Sidney Nolan

August 10, 2018, 12:59 pm

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Nacido en Melbourne, Australia, creció en una sociedad conservadora y colonial en las garras de una depresión salvaje. Su familia encontró un trabajo estable en la compañía de tranvías de Melbourne, pero aun así tuvo que complementar sus ingresos con apuestas ilegales. Viviendo en las calles y playas alrededor de Melbourne, Nolan podría haber caído en la delincuencia sin embargo   se convirtió en uno de los artistas modernos más famosos e influyentes de su generación.

 Quiza decidió   hacerse  artista para liberarse de las restricciones físicas e intelectuales de su educación. Como no podía satisfacer su deseo de viajar a Europa  leía todo lo que encontraba en la Biblioteca Estatal de Victoria y así  tuvo  acceso a revistas de arte moderno y logró un empleo en  la fábrica de sombreros,  en el departamento de diseño publicitario . Durante este período cayó bajo el hechizo del poeta simbolista francés Arthur Rimbaud. Al rechazar el naturalismo y el realismo, creía que el propósito del arte no era representar la realidad sino acceder a verdades mayores mediante el "trastorno sistemático de los sentidos". Las ideas encapsuladas en la poesía de Rimbaud demostraron ser algunas de las influencias más duraderas y formativas de Nolan.

 Sus primeras pinturas reflejan su estudio de artistas como Pablo Picasso, Joan Miró, Wassily Kandinsky, Max Ernst y Paul Klee. También se sintió atraído por el arte ingenuo del refugiado ruso Danila Vassilieff.

 Entre 1946 y 1947 pintó su primera serie de obras que comentaban la vida del bandido australiano Ned Kelly. Nolan, de origen irlandés, escuchaba las historias que la familia le contaba sobre el legendario bandido Ned Kelly, también de Irlanda, y estas  marcaron poderosamente su juventud y en los años cuarenta ya lanzó su particular visión del personaje a través de una serie de obras que recreaban distintos momentos de su lucha contra la policía.
Este fue el primer capítulo de un poema épico para Nolan que continuó absorbiéndolo hasta su última pintura en 1992.  En todas las pinturas de Kelly los ojos sirven como el reflejo del ser interior, su ausencia en su famoso Kelly montado de 1946 sugiere su asociación subliminal "despreocupada" con su propio paisaje.

 Otra célebre serie que realizó Nolan se centró en otro personaje de la corta historia australiana, Eliza Fraser. La mujer, inglesa de origen, que  naufragó en las costas de Queensland, al este de Australia, cuando viajaba para instalarse en el país con su marido, y fue rescatada por unos aborígenes en una  isla que acabó llamándose Fraser Island en recuerdo del hecho.  
 
Esclavizada durante años, fue finalmente devuelta a Inglaterra tras una misión comandada por soldados voluntarios y convictos, lo que dio lugar a grandes titulares en la prensa de la época, en 1836.

 Nolan se mudó a Inglaterra en 1955, pero continuó pintando sus paisajes australianos nativos, entre otros temas. Permaneció involucrado en el teatro, diseñando escenografías para la producción del ballet de Igor Stravinsky The Rite of Spring en Londres en 1962 y para la ópera Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns, también en Londres, en 1981. El trabajo de Nolan ha sido exhibido internacionalmente. y muchas de sus pinturas y grabados se encuentran en las colecciones permanentes de la Tate Gallery en Londres y del Museum of Modern Art en la ciudad de Nueva York. Fue nombrado caballero en 1981 y se convirtió en miembro de la Orden del Mérito en 1983.
Murió en Londres en 1992 

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Danila Vassilieff

August 10, 2018, 2:58 pm

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(1897-1958), pintor y escultor, nació el 16 de diciembre de 1897 en Kagalnitskaya, cerca de Rostov-na-Donu, Rusia .Educado en una escuela técnica en Novocherkassk y en una academia militar en San Petersburgo, Danila se especializó en ingeniería mecánica. Desde mediados de 1917 estuvo  en el Frente Oriental con un regimiento de caballería  cosaca. Después de ser capturado por los Rojos en Bakú en abril de 1920, escapó y se dirigió a través de Persia e India hacia China.
 
 Llegó a Australia a principios de la década de 1920. Fue empleado en la construcción de ferrocarriles en Mataranka. Adquirió la nacionalidad  en 1929  y  dejó Australia ese año. Estudió arte con Dimitri Ismailovitch en Brasil  y expuso en las Indias Occidentales, América del Sur  y en Inglaterra, España y Portugal.Viviendo en Inglaterra, se mezcló con círculos  de Rusos, se hizo amigo de Vladimir Polunin y comenzó a tener una relación entre el movimiento modernista y el arte decorativo ruso.
 
 Regresó a Australia en  1935 y se instaló en Sydney. Combinando un estilo icónico, pintó escenas de calles turbulentas de áreas del centro de la ciudad. También produjo bodegones, retratos poco favorecedores y paisajes animados de la zona de Woronora azotada por el viento.Expuso dos veces en las Galerías Macquarie. Las entusiastas críticas de sus pinturas, a menudo de niños jugando en las calles de Collingwood, Fitzroy y East Melbourne, le  dieron fama.
 
 Recibido en los círculos artísticos de la ciudad,  se unió a la Sociedad de Arte Contemporáneo. En 1939  se convirtió en maestro de arte  en la escuela experimental Koornong de Clive y Janet Nield, Warrandyte.
 
 En mayo de 1954 obtuvo un puesto en el Departamento de Educación como maestro de arte en Mildura High School. Pintó retratos del personal de la escuela, expresó su reacción ante la sociedad provincial en una serie de pinturas "psicológicas" y pescó en el río Murray. Traslado a la escuela secundaria Swan Hill en 1955, talló algunas piezas pequeñas y pintó acuarelas ligeramente satíricas de la población local. Expuso en la Galería de Arte Contemporáneo de  Melbourne, en 1956 sin éxito. Una exposición retrospectiva de su escultura en la misma galería en 1957 fue criticada por los críticos. El Departamento de Educación lo envió a Eltham High School ese año y luego lo despidió por motivos de desempeño insatisfactorio.
 
Pasó sus últimos meses en una choza cerca de las acuarelas de pintura de Mildura que sugieren la fragmentación y lo absurdo de la vida.Murió de una oclusión coronaria el 22 de marzo de 1958 en Heide. Una exposición conmemorativa de su obra se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno de Australia, Melbourne, en 1959. Su obra está representada en las principales galerías de Australia

Albert Tucker

August 12, 2018, 3:48 am

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Albert Tucker  (1914-1999) es uno de los artistas australianos más importantes de las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, responsable de revitalizar y volver a mitificar el paisaje australiano. 

 Trabajó como ilustrador comercial en Melbourne a principios de la década de 1930. Comenzó a asistir a clases nocturnas en la Victorian Artists Society en 1933 y se inscribió en un curso en la escuela de arte de George Bell. Junto con Bell, Sidney Nolan y John Reed, jugó un papel decisivo en la fundación de la Sociedad de Arte Contemporáneo, participando en la exposición inaugural en la Galería Nacional de Victoria en 1938.

A fines de la década de 1930 Tucker estudió el trabajo de los artistas alemanes Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) George Grosz y Max Beckmann y se inspiró en su asociación con los artistas Yosl Bergner y Danila Vassilieff, inmigrantes que proporcionaron un contacto nuevo con tendencias internacionales como el surrealismo realismo y expresionismo. El surrealismo, en particular, tuvo un impacto significativo en Tucker después de ver la exposición del Herald de 1939 del arte contemporáneo francés y británico , que incluía obras de Picasso, Dali, Ernst y de Chirico. Su compromiso con el arte socialmente crítico también fue influenciado por los escritos de TS Eliot y George Orwell y las dificultades de la Depresión.

Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó en el Cuerpo Médico del Ejército australiano como  artista de guerra oficial adjunto al hospital de Heidelberg. Esta experiencia y la presencia militar estadounidense en Melbourne desde 1942 culminaron en una poderosa serie de obras conocidas como Imágenes del mal moderno , que presentaba visiones impactantes de miedo, violencia y libertinaje. La serie lo estableció como un creador de imágenes altamente expresivas.

Tucker expuso en la exposición antifascista en 1942 en la Sociedad de Arte Contemporáneo, convirtiéndose en el presidente de la Sociedad desde 1943 hasta 1947. Contribuyó a Angry Penguins , una revista modernista con una tendencia artística y literaria vanguardista. Salió de Australia en 1947, visitando Japón donde vio la devastación de Hiroshima y Nagasaki. En París descubrió el trabajo de Jean Dubuffet, y en Roma conoció a Alberto Burri. Intrigado por la calidad de textura inherente en el acetato de polivinilo (utilizado por Burri para crear sus superficies ), Tucker adoptó la dureza flexible y curtida de este nuevo material en su trabajo.

Mientras estaba en Roma se volvió a conectar con Nolan, quien le trajo fotografías de la sequía de 1952 en Queensland. La vista de cadáveres desecados de animales esparcidos por un terreno reseco dejó una impresión perdurable en Tucker. El caballo apocalíptico de 1956 fue pintado en reacción a estas fotografías, con la apropiación de pintura acrílica de Tucker utilizada con gran efecto para evocar los paisajes con cráteres, las formas duras y la textura escarpada del interior australiano.

Tucker regresó a Melbourne en 1960 para alcanzar el éxito financiero y crítico, y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur adquirió su oscura y devastada cabeza antípoda II 1959, la primera compra de su obra en una galería pública en Australia. A partir de entonces, el paisaje australiano le brindó cada vez más poderosos temas.

Retrospectivas de su trabajo se llevaron a cabo en la Galería Nacional de Victoria en 1989 y en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en 2007.

John Perceval

August 13, 2018, 11:59 am

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John Perceval nació en 1923 en Australia Occidental.El matrimonio de sus padres fue efímero. Su madre, Dorothy Dolton, se fue cuando el niño tenía solo 18 meses, y su hermana mayor se quedó con su padre hasta 1934, cuando su madre se casó con William de Burgh Perceval en Melbourne. John Perceval tomó el nombre de su padrastro y comenzó a asistir a Trinity Grammar. 
 
 A la edad de 15 años sufrió de polio y pasó un año en el hospital.Como parte de su recuperación comenzó a pintar. Llegó a conocer a los artistas asociados con la recién establecida Sociedad de Arte Contemporáneo de Melbourne y, a través de ellos, se unió al círculo de artistas y escritores en torno a John y Sunday Reed en Heide Park. A pesar de su pierna coja, John Perceval se alistó en el ejército, ya que sus habilidades como dibujante se podían usar en la Compañía Cartográfica.
 
  Allí conoció a Arthur Boyd, y luego a toda la familia extendida de Boyd en Murrumbeena. Se casó con la hermana menor de Arthur, Mary Boyd, en 1944. Con Arthur Boyd y Neil Douglas trabajó en la cerámica de Murrumbeena, haciendo ollas y cuencos decorados. Sus pinturas de este período muestran una fuerte influencia del trabajo de Arthur Boyd, con una calidad casi ingenua. 
 
La familia Perceval vivía en Williamstown, en el viejo puerto naval en la desembocadura del Yarra y el puerto  se convirtió en parte de su tema. La ciudad de Melbourne se convirtió en el escenario de un belén, pintado en un estilo que citaba a Breughel. Sus hijos: Matthew, Tessa, Celia y Alice aparecen como elementos recurrentes en su arte.
 
En 1959, Bernard Smith persuadió a Perceval para que se uniera a sus cuñados Arthur y David Boyd, John Brack, Robert Dickerson, Charles Blackman y Clifton Pugh para formar a los antipodeanos una celebración de la figura humana, en oposición al ascenso. de arte abstracto. Sin embargo, sus propias pinturas se concentraron en los paisajes, y cada vez más encontró más inspiración en Vincent Van Gogh que en cualquier otro artista. 
 
Los malos recuerdos de Perceval, el alcoholismo y una larga enfermedad psiquiátrica no diagnosticada significaban que la vida no era fácil para su familia y su matrimonio terminó infelizmente. En 1965 fue hospitalizado por alcoholismo, y en 1977 ingresó en el hospital psiquiátrico Larundal, donde permaneció hasta 1986. 
 
Perceval continuó pintando por el resto de su vida, pero aunque tuvo cierto éxito comercial, estas obras posteriores parecen toscas cuando se colocan junto a sus pinturas de los años 40 y 50.

Arthur Boyd

August 14, 2018, 2:49 pm

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 Melbourne, 1920-1999
Arthur Boyd es uno de los artistas más relevantes del siglo XX en Australia y su ejemplo ha orientado a numerosos pintores de generaciones posteriores de su país. Creció en una familia de tradición artística y fue de mano de su abuelo, Arthur Merric Boyd, como se inició en el arte de pintar.

Durante 1935 asistió brevemente a las clases nocturnas de la National Gallery School de Melbourne y, a partir de la década de 1940, tras su ingreso en el ejército, con motivo de la Segunda Guerra Mundial, comenzó a conocer a los artistas vinculados a la Australian Contemporary Art Society y a Josl Berger y Danila Vassilieff, artistas expresionistas europeos emigrados a Australia. En 1944 creó, junto a otros dos artistas, John Perceval y Peter Herbst, el Arthur Merric Boyd Pottery Workshop, taller de alfarería en el que retomaría la profesión de su padre. 
Las obras realizadas durante la guerra que, influidas por el expresionismo, el surrealismo y el realismo social, estaban pobladas de monstruos y de un ambiente violento y desesperado, dieron paso, a partir de la década de 1950, a escenas bíblicas inspiradas en la obra de Pieter Bruegel el Viejo y Rembrandt. En ellas reflejaba las creencias religiosas de su familia y trataba de simbolizar las pasiones humanas. 
Entre 1959 y 1971 Boyd vivió en Inglaterra, donde en 1962 la Whitechapel Art Gallery celebró una exposición de su obra.Durante su estancia en Reino Unido, viajó en numerosas ocasiones al continente europeo y comenzó su serie Nebuchadnezzar, en la que situaba escenas legendarias en paisajes inspirados en su tierra natal. En 1971 recibió una beca de la Australian National University de Camberra que le permitió volver a Australia y poco después compró unos terrenos en Shoalhaven River. Desde entonces los paisajes de la zona se convirtieron en sus temas predilectos.

 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Adrian Lawlor

August 18, 2018, 10:55 am

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Lawlor, (1889-1969) pintor, escritor y crítico, nació en Londres.  Fue educado en una escuela privada en Surrey y en 1910, después de la muerte de su madre, emigró a Australia con una de sus dos hermanas menores. El 9 de mayo de 1916, en una ceremonia civil en Melbourne, se casó con Eva Nodrum, veinte años mayor que él, y miembro del negocio de cuero familiar de Charles Nodrum & Co. para el cual Lawlor iba a trabajar durante muchos años como vendedor de libros y cuero.Se alistó en la Fuerza Imperial australiana seis meses después de su matrimonio y  sirvió en el Frente Occidental como soldado. A su regreso en 1919, se mudó con su esposa a  una cabaña en Warrandyte donde pasaron los siguientes treinta años.

 En 1921 comenzó a escribir artículos literarios, poesía e historias que se publicaron en una variedad de revistas, incluyendo Bulletin , Vision y New Triad . Habiendo logrado algunos éxitos menores como escritor, comenzó a pintar en 1929 y después de breves períodos de estudio en la National Gallery School  se convirtió rápidamente en protagonista entre los artistas de vanguardia de Melbourne. Entre 1930-40 realizó ocho exposiciones individuales y mostró más de 500 obras.

Lawlor  se opuso firmemente a la propuesta de formar una Academia de Arte de Australia en 1937 y al siguiente año crearon la Sociedad de Arte Contemporáneo con Lawlor como secretario. Su libro, Arquebus (1937), y el folleto, Eliminations (1939), trataban brillantemente la controversia. Fue profesor de orientación en la Exposición del Herald de arte francés y británico de 1939 y habló sobre arte en reuniones públicas. Después de una exposición relativamente infructuosa en 1940, después de la destrucción de su casa y casi todas sus pinturas en los incendios forestales de 1939, abandonó la pintura y se concentró en la crítica  en el Melbourne Sun   y Art en Australia ; continuó con su habitual sesión de la Comisión Australiana de Radiodifusión 'Art Front' (después de 1945 'Art Review') en la que defendió la causa del arte progresista y la cultura.

 Su esposa murió en 1953 y el 6 de marzo de 1954 se casó con una bibliotecaria, Margaret Sweatman. El matrimonio pronto terminó en divorcio y desde 1955-65 Lawlor vivió como un semi recluso en St Kilda, con el apoyo de una pensión del servicio de guerra. En 1966, reunió las pinturas que le quedaban  y realizó una exposición retrospectiva en Argus Galleries, Melbourne.

 

  Sus pinturas están representadas en las galerías estatales de Victoria, Australia Meridional y Australia Occidental y en la Galería Nacional de Australia, donde también hay un retrato de Lawlor de Albert Tucker. Una gran exposición de su trabajo se llevó a cabo en Heide Park y Art Gallery, Melbourne, en 1983.

Reimundo Patiño

August 28, 2018, 11:41 am

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Reimundo Patiño Mancebo nace en La Coruña en 1936, la personalidad de este artista, tan prematuramente desaparecido, trasciende al ámbito puramente plástico para incidir en campos sociales y políticos, pues siempre se sintió comprometido con los movimientos nacionalistas gallegos en la amistad con jóvenes intelectuales contemporáneos, entre los que destaca el escritor Xosé Luis Méndez Ferrín.

 Residió en Madrid desde 1958 y es allí donde intensifica su militancia galleguista, con la participación en grupos beligerantes como Brais Pinto o Estampa Popular Gallega, que pretendía difundir el arte en medios sociales a los que habitualmente no llega. Su pensamiento pretende aunar las traducciones atlantistas y el panfletismo centroamericano con las reivindicaciones galleguistas.

 Se inicia, desde el autodidactismo, en modos informalistas que derivarán a un fuerte expresionismo, con un dibujo y colorido muy enérgico, sin duda influido por los grandes muralistas mexicanos, sobre todo Orozco y Sequeiros.

 Más que una plástica en sí misma, su obra es un arma de militancia y denuncia, con fines sociales. Trabaja en grandes formatos y ensaya expresiones de multiplicidad, como la litografía y el grabado. Se integra en el grupo "A Gadaña", con muestras que recorren Galicia y buena parte de España. Como grabador participa en exposiciones importantes, entre ellas, la IV Bienal de Lubjana. Su temperamento difícil, atormentado, se refleja en su obra, que busca complicados grafismos. Incide en el expresionismo más feroz, aunque al fin y al cabo siempre haya en su pintura un lirismo indeclinable.

 Sus muestras personales se suceden en diversas ciudades de Galicia y en Madrid y Barcelona. Participa en las actividades de Sargadelos y su obra va llegando a los museos de Galicia y a colecciones institucionales. Tras su temprano fallecimiento, en 1985, se realizan exposiciones antológicas, homenaje de sus amigos intelectuales a un militante permanente de todo movimiento galleguista.

(Información obtenida de Wikipedia)

Nicolás de Lekuona

August 29, 2018, 10:29 am

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Tenía solo 24 años cuando Nicolás de Lekuona (Ordicia, Guipúzcoa, 1913 - Frúniz, Vizcaya, 1937) murió víctima de un bombardeo durante la Guerra Civil mientras trabajaba de camillero. Pese a su juventud, le dio tiempo a realizar una obra que el paso de los años ha hecho que se le reconociera como uno de los más brillantes vanguardistas de los años treinta, en la estela de Man Ray, Rodchenko, Picabia. Amigo del escultor Jorge Oteiza y del arquitecto José Manuel Aizpurua, dejó montones de óleos, dibujos, collages y, sobre todo, sus entonces revolucionarios fotomontajes, nacidos de su pasión por la fotografía y el cine.

 La obra de Nicolás de Lekuona forma parte de las colecciones permanentes de numerosos museos y el Artium de Vitoria o el Reina Sofía le dedicaron  exposiciones antológicas. 

información- EL PAIS

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Hermenegildo Estevan y Fernando

August 31, 2018, 1:34 pm

≫ Next: Ludvig Find

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(Maella, Zaragoza, 1851-Roma, 1945). Pintor español especializado en el género paisajístico. Fue miembro de las Academias de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y de San Luis de Zaragoza, secretario de la Academia Española de Roma y comendador de la Corona de Italia. Comenzó su formación en Caspe (Zaragoza), con los pintores Manuel Ros y Agustín Llop, y posteriormente de mano de Marcelino Unceta en Zaragoza.

 Se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en la Academia de San Fernando, donde fue discípulo de Carlos de Haes y acudió a la Escuela de Acuarelistas. En 1882 obtuvo una plaza ­como pensionado en la Academia Española de Roma. Remitió sus obras a certámenes nacionales y extranjeros. Fue galardonado con una tercera medalla en la Exposición Nacional de 1890 por el lienzo titulado Riva degli schiavoni y concurrió a las Internacionales de París, Berlín y Múnich. En 1962 la Diputación, el Ayuntamiento y el Museo de Zaragoza organizaron una muestra retrospectiva sobre su obra.

Museo del Prado

Ludvig Find

September 3, 2018, 12:42 pm

≫ Next: Franz von Bayros

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Ludvig Find, 1869-1945, pintor danés. Ludvig Find fue educado en laAcademia de Bellas Artes, en laescuela de Artes Libres y en 1900 en Zahrtmann.

Con su interés por el color y la línea, buscó alejarse de la tradiciónrealista hacia  el simbolismo gracias a la influencia de su  amigoMogens Ballin y el arte del renacimientoo temprano

 Se unió al círculo del poeta Johensen Taarnet. Despues de una estancia en París en 1902 volvió con un estilo de pintura más brillante y neoimpresionista. 

 Ludvig Find expuso como miembro de la Exposición Libre 1898-1945 y recibió laMedalla Eckersberg en 1928.

Franz von Bayros

September 7, 2018, 11:05 am

≫ Next: Cruzeiro Seixas

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El marqués Franz von Bayros, hijo de un noble español,  nació en Zagreb en 1866. Como  artista, se destacó entre sus contemporáneos por su atractivo y delicado estilo gráfico. Dibujó una serie de dibujos eróticos, que representan bellezas mundanas en posiciones comprometedoras. Una de sus carteras eróticas, 'Erzahlungen vom Toilettentisch' ('Cuentos del tocador'), causó furor  e hizo famoso a Von Bayros. En 1911, la policía de Munich lo persiguió por sus ilustraciones y lo obligó a exiliarse de Alemania.

Dibujó alrededor de 2000 ilustraciones en toda su vida, para libros como "Divina Commedia" de Dante y los de Hans Bartsch. Su legado es una maravillosa colección de bellas y decadentes obras maestras eróticas pero elegantes, con un amor por cada detalle más pequeño y hermoso, que rara vez se encuentra en otros. Franz von Bayros murió en Viena el 3 de abril de 1924.

Su arte es un cóctel inconfundible de delicadeza rococó, técnica al estilo Beardsley y erotismo ingenioso y decadente. Se vio obligado a mudarse de una capital europea a otra, ya que cada nuevo y escandaloso trabajo era prohibido por las autoridades.

Cruzeiro Seixas

September 10, 2018, 2:31 am

≫ Next: Victor Brauner

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Artur Manuel do Cruzeiro Seixas (n.1920) se mantuvo fiel a la estética surrealista a lo largo de toda su carrera. Pintor interesado por la escultura, autor de varios libros de poesía reuniendo la palabra y la imagen, y también ilustrador, Cruzeiro Seixas en 1949 se une al grupo "Os surrealistas", junto con Mário Cesariny, António María Lisboa, Carlos Calvet, Pedro Oome Mário Henrique Leiria, entre otros. Su recorrido se ha realizado desde entonces en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en Portugal y en el extranjero. En 1999 donó la totalidad de su colección a la Fundación Cupertino de Miranda, de Vila Nova de Famalicão, donde vive, con vista a la constitución del Centro de Estudios del Surrealismo y del Museo del Surrealismo. En el 2009 fue condecorado con la Orden de Santiago y en Octubre del 2012 la Sociedad Portuguesa de Autores le asignó la Medalla de Honor, como reconocimiento por su larga y excepcional carrera artística.

Victor Brauner

September 11, 2018, 10:43 am

≫ Next: Eric Fischl

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 Moldavia 1903;  París 1966.
    Pintor, escultor y dibujante rumano, activo en Francia. De niño, compartió el apasionado interés de su padre por el espiritismo, anunciando una preocupación duradera por lo oculto. 

Al crecer bajo la influencia de la alquimia, el ocultismo y el espiritualismo, muchas de sus pinturas contenían elementos de estas prácticas. De la mano de estos elementos, comenzó a tener una fijación con los ojos y la ausencia de su poder, lo que lo llevó a pintar un autorretrato en el que su ojo izquierdo está ciego. 

Se piensa que esta pintura fue una premonición ya que tiempo después perdió la visión de su ojo izquierdo al mediar en una pelea entre Esteban Francés y Óscar Dominguez.

En 1912 acompañó a su familia a Viena, y de 1916 a 1918 asistió a la escuela evangélica en Braila, cerca de Galati, estudiando zoología con gran entusiasmo; y  también comenzó a pintar. En 1921 pasó un breve período en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest, donde su primera exposición se celebró en 1924 en la Galerie Mozart. El mismo año, Brauner y el poeta Ilarie Voronca fundaron la revista 75HP, en la que publicó su manifiesto de "Pictopoesie" y un artículo sobre "Le Surrationalisme". 

Desde 1928 hasta 1931 trabajó con la revista Dada y Surrealista UNU, que reprodujo sus dibujos y pinturas. Instalado en París en 1930, conoció a Constantin Brancusi, quien le presentó a  Yves Tanguy, a través de quien conoció a los principales surrealistas. Vivió en el mismo edificio que Tanguy y Alberto Giacometti. Su Autorretrato premonitorio con Enucleated Eye (1931, París, col. Privada) se convirtió en una causa célebre para los surrealistas, a quienes se unió oficialmente en 1932. André Breton escribió la introducción para su primera exposición individual en la Galerie Pierre de 1934.  

En los últimos años de su vida se dedicó a pintar obras referentes al arte primitivo y de las primeras civilizaciones con una fuerte carga de simbología esotérica con el que relacionaba sus obras con su propia vida. Volvió a Bucarest brevemente en 1935, se unió al clandestino Partido Comunista Rumano, pero se fue en 1936 al comienzo de los juicios de la época soviética.

Eric Fischl

September 14, 2018, 12:23 pm

≫ Next: Honoré Desmond Sharrer

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 Eric Fischl (Nueva York, 1948) es un pintor estadounidense. Uno de los principales exponentes de la que ha sido considerada como pintura postmoderna. También se le ha enmarcado dentro del Neoexpresionismo y del Bad painting.

En los años 70 y 80, Eric Fischl se convirtió en el niño malo del neoexpresionismo con sus representaciones psicológicamente cargadas de los suburbios estadounidenses. Su propia niñez disfuncional se centró en una madre desesperadamente deprimida y alcohólica, que se convirtió en una gran influencia en sus pinturas. Comprometido con "nunca dejes que lo indescriptible sea también lo que no se puede mostrar", ofreció una visión refrescante e inquebrantable de la parte vulnerable de las relaciones humanas y la vida cotidiana, que se escondía bajo la fachada maquillada de la sociedad. 
 
 Su trabajo nos invita a reflexionar sobre nuestro propio lugar dentro de los mundos que retrata y a explorar nuestra hipocresía, conflicto interno y complacencia. 

 El trabajo de Fischl puede verse como una forma en la que el artista procesa sus propios conflictos internos. En las primeras piezas suburbanas lo vemos sondear la dinámica invisible de la familia. En obras posteriores, que muestran los estilos de vida relajados junto al mar de la élite, lo vemos explorando su propio lugar dentro de su privilegio. En un trabajo reciente, destacando a los participantes en las principales ferias de arte, lo vemos enfatizar la brecha entre la belleza de la creación artística y la mercantilización del arte dentro del mercado.

Honoré Desmond Sharrer

September 21, 2018, 1:56 pm

≫ Next: Yozo Hamaguchi

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Artista estadounidense (nacida el 12 de julio de 1920 en West Point, Nueva York, falleció el 17 de abril de 2009 en Washington, DC)

Fue una pintora figurativa izquierdista y femenina en una época en la que el sentimiento anticomunista y el expresionismo masculino y los movimientos del arte pop dominaban la cultura estadounidense. Las pinturas brillantes, divertidas  y distintivamente femeninas de Sharrer combinan elementos del realismo social y el surrealismo con un efecto seductor e inquietante.

Fue una importante figura del mundo del arte en los años que rodearon la Segunda Guerra Mundial, aunque su compromiso con los ideales izquierdistas y una trayectoria alternativa de surrealismo la ponía en una posición cada vez más difícil con el clima político y artístico de los años cincuenta.

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Yozo Hamaguchi

September 25, 2018, 1:13 pm

≫ Next: Luis Fernández

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Japón  (1909 - 2000)  nació en  Wakayama.

Hamaguchi es ampliamente considerado como unode los mejores artistas mezzotint en la historia del medio. Estudió escultura en la Escuela de Arte de Tokio pero abandonó sus estudios en 1930 para ir a Francia.Después de regresar a Japón en 1939, se estableció en París en 1953.Desde aproximadamente 1955, comenzó a producir mezzotints en blanco y negro y color.Fue galardonado con premios en la Bienal de Sao Paulo y en la primera Exposición Bienal Internacional de Impresión en Tokio en 1957. Su primera exposición individual, que incluyó más de 160 copias, se llevó a cabo en Japón, en el Museo Nacional de Arte de Osaka.Las mezzotints de Hamaguchi y sus virtuosos trabajos han llevado a la popularidad actual de esta técnica.

Luis Fernández

September 28, 2018, 2:30 pm

≫ Next: Tamara de Lempicka

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Luís Fernández (Oviedo, 29 abril 1900 – París, 25 octubre 1973) pintor asturiano que empieza en 1912 sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona los cuales compagina con su trabajo en una joyería. En 1924 marcha a París en busca de nuevos horizontes artísticos y conoce a Matisse, Laurens, Braque, entre otros, y se relaciona con Le Corbusier y Ozenfant cuya influencia es presente en su obra geométrica de finales de los años 20. 

En 1929 muestra su obra por primera vez en España en la “Exposición de Arte Moderno Nacional y Extranjero” que tiene lugar en la Sala Dalmau de Barcelona. Forma parte del grupo “Abstraction-Création” y colabora con el mítico número extraordinario de la revista catalana “D’Aci i d’Allá”.  En 1936 expone por primera vez en la Galería Cahiers d’Art en una muestra junto a Picasso, Julio González y Joan Miró, quienes para los Zervos son los cuatro mejores artistas españoles de París. Su obra empieza a acercarse al surrealismo. 

 En 1950 realiza su primera exposición individual en la Galerie Pierre de París. En 1966 comienza a trabajar en la serie “Cráneo y velas”. En 1972 se celebra en el Palacete Rothschild de París la gran exposición antológica dedicada a Fernández, y que posteriormente itinera al Palais des Beaux Arts en Charleroi (Bélgica).  El 25 de octubre de 1973 muere Luis Fernández en París.

GALERIA MARC DOMÈNECH

Tamara de Lempicka

October 1, 2018, 2:17 pm

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Ambigua, obsesiva, bisexual, noctámbula feroz e irresistible icono pop, la pintora ruso-polaca  ni siquiera se sabe con seguridad su fecha de nacimiento.
  La mayoría de autores sostienen que Tamara Gurwik-Górska nació en 1898 en Moscú, de familia polaca. Pero otros lo sitúan en Varsovia y en 1895, hay incluso expertos en su obra que hablan de 1906. Falleció en 1980 en Cuernavaca (México). Su certificado de defunción decía que tenía 82 años.

Amiga y amante de reyes exiliados y aristócratas de alta y baja estofa, organizadora de fiestas y orgías, cocainómana, amante del lujo  y de la decandencia burgesa, inspiración de modistas y diseñadores, una influencer de su época,  pero quizás el personaje mató a la artista.

Se sabe que estudió arte en Petrogrado, antes de abandonar Rusia. Emigró a París y allí empezó a pintar. Se convirtió en la retratista de moda, en parte por su estilo personalísimo pero tambien por sus contactos. Mujer hermosa y moderna, amante del hedonismo, las fiestas y las orgías, se movía entre la alta burguesía de París.

Al estallar la segunda Guerra Mundial emigró a los Estados Unidos donde tiene más éxito como baronesa que como pintora porque el art-decó ya se estaba apagando.

En su obra se puede apreciar la influencia de Ingres, Boticelli y el manierismo en general. 

Rudolf Schlichter

October 2, 2018, 1:11 pm

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Calw, 1890-Múnich, 1955

El pintor Rudolf Schlichter desarrolló su actividad artística en la Alemania de entreguerras. Estrechamente relacionado con los círculos de intelectuales comunistas y revolucionarios, estuvo adscrito primero al dadaísmo y algo más tarde se relacionó estilísticamente a la corriente realista denominada Neue Sachlichkeit (nueva objetividad). Estudió en la Kunstgewerbeschule de Stuttgart y en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Karlsruhe, donde tuvo como profesor a Wilhelm Trübner.Como muchos otros pintores de su generación, su formación se interrumpió con el estallido de la Primera Guerra Mundial y su obra se vio fuertemente marcada por las experiencias vividas durante este periodo. 

En 1919 participó en la formación del Gruppe Rih, que promulgaba la lucha contra la vida burguesa y una democratización de la cultura que hiciese desaparecer las barreras sociales. Poco después se mudó a Berlín para convertirse en miembro del Novembergruppe y del movimiento dadá de la ciudad. Sus implicaciones políticas fueron en aumento, y en 1924 colaboró en la fundación del Rote Gruppe, una asociación de artistas comunistas. En 1925 participó en la exposición Neue Sachlichkeit de Mannheim, que daría nombre a esta corriente.
En torno a 1927 comenzaría la desaparición paulatina de los temas políticos en sus obras, lo que iría parejo a un retorno a la fe católica. En 1932 se trasladó a Rottenburg, donde comenzó a redactar su autobiografía, que fue publicada en dos volúmenes y que el Gobierno nacionalsocialista retiró de la circulación en 1933. Las desavenencias con el nuevo régimen no terminaron en este punto, pues fue expulsado temporalmente de la Reichskammer der Bildenden Künste y encarcelado durante tres meses en 1938. Después de una temporada en Stuttgart, se instaló definitivamente en Múnich, donde moriría en 1955. En los últimos años de su vida, sus pinturas estuvieron marcadas por un pesimismo ligado a la estética surrealista.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Jean-Marie Poumeyrol

October 3, 2018, 1:40 pm

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Poumeyrol nació en 1946 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Burdeos.Después de graduarse comenzó su  carrera como profesor de dibujo.

 

Afortunadamente, esta ocupación fue interrumpida cuando fue liberado del sistema educativo al suspender su examen como profesor de arte.  Al mismo tiempo las obras eróticas de Poumeyrol se vieron por primera vez y fueron buscadas con avidez por los coleccionistas

En sus primeras obras, Jean-Marie Poumeyrol fue reconocido como un maestro de la erótica, combinando imágenes alucinógenas y macabras de una manera incomparable. Pero, en su madurez, el artista ha mostrado una marcada fascinación por los paisajes, en particular los espacios cerrados de alcantarillas, residuos industriales y plantas de eliminación. Sin embargo, la asombrosa precisión y delicadeza de la interpretación que animó sus primeros trabajos no lo ha abandonado y, en todo caso, solo ha aumentado con la edad.

 "A través de interiores misteriosos, logré emerger en el mundo exterior. Una vez más, un rico flujo de recuerdos me reveló nuevas pinturas. Redescubrí en mi mente aquellos espacios que antes me habían fascinado".- escribió