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  • 05/24/18--14:32: Renato Guttuso

  • Bagheria, 1912-Roma, 1987
    Renato Guttuso fue uno de los pintores italianos de más reconocido prestigio internacional tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Junto a otros artistas comprometidos políticamente, fundó el Fronte Nuovo delle Arti, que pretendía restituir el arte europeo del siglo XX al lugar que le correspondía y que el fascismo le había negado. 
    Resultado de imagen de Renato Guttuso

    Mostró interés y aptitudes para el dibujo desde muy joven y a partir 1928 frecuentó el taller del pintor futurista Pippo Rizo. En 1930 se matriculó en la Facultad de Derecho de la Universidad de Palermo, pero abandonó sus estudios cuando dos pinturas suyas fueron expuestas en la Prima Quadriennale d’Arte Nazionale de Roma de 1931 y tuvo la oportunidad de ver obras de artistas contemporáneos. Un año más tarde, la Galleria del Milione de Milán expuso su obra y la de otros artistas sicilianos y poco a poco su estilo derivó hacia la pintura metafísica de Carlo Carrá y Giorgio de Chirico. Durante los primeros años de la década de 1930, Guttuso entró en contacto con numerosos artistas como Mirko, Afro y Fontana. Algo después, cuando ya se había establecido en Roma conoció a los miembros fundadores de la asociación de artistas antifascitas CORRENTE, Giacomo Manzù y Aligi Sassu, con los que expuso en 1939. Su repulsa ante la situación política de Europa se dejó sentir en sus obras, como en Fusilamiento en el campo, 1938 (Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea), dedicada a Federico García Lorca. Guttuso continuaría utilizando el medio pictórico para denunciar y examinar conflictos como el de Corea, Argelia o Vietnam, y su claro posicionamiento político le posibilitó viajar en numerosas ocasiones a países del este de Europa, donde su influencia fue grande. Sin embargo, la obra de Guttuso, en la que pueden verse elementos tomados de Picasso y los expresionistas centroeuropeos, nunca estuvo subordinada a la propaganda. 

    Resultado de imagen de Renato Guttuso

    Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Guttuso, que desde 1943 había formado parte de la resistencia antifascista, volvió a Italia y se convirtió en una figura central en el renacimiento cultural italiano. Paralelamente su reputación creció por todo el mundo en unos años en que realizó numerosos bodegones, escenas monumentales de historia y homenajes a maestros antiguos como Courbet y Durero, o modernos como Van Gogh y Picasso.


    Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

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  • 05/25/18--13:12: Giacomo Grosso



  • Giacomo Grosso (Cambiano 1860 - Turín 1938), uno de los pintores piamonteses más conocidos y queridos en el período comprendido entre los siglos XIX y XX, incluido como uno de "Los maestros de la Academia Albertina". En 1873, gracias a la intervención del pintor A. Gastaldi le permitió obtener una beca del Municipio de Cambiano, se matriculó en la Accademia Albertina de Turín. . En 1882 en la XXIV Exposición de la Sociedad de Fomento de las Bellas Artes hizo su debut en una exposición pública. En 1883 terminó sus estudios ganando el primer premio con La Maddalena a los pies de Jesús crucificado Turin.

     Se fue a Roma, la estancia en la capital duró solo dos meses, pero permitió al artista retratar a muchos personajes del séquito de Saboya. Después de haber visitado Venecia y Florencia, siguiendo el consejo de Gastaldi, se fue a París, una ciudad que luego se convirtió en un destino obligado en sus viajes posteriores por el norte de Europa (en Londres, Bruselas y Holanda). Esta primera estancia parisina puso al pintor en contacto directo con la pintura impresionista y las obras de artistas como J. Bastien-Lepage, L. Alma-Tadema y G. De Nittis, de quienes estudió en particular el uso del pastel. Desde 1887 participó en casi todas las exhibiciones del Promotor de Bellas Artes. En 1889 se convirtió en profesor de dibujo en la Academia Albertina. Invitado a la Trienal de Brera de 1894, tuvo un notable éxito con la compra de un cuadro por la reina. Aunque era ahora un pintor establecido y reclamado por la alta sociedad de Turín, la crítica más actualizada comenzó en estos años a mostrar perplejidad acusándolo de llevar a cabo una pintura fácil, que complacía demasiado al gusto mediocre de su clientela. El momento crucial de su actividad artística fue la participación en la I Exposición Internacional de Arte de la Ciudad de Venecia en 1895, donde ganó el primer premio del público, pero también elevó la crítica de una obra caracterizada por un" virtuosismo vacío de sentimientos, carente de sinceridad .

    Entre sus pinturas más famosas se encuentra La Nuda , que se exhibió por primera vez en la Triennale di Torino en 1896 y que generó una nube de controversia , que tuvo el único efecto de aumentar la fama de su autor.

    Después de un viaje a América del Sur en 1901,  comenzó una fructífera colaboración con Argentina, donde viajaría varias veces a lo largo de los años, creando una serie de retratos de la rica burguesía local. En 1907 participó en la I Exposición de Arte Italiano en América Latina, organizada en Buenos Aires por F. Stefani; y en 1910, en representación del gobierno argentino, creó un gran panorama festivo de la Batalla de Maipú, para el cual utilizó 150 metros cuadrados de lienzo.
    En 1903 fue miembro de la comisión de la V Exposición Internacional de Arte de la Ciudad de Venecia con la tarea de establecer la sala de pintura piamontesa. En el mismo año pintó el retrato de la pareja real  para ser entregado al presidente de la República Francesa. En 1904 fue galardonado con la Legión de Honor.
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  • 05/28/18--12:54: Gerardo Dottori

  • Nació en Perugia en 1884 y completó su formación en las clases nocturnas de la Academia de Bellas Artes "Pietro Vannucci", mientras que por la mañana era empleado del anticuario y restaurador Mariano Rocchi. En la primera evidencia pictórica denota atención a las instancias divisionistas, rompiendo con las enseñanzas académicas recibidas. Después de graduarse en 1906, se dedicó a la actividad de decorador y se mudó a Milán donde profundizó su conocimiento del divisionismo. 

    De vuelta en Umbría, descubre la pintura en plein air. Se adhiere a las instancias futuristas creando los primeros estudios de motociclistas, ciclistas, ritmos astrales, explosiones en las que exalta una visión dinámica y sintética del movimiento. En 1914 fue uno de los organizadores de la memorable Noche Futurista celebrada en el Politeama Turreno en Perugia en presencia de Filippo Tommaso Marinetti. 

    Al regresar de la guerra, volvió a pintar en el clima artístico tranquilo de Perugia, también a través de periódicos y escritos (¡él es uno de los fundadores de "Griffa!"). 
    Marinetti presenta su primera exposición individual en Roma: las obras de estos años se caracterizan por una vista más dilatada y distorsionada del paisaje, como en Il Lago, el primer ejemplo de una vista de avión. Al mismo tiempo, continuó dedicándose a la decoración de ambientes (Bar Ricci, Perugia, 1923, Ristorante Altro Mondo, Perugia) ya los gráficos con la colaboración de la editorial Campitelli. 
    En 1924 expuso en la Bienal de Venecia; entre 1926 y 1939 estuvo en Roma, donde se dedicó a la actividad periodística. 
    La decoración del Idroscalo di Ostia en 1928, junto con el Tríptico de la velocidad , marca la afirmación del aeropolito. 


    En 1932 participó en la Bienal de Venecia con el trabajo Año X que ganó el Premio del Ministerio de Corporaciones; con Enrico Prampolini también es el único futurista que colabora en la exposición del décimo aniversario de la revolución fascista en Roma. 
    En 1939 regresó definitivamente a Perugia: enseñó en el Instituto de Arte, despues Pintura en la Academia de Bellas Artes, convirtiéndose en su director al año siguiente.
    A fines de 1941 escribió el Manifiesto de Aeropittura de Umbría; desde finales de los años cuarenta, la actividad de las decoraciones sagradas y profanas se ha intensificado en la zona del lago Trasimeno. 


    La primera exposición personal del período de la posguerra fue en 1951 en Milán, cuando fue invitado a la primera exposición histórica sobre el movimiento de vanguardia celebrada en Bolonia. Un artista versátil que se dedica a la cerámica, al diseño de muebles y ropa futurista; expuso en numerosas exposiciones colectivas, especialmente en Umbría. En 1957 donó cinco de sus obras maestras a la ciudad de Perugia para formar el núcleo de la futura Galería de Arte Moderno y la ciudad organizó su primera retrospectiva. 
    En 1974 tuvo lugar la gran antología de Trieste, con motivo de sus noventa años. 
    Murió en Perugia en 1977.


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  • 05/29/18--13:17: Emilio Giuseppe Dossena

  • 1903-1987-Emilio Giuseppe Dossena nació en  Cavenago D'Adda. Su padre murió cuando el tenía doce años y se vio obligado a trabajar para ayudar a la familia. Estudió en la Academia de Brera y en la Scuola del Castello, teniendo como compañeros a  Guttuso, Cantatore, Lilloni  y Sassu.Durante la época del fascismo empezó a trabajar como restaurador y decorador
    Hizo su primera exposición en la galería milanesa Gavioli, en 1943 y aunque el país estaba en guerra vendió todo.
    La revolución industrial y el auge económico de la posguerra afectaron su carrera,  las obras mostrarán una mejora de los verdes y azules, utilizando una paleta de colores cargada, cada vez más exuberante.  Durante este tiempo, restaura y decora los castillos de Parrano y Monte Giove, en Umbría, y muchas villas de aristócratas y capitanes de la industria en Lombardía

    En 1968, una explosión accidental en una tienda encima de su estudio en Milán, lo destruye. Con casi sesenta y cinco años, decide emigrar a los Estados Unidos, donde unos amigos de la familia le prometieron una revitalización de su carrera, que en este momento había llegado a un punto crítico y  parecía no encontrar los estímulos necesarios para una renovación. El impacto con Estados Unidos es el principal responsable de la dramática evolución del uso de colores en sus pinturas. Después de un breve período de ajuste, Dossena encuentra un puesto en  el Studio Berger.  Su aislamiento de la sociedad que le rodea, causada por la incapacidad de conversar en inglés, influye inconscientemente tanto en el proceso del color como en su intensidad en la producción de Nueva York. El artista elige, en esta etapa de su vida, abandonar el neoimpresionismo, pero lo hace de forma gradual y sin ninguna intención de adoptar nuevos movimientos. Lejos de la querida patria. Nueva York y Estados Unidos tienen en Dossena un efecto similar al experimentado por su amigo Mario Soldati muchos años antes. Ama la América de los rascacielos, los museos y las diferencias, ama a sus compatriotas, que son como él, marineros sin bote en una odisea indefinida que consiste en pequeños episodios y grandes sacrificios. Pero odia que se lo clasifique como italoamericano, y reconoce que este término se usa para definir un conjunto de estereotipos con los que siente que no tiene afinidad. Se encuentra frente al eterno dilema del emigrante: encajar sin ser absorbido. El artista utiliza toda su energía, amplificada por su relación de odio y amor con Nueva York para crear obras explosivas, cuyo único propósito es expresar la necesidad de volver a ver los hermosos colores de su Italia. Lo que él llama la falta de color de la sociedad italoamericana, el trabajo de muchas hormigas grises preocupadas solo por almacenar su comida.  En 1976 regresa a Italia.


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  • 05/31/18--12:25: Ettore De Maria Bergler

  • Ettore De Maria Bergler , nació en Nápoles el 25 de diciembre de 1850 y murió en Palermo el 28 de febrero de 1938. 
    Es considerado por unanimidad como uno de los exponentes más importantes de la pintura Art Nouveau de principios del siglo XX. 
    Hijo de  padre siciliano y  madre austríaca, de quien tomó el apellido Bergler, se formó en el estudio de Francesco Lojacono. En el período siguiente también asistió a los estudios de los pintores Domenico Morelli, Edoardo Dalbuono y Filippo Palizzi.También tuvo la oportunidad de asistir al entorno de los Macchiaioli en Florencia. 
    Se especializó en obras de paisaje y naturalistas del género siciliano, pero también hay muchos retratos (retratos famosos: Delia y Norina Whitaker, Donna Franca Florio) 


    No 
    desdeñó la decoración de villas y edificios. Particularmente famosos son los frescos de Villa Whitaker y el Teatro Massimo de Palermo (1899-1900) donde se dedicó a la decoración de la caja real, la sala Pompeya y el techo del salón de los espectáculos. 

    De 1908 a 1912 se dedicó a los frescos de Villa Igiea, especialmente marcado por las influencias de la libertad y la sala del Consejo de la Oficina Central de la Cassa di Risparmio di Palermo. 
    De 1913 a 1931 enseñó pintura y artes visuales en la Academia de Bellas Artes de Palermo. 
    Participó en numerosas exposiciones

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  • 06/02/18--03:21: Francesc Lozano i Sanchis
  • Resultado de imagen de Francesc Lozano i Sanchis
    ANTELLA, VALENCIA 1912 -2000)                     
    Tras iniciar sus estudios en un colegio de Burjasot, a partir de 1932 realiza la carrera de Bellas Artes en la Escuela Superior de San Carlos, de Valencia.

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    Su primera exposición la efectuó en Valencia, en 1942. Posteriormente las hizo en Bilbao, Madrid y Buenos Aires, El Cairo y Venecia, hasta 1951, en que gana el premio nacional José Antonio. Su obra recorre América, con muestras en Chile, Lima, y La Habana. Concurre en 1954 a la Bienal de Venecia y en 1955 a la de Alejandría. También expone  Bagdag, Amman, Jerusalem, El Cairo, Ankara, Estambul, en grandes muestras colectivas.


    A partir de estas fechas, ya consolidado su prestigio de gran paisajista, su obra se exhibe, en muestras colectivas e individuales, en toda España, en Europa y América. En 1964 tuvo el honor de inaugurar la galería Juana Mordó, la más prestigiosa de España en su apoyo a nuevas corrientes del arte.

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    En 1955 consigue por oposición la cátedra de Colorido en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia, de cuya Academia de San Carlos es nombrado miembro numerario.


    Ganó segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1948, y primera en la de 1952. Un año antes consiguió primera medalla en la Bienal del Reino de Valencia. En 1956, premio del Uruguay en la Bienal Hipanoamericana.


    Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid y en los de Valencia, Bilbao, Barcelona, Alicante, Salamanca, Vitoria, Villafamés, Santander, Montevideo y Caracas.


    Francisco Lozano es un post impresionista con modos «fauve», colorista excepcional y excelente dibujante, como demuestran sus retratos, inicialmente influidos por la pintura catalana de Togores, Serra y Llimona.

     Resultado de imagen de Francesc Lozano i Sanchis
    La mancha es enérgica, hasta el punto de que muchas veces construye sus cuadros directamente con el color, que llega a la tela en su estado puro. La luz levantina tiene considerable importancia en su obra, aunque quizá lo mejor de su pintura sean los paisajes de los secarrales interiores del reino valenciano, aparentemente áridos y sin embargo, tan calientes, tan directos. Es peculiar el grafismo de su pincelada, por completo definidor, en verdes, amarillos, carmines. La vegetación baja, los arenales, los cielos azules, están dichos de primera intención, pero con un gran sentido lírico, en verdad emocionante, y a veces próximo al abigarramiento de Kokoschka, aunque sabe detenerse a tiempo y razonar, muy ponderadamente, su interpretación de la naturaleza.


    La grumosidad del óleo se asienta en el lienzo, total, alternada con fondos casi exentos de materia. Nadie ha llevado a la pintura los violetas como este valenciano, espléndido bodegonista. Lo humilde representado lo eleva a categoría de gran pintura, de arte personalísimo. Ninguna antología internacional del «fauvismo» puede excluirle.

    Afundación

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  • 06/04/18--13:58: Roberto Crippa



  • El pintor y escultor Roberto Crippa nació en  Milan en 1921. Estudió en la  Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, donde fue alumno de Aldo Carpi, d’Achille Funi y Carlo Carra. 
     Al principio de su carrera, como muchos de los pintores de su generación, estuvo influenciado por el neo cubismo. Su primera exposición tuvo lugar en la galería Bergamini en Milán en 1947.

    Resultado de imagen de Roberto Crippa
     Fue uno de los primeros artistas en Italia en practicar  la pintura gestual, que produjo entre 1948-1952 (sus espirales). 

    En 1948,  es uno de los fundadores del grupo Spacialist, fundado en los círculos de Lucio Fontana,  cuyo objetivo era  buscar una nueva representación espacil por medios técnicos. A partir de 1948 participó regularmente en exposiciones del grupo en la Bienal de Venecia.
    Despues se dedicó  a lo que el denominó  ‘Collages’. Roberto Crippa jugaba con los efectos de la materia sobre superficies rugosas y gruesas, como la madera o la corteza; los efectos de elementos de la planta o metal liso o brillante, o elementos transparentes. Su investigación lo llevó naturalmente hacia la escultura y desde 1956 construye numerosos  trabajos de metal,  insectos y monstruos que están en línea con el trabajo de Chadwick. El artista estába interesado en el movimiento en el espacio. El era un experimentado piloto de avión que representó a Italia en el campeonato aeronáutico mundial en 1971. Paralelamente a su pintura y escultura, Roberto Crippa también experimentó con trabajos gráficos (grabados, litografías, libros ilustrados). A mediados de los años 60, se muevió hacia relieves monocromos, generalmente pintados en tonos grises.
    Murió en 1972 en un accidente de avión, en Bresso. Tenía 50 años


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  • 06/07/18--12:17: ENRICO ACCATINO
  • Enrico Accatino 
    (1920-2007) Pintor, escultor, proyectista y teórico de la educación artística italiano, representante europeo de la pintura de los campos de color. En el curso de su intensa actividad artística, Accatino obtuvo importantes reconocimientos nacionales e internacionales. 




    Las pinturas y collages anicónicos se crearon en la segunda mitad de la década de 1950, cuando comenzó a investigar la circularidad (círculos, discos, elipses) y el estilo Arte Informale. Desde 1966, Accatino se dedicó intensamente al relanzamiento de las artes textiles como lenguaje, creando soluciones bidimensionales y tridimensionales como sus tapices de diafragma de doble cara (elementos de plástico suspendidos en el espacio). Las obras de Accatino se pueden encontrar en las colecciones permanentes de varios museos de todo el mundo, y durante su larga e intensa carrera artística obtuvo un importante reconocimiento nacional e  internacional. Creó una cantidad prolífica de trabajos gráficos con motivos abstractos.


    De 1960 a 1964 fue responsable de la planificación de un nuevo método de enseñanza del arte, a través de cientos de transmisiones de televisión (RAI - Radio Televisione Italiana). También publicó importantes textos sobre Artes Visualess e Historia del Arte.
    Murió en 2007 en Roma.

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  • 06/11/18--14:30: Jurij Frey
  • El artista alemán Jurij Frey vive en Böblingen cerca de Stuttgart / Alemania.

    El pintor trabaja en un estilo realista. Se inspira en las personas que viven en nuestro mundo moderno, por el contraste entre la vanidad en los negocios, la vida de la ciudad, su naturaleza y  luz.
    Pinta a las personas en su entorno habitual,  trata de captar  la rapidez del momento con luz intensa,
    Encuentra sus motivos en la ciudad donde vive. Donde los nuevos tiempos e influencias siempre reflejan la historia, la arquitectura y la vieja tradición, y algunas veces de manera muy agresiva.
    Esto fascina al pintor y le da impulsos para sus imágenes diarias

     Ha desarrollado un estilo realista  cuyos bloques de colores y contrastes de luz nos permiten descubrir toda la complejidad interior. Inspirado en un sujeto universal, el hombre y su condición, el pintor e ilustrador  procede con toques que aplica con gestos vivos e irregulares, siempre permitiendo la nebulosidad, una incertidumbre en los contornos de las formas aparecen, simbolizando la duda presente en cada uno de nosotros.



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  • 06/12/18--03:28: Germán Gedovius
  • Germán Gedovius, 1867-1937

    Nació en la ciudad de México en 1867 y cuando contaba con pocos meses, su familia se trasladó a San Luis Potosí. Cuando tenía dieciséis años fue enviado a la Ciudad de México a la Academia de San Carlos, donde fue alumno de Salomé Pina y Rafael Flores. Al cumplir veinte años, y después de cuatro años de estudio en San Carlos, fue enviado por su padre a Alemania para seguir sus estudios y para recibir tratamiento médico en clínicas especializadas para la sordera que padecía de nacimiento. Su recuperación resulta exitosa, pues después de un año de esfuerzos médicos, empieza a hablar, aprendiendo el alemán. Se traslada a Munich, en cuya Academia Real aprende a dibujar al carbón y reinicia su clase de pintura. El maestro Herteri lo perfeccionó en el dibujo al natural y Wilhelm von Dior lo inició en la técnica del color. En Europa complementó su aprendizaje visitando varios museos de Europa, sobre todo en Alemania, Holanda, Bélgica, Francia e Italia. Impregnado de la influencia de la pintura barroca holandesa, pintó sus cuadros más famosos, su Autorretrato, en el cual viste de caballero flamenco, como arrancado de un cuadro de Rembrandt o Franz Hals, lo que le valió una medalla de oro en la Academia Real de Munich. Regresa a México en 1893, después de una fructífera estancia de once años en Europa, para la alegría de sus padres. Hasta el año de 1903, cuando le es adjudicada una plaza docente en la Academia de Bellas Artes, Gedovius se dio a la ardua tarea de darse a conocer en el mundo artístico mexicano, participando exitosamente en exposiciones como lo fue la Celebración de la XXIII Exposición de la Academia de San Carlos en 1898 y 1899. Su amistad con Justo Sierra en el momento de la reorganización de la Escuela Nacional de Bellas Artes fue muy oportuna, le permitió ser parte del cuerpo magisterial junto con otros pintores de la talla de Antonio Fabrés, Leandro Izaguirre y Julio Ruelas. Gedovius impartió las clases de claroscuro, colorido y composición desde de principios de la primera década del siglo XX. Entre sus alumnos se encuentran: Ángel Zárraga, Diego Rivera, Alberto Garduño y María Izquierdo entre otros. Entre sus obras más destacadas se encuentran el ya mencionado "Autorretrato" y ?La dama de la violetas?, además de "Convento del Carmen", "Sacristía de Tepotzotlán", "Amapolas" entre otras. Gedovius continuó impartiendo clases, tanto en la Academia como en un estudio particular hasta poco antes de su muerte en mayo de 1937 en la Ciudad de México.

    información-colección Blaisten

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  • 06/12/18--12:29: Saturnino Herrán



  • Nacido en Aguascalientes, el 9 de julio de 1887, Saturnino era el hijo de la francosuiza Josefa Guinchard y de José Herrán dueño de la única librería de la ciudad y profesor de Teneduría de Libros del Instituto de Ciencias del estado. Además de haber pasado su infancia entre libros y expuesto a la cultura francesa, Saturnino demostró gusto y habilidad para el dibujo y la pintura desde muy chico. En muy poco tiempo la familia se trasladó a la ciudad de México y Saturnino se inscribió en los cursos superiores de la Escuela Nacional de Bellas Artes. A la muerte de su padre se convirtió en el sostén de la familia y trabajó como telegrafista mientras que por la noche tomaba sus clases.

     Luego obtuvo una beca y pudo dedicarse por completo a la pintura. En 1903 el arquitecto Antonio Rivas Mercado fue nombrado director de la EMBA, e impuso una técnica para enseñar a dibujar basada en modelos geométricos, planos y volúmenes. Como subdirector  contrató al pintor catalán Antonio Fabrés partidario del realismo, detallista y de una meticulosidad extraordinaria. Saturnino Herrán primero fue su discípulo pero después rompió con ciertas directrices, conservando muchas de las excelencias de su técnica. Finalmente, Herrán se convirtió en uno de los pintores que mejor supo captar a la gente y personajes de México en su vivir y quehacer cotidiano. Cuando Fabrés abandonó la academia, Herrán se convirtió en alumno de Germán Gedovius, un extraordinario colorista que enseñó a Saturnino los altos secretos de la pintura y el retrato. Herrán recibió reconocimientos por obras como Labor o El Trabajo y sus pinturas Molino de vidrio y Vendedoras de ollas lo consagraron como un artista que había roto con el modernismo pictórico y había creado un nuevo lenguaje.

    A partir de 1912 Herrán ya era un maestro consumado. De este periodo es Vendedor de plátanos, La ofrenda y El jarabe. Sin embargo la obra maestra de Herrán habría sido el tríptico Nuestros dioses, un friso que había planeado para el Teatro Nacional, hoy Palacio de Bellas Artes. Fue una enfermedad la que impidió la realización de la obra que llevaba varios años perfeccionando. En octubre de 1918 tuvo que ser operado y  falleció a la edad de 31 años.
    Artista único en cuanto a su expresión del mestizaje, las culturas originales y la manera de representar los rostros de su tiempo, Saturnino Herrán fue el iniciador, sin saberlo, de la gran pintura mexicana del siglo XX



    Radio México Internacional


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  • 06/13/18--13:08: Roberto Montenegro

  • Nacido en Guadalajara, Jalisco en 1881, el pintor y muralista Roberto Montenegro, heredó su amor al arte de su tío, quien le dió sus primeras lecciones de pintura. Contribuyó con ilustraciones y viñetas en la Revista Moderna y más tarde se mudó a la ciudad de México. Estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Antonio Fabrés y Germán Gedovius. Vivió en Europa hast 1921, donde trabajó con importantes artistas españoles, franceses y belgas. En México, José Vasconcelos lo comisionó para realizar diversos murales en la Secretaria de Educación Pública, en la Escuela Benito Juárez, en la Librería Iberoamericana y en la Escuela Nacional de Maestros. Como escritor y crítico, junto con otros artistas contemporáneos, trató de apartar la atención del arte europeo introduciendo el arte popular mexicano al público. Su vasto conjunto de obras incluye pintura, grabado, ilustraciones de libros, viñetas y vitrales. Fue fundador de la Academia de Artes, y murió en Morelia, Michoacán en 1968.



    MUSEO BLAISTEN


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  • 06/15/18--15:28: Daniel Lezama

  • Daniel Lezama nace en la Ciudad de México en 1968. Estudia en  la Escuela Nacional de Artes Plasticas de la UNAM. En 2001 gana el Premio de la X Bienal Tamayo. En 2008 le hacen una exposición retrospectiva  en el Museo de la Ciudad de México, con motivo de la cual se publica una monografía a gran escala de su trabajo en Hilario Galguera Ediciones.
    En 2011 presenta “Cartas de Viaje” en la Galeria Hilario Galguera, acompañado de la publicación del libro Travelers por parte de la Editorial Jovis Art en Alemania. Hasta la fecha ha participado en más de un centenar de exhibiciones individuales y colectivas, de las que destacan “Grandes Maestros del Siglo XX” en el Museo MARCO, la “2nda Bienal de Beijing”, “El Mito de Dos Volcanes” en el Palacio de Bellas Artes, “Imperium” en el Spinnerei de Leipzig, e “Imágenes de la Patria”, en el MUNAL y el MUNE, el Pabellón de México en la Exposición Universal de Milán, y la X Bienal de Mercosul. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas en México y el mundo, entre las que destacan el acervo MAM del INBA, La Murderme Collection, El Museo del Barrio en NY, el Dallas Museum of Art, la Essl Sammlung y Black Coffee Foundation. Asimismo, ha incursionado en el medio artístico mexicano como líder de opinión, jurado, curador y tutor de jóvenes generaciones de artistas plásticos.

    Información-bastidores.net 

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  • 06/18/18--12:52: IBIRICO




  • IBIRICO es un pintor, nacido en Marruecos en 1950, vivió en Tánger, ciudad mítica e internacional, hasta 1966. A partir de esa fecha se traslada a Madrid. Presume de un total de más de 150 exposiciones colectivas y 8 Individuales por todo el mundo. Su obra está representada en numerosas colecciones públicas y
     museos Ha recibido premios a su trabajo de pintura, dibujo y grabado en Cuba, España y Polonia. Desarrolla una extensa labor desde 1977 como ilustrador de libros, discos, etiquetas de vino. Alterna su trabajo de Pintor con la de poeta visual y editor de fanzine de mail-art. También disfruto de becas viajando a más de 40 países, principalmente Sudamérica. Ha trabajando en diversos talleres de pintura y grabado con numerosos artistas

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  • 06/18/18--14:38: COLLEY WHISSON
  • Brisbane, Australia,  1966. Creció en un entorno semirrural que le hizo apreciar la naturaleza y el aire libre. En 1985 trabajó  una breve temporada como enmarcador de cuadros que ahora mirando hacia atrás le parece una excelente introducción al mundo del arte. Su padre Eric, pintor reconocido, lo animó y guió su dirección artística.

    Colley comenzó a pintar en óleo a la edad de 20 años y realizó su primera exposición individual a los 24. Desde entonces ha tenido más de 25 exposiciones individuales y su trabajo ha sido publicado en muchos artículos de revistas y libros. Los temas de sus pinturas no se limitan a los paisajes de su Australia natal. Whisson viaja extensamente y ha pintado en los Estados Unidos, Italia, Francia, Nueva Zelanda y el Reino Unido. Además de pintar organiza talleres  en los Estados Unidos. 


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  • 06/22/18--13:20: Andrea Lehmann

  • Andrea Lehmann (1975) es una artista afincada  en Alemania.
    Nació en Düsseldorf. Estudió en  la Kunstakademie en Düsseldorf. Ha expuesto en Stuffed Diamonds, Anna Klinkhammer en Düsseldorf y Happy Days en el Ministerio de Cultura en Praga. 
    Tambien ha expuesto en the Rubell Family Collection, Jack Tilton y Susan Hort Collection de Nueva York, Saatchi Gallery de Londres, Mera y Don Rubell de Miami, Museum of Glass, Tacoma.. etc

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  • 06/25/18--03:27: Lynette Yiadom-Boakye


  • Nacida en Londres, en 1977, de padres ghaneses, Lynette Yiadom-Boakye pinta personas imaginarias con la observación cuidadosa de alguien que mira desde afuera. Las personalidades que Lynette Yiadom-Boakye describe en sus pinturas tienen la calidad de vidas reales, una sugerencia de su lugar en una narrativa personal en desarrollo que el espectador solo puede adivinar. Esto no es sorprendente dadas las tendencias literarias de la artista: escribe manifiestos para su práctica de estudio, así como cuentos cortos de ficción que generalmente  deja sin conclusión, abiertos para que el lector los termine, al igual que sus pinturas que son una forma de comunicación a través de materiales en lugar de texto. Cada pintura es, de hecho, un ensayo sobre la naturaleza humana, una documentación de caprichos e idiosincrasias cuidadosamente observados, evidencia de una población fuerte, competente y negra. Lynette Yiadom-Boakye a menudo coloca a sus personajes negros con el atuendo de las expresiones clásicas del retrato moderno, abriendo así un diálogo complejo con la historia del arte.


     Yiadom-Boakye ha tenido, en 2010, una exposición individual 'Any Number of Preoccupations' en The Studio Museum en Harlem, Nueva York, así como exposiciones individuales en la Jack Shainma Gallery de Nueva York y Michael Stevenson Gallery en Ciudad del Cabo. Su trabajo se encuentra en muchas colecciones importantes, como CCA Andratx, Mallorca; Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Alemania; Saatchi Collection, Londres, Reino Unido; The Studio Museum en Harlem, Nueva York y Zabludowicz Collection, Reino Unido.

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  • 06/26/18--13:58: Fernando de Szyszlo


  • Fernando de Szyszlo- 1925-2017- está considerado uno de los artistas latinoamericanos más importantes del siglo XX. El primer pintor abstracto en Perú, amigo de intelectuales de renombre desde la adolescencia, fue cómplice de primer orden en la llegada de la modernidad a su país, a través de la arquitectura y las artes. Junto a su primera esposa, la exquisita poeta Blanca Varela, frecuentó en los años 40 la llamada peña Pancho Fierro, a la que asistían escritores de la talla de José María Arguedas y E. A. Westphalen, lugar de paso obligado en Lima para visitantes del exilio español como León Felipe, Pedro Salinas, Margarita Xirgu, María Casares o Rafael Alberti.
    En 1949 parten a la meca del arte: París. Ahí conocen a Octavio Paz, fundamental para los primeros pasos en el desarrollo de la obra de ambos, y amigo íntimo de ellos hasta su muerte. Y en ese París de posguerra y efervescencia artística, con un exiguo presupuesto mensual de 90 dólares para ambos —30 para cigarrillos—, pinta y se nutre de visitas a los museos de Europa, van haciendo amigos entre otros jóvenes intelectuales y artistas latinoamericanos como Carlos Fuentes y Julio Cortázar, Wifredo Lam y Roberto Matta. Conocen a André Breton, Hans Hartung y Varela hace amistad con Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir.
    De vuelta a Perú, en 1951, Szyszlo presenta en Lima una exposición de pintura abstracta que causa gran polémica. Vuelve a Europa hasta 1955 y decide regresar definitivamente a su país. Para entonces ya está definiéndose su estilo pictórico, fuertemente influido en sus inicios por la obra del mexicano Rufino Tamayo, una conjunción de la abstracción y ciertos rasgos de las culturas autóctonas de América, de poderoso colorido. La modernidad entretejida con la herencia plástica precolombina. El influyente crítico de arte cubano José Gómez Sicre lo invita a trabajar en Washington, en la división de artes visuales. Durante esos dos años expone en México con gran éxito y ahí empieza a despegar su carrera internacional.
    Se van sucediendo las exposiciones en distintos países y con ellas la repercusión de su obra se agiganta. Tiene ya dos hijos, Vicente y Lorenzo, vuelve definitivamente a residir en Lima. Conoce al joven Mario Vargas Llosa, que se convierte en su gran amigo. Junto a él formará parte del movimiento político Libertad, que lanzará al escritor a la candidatura a la presidencia del Perú en 1990. Mientras tanto su actividad tanto en la plástica como en la vida política es imparable. Crítico sin miedo contra las dictaduras, desde la del general Velasco hasta la de Fujimori, se atiene a las consecuencias. No actúan abiertamente contra él. Es un pintor cotizado, un intelectual comprometido.
    Lector voraz desde la niñez, debido a sus afecciones de asma, incorpora el sentimiento poético en sus obras. Y es quizá esa emoción la que lo guía en sus series pinturas como la serie Apu Inca Atawallpaman (1963), inspirada en el poema quechua colonial del mismo título, traducido por Arguedas, o la serie El innombrable, inspirada en el poema en prosa de Samuel Beckett, en 1980. En 1988, divorciado ya de Varela, se casa con Lila Yábar, con quien formó una pareja inseparable, como tristemente sabemos hoy, hasta en la muerte. En lo personal, el fallecimiento en accidente aéreo de su hijo Lorenzo, en 1996, fue un acontecimiento que lo marcó negra y profundamente.
    ref- EL PAIS

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  • 06/27/18--11:43: Alejandro Obregón

  • Pintor nacido en Barcelona (España) en 1920, muerto en Cartagena de Indias (Colombia) en 1992. Hijo de padre colombiano y madre catalana, Alejandro Obregón Rosén vino a vivir a Barranquilla siendo muy niño. Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. Marta Traba, quien fue la mejor crítica de su obra, escribió en 1961: “La llegada a la pintura colombiana de Obregón nos coloca ante el primer pintor de talento con que cuenta Colombia en este siglo [...] La obra del artista es de desarrollos claros y su evolución está llena de pautas que muestran de manera inequívoca la alianza del talento y del trabajo”.  
    Recién llegado de Europa en 1944, hizo su presentación en el arte colombiano en el V Salón Nacional, con los óleos Naturaleza muerta, Retrato del pintor y Niña con jarro. Desde entonces su nombre estuvo siempre en primer plano y sus obras siguen exhibiéndose con gran éxito comercial. La pintura de Obregón se caracteriza por el expresionismo y la impronta mágica. En cuanto a lo primero, vale la pena recordar estas palabras de Vincent van Gogh: “En lugar de tratar de reproducir exactamente lo que tengo ante mi vista, uso el color de la manera más arbitraria para expresarme con fuerza”. Esta definición puede aplicarse a la obra de Obregón, en la que predominan la fantasía creadora y los elementos emotivos. Obregón recreó la realidad en la mayoría de sus cuadros, transformó armónicamente el paisaje, modificó la figura humana, siempre en función de la pintura como tal, y empleó el color para manifestar sus emociones.

    En cuanto a la impronta mágica, es indudable que buena parte de la pintura de Obregón alcanza la representación de lo "real maravilloso" de que habló Alejo Carpentier para referirse al ámbito de creación que tiene el artista latinoamericano. El arte del siglo XX descubrió la realidad tras las apariencias y se puso en contacto con ella. A esa naturaleza más profunda, más esencial, apunta la pintura de Obregón, que en ningún momento se limita a reproducir el paisaje tropical, sino que lo trasciende hasta alcanzar estructuras evocadoras, formas singulares e imágenes cargadas de fuerza.

    Los principales temas de la pintura de Obregón son los retratos de familiares y amigos, además de varios autorretratos, desde el muy cézanniano del pintor sentado que sostiene un pincel (1943), hasta Dédalo (1985), pasando por los Blas de Lezos (1977-1978), los animales (en una fauna interminable que incluye desde cóndores y toros hasta barracudas, mojarras y camarones, pasando por chivos e iguanas), las flores carnívoras y nocturnas, las escenas de violencia y, sobre todo, los paisajes (con claras alusiones al mar, a las playas, a las tempestades, a los eclipses y, especialmente, a los vientos). Estos temas son recurrentes y por lo tanto no tienen una ordenación cronológica. Como bien dijo el artista, más que motivos específicos sus cuadros aluden a “drama, catástrofe, registro de vida, reportaje y un poco de todo".


    La carrera artística de Obregón se puede dividir aproximadamente en cuatro períodos. El primero, 1942-1946, es de formación. En él su pintura es contradictoria y llena de titubeos; su producción oscila entre un naturalismo con recuerdos académicos y un expresionismo forzado. El segundo, 1947-1957, es de definición estilística y primera madurez. Con recuerdos del cubismo, Obregón realizó composiciones milagrosamente balanceadas en las que articuló de muchas maneras numerosos planos, a veces transparentes, sobre fondos neutros que también incluyen planos más o menos evidentes. Aquí ya aparecen algunos de sus motivos característicos, así como algunas de sus obras maestras: Puertas y el espacio (1951), Bodegón en amarillo (1955), Greguerías y camaleón (1957).

    El tercer período, 1958-1965, es el de la madurez plena. Durante estos años Obregón no solamente fue el pintor más influyente del país, el paradigma de lo nuevo y moderno, el más admirado y galardonado que ganó dos veces, en 1962 y 1966, el primer premio de Pintura en el Salón Nacional, con los óleos Violencia e Ícaro y Las avispas, respectivamente, sino también su máximo representante a nivel continental. Obregón, dueño ya de un estilo muy personal, expresionista y americanista, realizó muchos lienzos en los que en un espacio sin límites instaló sus formas abiertas y vigorosas, que sólo aluden a la grandeza y a la feracidad del continente. Cuadros sobresalientes de este período son, entre otros: Naufragio (1960), La trepadora (1961), El mago del Caribe (1961), Homenaje a Gaitán Durán (1962) [ver tomo 6, p. 125], Violencia (1962), Volcán submarino (1965) y Flor de páramo (1965)
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    El último período comenzó en 1966. Desde ese año y hasta el año de su muerte, la pintura de Obregón insistió en un estilo efusivo y romántico y en temas obsesivos. Como escribiera Juan Gustavo Cobo: “Sus motivos lo persiguen, se esfuman, reaparecen, se funden”. Trabajando por series, Obregón pintó Anunciaciones, Floras, Ángelas, Violadas, Zozobras, Memorias de Grecia, Magos de la Popa, Blas de Lezos, Cosas de la luna, Bachués, Leyendas de Guatavita, Paisajes de Cartagena, Amazonias, Copas y océanos y Vientos, en una lista incompleta. Aunque no lo aceptó (“Creo que el óleo está completamente obsoleto. El acrílico es el medium del siglo XX”), Obregón no pudo cargar sus obras de los últimos decenios con el misterio y la fuerza de sus óleos anteriores a 1966, año en que empezó a trabajar el acrílico.


    Sin embargo, en este período no deja de haber obras importantes, porque sin duda Obregón fue un pintor talentoso e imaginativo. Salta a la vista que está en sus mejores momentos cuando controla la efusividad y mantiene el dominio de todas las pinceladas, así como de los colores. Obregón realizó numerosas obras relacionadas con la violencia del país, desde el óleo de 1948, Masacre 10 de abril, hasta el díptico al acrílico de 1982, Muerte a la bestia humana y Victoria de la paz, ejecutado después del asesinato de Gloria Lara, pasando por el óleo de 1962, Violencia, del que Marta Traba dijera: “La sinceridad terrible de Violencia procede de esta circunstancia: de que Obregón la pintó porque ya le era inaplazable y necesario hacerlo. Pero si esto explica el patetismo verídico de su cuadro, no incluye la belleza grave y tensa de sus medios para lograrlo”. Obregón pintó La mujer yacente en mitad de un gran espacio gris: moduló el gris solemnemente, como oficiando un silencioso rito fúnebre, sin permitirle un solo sonido discordante. Lo apretó en la enorme figura grávida y lo fue desmadejando en el paisaje, hasta que la criatura muerta se integró en esa tristeza general, en esa fatalidad inicua, inexplicable” No se sabe dónde abre comillas ni de dónde o de quién es la cita. Además de sus innumerables cuadros de caballete, Obregón realizó diversos murales.  




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  • 06/28/18--12:40: Carlos Jacanamijoy

  • Carlos Jacanamijoy (Santiago, Putumayo, 1964) es Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo Smithsonian de Nueva York y Washington, Casa de América de Madrid, España, el Palacio de los Trabajadores de China, Palacio de las Naciones Unidas de Ginebra, Suiza, el Museo de Arte Moderno de Cartagena, la Tertulia de Cali, Museo de arte de Pereira, y en galerías de Colombia y del extranjero. En el año 2013 el Museo de Arte Moderno de Bogotá presentó su primera retrospectiva. Sobre su obra se han publicado varios libros y está en colecciones públicas y privadas en Colombia, Francia, Alemania, Inglaterra, Venezuela, México y Estados Unidos.

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