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  • 03/06/18--12:40: he Jiaying




  • Nacido en 1957 en Tianjin, es originario de Renqiu, provincia de Hebei.  Es  miembro de la Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino, vicepresidente de la Asociación de Artistas Chinos y rector del Instituto de Pintura de Tianjin. Ha cosechado un gran número de premios y su nombre es muy cotizado en las subastas internacionales.
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    Su interés en la pintura comenzó desde muy joven. En 1974, trabajó en el Creative Workship of Tianjin Cultural Bureau como artista y aprovechó la oportunidad para estudiar. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Tianjin en 1977. Después de su graduación en 1980, se quedó  como profesor allí hasta ahora.

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    La obra pictórica de Jiaying es un puente entre las técnicas más contemporáneas y el respeto que el artista le tiene a las estéticas más tradicionales, revolucionando el arte actual sin renunciar a los orígenes o a la historia milenaria del pueblo chino.
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    Genuino representante del creciente movimiento contemporáneo chino en las artes plásticas, está muy interesado en la revalorización de la pintura tradicional y en la enseñanza de la misma a las nuevas generaciones.

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  • 03/07/18--13:14: Gabriel Neale

  • Gabriel Neale es un artista británico nacido en 1978. Y este es todo el detalle biográfico que puedo encontrar.  Pero puedes ver su trabajo, que ha evolucionado dramáticamente durante los últimos siete años más o menos. Comenzó como una obra gráfica que ilustra las sombrías interpretaciones de la existencia cotidiana en la Inglaterra moderna, con figuras estilizadas que hacen eco del trabajo de Egon Schiele. Desde entonces,  ha transformado  su obra
     en un espectáculo de hiper-horror del cuerpo humano en el que el sexo, el nacimiento y la muerte se equiparan como un desfile grotesco de transformación corporal. Su trabajo no es para los aprensivos. Su obra tiene un cierto grado de diversión que atrae al espectador incluso cuando el tema repele.

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  • 03/12/18--13:04: Chris Mars




  • El artista Chris Mars nació en Minneapolis, Minnesota, en 1961,  donde todavía vive y trabaja hoy en día. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Instituto de Artes de Minneapolis, el Museo de Arte Erie (PA), The Tweed (Duluth, MN), el Museo de Bellas Artes The Longview (TX) y el Centro de Historia de Minnesota. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo The Mesa (AZ), en el Museo de Arte Visionario Americano (Baltimore), el Museo de Arte Laguna (CA), el Museo de Arte Steensland (Northfield, MN), el Museo de Arte Fredrick Weisman (Minneapolis, MN) y Art Center South Florida, entre otros. Sus próximas exposiciones incluyen Billy Shire Fine Arts (LA, CA) y The Phipps Center for the Arts (Hudson, WI). Su primera monografía, TOLERANCE, fue publicada a finales de 2008 por Billy Shire Fine Art Press. Además de su pintura, Mars se esfuerza en cine y animación. Un músico consumado, Mars también lanzó cuatro álbumes solistas (en Polygram y Bar None) después de su mandato como baterista en The Replacements, una banda que ayudó a fundar en 1979 con Bob Stinson, Tommy Stinson y Paul Westerberg.

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  • 03/14/18--13:39: Simon Kozhin


  •  Nació en 1979 en Moscú. Estudiante del Liceo de Arte Académico de Moscú adscrito a la Academia Rusa de las Artes, Moscú. En el curso de los estudios, solía practicar pintura al aire libre junto con sus compañeros de clase del Liceo viajando por toda Rusia. Despues estudió en la Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura de Ilya Glazunov, Moscú. 


    En 2000  visitó Alushta, donde pintó vistas de Crimea.
     Su primer viaje al norte de Rusia, el área de Vologda: Vologda, Veliky Ustyug, los monasterios Ferapontov y Kirillo-Belozersky y Pinega llegaron más tarde ese año. En julio visitó Gran Bretaña. Pintó en Haddenham, Inglaterra. Durante
    ese viaje, visitó museos de Londres y Oxford, pintó al aire libre algunas vistas. Más tarde ese año tuvo su primera exposición individual en Haddenham. 

    Después de un nuevo viaje a Gran Bretaña el artista, encantado por la maestría de acuarelistas británicos, pinta una serie de acuarelas. 


    Pinta paisajes, retratos y bodegones. También posee un excelente conocimiento del óleo, la témpera y la acuarela.Pinta paisajes mientras viaja por el mundo, por lo que hay una serie de obras de Inglaterra, Irlanda, Malta , Turquía, Suiza y otros. También pintó una serie de obras dedicadas a la guerra de Rusia con Napoleón en 1812. 

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  • 03/15/18--12:39: Ernesto de la Cárcova


  • Nació en Buenos Aires, en 1866. Inició en 1882 su formación artística con el pintor piamontés Francesco Romero en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. Entre 1885 y 1893, continuó sus estudios en Italia, primero en Turín y luego en Roma, donde comenzó a pintar la obra 


    Sin pan y sin trabajo, expuesta a su regreso a Buenos Aires en el Segundo Salón del Ateneo, de 1894. Adquirida por el Museo Nacional de Bellas Artes en 1900, la pintura se exhibió en múltiples oportunidades y ha sido reapropiada en las últimas décadas como imagen emblemática de luchas sociales. Además de su labor como pintor, De la Cárcova se destacó como medallista.
    Dedicó buena parte de su vida a una intensa tarea institucional y educativa. Fue docente y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes (1905-1908), director del Patronato de Becados Argentinos en Europa (1909-1916) y director-fundador de la Escuela Superior de Bellas Artes (1921-1927). Se desempeñó como inspector nacional de la enseñanza del dibujo, jurado en concursos de adjudicación de cargos docentes y proyectos de monumentos, y profesor universitario de dibujo para ingenieros y arquitectos. Además, fue uno de los tempranos miembros del Partido Socialista y Legislador por la Ciudad de Buenos Aires en la Comisión de Obras Públicas.
    Ernesto de la Cárcova falleció en Buenos Aires el 28 de diciembre de 1927, a los 61 años. La comunidad artística le dedicó grandes homenajes, testimonios del inmenso afecto que recibió de colegas y estudiantes a lo largo de su carrera.

    Museo Nacional de Bellas Artes

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  • 03/19/18--14:32: VLADIMIR BARANOV-ROSSINÉ




  • Kherson (Ucrania) 1888 - París 1944


    Vladimir Baranov-Rossiné nació en Kherson, Ucrania, en 1888. Su nombre judío era Shulim Wolf Labe Baranov, y su apodo era Daniel Rossine. Pasó su vida y su carrera entre Rusia y París.
    Entre 1902 y 1903, estudió en Odessa. Luego, desde 1903 en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. Después de sus estudios, participó en las primeras exposiciones de vanguardia organizadas en Moscú y San Petersburgo. Entre los expositores se encontraban Mikhail Larionov, Natalia Goncharova, Alexandra Exter y los hermanos Burliuk. En 1908 participó en un importante espectáculo en Kiev que hizo hincapié en la síntesis entre pintura, escultura, poesía y música. La idea de una síntesis de las artes, un legado del simbolismo ruso, seguiría siendo un elemento clave de la vida Baranov-Rossiné. En el mismo año exhibió con Zveno, una organización militar y política búlgara, fundada en 1927 por oficiales del ejército búlgaro, que tuvo lugar en Kiev, organizada por los hermanos Burliuk (David y Vladimir).

    En 1910 Baranov-Rossiné se mudó a París. Allí organizó una exposición en el Salón de Independientes. Se hizo amigo íntimo de Hans Arp, Robert y Sonia Delaunay. Sus pinturas de esa época fueron reconocidas principalmente por el uso ecléctico del color. Demostraron una asimilación con el cubismo, el futurismo y el orfismo, y expuso regularmente en el Salon des Indépendants. Al mismo tiempo, experimentó con la escultura, ejecutando dos grandes esculturas de ensamblaje, construidas con fragmentos de metal pintado, madera y objetos encontrados. Una de estas esculturas, expuesta en el Salon des Indépendants de 1914, causó tal controversia, que más tarde la ahogó en el Sena. El único crítico que entendió su lenguaje expresivo radical y profético fue Guillaume Apollinaire.

    Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Baranov-Rossiné se mudó a Noruega, donde permaneció hasta 1917, seguido de su traslado a Rusia. Entre 1917 y 1925, su producción fue prolifera. Organizó exposiciones con las personalidades más importantes de su época, como Marc Chagall, Nathan Altman, Yurii Annenkov y otros portadores y propagadores de la vanguardia soviética.
    Comenzó a enseñar  arte  en San Petersburgo y, al mismo tiempo, inventó un "color clavier" y presentó conciertos "optophonic" en los teatros de Moscú, en los que, mientras se tocaban las teclas del piano, la música se "traducía". "por discos de colores proyectados en una pantalla.

    En 1925, Baranov-Rossiné continuó pintando de manera más surrealista, además de producir algunas esculturas y experimentar con materiales, colores y sonidos. Exponía regularmente en los Salones parisinos.
    Sus obras se pueden encontrar en muchas colecciones públicas, incluidas las del Museo Ruso de San Petersburgo, la Galería Tretiakov en Moscú, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
    En 1943 fue arrestado en Francia por la Gestapo y deportado. Murió en el campo de concentración de Auschwitz.

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  • 03/19/18--16:22: Nikolay Bogdanov-Belsky
  • Bogdanov-Belsky nació en el pueblo de Shitiki en Smolensk Governorate en 1868. Estudió arte en la escuela de bellas artes Semyon Rachinsky, pintura de iconos en la Troitse-Sergiyeva Lavra en 1883, pintura moderna en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1884 a 1889, y en la Academia Imperial de Artes en San Petersburgo de 1894 a 1895. Trabajó y estudió en estudios privados en París a fines de la década de 1890.
    Bogdanov-Belsky estuvo activo en San Petersburgo. Después de 1921, trabajó exclusivamente en Riga , Letonia . Se convirtió en miembro de varias sociedades prominentes al incluida  Peredvizhniki (pintores itinerantes) desde 1895 y la Sociedad Arkhip Kuindzhi desde 1909 (de la cual fue miembro fundador y presidente entre 1913 y 1918).
    Bogdanov-Belsky pintó principalmente cuadros de género, especialmente de la educación de niños campesinos, retratos y estudios de paisajes impresionistas. Se convirtió en pedagogo y académico en 1903. Fue miembro activo de la Academia de las Artes en 1914. Desde 1921, vivió en Riga .  Bogdanov-Belsky murió en 1945 en Berlín.
    Fue miembro de la Fraternitas Arctica  en Riga.

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  • 03/21/18--13:59: Vittorio Matteo Corcos


  • Vittorio Matteo Corcos (4 de octubre de 1859 - 8 de noviembre de 1933) fue un pintor italiano, conocido por sus retratos. Muchos de sus trabajos de género representan a hombres y mujeres jóvenes y elegantemente vestidos en momentos de reposo y recreación.
    Nació de padres judíos, Isacco e Giuditta Baquis, en Livorno. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Florencia con Enrico Pollastrini. Entre 1878 y 1879 trabajó bajo Domenico Morelli en Nápoles. 
    Luego viajó a París, donde conoció a Léon Bonnat y firmó un contrato con Goupil & Cie. Pudo complementar sus ingresos como pintor de retratos con ilustraciones para revistas.Frecuentaba los círculos de Giuseppe De Nittis. Entre 1881 y 1886, exhibió con frecuencia en el Salón. 
    Regresó a Italia en 1886, supuestamente para unirse al ejército, y se estableció en Florencia.Se convirtió al catolicismo y se casó con una viuda, Emma Ciabatti. En Florencia, se hizo amigo de los círculos intelectuales e hizo retratos de Silvestro Lega, Giosue Carducci y Pietro Mascagni.

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  • 03/22/18--16:02: Tino Aime


  •  "Pinto mi vida diaria y mis orígenes. Pinto naturalezas silenciosas, flores exhaustas y objetos olvidados. Me encanta grabar, esculpir, acariciar las piedras, sentir los aromas de la madera. La materia me atrae, pero también me gustaría saber cómo pintar el aire". 

    Tino Aime nació en Cuneo en 1931.  Hijo de pastores de Roaschia, se mudó a Turín en 1941. Después de asistir a la Academia Libre de Turín, con Idro Colombi, comenzó a exhibir como escultor, y luego se dedicó a la pintura y a la obra gráfica. Es conocido internacionalmente con más de 200 exposiciones individuales en Italia y en el extranjero.  Amigo de escritores y poetas, comenzó a exponer  en 1963 y recibió premios en Italia, Francia, Rumania y los Estados Unidos. En Provenza grabó y pintó el mundo de Federico Mistral: las obras se exhibieron en una exposición itinerante en los museos de Gap, Marsella, Digne, Draguignan, Aix en Provence y Niza. Murió  en 2017




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  • 03/23/18--11:25: Getulio Alviani

  • Getulio Alviani (1939-2018)   artista italiano nacido en Udine,  considerado un importante artista internacional óptico - cinético.
    Desde la infancia, Alviani mostró talento para el diseño y el dibujo geométrico. Se matriculó en la escuela artística de Venecia, pero pronto mostró poco interés en sus estudios, pasando las tardes en los museos de Venecia en la contemplación de obras maestras clásicas. También comenzó a hacer pequeños trabajos para arquitectos locales, y ayudó a artistas locales a pintar proyectos.

    Sus primeros trabajos artísticos fueron los "cables", inspirados por cables eléctricos aéreos, aún  con energía. Luego le fascinaban algunas superficies pulidas de aluminio que se encontraban en una fábrica en la que estaba trabajando: después de pulir y raspar, creó su hito "Superfici a testura vibratile" (superficies de textura vibratoria) que le dieron fama internacional.  Por las superficies de aluminio  fue invitado a la exposición de Zagreb "Nove Tendencije", junto con otros artistas similares: explorando las oportunidades de un arte dinámico que interactúa con el espectador. Comenzó a intercambiar ideas con artistas como Julio Le Parc, François Morellet y Enrico Castellani, participando activamente en los estudios de la llamada G.R.A.V. (Groupe de Recherche d'Art Visuelle) en París.

    Al mudarse a Milán, se hizo amigo de Piero Manzoni y Lucio Fontana, que estaba muy interesado en sus obras y compró algunas de sus "superficies". También trabajó con otros artistas famosos como Max Bill y Josef Albers. En 1964 fue invitado a presentarse en la Bienal de Venecia.

    En los años siguientes consiguió fama  internacional: en la Documenta de Kassel, exhibió una gran superficie vibrante; en 1965 participó en lo que se consideraba una de las principales exposiciones de la década: El ojo receptivo en el MoMa de Nueva York, junto con los artistas más famosos del mundo del arte cinético y programado. Su trabajo tuvo tanto  éxito que fue comprado por el  MoMa y elegido como la imagen de portada que representó la siguiente exposición del museo: "The New Acquisitions".

    Durante la década de 1970 viajó continuamente, principalmente en América del Sur, y aceptó, a petición de Jesús Rafael Soto, la dirección del Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Venezuela. Volvió a ser invitado en la Bienal de Venecia en 1984, 1986 y 1993. Desde 2000 se ha presentado en numerosas exposiciones importantes: Trienal de Milán, Graz Kunsthaus, Palazzo delle Papesse de Siena, Roma Academie de France, Bienal de Buenos Aires, exposiciones itinerantes "Luz, movimiento y programación", en importantes museos alemanes, y en la Cuadrienal de Roma.


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  • 03/26/18--12:13: Giuseppe Amisani
  • Nacido en Mede Lomellina el 7 de diciembre de 1881 , Amisani, fascinado por el mundo del arte de finales del siglo XIX , para seguir sus inclinaciones se trasladó a Milán en 1895 , viviendo en el apartamento de la escultora Medese Felice Bialetti.
    A pesar de las dificultades económicas; Giuseppe tuvo éxito y siguió los cursos de pintores como Tallone, Emilio Gola y Vespasiano Bignami en la Academia de Bellas Artes de Brera, que lo pusieron en contacto con la corriente de los pintores posrománticos en Milán.
    En 1900 consiguió un gran éxito gracias a una de sus obras, que se hizo muy conocida entre los pintores de  Milán,  llamada La Cleopatra Lussuriosa.
    Volviendo a Mede, el joven pintor pintó al fresco algunas iglesias, incluida la Iglesia de la Cofradía en Candia Lomellina y la Iglesia de la Trinidad, que le valió el premio Mylius .

    Convertido en un gran experto en el arte del retrato, en 1908 ganó nuevamente el premio Mylius, luego se trasladó a París y comenzó a frecuentar a los mejores artistas de su tiempo para encontrar una nueva fuente de inspiración en el resplandeciente mundo de Belle Époque.

    En 1913 se fue a América del Sur , donde pintó un retrato de algunos ministros y del presidente del gobierno brasileño,  así como de algunas de las damas de la alta sociedad de Brasil.
    Más tarde abrió un taller de pintura en Londres y expuso en los Países Bajos, España , AméricaEl Cairo , Argelia , Inglaterra, Francia, Roma, Milán, Venecia, Buenos Aires y Sao Paulo.
    Desde 1922 a 1925 pintó al fresco el palacio de Ra's al-Tin, en Alejandría, Egipto , luego una nueva sede del gobierno.
    Después de la experiencia africana, Amisani fue invitado a Grecia y también trabajó en otros países europeos, como España e Inglaterra, pero su corazón estaba en la casa de Portofino, donde se trasladó a vivir en sus últimos años.

    El 8 de septiembre de 1941 , durante un viaje en el Monte di Portofino en compañía del periodista GiulioDe Benedetti y del escritor Salvator Gotta , Giuseppe Amisani murió de un ataque al corazón y fue enterrado en su Mede.
    Hoy sus obras se exhiben en el Museo Ricci-Oddi en Piacenza , en la Galería de Arte de Milán , la Galería San Paolo en Brasil y la Galería en Lima en Perú , mientras que Mede lo recuerda cada año con un concurso dedicado a los pintores emergentes que lleva su nombre.

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  • 03/28/18--13:25: MARIO BARDI

  • Bardi Mario. Palermo, 1922 - Milán, 1998. Pintor y dibujante. En 1947, abandonó sus estudios de ingeniería, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Palermo, donde se graduó en pintura en 1951. Mientras estudiaba en la Academia, ganó un premio de Pintura en la 1ª Exposición Nacional de Bellas Artes. Arti (Roma 1950) y una beca para jóvenes artistas a disposición de la Región de Sicilia. Después de dejar la isla en 1951, se mudó a Aosta, donde montó su primera exposición individual. Más tarde estuvo en Turín, donde de 1954 a 1958 se dedicó a trabajos de artes decorativas y cerámicas. 
    Natura Morta - Mario Bardi
    Después de mudarse a Milán, enseñó Diseño e Historia del Arte. Hizo numerosas exposiciones personales en Italia y en el extranjero, incluidas las exposiciones milanesas en las galerías 32 (1964 y 1967) y L'Agrifoglio (1969). Obtuvo numerosos premios nacionales, entre ellos el Suzzara en 1963 y el Tettamanti en 1964 y 1966. En 1993, la Región de Sicilia dedicó una importante exposición al Albergo dei Poveri en Palermo. A su llegada a Milán, se acerca al movimiento realista local, asistiendo al crítico Raffaellino De Grada y la galerista Renata Usiglio. Los protagonistas de sus obras de los años cincuenta son los humildes, representados con estructuras pesadas, masivas, emblemáticas de una difícil condición existencial, cargadas de fatiga y sufrimiento. Desde mediados de la década de 1960, su pintura se volvió aún más explícitamente portadora de contenidos de denuncia y crítica social, representando las primeras masacres y desastres que tuvieron lugar en su tierra natal, Sicilia, y luego los horrores de los conflictos en todo el mundo. En la década siguiente comenzó la serie de Virreyes, Inquisidores, Cardenales, símbolos de un sistema opresivo que ya no es tan evidente y explícitamente denunciado, como en obras anteriores, pero más sutil y venenoso. 

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  • 03/30/18--03:50: Nahum Tschacbasov

  • Nahum Tschacbasov (1899-1984) fue mencionado a veces por los críticos de su época como un surrealista abstracto, y, de hecho, hay similitudes entre sus pinturas y las de los pintores surrealistas estadounidenses Peter Blume y James Guy. Pero un examen detallado  de  sus obras revela que trabajó en una variedad de estilos: surrealismo, realismo social, cubismo, fauvismo e incluso abstracción.
    Las pinturas más fuertes de Tschacbasov datan de mediados de la década de 1930 hasta mediados de la década de 1940, cuando trabajó en un estilo de realismo social que recuerda la obra de Max Weber (1881-1961), el pintor, escultor y grabador estadounidense de origen ruso cuyo papel social de sus obras afectan y  sintetizan el desarrollo del arte moderno europeo. Tschacbasov admiraba mucho a  Weber.
    En la década de 1930 a menudo expresaba su preocupación social. La sopa sirvió como tema durante varios años, al igual que las dificultades de la vida para los inmigrantes que vivían en condominios abarrotados en el Lower East Side de Manhattan.Estas pinturas incluyen escenas de privaciones, sin duda observadas de primera mano por el artista, pero también pueden basarse en los recuerdos de su infancia empobrecida en los barrios pobres de Chicago después de que su familia emigrara de Rusia.
    Nacido en Bakú, en lo que hoy es la República de Azerbaiyán,  Tschacbasov llegó a Chicago con su familia en 1907. La vida del joven era difícil. El negocio de su padre fracasó poco después de su llegada, y se vio obligado a abandonar la escuela a la edad de 13 años para ayudar a mantener a la familia. Después de alistarse en la Marina durante la Primera Guerra Mundial, al  regresar a su hogar fue a la escuela nocturna y despues empezó a trabajar como  contable.
    Alrededor de 1932, fascinado  por  el arte  se fue a París  y allí estudió con Fernand Léger, entre otros, antes de mudarse a mediados de la década de 1930 a Nueva York, donde pintó a tiempo completo. Trabajó en los Proyectos Federales de Artes de la Administración de Obras en 1935, y luego se unió a amigos, incluido el joven Mark Rothko, para formar un grupo de artistas, los Diez, que combina el objetivo de la conciencia social con un estilo expresionista.
    Su carrera inicial  fue inmensamente exitosa. Tuvo cinco exhibiciones individuales en las prestigiosas galerías ACA en Nueva York desde mediados de los años treinta hasta mediados de los años cuarenta y participó en exposiciones colectivas en muchos museos nacionales, incluido el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Whitney de Arte Americano y la Art Institute of Chicago. En 1944, el Museo Metropolitano compró una de sus pinturas, "Deportación" (1936). 
    Sin embargo, a principios de la década de 1950, comenzó a perderse de vista. Los gustos estaban cambiando, y si bien la moda artística  se había inclinado hacia la abstracción,  Tschacbasov cambió del realismo social a una fusión de cubismo y surrealismo que para muchos críticos se parecía mucho a la obra de Picasso o Chagall. No solo estaba fuera de sintonía con la vanguardia, sino también como no original.
     Con pocas excepciones, sus obras son simplemente demasiado derivadas, lamentablemente recuerdan el trabajo de algún otro artista famoso de la época. Podía pintar, dibujar e incluso hacer hermosos estampados y acuarelas; lo que nunca pudo hacer fue encontrar una voz única.

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  • 04/03/18--13:01: Heinrich Campendonk

  • Heinrich Campendonk nació el 3 de noviembre de 1889 en Krefeld, hijo de Heinrich Gottfried Campendonk y de su mujer Catharina. Su padre gestionaba bajo unas difíciles condiciones económicas una pequeña agencia y casa de comisiones. En 1904 terminó a los quince años sus estudios en la Oberrealschule y se matriculó en la Fachschule für Textilkunde de Krefeld. Un año más tarde abandonó estos estudios, fuente segura de ingresos dada la relevancia de la industria textil en la localidad, y se inscribió en la Handwerker- und Kunstgewerbeschule. De entre todos los profesores que tuvo allí le impresionó sobre todo el holandés Jan Thorn Prikker, un artista formado en el espíritu del Jugendstil, que le descubrió el estudio de la naturaleza como fundamento de la creación artística. Debido a la oposición de su padre, Campendonk sólo pudo continuar sus estudios hasta el verano de 1908.
    Durante esta etapa de formación entabló amistad con sus compañeros de estudios Walter Giskes y Will Wieger, pero sobre todo con Helmuth Macke, primo del pintor de Bonn, August Macke. Durante los años 1908 y 1909 Campendonk mantuvo con estos antiguos compañeros un estudio común en los alrededores de Krefeld. En esos años conoció también a Heinrich Nauen, nueve años mayor que él, y a través de Helmuth también entró en contacto con August Macke. En 1910 los problemas económicos le llevaron a trabajar en los frescos de la catedral de Osnabrück. Mientras tanto, August Macke se había mudado a orillas del Tegernsee y también Helmuth Macke pasaba allí largas temporadas. Así se establecieron contactos con la Neue Künstlervereinigung München, y con el grupo que se escindió de ella, Der Blaue Reiter, aglutinado por Marc y Kandinsky. En 1911 Campendonk se instaló en Sindelsdorf (Alta Baviera), invitado por Marc.
    Vivió en casa de Helmuth Macke y también conoció a Jean Bloé Niestlé, Alexej von Jawlensky, Gabriele Münter y a Paul Klee en el círculo formado en torno a Marc y Kandinsky. Participó en la primera exposición de Der Blaue Reiter, celebrada en 1911 en la Galerie Thannhauser de Múnich, y también estuvo presente con una ilustración en el almanaque del mismo nombre editado en 1912. En la primavera de ese año y tras un largo noviazgo, contrajo matrimonio con Adda Deichmann.

     Aunque la obra presentada por Campendonk para la exposición Sonderbund de Colonia celebrada en 1912 fue rechazada, en 1913 participó, probablemente gracias a la intervención de August Macke, en la Ausstellung Rheinischer Expressionisten de Bonn y en el Erster Deutscher Herbstsalon, en la galería vanguardista berlinesa Der Sturm, propiedad de Herwarth Walden. Poco después de estallar la Primera Guerra Mundial, en septiembre del mismo año 1914, perdió la vida su amigo August Macke; y Franz Marc moriría en 1916. A partir de 1915 Campendonk fue llamado a filas en varias ocasiones pero sólo estuvo enrolado temporalmente y no fue enviado al frente por motivos de salud.
    Tras su licenciamiento del servicio militar en 1916, el artista se instaló en Seeshaupt junto al lago de Starnberg. Su pertenencia al Novembergruppe revolucionario berlinés fue un episodio apolítico en el marco del proceso de formación del grupo de artistas vinculados a la Galerie Der Sturm. Una vez terminada la guerra, Heinrich Campendonk fue alejándose cada vez más de Herwarth Walden, que hasta entonces había sido su representante exclusivo; en 1921 una polémica que alcanzó resonancia pública convirtió la ruptura en algo definitivo. El artista volvió a Krefeld, su ciudad natal, donde residió de 1922 a 1932. De 1923 a 1924 trabajó como escenógrafo para el teatro de esta localidad. En ese mismo período también ocupó durante un año el puesto de profesor en la Kunstgewerbeschule de Essen, donde impartió la asignatura «Arte de superficies». Inmediatamente después, en 1926, fue llamado por la Kunstakademie de Düsseldorf para suceder a Thorn Prikker. En los años siguientes recibió numerosos encargos de vidrieras, tanto de tipo religioso como profano. En 1932 se separó de Adda, y en 1935 volvió a casarse en segundas nupcias con la artista flamenca Edith van Leckwyck. 
    Ante la difamación de que fue objeto por parte de los nacionalsocialistas, Campendonk reaccionó emigrando. En 1933 se estableció en el archipiélago de las Lofoten, donde recibió la noticia de la suspensión de su puesto como profesor, a la que siguió el cese en 1934. Tras una intensa polémica periodística, en 1935 obtuvo un puesto de profesor en la Rijksacademie van beeldende Kunsten de Amsterdam. Como consecuencia de la entrada de las tropas alemanas en los Países Bajos en 1940 se fue sintiendo cada vez más amenazado. Él y su mujer consiguieron burlar una redada de la Gestapo escondiéndose dentro de un mueble durante horas. Estos acontecimientos dejaron una honda huella en Campendonk.
    Una vez acabada la guerra, retomó su actividad como profesor en Amsterdam. En esa época su fama crecía también en Alemania y, como consecuencia, recibió numerosos encargos de vidrieras para edificios públicos e iglesias. Aunque nunca llegó a dominar del todo el holandés, los esfuerzos por lograr que regresara a Alemania fueron infructuosos. Un año después de ser nombrado caballero de la orden «De Neederlandse Leeuw» Campendonk murió en Amsterdam el 9 de mayo de 1957.





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  • 04/04/18--14:12: Jerome Witkin

  • Jerome Witkin es un pintor judío estadounidense.
    Nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York, hijo de  padre judío y  madre católica, y tiene un hermano gemelo, Joel Peter Witkin, que es fotógrafo. Sus padres no pudieron superar sus diferencias religiosas y se divorciaron cuando Witkin todavía era niño. Estudió en la Escuela Skowhegan de Pintura y Escultura, en  la Cooper Union, en la Academia de Berlín y en  la Universidad de Pensilvania.


    El arte de Witkin a menudo trata de  la muerte, tal vez debido a sus muchas experiencias cuando era niño. Cuando el padre de Witkin murió a la edad de cincuenta años, después de vivir varios años sin hogar en las calles, Witkin decidió que quería entender mejor a su padre. Comenzó a explorar sus raíces judías y leyó extensamente sobre la historia judía, el antisemitismo y el holocausto. Su interés culminó con una serie  de pinturas temáticas sobre el holocausto.

    Witkin es considerado uno de los mejores pintores narrativos de la actualidad y no tiene miedo de tratar de temas políticos. Sus pinturas se han centrado en  asesinatos,  tortura y la crisis del SIDA, aunque es famoso por su serie sobre el holocausto . Las representaciones realistas fueron diseñadas para abrumar al público con la realidad histórica. Los críticos consideran la serie del Holocausto de Witkin como la más convincente de las pinturas realizadas sobre el tema.


    Witkin es profesor de arte en la Universidad de Syracuse, en el estado de Nueva York, y sus pinturas se han exhibido en más de cien exposiciones desde 1966. Sus obras también se encuentran en muchas colecciones permanentes en todo el mundo, incluido el Museo Metropolitano de Arte, el Hirshhorn y los Uffizi, una galería de arte de Florencia que es la más famosa del mundo occidental.

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  • 04/05/18--12:07: Vito Campanella

  • Nacido en Monopoli, Italia, (1932- 2014). 
    Estudió en la Escuela de Artes y Oficios, donde aprendió a tallar y dar forma a la madera. Alternó sus estudios con paseos por el campo, donde pintó escenas de la naturaleza. Se mudó a Florencia, donde comenzó a asistir al movimiento de arte de la ciudad. A través del maestro escultor conoce a  Giorgio De Chirico. Asistió a cursos de Anatomía en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán. En 1954 conoce a Salvador Dalí en Roma, quien se convirtíó en un importante referente en su obra. 

    En 1955 se mudó a Buenos Aires, durante los primeros meses trabajó en agencias publicitarias  y desde 1956, se une al movimiento artístico argentino y latinoamericano. En 1968, después de vender todos los cuadros en una muestra en la Galería Witcomb, decide dedicarse exclusivamente al arte. 
    Realiza exposiciones tanto en Argentina, como Brasil, Mónaco, Italia y una memorable en Paris en 1980




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  • 04/06/18--15:03: Vincenzo Caprile

  • Vincenzo Caprile (Nápoles1856 –  1936) fue un pintor italiano.


    Estudió en la Academia de Bellas Artes de Nápoles con  Gabriele Smargiassi  y  Domenico Morelli  como profesores.

    A finales del siglo, Caprile se encontraba en Nápoles como el pintor más solicitado, superando a Esposito, Pratella, Casciaro, Migliaro en comerciabilidad.

    El descubrimiento de Positano, que se convirtiría en el destino habitual de sus días de verano,  ofreció a Caprile nuevos horizontes sus colores blancos, rosas y amarillentos que descendían sobre el mar. 

    Al descubrimiento de Positano pronto siguió Venecia.  Se convirtió en un ferviente enamorado de la ciudad de la laguna. Fue uno de los artistas de toda Europa que se establecieron en Venecia, no solo por la belleza de la ciudad sino tambien por razones comerciales ya que las vistas de la ciudad tenían mucha demanda entre la burguesía europea.

    Interrumpió su trabajo en Italia durante unos años porque lo llamaron a Buenos Aires, el artista realizó una interesante serie de retratos a exponentes de la diplomacia y las finanzas sudamericanas.

    Al regresar a su hogar, recibió del Senado la importante tarea de retratar a los miembros de la familia real en un lienzo para colocar en la sala del Parlamento.






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  • 04/09/18--12:32: Filippo Carcano
  •  Resultado de imagen de Filippo Carcano


     Nació en Milán en 1840, hijo de un modesto comerciante. El joven fue iniciado en la composición por un maestro de escuela, profesor de diseño arquitectónico; en 1857 ingresó en Brera, donde fue alumno de Hayez y Bertini. Una breve estadía en París y Londres en 1860 constituyó su único contacto con un entorno culturalmente actualizado y no dio resultados apreciables. .
    El desprendimiento del mundo académico comenzó, al principio de una manera inequívocamente polémica, alrededor de 1863. Las reservas de Hayez hacia él, y en general el ambiente oficial, lo marginaron del mercado italiano, y la producción de esos años se fue casi completamente a colecciones privadas británicas y americanas.


     Un juego de billar, que aparece en el catálogo de la Exposición de Brera de 1872 despertó muchas controversias en Milán, tanto por el entorno realista como por el inusual uso del color. En los mismos años se dedicó principalmente a la composición de escenas de género  no sin incurrir a veces en temas de patetismo lloroso. Solo alrededor de 1880 sus interes se centró con éxito en la pintura de paisaje. 

    Murió en Milán en 1914, precedido por solo 24 horas por su esposa Anna Brusadelli.




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  • 04/09/18--13:59: Tor-Arne Moen
  • Tor Arne Moen ( 1966) es un pintor y diseñador gráfico noruego. Residente en Notodden  tiene su taller en Hydroparken. Es miembro de Norske Bildende Artists, de la Norwegian Writers 'Association y de Norwegian Graphics.

    Moen debutó exponiendo  en otoño de 1994. Ha hecho una portada para el trabajo de Knut Hamsun, una serie de pinturas para su galería permanente en Hamarøy en 1995 (galería Tranøy). Desde entonces ha realizado  exposiciones con pintura al óleo y tempera.

    Ha realizado varios cortometrajes.

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  • 04/10/18--13:15: Emanuele Cavalli

  • - Nació en Lucera (Foggia) el 29 de noviembre. 1904. En 1921 se mudó a Roma; después de los primeros estudios, ingresó en el estudio del pintor Felice Carena. Las largas estadías en Anticoli  también fueron importantes para su formación como pintor, donde el joven  pudo encontrarse, además de Carena, con los pintores Onofrio Martinelli y Giuseppe Capogrossi, el escultor Arturo Martini y Fausto Pirandello.
    En 1926, tres de sus obras fueron aceptadas por el jurado de la Bienal de Venecia (a partir de ese momento su participación  sería casi continua). El debut romano del artista tuvo lugar en 1927, cuando junto con Capogrossi y F. Di Cocco organizó una exposición en la casa de huéspedes Dinesen, despertando considerable interés.
    En 1928 fue a Francia, donde fue presentado por su amigo Martinelli en el entorno de los Italiens de Paris (De Pisis, De Chirico, Savinio, etc.) e hizo algunos viajes a Aviñón y Orange. En París expuso en el Salón Bovy junto con Pirandello y Di Cocco.
    De vuelta en Italia, pasó cierto tiempo en Puglia, presentando su primera exposición personal en el Bari Circolo en 1930. El mismo año se instaló en Roma.
    Los años 1931-33 fueron fundamentales para la elaboración y la afirmación del tonalismo, la orientación estética y pictórica que tuvieron en Cavalli uno de los intérpretes más refinados  desde el punto de vista teórico.  Realizó  una importante serie de exposiciones en la Galleria di Roma, dos exposiciones colectivas  junto a C., Cagli y Capogrossi, en la galería de Milán Il Milione, en la galería parisina J. Bonjean  con el pintor E. Sclavi, además de los tres ya mencionados.
    En esta brillante serie de exposiciones, el grupo contó con el apoyo de los galeristas PM Bardi (Galleria di Roma) y V. Ghiringhelli (Il Milione), así como del escritor M. Bontempelli, tío de Cagli y teórico del "realismo mágico", tendencia literaria que tiene más de un punto de contacto con la pintura de los jóvenes tonalistas. Notable fue también la contribución de R. Melli, tanto como pintor y como crítico, ya que fueron sus artículos sobre Quadrivio  que dieron a conocer y apreciar esta nueva tendencia de la Escuela Romana.
    El término Escuela romana quizás se usó por primera vez con motivo de la exposición parisina de 1933, cuando el crítico Waldemar George (en la presentación publicada en el catálogo) acuñó la definición école de Rome.
    Años de intensa y fructífera actividad  que fueron coronados por dos exposiciones  importantes (en la galería Leonardo da Vinci en Florencia en 1939 y en el Zodíaco de Roma en 1945) y por la victoria en el concurso de la cátedra de pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia (1945). A esta ciudad, el artista se mudó con su esposa Vera Haberfeld.
    El 1949, con la no renovación de la tarea docente, marcó el comienzo de una profunda crisis, a la que la orientación en sentido abstracto no fue ajena, que sus antiguos compañeros, Cagli y Capogrossi, comenzaron a seguir.
    Muchas pinturas de años anteriores fueron destruidas por el artista, quien también participó en actividades distintas a la pintura. En 1949 y en 1950 fue director artístico de la nueva galería Vigne en Florencia, y en 1952 trabajó en los Uffizi como fotógrafo de la Superintendencia de monumentos. Continuó exhibiendo, obteniendo varios premios (Premio May of Bari, 1951, premio de compra en el Fiorino, Florencia 1953, premio del Ministerio de Educación en la VII Cuadrienal de Roma, 1955, Premio Lucera, 1957).
    En 1960, ahora en plena recuperación, se le asignó la enseñanza en la Escuela Libre del Desnudo en Florencia.
    Murió en Florencia el 15 de marzo de 1981.

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