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  • 04/11/18--13:36: Giulio D'Anna

  • Giulio D'Anna (Villarosa, 30 de agosto de 1908 - Messina, 18 de noviembre de 1978) fue un pintor y editor italiano protagonista de la vanguardia artística siciliana y sobre todo del  futurismo. Fue el primer pintor messinense en exhibir en la XIX Bienal de Venecia en 1934 y en la II Cuadrienal en Roma el año siguiente, también como grabador recibió el primer premio entre jóvenes artistas en la Exposición de Arte Colonial de París con la pintura Futurist Lettrice . hoy reconocido unanimemente como uno de los artistas más interesantes del Segundo Futurismo italiano



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  • 04/12/18--12:26: Jorge Damiani


  • 1931-2017
    Nacido en Nervi (Italia) el 6 de noviembre de 1931. Poco después de su nacimiento la familia Damaini se instaló en Uruguay.
    Los primeros pasos dentro del mundo del arte los dio en Milán, cuando entre 1951 y 1953 estudio en la Academia Brera, con Pompeo Borra y Enzo Morell. Recibió además la beca Guggenheim por dos períodos en The New School for Social Research, en Estados Unidos (1959-1961).
    Tuvo participación en  varias muestras y exposiciones de arte, entre ellas la IV, VII y XX Bienal de San Pablo, la II Bienal de París (1963) y en la XXXII Bienal de Venecia (1964). Estuvo presente en la II Bienal Americana de Arte de Córdoba (Argentina -1964), en la exposición "Arte Latinoamericano 1931-1966", en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en "100 años de pintura uruguaya" y en el Museo Corcoran de Washington (1967).
    Su trabajo tuvo diversos reconocimientos en diferentes niveles. Recibió una mención en la Exposición Internacional en la II Bienal de París (1963), alcanzó el Primer Premio de Pintura en el Salón de Bellas Artes de Montevideo (1965) y obtuvo el Gran Premio de Pintura en el Salón de Bellas Artes (1966).
    Fue Primera mención en la Primera Bienal de Arte Joven de Bogotá (1970) y desarrolló una retrospectiva de su obra en el Salón Municipal de Exposiciones de Montevideo (1991), al tiempo que en 1995 fue reconocido con el Premio Figari.
    Damiani tuvo en el inicio de su carrera una importante influencia del arte italiano, a pesar de vivir las primeras etapas de su vida en Uruguay. Especialistas y críticos de arte ubican su estilo dentro de la pintura metafísica, un movimiento italiano que busca ir más alla de lo físico, creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrá. Esta corriente fue importante en lo que fue el crecimiento del Dadaismo y del Surrealismo.
    Incursionó además por el retrato, una opción que aprendió a conocer gracias a la admiración que durante su juventud sentía por las obras del pintor Carlos Federico Sáez.Su etapa en Nueva York fue vital, ya que no solamente marcó el contacto del artista con movimientos tales como el expresionismo abstracto y el arte matérico, sino que la experiencia le acercó también a otros artistas latinoamericanos, entre ellos uruguayos que eran discípulos del Taller de Joaquín Torres García. Esto lo llevó a recorrer el camino del constructivismo, ícono del maestro de la pintura nacional.
    En 1962 el artista retornó a Uruguay ya con familia constituida, y se suma al Museo Nacional de Bellas Artes (hoy Museo Nacional de Artes Visuales).
    En su trayectoria pintó óleos, dibujos y collages, y entre sus trabajos dedicó tiempo a creaciones dónde los árboles, la luna, cascos de estancias, la naturaleza nativa, la tierra, paisajes y el hombre fueron parte de su creación. De su obra, la serie titulada "Compartimentos" fue de los trabajos más brillates que se le han reconocido.
    Muchas de sus obras son exhibidas actualmente en museos de Montevideo, Buenos Aires, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Bogotá, Bilbao, Washington y Nueva York. En el mercado local, desde hace años sus obras pueden ser adquiridas cuando las casas de subastas presentan remates de pintura nacional.
    fuente-El observador


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  • 04/13/18--13:55: ERNESTO DE FIORI



  • Nacido en Italia en 1884, Ernesto de Fiori fue un escultor, pintor y diseñador  italiano. A los 19 años se fue a Munich  pra estudiar con Gabriel von Hackl en  la Real Academia de Bellas Artes. En 1905 vuelve a Roma y probablemente recibe formación del pintor y litógrafo  alemán Otto Greiner. En 1911 viaja a París, donde vive tres años y allí realiza las primeras esculturas con la ayuda del artista suizo Hermann Haller. Durante la Primera Guerra Mundial los franceses sospecharon que era un espía para los alemanes y lo arrestaron durante 14 días. Se alistó en el ejército alemán y actuó como corresponsal para un periodico italiano.  Adquirió la nacionalidad alemana cuando ya vivía en Suiza. En 1921 se trasladó a Berlín y se hizo miembro de "Nueva Objetividad". Entre 1918 y 1919 se desarrolla una polémica entre el artista y un grupo dadaista por divergencias sobre el concepto de arte. Para Fiori no podía existir un nuevo concepto de arte rompiendo con el pasado. 


    En 1936  se va a Brasil y se instala en Sao Paulo. Escribe artículos en los periódicos de las colonias alemanas e italianas. En 1938 participa en un programa de "integración de las artes en  el ministerio de educación y salud". Hace una serie de esculturas que no son aceptadas por no cumplir las exigencias oficiales.  Paralelamente a la escultura tambien se dedica a la pintura. Muere en Sao Paulo en 1945




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  • 04/17/18--14:03: Walther Jervolino
  • Walther Jervolino (BondenoItalia1 de marzo de 1944San Mauro Torinese12 de julio de 2012) fue un pintor italiano nacido en 1944, conocido principalmente por su obra surrealista.
    Estudió arte con los pintores realistas italianos Mario Calandri y Giacomo Soffiantino, favoreciendo la pintura al óleo, así como las técnicas de grabado.

    Comenzó su carrera profesional a finales de 1960 en París, Londres y en Milán, donde vivió durante varios años. Más tarde perfeccionó su técnica en el estudio romano de Riccardo Tommasi Ferroni, uno de los principales artistas italianos. Desde entonces Jervolino aumentó sus conexiones con países de Europa, y también vivió durante mucho tiempo en los Estados Unidos, donde expuso en la Art Expo de Nueva York, Miami y Los Ángeles.

    Sus primeras obras estuvieron profundamente influidas por el estilo visual de Giorgio de ChiricoSalvador Dalí y Max Ernst, que más tarde se combinaría con el de varios pintores medievales y renacentistas, como El Bosco y Caravaggio. Su técnica única, derivada de años de estudio personal de los materiales renacentistas, colores y química, junto con el arte postmoderno, produjeron a principios de los '80 sus obras maestras como "Gianduja y Giandujotto", "La muerte de Pinocho", "El coleccionista" y "La Torre de Babel".
    Sus obra comenzó a ser apreciada fuera de Europa y gracias a su perfecto Inglés vivió en Italia, donde vivía su familia, y los Estados Unidos, donde muchos de sus cuadros fueron expuestos, recibiendo varias críticas positivas en revistas.
    En su época tardía, habiéndose vuelto aún más preciso y perfeccionista, Jervolino mejoró sus técnicas de grabado y comenzó a experimentar una técnica singular donde las figuras o personajes salen de la pintura durante una especie de performance artística.
    Murió en 2012.

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  • 04/18/18--15:45: ELISEU VISCONTI

  • Eliseu DAngelo Visconti (Salerno, Italia 1866 - Río de Janeiro  1944). Pintor, diseñador, profesor. En el año de 1883, Viene con su hermana a Río de Janeiro. En 1884, ingresó en el Liceo de Artes y Oficios, donde fue alumno de Vitor Meireles. En 1885, se matriculó en la Academia Imperial de Bellas Artes, donde estudió dibujo con José María de Medeiros y pintura con Henrique Bernardelli, Rodolfo Amoedo y también Vitor Meireles. En 1892 ganó un premio de viaje a Europa y, al año siguiente, fue a París. En París ingresa en la École Nationale et Spéciale des Beaux-Arts   y en la escuela de arte decorativo - École Guérin, con Eugène Samuel Grasset, uno de los introductores del art nouveau en Francia.
    Resultado de imagen de Eliseu Visconti
     Viaja a Madrid, donde realiza copias de Diego Velázquez, en el Museo del Prado, e Italia, donde estudia la pintura florentina. En 1900, regresa a Brasil y, al año siguiente, expone por primera vez en Enba. En el año 1904. Con obras en cerámica, tejidos y luminarias, Visconti es considerado un pionero del art nouveau y del diseño, industrial y gráfico en Brasil. Volvió a Europa al año siguiente. En 1907, ocupó el cargo de profesor de la antigua Escuela Nacional de Bellas Artes (hasta 1913), pero en 1918 volvió definitivamente a Brasil. Pintó paisajes, retratos y grandes paneles decorativos  en São Paulo y Río de Janeiro. Participó varias veces del Salón de la Academia Imperial de Bellas Artes, donde en 1889 recibió una medalla de oro. 

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  • 04/24/18--13:49: Umberto Pettinicchio

  • Umberto Pettinicchio nació en  Torremaggiore, Foggia, en 1943. Desde muy joven comenzó a trabajar en una pequeña compañía de decoración que despertó en el su pasión artística. Despues de trasladarse a Milán en 1959 entró en la Academia de Brera con Gino Moro como profesor. Comenzó exponiendo en el Centro Cultural Isola de Milán. En los años siguientes participó en otras exposiciones en grupo

    En 1976, por fin, comienza sus exposiciones personales como su presencia en Nuova Sfera, Milan, Trittico, Roma y Il Castello, Milán
    A partir de 1982 comienza una nueva etapa, "la experiencia española", que le permite investigar cerámica y escultura. Expone  en Barcelona, Santander, en la VIII Bienal de Madrid, Ovieda, Avila, etc. Sus pinturas tempranas eran  expresionistas pero se volvieron cada vez más abstractas







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  • 04/25/18--12:04: VITO TONGIANI

  • Nació en Matteria (Fiume). Vivió y trabajó en París, Turín, Massa, Marrakech y actualmente vive y trabaja en Camaiore (Lu). Pintor y escultor, ha participado en importantes exposiciones internacionales, entre ellas: Nouvelle subjectivité en el Festival d'Automne en París y en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas ('76), Bienal de Escultura en Carrara ('81), fue invitado en la Bienal de Venecia en 1982 y 1995, Artistas italianos para Europa en el Museo de Metz y De Chirico y las consecuencias post metafísicas en el Arcurial de París ('93). De 1989 a 1994 realizó para la Federación Francesa de Tenis , cinco grandes esculturas de bronce colocadas en París en el estadio "Roland Garros". El poder de la imagen en Berlín, la pintura italiana de 1960 a 1980 en el Museo de Arte Moderno de Osaka ('96). En 1999 participó en la Cuadrienal de Roma. En 2004 se inauguró la fuente monumental "El triunfo de Afrodita". centro histórico de Massa.Diciembre de 2004, el Senado de la República inaugura las seis obras compradas por el artista en Palazzo Madama. Septiembre de 2004 el Presidente de la República CARLO AZEGLIO CIAMPI inaugura el monumento ubicado en la Línea Gótica de Montignoso (MS). En 2006 creó la estatua del escritor y periodista Indro Montanelli, ubicada en el parque público de via Palestro, en Milán. Ha realizado esculturas monumentales en Italia y en muchos países del mundo.

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  • 04/26/18--12:58: Ettore Tito

  • Ettore Tito nació el 17 de diciembre de 1859 en Castellamare di Stabia en Campania. 
    Su familia se mudó a Venecia cuando Ettore tenía ocho años. 
    La Academia de Bellas Artes acepta su solicitud de admisión cuando solo tiene 12 años de edad, gracias a sus habilidades en  y termina la escuela con un premio en "Pintura histórica". 

    Aproximadamente diez años más tarde, en 1887, ganó el Premio de la Exposición Nacional de Venecia con una pintura llamada "Pescheria vecchia", ahora perdida, pero que podemos admirar a través de reproducciones fotográficas. 
    Los temas que le interesan son escenas de la vida cotidiana, siguiendo la estela de Giacomo Favretto, la llamada pintura "verista". 
    Luego se convirtió en profesor  en la Academia de Bellas Artes y durante la primera Bienal de Venecia presentó dos obras y se puso en contacto con los artistas europeos más importantes como Sargent, Sorolla, von Stuk, Sartorio y Boldini. 
    Gana otros premios y su pintura madura con  pinceladas más libres, según el estilo de los impresionistas franceses. También se dedicó al retrato, con características elegantes que lo acercaron a su amigo Boldini. 
    En 1915, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, se mudó con su familia a Roma y allí consiguió muchos encargos, incluido un ciclo de frescos de Villa Berlinghieri, hoy la embajada de Arabia Saudita. 
    En 1929 fue nominado "Académico de Italia" y se dedicó a la decoración del techo de la Chiesa degli Scalzi en Venecia, reemplazando el techo de Tiepolo, destruido por una bomba durante la Primera Guerra Mundial. 
    En 1936, en la XX Bienal, se dedicó a la última exposición participando con: 
    "Los maestros venecianos". 
    Ettore Tito murió en Venecia el 26 de junio de 1941 y está enterrado en una capilla de la iglesia Scalzi.


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  • 04/27/18--13:18: Nani Tedeschi
  • Resultado de imagen de Nani Tedeschi

    Nani Tedeschi nació en Bassa en 1938. 
    Trabajador incansable, Tedeschi trabajó como diseñador gráfico para numerosas revistas y periódicos importantes, trabajaba de noche y escapaba de la obligación de atender el teléfono, una de sus principales fobias, junto con la del automóvil.

    Gran devorador de libros, en los pocos descansos que le concedía el trabajo, no ocultaba su predilección por la poesía de Dylan Thomas, Lee Master, Quasimodo y Pasolini, así como  Volponi y Sanguineti.
    Desde 1957 asistió a la Facultad de Medicina, cultivando siempre su amor por la pintura, y elaboró ​​muchos dibujos anatómicos. En 1962 conoció a Piacesi y de él aprendió las técnicas de grabado en Urbino. En 1965 fue médico en Cerdeña y comenzó una serie de collages y pinturas con fuertes contrastes de color que serán una constante en sus obras. En 1972 fue invitado a la XXXVI ° Bienal de Venecia e inició una intensa actividad de investigación en el campo gráfico que lo llevó, entre otras cosas, a ilustrar varios libros: El Orlando furioso, la sátira V ° del TERRITo, el Baldus, el Eneide, el Diccionario de sexo, amor y voluptuosidad, Historia de uno de nosotros, Thérèse philosophe, La coda del diavolo, Dell'ironia, Garibadi en Milán, 3 Men in Po, Asterischi, Mitomalacologia, Full time, Merit 85 Effusioni, Ironia y el miedo a la vida cotidiana, Las historias de mi padre, El faro de la isla olvidada, El príncipe errante.
    Desde 1978 colaboraba en el Corriere della Sera y en el Giornale Nuovo;  Il sole 24 Ore y en la RAI.
    Resultado de imagen de Nani Tedeschi
    Desde 1964  participó en importantes exposiciones internacionales, y  realizó exposiciones personales en la Maison de la Culture en Nevers, en el Instituto de Cultura de Viena (1979-1984), en el Galic Salon en Split, en el Stadtparkasse Burgdort en Hannover, en la Kunstgalerie Gittertor de Berlín, en Hamburgo, Nueva York, Tokio, Sao Paulo.
    Resultado de imagen de Nani Tedeschi
    Sus exposiciones individuales se llevaron a cabo en las principales ciudades italianas, en galerías y museos: el Palazzo dei Diamanti en Ferrara, la Galleria d'Arte Moderna en Módena, el Palazzo Braschi en Roma, el Castello Sforzesco en Milán. Varios municipios, incluyendo Roma, Alessandria, Ancona, Forlì, Bondeno, Comacchio, Savona, Spotorno, Verona "Las Postales de N.Tedeschi" en la 67ª Exposición Filatélica Numismática, en la Galleria 9 Colonne di Trento, Madonna di Campiglio (TN) y en 2006 en Isera (TN) en Palazzo De Probizer, y muchos otros.
    Murió en Reggio Emilia en 2017

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  • 04/30/18--13:43: Gregorio Sciltian





  • Gregorio Sciltian (1900-1985) fue un artista de origen ruso que escapó de Rusia en 1919 y se estableció en Italia en  1923. Despues de una larga estancia en París desde 1927 hasta 1937, regresó a Italia y en 1947 fundó  "Pintores modernos de la realidad" con Pietro Annigoni, Antonio Bueno y otros.  Es muy conocido por sus " trampantojos" ( trompe-l'oeil  en francés) (técnica pictórica que intenta engañar a la vista jugando con el entorno arquitectónico (real o simulado), la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticosy de fingimiento, consiguiendo una "realidad intensificada" o "sustitución de la realidad). Representante de la tradición de la pintura ilusionista que ya viene de la Edad Media, pero que el añade arte metafísico que une sus composiciones al movimiento italiano del realismo mágico

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  • 05/01/18--12:37: Clarence Holbrook Carter


  • CARTER, CLARENCE HOLBROOK (1904 - 2000), famoso artista de Cleveland, nació en 1904 en la ciudad sureña de Portsmouth, en el río Ohio. En 1927 se graduó de la Escuela de Arte de Cleveland.
    Milliken, un ardiente defensor de artistas locales, ayudó a lanzar la carrera de Carter, haciendo arreglos para que su joven estudiante estudiara con Hans Hoffman en Capri, Italia. El director del museo promovió el trabajo que Carter envió a la venta desde Europa, lo que le permitió pasar un segundo año en el extranjero en Francia, Suiza, Bélgica, Inglaterra, Sicilia y el norte de África. Cuando Carter regresó a Cleveland, Milliken hizo arreglos para que él diera clases en el museo. Sin embargo, Carter se sostuvo principalmente vendiendo su trabajo durante los once años entre su graduación y 1938, cuando tomó un puesto de docente en el Instituto Técnico Carnegie de Pittsburgh (ahora Carnegie-Mellon University). Recibió 26 premios en "The May Show" - 10 de las acuarelas de Carter fueron aceptadas por el Museo de Arte de Brooklyn para su Exposición Internacional de Acuarela de 1928, rodeado por artistas tan famosos como Edward Hopper, William Zorach y John Singer Sargent, los críticos declararon que el joven de 22 años era el héroe del espectáculo..
    En mayo de 1935 fue seleccionado  para pintar murales en la oficina de correos de Ravenna, Ohio. Esta fue la primera de una serie de obras encargadas para edificios públicos de Ohio como parte del WPA Federal Art Project. El trabajo de Carter para Works Progress Administration, para el cual también sirvió brevemente como superintendente regional (1937-38), incluyó cuatro grandes murales para la nueva oficina postal en Portsmouth, Ohio.
    De 1938 a 1944 enseñó pintura y dibujo en el Carnegie Technical Institute de Pittsburgh; Con el tiempo, Carter sería profesor, conferenciante visitante o artista en residencia en siete universidades.



    El reconocimiento del lugar de Carter en el arte estadounidense se disparó en la década de 1970, cuando fue mencionado o discutido con cierto detalle en 11 libros. Carter ganó el Premio de Artes de Cleveland 1972 en Artes Visuales y es quizás el artista más exitoso de la ciudad.  Clarence Carter murió en 2000 a la edad de 96 años.

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  • 05/02/18--13:07: AGUSTIN LAZO



  • México
    1910 - 1971

    Pintor, escenógrafo, crítico de arte, ilustrador, diseñador y dramaturgo, Agustín Lazo comenzó su formación artística en la Escuela de Pintura al Aire Libre. En una breve estancia en la Escuela Nacional de Bellas Artes tuvo la oportunidad de tomar clases con Alfredo Ramos Martínez y Saturnino Herrán, de quien después fue asistente. En 1922 realizó un viaje a Europa, donde conoció los postulados del surrealismo de la mano Max Ernst y los postulados de la escuela metafísica realizados por Giorgio de Chirico. En México se hizo adepto al grupo conocido como Los Contemporáneos. Agustín Lazo también es reconocido como escenógrafo y viñetista.
                En su obra predomina una temática de carácter onírico, teñida de la sensibilidad y fuerza de la poesía. En 1982, el Museo Nacional de Arte realizó una exposición homenaje, donde logró reunir una gran cantidad de obra.

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  • 05/02/18--16:12: MANUEL RODRIGUEZ LOZANO

  • México
    1890 - 1971

    Nació en México, sobre su fecha de nacimiento existen diversas controversias que continúan siendo motivo de investigación (ca. 1890-91-1971). Durante la primera mitad del siglo XX realizó un viaje a Europa y conoció la obra de Matisse, Braque y Picasso; en 1921 regresó a México. Ese mismo año se desempeñó como maestro de Diseño en la Escuela de Pintura al Aire Libre, Abraham Ángel y Julio Castellanos fueron sus alumnos más destacados. En 1932 trabajó en la serie de La muerte de Santa Ana, este conjunto de obras remite a los exvotos religiosos. En 1940 ocupó el cargo de rector en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Dos años más tarde concibió su obra Piedad en el desierto inspirada en La Pietá del maestro renacentista Miguel Ángel. En 1968 se realizó una muestra retrospectiva de su obra. 
    Su vida plástica se puede percibir en dos etapas, la “época monumental” que corre de 1935-1939, en la cual muestra el poder expresivo del desnudo, utilizando una paleta de colores donde predomina el verde, el azul y el sepia. Y la “época blanca” que va de 1941 a 1958, donde predomina el gesto doloroso, ambientes inhóspitos y los fondos obscuros que crean la sensación de vacío; blanco, gris y azul son los colores predominantes. 

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  • 05/04/18--13:15: Michael Taylor
  • Michael Taylor  es un pintor británico nacido  en Sussex en 1952. Estudió en la Worthing School of Art  y en  la Goldsmiths School of Art. Ha recibido numerosos premios por sus pinturas, entre ellas el Premio de Retrato de la Galería Nacional de Retratos, el Premio de Retrato Contemporáneo de Holburne y el Premio Cambio de Rostros de la Sociedad Real de Pintores de Retrato. Ha llevado a cabo una serie de importantes encargos de retratos, incluida la Cámara de los Lores, para pintar el retrato del último Lord Canciller, Lord Falconer. Recientemente, el director de Hollywood Wes Anderson le encargó que pintara un retrato "renacentista" de Boy with apple para su película The Grand Budapest Hotel. La autoría de la pintura se mantuvo en secreto hasta el estreno de la película y, posteriormente, generó un gran interés de la prensa por el artista.
    Cuatro de las obras de Taylor se encuentran en la National Portrait Gallery de Londres: retratos del músico Julian Bream, del compositor Sir John Tavener, del escritor PD James y un autorretrato a lápiz. Ha sido representado por Waterhouse & Dodd durante diez años, y ha organizado dos exposiciones individuales completas y exposiciones en numerosas ferias de arte internacionales. 



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  • 05/14/18--03:22: Fritz Fröhlich



  • Nació en Linz en 1929. Estudió en la Academia de Artes Gráficas de Viena.  En 1937 participa en la exposición  "Arte Contemporáneo austríaco" (Recibió el premio del estado austríaco en 1937 y 1938.)  En 1938 destruyó su estudio, quemándose casi todas sus obras, documentos y objetos personales
    En 1941, despues de casarse es reclutado y permanece al servicio del ejército hasta el final de la guerra. En la década de 1950, el examen del trabajo de Pablo Picasso resultó ser un punto de contacto particularmente personal y artístico con el modernismo. Fritz Fröhlich descubrió el cubismo analítico, que combinó con la figuración y la narración.


    La importancia de Fritz Fröhlich para el arte austríaco  del siglo XX se basa esencialmente en el carácter de su obra: en definitiva, todas las condiciones artísticas esenciales del siglo XX son evidentes en su obra.
    Determinado por sus estudios en la Academia en Viena en la década de 1930, combinó las tendencias de la Nueva Objetividad con las características de un estilo  autóctono .

    El período posterior a la Segunda Guerra Mundial se caracterizó por la superación gradual de las consecuencias de la política de propaganda y supresión de la información nacionalsocialista, así como el intento de una joven generación de artistas de orientarse internacionalmente. La influencia formativa de Picasso representa el descubrimiento para Fröhlich de la era moderna y la posibilidad de transformar sus ideas del arte en un estilo personal, característico a través de la continuación de las tradiciones cubistas.

    Con este concepto, Fröhlich poseía una posición independiente dentro del arte contemporáneo austríaco.Para él, el arte era un espejo que él sostenía para sí mismo y para la sociedad con dedos amonestadores y ojos risueños. Nada sucedía por accidente. Todo tenía significado, pero no de importancia incondicional.
    Fritz Fröhlich recibió numerosos premios y distinciones; incluido el Premio Alfred Kubin .

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  • 05/15/18--12:15: Eugeniusz Zak


  • (1884-1926)
     

    Eugeniusz Żak nació en una familia de judíos polacos. De niño se mudó a Varsovia, donde se graduó en una escuela secundaria. En 1902, se fue a París para realizar estudios, primero en la École des Beaux-Arts en el estudio del anciano maestro de academicismo Jean-Léon Gerôme, y luego en la Académie Colarossi en el estudio de Albert Besnard. En 1903, viajó a Italia y hacia el final del año a Munich, donde ingresó en una escuela privada dirigida por el esloveno AntonAžbé.


    Su fama creció rápidamente. El gobierno francés compró una de sus pinturas para el Museo de Luxemburgo (1910), organizó una exposición individual en Galerie Druet (1911) y se relacionó con importantes personalidades de la vida cultural parisina, incluidos los críticos Adolf Basler y André. Salmón. En 1912 se convirtió en profesor en la Académie La Palette. En 1913 se casó con la pintora  Jadwiga Kon, que dirigió la conocida Galerie Zak después de su muerte. Entre 1914 y 1916 permaneció en el sur de Francia (Niza, San Pablo de Vence y Vence), y también visitó Lausana en Suiza.


    En 1916 regresó con su familia a Polonia, instalándose en la ciudad natal de su esposa, Częstochowa. Se asoció con los Formists. En sus frecuentes visitas a Varsovia, colaboró ​​con los futuros miembros de Rhythm, un grupo que cofundó en 1921. En 1922 abandonó Polonia para siempre. Primero, fue a Alemania, donde ya había sido conocido y estimado antes de la Primera Guerra Mundial. Visitó Berlín y luego Bonn, donde llevó a cabo un encargo para decorar el interior de la villa del arquitecto Fritz August Breuhaus. Colaboró ​​con la publicación periódica Deutsche Kunst und Dekoration, publicando artículos sobre ciertos artistas que estaban cerca de él. En 1923 se instaló una vez más en París, donde se unió a sus amigos Zygmunt Menkes y Marc Chagall. Murió de un ataque al corazón. No vivió para hacerse cargo de la facultad de pintura, que le había sido ofrecida por la Academia de Bellas Artes de Colonia, Alemania.

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  • 05/17/18--13:05: Paul Wunderlich


  • Paul Wunderlich nació en Eberswalde en Mark Brandenburg, Alemania, el 10 de marzo de 1927. De 1947 a 1951 estudió en lo que luego se convirtió en la "Hochschule für Bildende Künste" en Hamburgo en la clase de Willi Titze. Entre sus compañeros  estaban Horst Janssen y Reinhard Drenkhahn. 
    En 1950 estudió con Willem Grimms durante un semestre. Después de terminar sus estudios enseñó técnicas de grabado y litografía de 1951 a 1960. 
    En 1957, Paul Wunderlich pintó cuadros tachistas, la mayoría de los cuales destruyó más tarde, dejando solo unos pocos. Poco tiempo después produjo sus primeras pinturas figurativas. 
    Entre 1961 y 1963 vivió y trabajó en París, donde perfeccionó su técnica de litografía en el taller de la impresora Desjobert. Una propuesta 
    como profesor en la "Hochschule der Bildenden Künste" lo llevó de regreso a Hamburgo en 1963. 

    La segunda mitad de la década de 1960 estuvo marcada por experimentos con diversas técnicas. S
    e inspiró en modelos fotográficos, pintados con aerógrafo y plantillas.Comenzó a trabajar en esculturas y perfeccionó su técnica de gouache, que se convirtió en muy importante para el trabajo creativo de Paul Wunderlich en adelante. 
    Solía trabajar en imprentas en el extranjero. En 1968, el artista renunció a su puesto como profesor en la "Hochschule für Bildende Künste" en Hamburgo. Durante la década de 1970 estudió a Durero, Ingres y Manet y produjo una serie de "paráfrasis de Durero", en las que alienó los motivos de Durero de forma surrealista. 
    Durante la década de 1980  se centró en las esculturas. En 1994-95 varios museos japoneses en Tokio, Osaka, Hakkeido y Gifu mostraron una retrospectiva de su trabajo. 
    El artista murió en Francia en 2010. Es considerado como el exponente más importante del "realismo fantástico".

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  • 05/18/18--13:00: BRUNO BRUNI

  • Bruno Bruni senior (nacido el 22 de noviembre de 1935, en Gradara )  artista gráfico, litógrafo, pintor y escultor italiano. En 1977, ganó el premio internacional Senefeld de litografía.

    Nacido en Gradara , en la provincia de Pesaro y Urbino en la costa del Adriático, hijo de un ferroviario, Bruni comenzó a pintar cuando era un niño. Inicialmente fue alumno de [Giuliano Vanghi] ; de 1953 a 1959 asistió al Instituto de Arte de Pesaro .  Luego se mudó a Londres, donde se interesó por el arte pop. En 1960, después de una exhibición de su trabajo en la galería John Whibley de Londres , y después de conocer a una chica de Hamburgo, se mudó allí para vivir con ella y se inscribió en la Hochschule für bildende Künste Hamburg . Ha vivido en esa ciudad desde entonces y visita regularmente su ciudad natal.

    En la década de 1970, Bruno Bruni se hizo un nombre como dibujante, litógrafo, pintor y escultor en el mundo del arte internacional. En 1977, ganó el Concurso Internacional Senefeld para litografía . Lo influencian principalmente expresionistas alemanes como Otto Dix, George Grosz etc. y los viejos maestros italianos. 

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  • 05/21/18--12:33: Mafonso



  • Nacido en Frattaminore (Nápoles) 1948. Durante los años 70, desarrolló un estilo de pintura en el que las influencias artísticas primitivas son reconocibles. Otra rama es evocadora del modelo estético clásico de la pintura de los vasos de la Magna Grecia (Enrico Crispolti)..
     Autodidacta comenzó su actividad artística a principios de los 70, viviendo entre Suiza (Altdorf) e Italia (Roma-Milán). Estos son los años en los que creó una serie de obras donde la recuperación del artefacto artístico es fundamental a través de una pintura de corte instintivista / lírica / primitivista (un ciclo de obras a la manera de los Otros ) según una ideología de la estética posmoderna. Se refiere a Leonardo cuando afirma que Pintar es algo mental y mira a Pablo Picasso, Massimo Campigli, Giorgio De Chirico y Piet Mondrian. Entre 1977 y 1978 en Roma fue uno de los fundadores del grupo Cosa Mentale presentado por Maurizio Fagiolo Dell'Arco. En 1979 se trasladó  a Roma donde asistió a los artistas del llamado Pop-Italiano (Tano Festa, Franco Angeli, Mario Schifano) con quien también estableció una amistad (particularmente con Tano Festa) también una estimulante "comparación" cultural. . Estos son los años de los ciclos: La Goddess Tale , The Great Streets , The Racconti Solari , The Prime Nevi of the after 2000. Desde 1985 está en Caserta donde trabaja en ciclos: Simbad , Krakatoa , Lune di Arqa . En 1988-1989, en París, trabajó en el ciclo de trabajo Make-Make y creó el libro del mismo título para las Ediciones New Art Internationa presentado por el editor en el Centro Pompidou. Siguen los siguientes ciclos: Tribù en Esodo(1992/1993), Contano solo i Cieli (1993/1994), Nevicate Acide (1995), Vanno Tutti Verso il Nulla(1997/1998) y Deserti (1995/2001). 
    Ha expuesto  en grandes capitales y ciudades europeas: Roma, Milán, París, Londres, Madrid, Nápoles, Barcelona. 

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  • 05/23/18--12:51: Moses Levy


  • Moses Levy

    (Túnez 1885 - Viareggio 1968)







    nació en Túnez, hijo de padre británico y  madre italiana. 


    Pasó sus primeros años de estudio en una escuela italiana en Túnez luego la familia se trasladó a Italia. En 1900 se matriculó en el Instituto de Arte de Lucca, donde Lorenzo  Viani fue uno de sus compañeros de estudios. Tambien coincidieron en Florencia, en la Academia de Bellas Artes y en la Escuela de Dibujo de Giovanni Fattori.


    En 1907 fue invitado a la Bienal de Venecia, a la que llevó una serie de grabados.Durante este período se concentró en el dibujo, y su estilo muestra la influencia de su maestro Fattori. Mientras su familia se establecía en Rigoli, en la provincia de Pisa, Mosés a menudo regresaba a Túnez. Allí pintó temas tomados de la cultura local, aunque nunca olvidó su entrenamiento toscano. En 1911, celebró su primera exposición individual en la Cámara de Comercio de Túnez.


    Hasta 1938, participó en casi todas las Bienales de Venecia, realizando numerosos viajes a Europa; también tuvo la oportunidad de exponer su obra en París en 1932. Durante este período, su estilo se apartó de la influencia de Fattori. Lo que dominaba en sus lienzos  un sentimiento mediterráneo: los colores audaces, las vistas, los aromas y los sonidos de las calles del mercado árabe le causaron una fuerte impresión y se revelaron en sus pinturas. Sus buenas raíces judías de clase media se fusionaron con la conciencia del viajero, ambas encontrando expresión en sus paisajes marinos de Viareggio y sus imágenes de las paredes encaladas de las casas en Túnez.

    Obligado a abandonar Italia con el advenimiento de las leyes raciales, Levy se mudó a Niza y durante la guerra regresó a Túnez. Después de la guerra, se estableció primero en París y luego en Florencia; finalmente en 1961, se trasladó permanentemente a Viareggio.


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