pintores británicos más importantes del siglo XX. Muchas cosas contribuyeron al despertar tardío de este país al poder y la importancia del arte moderno después de la segunda guerra mundial, pero entre ellos el trabajo de Heron como pintor  y crítico fue un factor clave.
     Su pintura y sus escritos fueron fundamentales para acabar con una tradición inglesa de pintura figurativa. Consideraba a Matisse como el mejor maestro del siglo y le encantaría elevar a Bonnard al segundo lugar: estos eran los dos pintores que más le influían.
    Nació en Headingley,  hijo de Tom Heron, un empresario que se mudó a Cornualles cuando Patrick tenía cinco años para establecer una fábrica de ropa en tres cabañas de pescadores  con vistas al puerto de Newlyn.  Patrick, que todavía era un colegial, hizo algunos diseños notablemente exitosos para las telas. 

      Su asma crónica lo habría excluido del servicio militar, pero insistió en inscribirse como objetor de conciencia y trabajó como trabajador agrícola durante tres años hasta que los médicos le ordenaron que desistiera. Regresó a Cornualles y trabajó para Bernard Leach durante los últimos 14 meses de la guerra. Uno de sus amigos era el periodista de The Guardian Mark Arnold-Forster, quien, unos años más tarde, le vendió Eagle's Nest, una casa con un famoso jardín sobre Zennor, cerca de St. Ives, donde Heron había pasado sus vacaciones infantiles.
    El traslado permanente de Heron a Eagles Nest en 1956 coincidió con su compromiso con la pintura no figurativa y dio como resultado un período muy productivo de su trabajo. Desde ese momento, la casa iba a ser el centro de su existencia imaginativa;fue, escribió mucho más tarde, "casi la mayor pasión de mi vida".Animado por la personalidad de Delia, su esposa, Eagles Nest se convirtió en un centro mágico de hospitalidad para la brillante y en ocasiones turbulenta compañía de artistas y escritores que hizo de St. Ives y sus alrededores un lugar de vitalidad artística extraordinaria durante los años cincuenta, sesenta y setenta.Cuando murió Delia, de repente, en 1979, Heron quedó devastado y durante muchos meses no pudo trabajar.



    Patrick Heron visitó Sydney, Australia, entre 1967 y 1973, y expuso en la Galería Bonython. Durante los años sesenta y setenta, dio  conferencias alrededor del mundo que culminó en un libro, 'The Shape of Color', en 1978. 

     En 1989, regresó a Sydney, Australia, y trabajó en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur. Hizo más de 50 pinturas mientras trabajaba como artista residente en la galería de arte de Nueva Gales del Sur en Sydney . En 1996 colaboró ​​con su yerno Julian Feary en la instalación de una obra de arte al aire libre titulada Big Painting Sculpture. Continuó pintando hasta el día antes de morir en 1999 en Cornwall, Inglaterra. Sus obras se pueden ver en museos de todo el mundo.

    0 0
  • 07/20/18--11:25: Lisa Brice

  • Lisa Brice nació en 1968 en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Ahora vive y trabaja en Londres, también pasa tiempo en Trinidad después de una residencia en 2000.La práctica de Brice se concentra en el retrato inquietante y emotivo. El trabajo de Brice fue incluido recientemente en la muy aclamada exposición 'Making and Unmaking' comisariada por Duro Olowu, en el Camden Arts Centre de Londres el año pasado.Sus exposiciones individuales notables incluyen: 'Well Worn', Goodman Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica (2015); 'Corta tu abrigo', French Rivera, Londres, Reino Unido (2014).Las exposiciones colectivas más destacadas incluyen: 'La Diablesse' Tramps, Londres, Reino Unido '(2016),' Home Truths: Domestic Interior in South African Collections 'comisariada por Michael Godby, South African National Gallery, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2016),'Making & Unmaking ', Camden Art Center, Londres, Reino Unido (2016),' New Revolutions ', Goodman Gallery, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2016),' Puppet Show ', comisariado por Tom Bloor y Celine Condorelli, Gavle Konstcentrum, Kultur & Fritid Gavle, Suecia, realizó una gira por Grundy Art Gallery, Blackpool, Reino Unido (2014).Las obras de Brice están incluidas en importantes colecciones a nivel internacional, que incluyen: el Museo Nacional Smithsoniano de Arte Africano, Washington DC, EE. UU .; Colección BHP Billiton, Johannesburgo, Sudáfrica; SABC Collection, Sudáfrica; Johannesburg Art Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica; Galería Nacional de Sudáfrica, Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Michaelis Cabinet, Universidad de Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Galería Frank Haenel, Frankfurt, Berlín, Alemania; Comisión Superior de Sudáfrica, Londres, Inglaterra; Sindika Dokolo - Colección Africana de Arte Contemporáneo, Luanda, Angola.

    0 0
  • 07/23/18--12:38: Emile Chambon


  • Nació en Ginebra en  Collonge-Bellerive, cath.,  en 1905.Tres años después de su nacimiento, su madre dio a luz a una hija, Julia Mathilde, que ayudaría a Emile a lo largo de su vida, siguiéndolo y apoyándolo, anotando cuidadosamente en su diario la agenda y las actividades de su ilustre hermano hasta su muerte en Octubre de 1993.


      No le gustaba que lo compararan con Balthus, a pesar de que sentía un gran respeto por el "maestro" de Rossinière.Se consideraba autodidacta a pesar de  haber asistido a la Escuela de Bellas Artes   y   al taller de Jean-Louis Gampert en Ginebra.

     En 1928, le concedieron una beca  lo que le permitió emprender su segundo viaje a París. Esta vez, se quedó diez semanas para descubrir el Museo del Louvre. Allí, ejecutó numerosas copias, esencialmente en forma de dibujos, de Rembrandt, Rubens y Géricault. También visitó el Museo Guimet, el Petit-Palais y los grandes monumentos de París, en particular la Iglesia Saint-Sulpice, donde admiró los frescos de Eugène Delacroix. Desafortunadamente, su estadía terminó más rápido de lo que había previsto, ya que sus finanzas estaban en un estado crítico. Dejó atrás a sus amigos Edmond Chauvet y Jean Van Berchem, con quienes se había embarcado en su viaje, y regresó a Ginebra.



    El padre de Chambon murió en febrero de 1946, y su muerte afectó gravemente  su salud ya que siempre había mantenido una relación muy fuerte con él, y solo se recuperaría parcialmente de esta pérdida.


    Desde principios de la década de 1950 su obra  estuvo presente en un número considerable de exposiciones colectivas, la mayoría de las cuales se realizaron en la región alemana de Suiza y, a menudo, se centraron en un tema específico. Su nombre también comenzó a aparecer, de vez en cuando, en las paredes de las galerías en el extranjero, principalmente en París, donde expuso en tres ocasiones en el Salon de l'Art Libre en el Palais de Tokyo.


    En 1965 participó en la exposición Künstler, Sammler en Aargauer Kunsthaus, junto con una nueva presentación colectiva de obras de artistas suizos titulada Pittura Contemporanea Svizzera en Villa Olma, en Italia, en los bancos del lago de Como.
    En enero de 1966, se organizó una última gran retrospectiva en el Musée Rath..


    En los últimos años de su vida, los pensamientos de Chambon se centraron principalmente en la perpetuación de su obra. La Fondation Emile Chambon se creó oficialmente dos años después de la muerte de Emile Chambon el 28 de octubre de 1993 en Collonge-Bellerive

    0 0
  • 07/24/18--03:26: Jaume Morera i Galícia

  • (Lérida, 1854-Madrid, 1927). Pintor español. Hermano del político y poeta Magín Morera, estudió pintura de paisaje en la Escuela de San Fernando de Madrid con Carlos de Haes. Después marchó pensionado a Roma en 1874. Allí pintaría paisajes italianos dentro de las normas del academicismo clasicista como Pinos de Frascati. En Italia entabló amistad con Francisco Pradilla y Mariano Fortuny y pasó una temporada a orillas del lago Trasimeno, donde pintó Tormenta de nieve o Perros en la nieveOrilla ne­vada del lago Trasimeno y El anochecer. A su regreso a España, en 1877, volvió temporalmente a su ciudad natal, con la que mantendría relación a lo largo de toda su vida crean­do, en 1917, el Museo de Arte Moderno Jaime Morera. No obstante, se instaló definitivamente en Madrid, desde donde viajó a Holanda, Bélgica y Francia, siguiendo los pasos de su maestro. De estas estancias es el cuadro ­Orillas del Waht ­(Holanda), que presentó a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1878 y, después, a la Exposición Universal de París. ­Representa una corriente paisajista opuesta al impresionismo y luminismo, partidaria de la experiencia directa del ­natural y atraída por los paisajes nórdicos y, en España, por el País Vasco, donde pasó largas temporadas en la villa Jardingane de Algorta (Vizcaya). A estas estancias ­corresponden Mar Cantábrico o Costa de Santoña. También recorrió exhaustivamente la sierra madrileña a partir de 1890, siendo muy celebrada su serie del Guadarrama, a la que pertenecen dos cuadros del Museo del Prado. Morera pintó la sierra, que había sido descubierta años antes por la Sociedad de Estudios del Guadarrama y por la Institución Libre de Enseñanza, ­pero transmitió la visión de una montaña blanca y gris de grandeza romántica que coincidía con posturas neorrománticas europeas muy en boga. Expuso sus ideas en el libro En la sierra del Guadarrama. 


    Museo del Prado


    0 0
  • 07/26/18--03:11: Pierre Klossowski



  • Pierre Klossowski (París, 1905 - 2001)   fue temporalmente sacerdote, autor de importantes textos filosóficos y de arte teórico. Miembro de una peculiar familia polaca de estirpe aristocrática, su madre fue, por lo menos, confidente íntima de Rilke y  el  era el hermano mayor del artista Balthus. En la década de 1930, en París, Klossowski desarrolló conceptos interdisciplinarios dentro del entorno impetuoso de importantes surrealistas como Georges Bataille o André Breton. 



    Después de una crisis religiosa a principios de la década de 1940, ingresó en el seminario de Saint-Maximin, que abandonó definitivamente una vez concluida la Segunda Guerra Mundial despues de haberse unido a la Resistencia. 
     En 1946 se convirtió en sacerdote católico, hasta que poco después conoció a su esposa y musa, Denise Marie Roberte. 



     Su primera obra narrativa, publicada en 1950, es fruto de esta experiencia: La vocación suspendida (La vocation suspendue). Aunque escrita en tercera persona, la novela presenta nítidos rasgos autobiográficos y refleja los dos polos entre los que transcurren las obsesiones del autor, gran conocedor y estudioso de la obra del marqués de Sade: la religión y el erotismo. El protagonista abandona sus estudios eclesiásticos y se enfrenta a un mundo agitado por grandes paroxismos ideológicos y sociales.



    El dogmatismo del pensamiento cristiano se ha mantenido como un punto de referencia (algo crítico) en su trabajo. Así, sus novelas, cuadros y escritos filosóficos, creados desde la década de 1950, giran alrededor del catolicismo  erótico, pero el erotismo de Klossowski es más bien una actitud mental: una simbiosis de la obsesión, del santo y la lujuria; y un sistema de tabúes y reglas, en el que la lujuria surge de la transgresión de las prohibiciones. Siguiendo un pensamiento no dogmático del arte y la moralidad, Klossowski, al referirse al Marqués de Sade, aborda continuamente el tema del deseo, del éxtasis espiritual al sexual. A través de esta complejidad, la obra de Klossowski ha resumido las ideas modernas y sus escritos han influido en el postestructuralismo de pensadores

    0 0
  • 07/29/18--04:11: Carolus-Duran


  • Lille, Francia4.7.1837 - Paris18.2.1917
    Pintor francés. Hijo de un posadero, se formó en Lille con François Souchon, un discípulo de David. Establecido por primera vez en París en 1853, hizo copias en el Louvre y conoció a través de Astruc, antiguo amigo, a Courbet. Después trabaría amistad en la Academia Suiza con Fantin-Latour y conocería a Berthe Morisot y a Manet, al que le unió también una amistad íntima. Entre 1862 y 1866 estuvo en Roma gracias a una pensión del Ayuntamiento de Lille. La medalla que obtuvo en el Salón de 1866 con "El asesinado" (Palais des Beaux-Arts, Lille), comprado por el Estado, le permitió viajar a España, donde vivió entre 1866 y 1868. El éxito que alcanzó en el Salón de 1869 con
     "La dama del guante" ( Musée d'Orsay, París), un retrato de su mujer, le permitió asentarse definitivamente en París, donde siguió en adelante una brillante carrera como retratista y obtuvo todo tipo de distinciones, aunque al precio de perderse en una pintura cada vez más superficial, caracterizada por un virtuosismo y una facilidad engañosos. Como sucede con otros artistas de su tiempo, es probable que el interés de Carolus-Duran por la pintura española procediera de su asiduidad, en la década de 1850, a los círculos realistas parisinos.
     En todo caso, parece haber descubierto realmente a Velázquez en Roma ante el retrato de "Inocencio X" (Galleria Doria Pamphilj, Roma), que copió al óleo y del que, al parecer, llevaba siempre consigo una fotografía. Su estancia en España, de la que apenas se tienen noticias pese a que duró más de dos años, que pudo estar alentada por los comentarios que le hicieran Astruc y Manet, quienes habían estado en Madrid en los años anteriores, hay que contemplarla como «un viaje a Velázquez», al que debió de copiar repetidamente, aunque su nombre solo aparece en el registro de copistas del Prado entre el 10 y el 19 de diciembre de 1866. Se conocen una copia de "El bufón don Diego de Acedo, «El Primo»" (Senado, París) y otra de "El bufón Calabacillas" (1879, Ministère des Finances, París), pero se sabe que Gautier tenía otra de un Nain barbu (seguramente "Don Sebastián de Morra") y las huellas que se encuentran en cuadros suyos posteriores muestran que debió de hacer varias más. Por lo demás, a partir de su estancia en Madrid, la admiración de Carolus-Duran por Velázquez cobró caracteres de práctica exclusividad. 
    Al parecer, para justificar sus pretensiones de ser el legítimo continuador de Velázquez en su época, alardeaba de una lejana ascendencia española y le gustaba repetir identificándose con el maestro: «Velázquez y yo». Por otro lado, el consejo que repetía a sus alumnos era siempre el mismo: «Velázquez, Velázquez, estudiad sin descanso a Velázquez». Las huellas de éste en sus propias pinturas se circunscriben, sin embargo, a algunos retratos realizados en España, como el "Retrato del pintor Matías Moreno" (Palais des Beaux-Arts, Lille), en el que éste adopta una pose similar a la de Velázquez en "Las Meninas" y que le valió en Madrid una medalla de tercera clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1866, su propio "Autorretrato" (1867, Prado, catalogado en el Museo como "Retrato de Matías Moreno") de cromatismo cercano al velazqueño, y algunos otros hechos ya en Francia en los años inmediatamente posteriores a su vuelta. Entre éstos, el "Retrato de Hector Brame niño" (1871, colección particular), en el que siguió literalmente la pose de "El príncipe Baltasar Carlos como cazador", de Velázquez, y empleó una sutil gama de grises, pardos y verdes, es quizá el más cercano al espíritu del maestro y uno de los pocos en que utilizó las enseñanzas de éste en sentido moderno. En cambio, "La dama del guante", un cuadro en el que el tratamiento espacial y cromático de los retratos velazqueños es utilizado para revitalizar, «modernizándola», la tradición académica del retrato elegante, mostraba ya, pese a estar realizado justo tras su vuelta de España, las limitaciones de su acercamiento a Velázquez. Su labor como maestro en L'Atelier des Élèves de Monsieur Carolus-Duran, que abrió en la primavera de 1873 y en el que se formaron, entre otros, Stevenson (autor de una trascendental monografía sobre Velázquez, publicada en 1895, en la que se presentaba a éste como padre de la pintura moderna) y Sargent (quien, siguiendo sus pasos, vino a Madrid en 1879 para estudiar las obras del sevillano), sería, sin embargo, básica en el aprecio de la pintura española en el último tercio del siglo XIX 
    Museo del Prado


    0 0
  • 07/30/18--03:24: WILLIAM N. COPLEY



  • 0 0
  • 07/31/18--10:20: Richard Lindner

  • Richard Lindner, 1901 – 1978- nació en Hamburgo. Su madre, Mina Lindner, era estadounidense, hija de padres alemanes. En 1905, la familia se mudó a Nuremberg, donde la madre de Lindner era propietaria de un negocio de corsés a medida y Richard Lindner creció y estudió en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). De 1924 a 1927 vivió en Munich y estudió allí desde 1925 en la Kunstakademie.


     En 1927 se mudó a Berlín y se quedó allí hasta 1928 que regresó a Munich para convertirse en director de arte de una editorial. Permaneció allí hasta 1933, cuando se vio obligado a huir a París, donde se involucró políticamente, buscó contacto con artistas franceses y se ganó la vida como artista comercial.  Cuando estalló la guerra en 1939  sirvió en el ejército francés. En 1941 viajó a los Estados Unidos y trabajó en la ciudad de Nueva York como ilustrador de libros y revistas, estableciendo contacto con artistas de Nueva York y emigrantes alemanes (Albert Einstein, Marlene Dietrich, Saul Steinberg). 
     


     Se retiró paulatinamente de su profesión de ilustrador y se convirtió en pintor. A su inconfundible estilo pictórico, que responde a un trabajoso proceso de elaboración, calificado acertadamente por Werner Spies como «collage mental», hay que añadir todo un entramado de diferentes influencias. En sus obras, inspiradas en el ambiente urbano de Nueva York o en la cultura de masas norteamericana, se hace explícita la huella de la sátira social de George Grosz, la simplificación formal de los autómatas de Oskar Schlemmer y de las monumentales figuras mecanizadas de Fernand Léger.

    Sus fondos de formas abstractas y las frases de tipografía nos remiten a la estética cartelista y al mundo de la publicidad; las asociaciones psicológicas entre los objetos y sus personajes, le acercan al surrealismo; la descomposición formal, está tomada del cubismo; y, finalmente, su lenguaje pictórico y su paleta brillante y colorista, le vinculan al pop, del que es considerado precursor. 
      En 1948 se convirtió en ciudadano estadounidense. Desde 1952 enseñó en el Instituto Pratt, Brooklyn, desde 1967 en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale, New Haven. En 1957, Lindner obtuvo el Premio Fundación William y Norma Copley. En 1965 se convirtió en Profesor Invitado en la Akademie für Bildende Künste, Hamburgo. Sus pinturas en este momento utilizaron el simbolismo sexual de la publicidad e investigaron las definiciones de los roles de género en los medios. Richard Lindner murió en 1978.

    0 0
  • 08/01/18--11:06: Allen Jones
  •  


    Nacido en Southampton. Estudió en el Hornsey College of Art  y en el Royal College of Art, donde se asoció con el grupo de estudiantes de Peter Blake y RBKitaj: David Hockney, Peter Phillips y Derek Boshier. Reacciona contra la pintura abstracta y encuentra inspiración en la cultura popular, revistas, publicidad y música. La lectura de Jung y Nietzsche  en ese momento le sugirió la fusión de hombre y mujer vista en su cuadro "Hermafrodita", y combinaría estas ideas con la colección de publicaciones ilustradas sexualmente estadounidenses de los años 40 y 50 que el mismo descubrió en su estadía en Nueva York, 1964-65. 

    A su vez, darían lugar a sus esculturas de muebles fetichistas de figuras femeninas, pinturas de mujeres con  tacones exageradamente altos, y su tema lo llevaría a explorar nuevas técnicas de grabado en relieve a finales de los años 60. Estas obras encontrarían controversia en el creciente movimiento feminista  y provocarían acusaciones erróneas de misoginia.
     
    En la década de 1970 sus temas se volvieron más pintorescos y lúdicos,  con la introducción de un estilo cuasi cubista de fragmentar contornos y aristas, de modo que las esculturas también podían desarrollarse a partir de hojas intersecantes de formas recortadas que ofrecían un cambio intrigante de perspectiva, mientras el espectador se movía alrededor del trabajo. Ya no se trata de esculturas en bronce monocromático, las esculturas y relieves recortados de Jones exhibían los colores vivos y la aplicación pictórica de la era del Pop Art. Creados primero como maquetas, desde finales de los 80 en adelante, algunos se han convertido en versiones monumentales para atrios, galerías y espacios públicos al aire libre.
    Además de ocupar varios puestos docentes como invitado en las universidades de California, Florida, Banff (Canadá) y Berlín, ha realizado   innumerables exposiciones individuales en museos y galerías de Europa, Estados Unidos, Japón, Australia y América Latina. Se han realizado retrospectivas notables en el Instituto de Arte Contemporáneo (1978, dibujos y gráficos),  Galería de Arte Walker, Liverpool (1979),  Galería de Arte Barbican (1995, gráficos), salas dedicadas en Tate Britain y la Real Academia de Arte (2007), y luego una retrospectiva completa en la Royal Academy (2014).

    0 0
  • 08/02/18--12:21: Richard Diebenkorn

  • Resultado de imagen de Richard Diebenkorn


    Nacido en Portland en 1922, pintor clave en el movimiento expresionista abstracto. Con su pasión por el color y líneas estructurales fuertes, Richard Diebenkorn dejó atrás un legado al arte moderno.

    Resultado de imagen de Richard Diebenkorn
     Aunque  nació en Portland, Oregon, su familia se mudó a California cuando Diebenkorn era muy joven. Asistió a la Universidad de Stanford, trabajó con los artistas Victor Arnautoff y Daniel Mendelowitz.  Diebenkorn sirvió en el Cuerpo de Marines de los EE. UU. Durante este tiempo, continuó pintando, desarrollando su propio estilo único. En 1946 regresó a San Francisco y estudió en la Escuela de Bellas Artes de California.

    Resultado de imagen de Richard Diebenkorn
     Al regresar del servicio, se inspiró en una serie de fuentes, incluida su estancia en la comunidad artística de Woodstock, Nueva York. Esto despertó su interés en el trabajo abstracto. Después de mudarse a Nuevo México en 1950,  presentó una serie de piezas coloridas y abstractas. Pinturas como Albuquerque No. 9 muestran su capacidad evolutiva como artista de vanguardia. Diebenkorn fue un artista que creció y cambió a lo largo de toda su carrera. Cuando él y su familia se mudaron a Urbana, Illinois,  comenzó a incorporar influencias caligráficas en su trabajo. Urbana No. 6 mostró esta paleta más sofisticada y líneas estructurales. Después de una temporada en Nueva York, Diebenkorn regresó a Berkeley, trabajó audazmente con el color y las formas. Una de sus pinturas más conocidas de esta época es Berkeley N ° 57. Aunque su trabajo abstracto  había llamado la atención, fue su cambio al arte representacional lo que realmente estableció a Diebenkorn como artista. Mujer en perfil y Chica con planta demostraron que Diebenkorn podía combinar líneas fuertes y elecciones de color con sujetos representativos. Diebenkorn seguiría siendo un artista activo hasta el final de su vida. Algunas de sus pinturas más conocidas de la década de 1960 incluyen paisajes geométricos, como Cityscape I.

    0 0
  • 08/03/18--12:13: Victor Arnautoff


  • Victor Arnautoff fue un prolífico artista de murales públicos durante el New Deal, muchos de los cuales todavía están en su lugar.



     Nacido en Rusia en 1896, Arnautoff fue  oficial de caballería en la Primera Guerra Mundial y más tarde en el ejército de  Siberia durante la Guerra Civil Rusa. Escapándose al noreste de China, se casó y su suegro le pagó para asistir a la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco. Su primer mural público, en 1929, se puede ver en la Catedral Vieja de la Santísima Virgen de la ciudad.


     Arnautoff y su familia se mudaron a Méjico, donde trabajó como asistente del famoso muralista Diego Rivera. Al regresar a San Francisco en 1931,  llamó la atención al pintar un gran mural al fresco en la pared de su estudio. Luego hizo varios paneles de frescos en la Clínica de Palo Alto.


     Con el New Deal en 1933, se dispusieron fondos federales  para el arte público. En San Francisco, el Proyecto de Obras Públicas de Arte contrató a 25 artistas para crear murales en Coit Tower. Arnautoff, con gran experiencia en la técnica del fresco, fue designado coordinador técnico del proyecto. Su mural, City Life, completado en 1934, presenta un vívido caleidoscopio del centro de San Francisco en un momento de agitación económica y social.


     El siguiente encargo del New Deal  fue un gran mural en la capilla protestante en el Presidio de San Francisco.  Sus puntos de vista políticos  se movieron hacia la izquierda a mediados de la década de 1930, y algunas veces incorporó la crítica social a su arte. Su  mayor encargo del New Deal fueron trece paneles de frescos sobre la vida de George Washington, pintados en 1936 para la  Escuela Secundaria George Washington en San Francisco. 

    Expuso en la Exposición Internacional Golden Gate de 1939, en la Exposición California Pacific de 1935 y en la Feria Mundial de Nueva York de 1940. Murió en  Leningrado, Unión Soviética, el 22 de marzo de 1979

    0 0
  • 08/06/18--13:29: John Piper
  • Se formó artísticamente en el Royal College of Art en Londres.
    En 1940 fue nombrado pintor de guerra durante la II Guerra Mundial, puesto que ocupó hasta 1942. Pintó una serie de cuadros que representan calles y casas destruidas por los bombardeos, con técnica fauve, colores oscuros y tono dramático. Entre 1945 y 1953, continuó evolucionando hacia tendencias cercanas al expresionismo abstracto inglés. También se destacó por su actividad como escenógrafo, haciendo los diseños de obras como Façade, The Quest o Edipo Rey. En su libro titulado Buildings and Prospects (1949) estudió el folclore urbano a través de las vidrieras de los pubs victorianos.
    Pasó por varias etapas de abstracción, escritor y cronista de arquitectura, diseñador industrial de tejidos y objetos, su amplia labor ha sido glosada como de las más importantes y que mayor influencia han dejado sobre las artes decorativas en Inglaterra, y esto quedó patente en la amplia retrospectiva que le dedicó la Tate Gallery en 1983. Especialmente conmovedor fue el redescubrimiento de sus dibujos de 1940 donde con gran dramatismo interprertaba la devastación de los bombardeos sobre Londres y Bristol.

    0 0
  • 08/08/18--13:11: Yosl Bergner

  • Yosl Bergner nació en Viena en 1920 y creció en Varsovia.

    Con el antisemitismo desenfrenado en Europa, la Liga de Freeland para la Colonización Territorial Judía se formó en julio de 1935, para buscar una potencial patria judía. Poco después, una empresa pastoral ofreció a la Liga c16,500 ks cuadrados en los Kimberleys, que se extendía desde el norte de Australia Occidental hasta el Territorio del Norte. Como mostró la historia, los planes no llegaron a ningún lado. Pero por un tiempo, la idea australiana al menos valía la pena considerarla. El padre de Bergner, Melech Ravitch, se involucró en una investigación seria de los Kimberleys.

    Resultado de imagen de Yosl Bergner
    Por lo tanto, la familia Bergner se mudó a Australia. Yosl emigró a Australia en 1937 y estudió en la National Gallery Art School hasta el estallido de la segunda guerra mundial. Sirvió durante cuatro años y medio en el ejército australiano, y luego continuó sus estudios en la Escuela de Arte.Resultado de imagen de Yosl BergnerEn Melbourne de 1937 a 1948, Bergner se hizo amigo de muchos de los artistas locales que ahora personifican el arte australiano moderno: Sidney Nolan, Albert Tucker, John Perceval y Arthur Boyd. Adrian Lawlor se mudó con su esposa a una cabaña en Warrandyte donde vivieron durante 30 años. Bergner era un visitante frecuente en esta casa de Warrandyte. Bergner  alentó a los otros artistas  a ir más allá de su estilo de paisaje tradicional e introdujo una preocupación más radical por las familias trabajadoras, lo que tuvo un impacto importante en el arte australiano.
    Resultado de imagen de Yosl Bergner
    Bergner  sentía una fuerte conexión entre el sufrimiento de la gente en todas partes, ya fueran los judíos que él recordaba de Europa, los negros sin tierra en el corazón de Australia o los niños hambrientos en el interior urbano de Melbourne.
    Resultado de imagen de Yosl Bergner 
    Salió de Australia en 1948 y después de dos años de viajar y exhibir en París, Montreal y Nueva York, se instaló en Israel. Vivió en Safed hasta que se mudó a Tel Aviv en 1957. Murió en 2017.

    0 0
  • 08/09/18--14:55: Carl Larsson


  • Carl Larsson (Estocolmo, 28 de mayo de 1853- Falun, 22 de enero de 1919) fue un pintor y diseñador. Aclamado artista sueco. Creció en una familia pobre en Estocolmo, pero se abrió camino hasta la cima entre los artistas suecos. Definitivamente es uno de los pintores más queridos de Suecia, y reproducciones de su arte se encuentran en muchos miles de hogares, en Suecia y en otros lugares. No tenía recursos, pero tenía talento, y con algo de ayuda se abrió paso en la Academia de Artes de Estocolmo. 


    Viajó a París y comenzó como ilustrador de diferentes revistas y libros. Pero su carrera no tuvo éxito. Su momento crucial fue cuando conoció a su futura esposa Karin en la colonia de artistas suecos en Gerz, en las afueras de París. Juntos formaron una asociación. Regresaron a Suecia y finalmente se establecieron en Sundborn, cerca de Falun en la provincia de Dalarna. El pintaba  y ella diseñaba muebles. Tuvieon ocho hijos y gran parte de su arte describe a la familia y la vida en Sundborn. Hoy su hogar, Carl Larssongården, es un museo, y en 1997 una gran exposición suya en el Victoria & Albert Museum de Londres tuvo un gran éxito. La última obra monumental de Carl Larsson, "Midvinterblot"  se exhibe en el Nationalmuseum en Estocolmo.

older | 1 | .... | 58 | 59 | (Page 60) | 61 | 62 | 63 | newer