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Keith Vaughan

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Keith Vaughan nació en Selsey, Sussex (1912)  Después de unos años, la familia se mudó al norte de Londres.

 Al dejar la escuela, Vaughan fue contratado por Lintas, una agencia de publicidad de Unilever. En privado  pintaba y estudiaba las obras de los grandes maestros, Cézanne, Matisse y Picasso en particular. En Lintas hizo amistad con el artista australiano John Passmore que alquiló una casa de campo en Suffolk. Aquí, durante un año antes del comienzo de la guerra, Vaughan y Passmore residían, pintaban, escuchaban música e iban al ballet. Lo que Vaughan veía en el ballet  la agrupación de personas  en movimiento, imágenes que representaría  en gran parte de su trabajo.

 Vaughan era un objetor de conciencia asi que durante la guerra   trabajó como oficinista e intérprete de  alemán en el campo de prisioneros de guerra, Malton, Yorkshire. 



Allí encontró tiempo para dibujar y trabajar en gouache, y también comenzó a escribir un diario que continuó a lo largo de su vida, extractos del cual, a fines de los sesenta, publicaría (Journal and Drawings 1966). Le gustaba escribir y envió contribuciones cortas a Penguin New Writing.Se hizo amigo de John Lehman, el fundador de New Writing, y a través de sus contribuciones fue invitado a mostrar dibujos en una exposición de arte de guerra en la National Gallery.Aquí conoció a Graham Sutherland, John Minton y John Craxton, cada uno de los cuales influiría en Vaughan.

 La primera exposición de dibujos de Vaughan se realizó en la Galería Reid and Lefevre, Londres. En las décadas posteriores realizó exhibiciones en Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires y Sao Paulo, y en el Reino Unido realizó varias exposiciones, incluidas Matthiesen Gallery (1960) y Whitechapel Art Gallery (1962).Vaughan continuó pintando cuando no trabajaba, pero se dedicaba a la enseñanza: primero en Camberwell (1946-8), luego en la Escuela Central de Artes y Oficios (1948-57) y desde 1957  en la Escuela Slade. También fue artista residente en la Universidad Estatal de Iowa en 1959.

 Sus paisajes están influenciados por la obra de Graham Sutherland, mientras que su retrato del desnudo masculino se debe más a las últimas obras de Cézanne que representan grupos de personas que se bañan. Con el tiempo, sin embargo, se apartó de la obra más claramente figurativa de Cézanne, sus figuras se vuelven abstractas, y sus colores se convierten en patrones en lugar de representaciones de matices reales.Vaughan fue elegido miembro honorario del Royal College of Art (1964) y en 1965 fue nombrado CBE. Por su vida laboral, vivió en Hampstead, Londres, pero viajó extensamente a Francia, España, Estados Unidos y México;  Grecia y norte de África.
A pesar del éxito considerable, incluido su premio de CBE, hacia el final de su vida, Vaughan se volvió cada vez más melancólico y solitario. Le diagnosticaron cáncer y se suicidó en 1977. El último de los diarios de Vaughan fue publicado después de su muerte - mientras caía en la inconsciencia por sobredosis escribía en su diario: 'Es una mañana soleada y brillante. Lleno de vida...'.

Peter Coker

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Resultat d'imatges de Peter Coker


Nacido en 1926, Coker tenía 30 años cuando hizo su primera exposición individual en Londres en 1958, época en que el público volcaba todo su entusiasmo por lo estadounidense y abstracto.
Se cuenta que se hizo una exposición en el MOMA (Museo de arte moderno de Nueva York) como parte del programa de la Agencia Central de Inteligencia de los EE. UU. para utilizar el arte estadounidense como propaganda de la guerra fría. La exposición tenía solo una sala  que contenía a Pollock, Kline, Motherwell, Rothko y sus contemporáneos. -la escuela de Nueva York.

 Coker desapareció de los periódicos y de las reseñas artísticas casi sin dejar rastro, junto con los miembros de la "escuela del fregadero " Si Coker fue derrotado por este giro de los acontecimientos, no permitió que lo desviaran de una manera de pintar que había sido inspirada por su primera visión, en París en 1949, de la obra de Gustave Courbet.

Al igual que los otros miembros del "Kitchen sink", Coker fue alabado por el crítico marxista John Berger  que  como un revolucionario  se oponía a aquella  moda  americana. Esto significó  poco para Coker como lo fue para los otros realistas: en lo que a él respecta, pintó los motivos más cercanos y en un estilo más adecuado para representar el tema de forma realista.

Coker nació en Londres, hijo de un padre con negocio de  confitería y una madre amante de las artes. Salió de la escuela pronto para trabajar en la empresa de su padre, pero los dulces no le atraían y   buscando algo que tuviera algo que ver con el arte encontró empleo en la publicación de Odhams Press  y asistía a  clases nocturnas de arte en  la Escuela de arte de St Martin  y en 1950 ingresó en el  Royal College of Art, donde fue sobresaliente y ganó un par de becas.
Resultat d'imatges de Peter Coker


Cuando Coker tenía 11 años, sus padres se mudaron a la zona rural de Essex, y el paisaje y la sensación de cercanía del mar le causaron una impresión perdurable. En el momento de su primera exposición de Zwemmer, ya se estaba moviendo hacia la pintura de paisajes con pigmentos colocados con fuerza y, en los paisajes marinos, grandes losas de color azul inspiradas en la obra de Nicholas de Staël.
 Resultat d'imatges de Peter Coker
Esta línea de trabajo fue la que mantuvo Coker durante el resto de su vida, aunque después de que su hijo Nicholas muriera en 1985, Coker sufrió un ataque cardíaco y un derrame cerebral. Su esposa Vera lo cuidó  y volvió a pintar en sus últimos años. Fue nombrado académico en 1972.


Derrick Greaves

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(1927– ) Pintor y artista gráfico británico, nacido en Sheffield. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes. Estuvo en Italia, becado, desd  1952 hasta  1953 y el realismo de Renato Guttuso le influenció mucho. En la década de los 50 fue una figura influyente del grupo "the Kitchen Sink School",  y durante esta época retrataba temas de objetos  y vistas de su ciudad. El miembro del grupo del que era más amigo era Edward Middleditch, con el que pintó un mural "las cuatro estaciones", para el   Nuffield College, en Oxford. 


 Era el miembro más político del grupo, visitó Rusia en  1957 con  John Berger e hizo una exposición allí, tambien fue uno de los primeros activistas en contra de las armas nucleares. 


 Se desilusionó con la pintura figurativa porque no tenía mucho publico. En 1959 escribió ""Intenté formar un lenguaje pictórico de la naturaleza que fuera de fácil acceso para todos los que quisieran verla. Hacer esto en Inglaterra en este momento ... , me di cuenta que era un suicidio estético ".


 Sus cuadros tenían un fuerte empaste...poco a poco las capas se hicieron  más finas y su obra tendía al Arte Pop mostrando admiración por los collages de  Matisse  y Ellsworth Kelly.
 Dio clases en varias escuelas de arte

KITCHEN SINK PAINTERS

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                                             John Bratby

El término se usó originalmente como el título de un artículo del crítico David Sylvester en el número de diciembre de 1954 de la revista Encounter.

                                                 Jack Smith
 El artículo valoraba  el trabajo de los artistas realistas conocidos como el Cuarteto de Bellas Artes, John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith. Sylvester escribió que su trabajo "nos lleva de vuelta del estudio a la cocina" y describió sus temas como: "Un inventario que incluye todo tipo de comida y bebida, cada utensilio, los muebles normales e incluso los pañales de los bebés". El fregadero de la cocina también. "Sylvester también enfatizó que estas cocinas eran donde la gente común cocinaba y vivía sin duda alguna en sus vidas normales".


                                                                   Peter Coker
 Su obra trata de la vida cotidiana de la gente común, lo cual conlleva un comentario social y político, por lo que el arte de KITCHEN SINK puede considerarse como realismo social.
                                                             Edward Middleditch
El grupo alcanzó su apogeo en 1956 cuando el Cuarteto de Bellas Artes fue seleccionado para representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia

Otto Modersohn

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Otto Modersohn nació el 22 de febrero de 1865 en Westfalia. Fue un reconocido pintor alemán expresionista  y co-fundador del grupo de Worpswede. 

La familia Modersohn se mudó en 1884 de Soest a Münster. Otto Modersohn  ya mostraba desde niño una facilidad para el arte. Después de graduarse, Otto Modersohn va a la Academia en Dusseldorf, pero los métodos de enseñanza no cumplen con sus expectativas. Espera encontrar modelos artísticos después de una corta estadía en Munich en la academia de Karlsruhe. Pero incluso aquí sus expectativas no se cumplen.
Un viaje por el norte de Alemania con Mackensen en 1888 espoleó a Otto Modersohn. Otro viaje de los dos artistas de Worpswede en 1889  le llevaron a tomar la decisión de establecerse allí en una colonia de artistas.
Presenta ocho obras en la   Kunsthalle de Bremer en 1895. Las reacciones a esta exposición se dividieron, sin embargo,  su participación posterior en la "Exposición Internacional de Palacio de Cristal" en Munich, fue para Modersohn un gran éxito.En 1897, Paula Becker fue  a Worpswede por primera vez y en 1901 se casaron.  Hicieron varios viajes y  varias estancias en Alemania y Francia. En la primavera de 1907, los Modersohns finalmente regresan a Worpswede. Paula Modersohn muere allí en noviembre después del nacimiento de su hija. Otto Modersohn se muda a Fischerhude. 

En este entorno rural, Otto Modersohn se dedica al estudio de la naturaleza y aquí vuelve una y otra vez, después de renovadas estancias en Worpswede y Berlín en 1917. "Simplificación, resumen en forma y color es un objetivo principal" de su arte en la década de 1920.A partir de ahora, Modersohn encuentra sugerencias importantes en Holanda y en Allgäu. En Allgäu Otto Modersohn  adquirió una casa en 1930. Modersohn pierde la vista de un ojo en 1936. Luego detiene sus estancias en el Allgäu y solo pinta en el Fischerhuder.En 1943 muere después de una breve enfermedad.

Henri De Braekeleer

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Henri De Braekeleer (1840-1888) provenía de una familia de artistas de Amberes. Su padre Ferdinand era un pintor de género muy querido y su tío Henri Leys  fue el abanderado de la pintura histórica de Amberes. Desde los 14 años, Henri tomó clases de dibujo en la Academia de Amberes. A pesar de su origen familiar no hizo cuadros de género anecdóticos y divertidos, ni pintó grandes lienzos históricos. Es principalmente conocido por sus representaciones de interiores, con personajes, a veces vistos desde atrás. Tomando el ejemplo de los pintores flamencos  del siglo XVII como Johannes Vermeer y Pieter de Hooch, observó la realidad muy de cerca. El juego de luz y color en sus pinturas y el hecho de que la representación y la combinación de formas sea tan importante como el tema, hacen que su obra sea moderna.

En una carta de van Gogh a su hermano Theo, escribe...


No es del viejo Braekeleer de quien quiero hablar, sino de un hijo suyo, creo, que tenía en la última exposición de Bruselas tres soberbios cuadros titulados
Amberes, La Es­cuela y Atlas.

Si ves también algo de Lagey, de Braekeleer, Wauters, Maris, Tissot, Jorge Saal, Jundt, Ziem, Mauve, escríbeme sobre eso; son pintores que me gustan mucho

Fanny Brate

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1862 -  1940)
Brate fue una  artista  marginada por la historia del arte y por los   museos. Desde el comienzo del siglo veintiuno, su arte ha resurgido en el mercado del arte y en  las paredes de los museos. Sus obras que retratan una vida familiar idílica, influenciaron a Carl Larson.
Fanny Brate nació en Estocolmo en 1862. Fue aceptada en Real Academia de Bellas Artes a los 18 años. Al contraer matrimonio se vio obligada a abandonar la pintura, aunque siguió participando en el mundo artístico como mecenas. 

Ilustró varios libros infantiles y en 1885 recibió una medalla Real de los amigos del arte. En  1943 el Museo Nacional organizó una exposición en su memoria



Constantin Meunier

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1831Etterbeek, 1905Ixelles), Pintor y escultor belga, uno de los más importantes artistas social-realistas de su época en Europa.


 Empezó su carrera como escultor, pero desde  1857   hasta 1884 se dedicó a la pintura.  Despues de visitar algunas minas y fábricas mostró en su obra un interés especial en los trabajadores, especialmente en los mineros de Borinage, portuarios de Antwerp, trabajadores del metal y en las mujeres trabajadoras. 


En 1882, el gobierno belga le concedió una beca para ir a España, donde hizo cuadros especialmente religiosos. Al regresar a Bélgica comenzó con las esculturas de bronce. 


Van Gogh escribió:

"Querido Theo:
En todas sus obras, Meunier es de lejos superior a mí. En Bruselas, vi sus pinturas en una exposición. De hecho, es el único artista belga que me ha emocionado de verdad. Pintó a los metalúrgicos de Borinage y sus acompañantes en los caminos, en la mina o en las fábricas. Sus obras se distinguen claramente tanto por el color como por el tratamiento. Ha pintado todas esas cosas que siempre he soñado realizar..."

El belga Constantin Meunier fue el primer escultor extranjero contratado por el Estado francés para el museo del Luxemburgo  para hacer dos estatuas en bronce, Descargador del puerto de Amberes y Martillador, adquiridas en 1890 en el primer Salón nacional de Bellas Artes, sociedad secesionista de los Artistas franceses.



LORENZO VICTORIANO AGUIRRE SÁNCHEZ

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(Pamplona, 1885-Alicante, 1942). Pintor, dibujante, escenógrafo y cartelista español. Comenzó su formación de mano del pintor levantino Lorenzo Casanova y en la madrileña Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1901 se trasladó a París para ampliar sus estudios y allí realizó trabajos de escenografía en los talleres del Gran Teatro de la Ópera. Remitió asiduamente sus obras a exposiciones y certámenes artísticos. Fue galardonado con medalla de tercera clase en la Nacional de Bellas Artes de 1922 y con segunda en la edición de 1926 por el lienzo Crepúsculo de vidas. En 1930 fue premiado por la Asociación de Pintores y Escultores y obtuvo el máximo galardón en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925.


 El 18 de julio de 1936 comienza la Guerra Civil y se traslada con el Gobierno a Valencia, ingresando al año siguiente en el Partido Comunista. Al finalizar la Guerra, huye a Francia donde sobrevive con su familia gracias a sus pinturas viviendo en París y Le Havre. Pero de nuevo la guerra hace acto de presencia en su vida. En este caso es la Segunda Guerra Mundial. En 1940 huye a España para reorganizar el PCE pero Aguirre es detenido en Irún y trasladado a la cárcel de Ondarreta y poco después a Madrid siendo, cómo no, torturado.
Resultat d'imatges de LORENZO VICTORIANO AGUIRRE SÁNCHEZPese a que sus tres hijas pidieron de rodillas clemencia a Carmencita, hija de Franco, en el día de su santo, Aguirre fue ejecutado a garrote vil ante todos los presos de la cárcel el 6 de octubre de 1942. Fue acusado de "rojo asesino" y de "auxilio a la rebelión". Al ser subdirector de Policía de Madrid en 1936, en la Causa General se le involucró en el asesinato de José Calvo Sotelo. En 1947 se archiva su expediente de masón por no haber encontrado pruebas en su contra.

 Resultat d'imatges de LORENZO AGUIRRE
En el año 1986, y gracias a la gestión de Concepción Badiola y Pedro Manterola, el Banco de Bilbao expuso las obras de Aguirre en Pamplona y Bilbao, donde es admirado. En Alicante, gracias al diputado provincial D. Miguel Valor, se le dedicó en 2003 un homenaje en el MUBAG en forma de exposición.

Antoni Gelabert Massot

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Nacido en Palma de Mallorca en 1877,​ fue considerado uno de los mayores exponentes de la llamada escuela de Deyá, especializada en paisajismo.​ Se suicidó en Deyá a los 55 años de edad en el año 1932.​ Se ha destacado la influencia de Santiago Rusiñol en su obra.

Anton Ažbe

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Mucha gente conoce a  Wassily Kandisky, a menudo llamado el padre del arte abstracto, pero no muchos saben que el legendario artista ruso tuvo como profesor a un artista esloveno llamado  Anton Ažbe.

Ažbe nació en  1862 en el pequeño pueblo de Dolenčice en Eslovenia. Se quedó huerfano muy joven y pasó la mayor parte de su niñez con una familia adoptiva. Era pequeño y débil asi que lo prepararon para trabajar en una tienda de ultramarinos.  Se escapó y empezó a convivir con artistas. Sabía que tenía talento para pintar así que se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Viena y Munich. 
Además de artista de talento, tambien tenía grandes conocimientos de arte así que a menudo le pedían opinión sobre obras de otros artistas. En 1893 abrió su propia escuela en la capital Bávara. Enseñó durante más de una década y tuvo alumnos de toda Europa, incluyendo a Rihard Jakopič, Ivan Grohar, Wassily Kandinsky, Mstislav Dobuzhinsky  y Nadežda Petrović.
Era conocido como un profesor exigente, y sus alumnos pasaban horas estudiando las complejidades de la figura humana. Sin embargo, predicó la primacía de la visión del artista y fue recordado por sus palabras: "Conoce tu anatomía, pero olvídala delante de tu caballete". Instó a sus alumnos a que se centraran en "la línea principal" en lugar de detalles insignificantes.Según algunos historiadores del arte, las teorías desarrolladas por Ažbe influyeron fuertemente en la interacción del color en el arte abstracto de Kandinsky muchos años después.
Se sabe muy poco de su vida privada. Nunca se casó y tenía reputación de solitario y excéntrico.  Caminaba de forma muy lenta lo que  provocaba que los niños se burlaran de él, e incluso fue ridiculizado por los dibujantes de Munich. Dormía en su estudio y solía ir de borrachera por las cervecerías del barrio.Aún así, sus alumnos le gustaban mucho, muchos de los cuales preparó de forma gratuita. Kandinsky lo describió como un "artista dotado y una persona extraordinariamente buena".  En 1903, el gobierno de Serbia le otorgó una medalla. 
Ažbe no fue un pintor prolífico, pero algunas de sus obras, como "Negress" (Zamorka), un perfil de mujer negra, se han convertido en clásicos y ahora se exhiben en la National Gallery de Ljubljana. Murió de cáncer en 1905. Si bien nunca se apartó demasiado del realismo y no abrazó  la vanguardia, su legado vivió en sus estudiantes, muchos de los cuales llegaron a dar forma al arte del siglo XX.

Rihard Jakopič

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Desde su juventud, Rihard Jakopič (1869-1943) se sintió atraído por el arte, pasando su tiempo dibujando y pintando de la naturaleza. Cuando todavía era un estudiante de sexto curso en la escuela secundaria de Ljubljana, dejó sus estudios para dedicarse por completo a la pintura. Luego dijo que creía que la niebla de Ljubljana había despertado en él un presentimiento de algo parecido al Impresionismo. 


En 1887 ingresó en la Academia de Arte de Viena, dejándolo después de dos años para estudiar en Munich. Aquí también se quedó solo dos semestres, y con otros estudiantes insatisfechos persuadió al artista esloveno Anton Ažbe de fundar su propia escuela privada, a la que se unieron. Ažbe no estaba comprometido con el estilo impresionista, pero tampoco se oponía, y era especialmente bueno para alentar el desarrollo de talentos individuales.
 No estaba interesado en la teoría artística, creyendo que la fuente y la problemática de la pintura estaban en el alma del hombre, en el mundo de la fantasía y la imaginación.

La primera etapa de su creación  data de los años de Munich hasta alrededor de 1906, cuando trató de lograr la reproducción precisa de la naturaleza a través de su aprehensión de la luz y el color. En su segunda fase  entre 1906 y 1917,  dominó los medios, ya no evitaba el contenido intelectual y trabajaba en composiciones de figuras más grandes pero más íntimas, donde los valores de color se distribuían uniformemente a través del lienzo.
 El tercer período se extiende desde el final de la Primera Guerra Mundial hasta su muerte. En este momento, su trabajo podría definirse como 'expresionismo de color', porque el color se convirtió en el medio de interpretación. El mismo material vuelve a aparecer en diferentes composiciones de colores, que representan diferentes interpretaciones emocionales.
Jakopič también comenzó a pintar de memoria, como para reforzar tanto sus creencias como su estilo. La captura en la pintura de la impresión óptica, junto con las cualidades ilusionistas del color aplicado al lienzo sin ninguna preocupación por la forma real del objeto, estos fueron los vehículos de la vida que más interesaron al pintor. "No hagas un objeto", le dijo a su colega Jama, "haz una visión ..." Desde el principio se había sentido inspirado por los efectos de la niebla en el paisaje y los objetos apenas discernidos dentro de él. Había comparado estos efectos con sueños y visiones que quería llevar a la vida tangible. Para él, la técnica había sido solo un medio, una confesión personal, su fin. "Me esforcé por digerir las impresiones de la naturaleza en mí mismo y pintar lo que experimenté", dijo.
Jakopič vivió a través del color. Lo consideró un medio tan palpable como el mármol o la madera para el escultor, o el sonido para el músico. Y aunque su interés temático era amplio, variando entre paisajes, naturalezas muertas, composiciones figurativas, retratos y desnudos, la pureza y la vitalidad gloriosa de su paleta es más evidente en sus paisajes.

Ivana Kobilca

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Ivana Kobilca nació en 1861 en Ljubljana. Cuando tenía 16 años fue con su padre a Viena y allí visitó, por primera vez, muchas galerías de arte. Así comenzó su pasión por el arte y fue la primera mujer en entrar en la Academia.  Cuando tenía 28 años ya era muy conocida en Viena y Munich y ya exponía en Kunstherhaus y Glaspalast.


La nombraron miembro de la sociedad Nacional de Bellas Artes y fue al Salón de París.  Vivió durante algún tiempo en Sarajevo, donde pintó unos frescos en el iglesia de los jesuítas. Fue a Berlin pero cuando comenzó la primera guerra mundial regresó a casa. 


Cuando la creatividad de sus retratos comenzaron a perder fuerza comenzó a pintar flores.  Vivió la última década de su vida en su ciudad natal. Murió a los  55 años, despues de una dificil operación.

Está considerada la mejor pintora realista de su país, Eslovenia


Helga Amélie Lundahl

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1850 Oulu – August 1914  Helsinki) fue una pintora finlandesa.


La menor de once hijos, su madre murió cuando ella tenía tres meses y su padre falleció cuando ella tenía ocho años. 
 Estudió en la Academia de Bellas Artes de Helsinki, despues de un breve paso por la Escuela de Bellas Artes de Estocolmo, lo que le facilitó una beca.


Con otra beca consiguió ir a París, donde estudió en la Academia Julian. Se quedó doce meses y con Bretaña se convirtieron en sus sitios preferidos para pintar.  Cuando regresó a Finlandia, en 1889, ella y  Victor Westerholm ayudaron a fundar una colonia de arte en el pueblo de  Önningeby, en las islas Aland.


ABED AL KADIRI

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 "Mi inspiración viene de mi vida diaria: lo que está sucediendo a mi alrededor. Eso incluye las guerras en la región y las ideologías promovidas por personas que simplemente están repitiendo lo que aprenden sin pensar. Algunas de estas personas se han convertido en 'Guardianes de las Ideas', simplemente están protegiendo las suyas. Están matando la creatividad y evitando cualquier discurso nuevo o cualquier idea nueva. Creo que el arte es la única forma de difundir nuevas ideas desde una perspectiva humanitaria ".


 Nacido en Beirut en  1984. Es licenciado en literatura árabe y en Bellas Artes, además está titulado en pintura por la Universidad libanesa. Enfoca su obra a favor de la libertad de la sociedad, analizando los temas contemporáneos de violencia, herencia cultural y  migración
 Resultat d'imatges de abed al kadiri painter
En su serie   Al Maqama de  2014,  le rinde homenage a  Yahya Al Wasiti (un artista árabe del siglo XIII). Proyecto para protestar contra la destrucción de monumentos históricos en Iraq, hecho que le causó un fuerte impacto, especialmente la destrucción del museo de Mosul en 2015. Previamente ya había hecho otro "Cenizas al mar", para el cual tomó como foco el Mediterráneo, punto de tragedia humanitaria en un  engañoso y calmado mar azul.


Ha expuesto en   la Facultad de Bellas Artes, Beirut(2006); En el rincón de la Asociación de Artistas Libaneses, Beirut (2008);  FA Gallery, Kuwait (2011); Al Maqama Dar Al Funoon, Kuwait (2014); y Ashes to the Sea en la galería Mark Hachem, Beirut (2016) Galería de arte Arcadia Al Bareh, Bahréin (2016). Al Kadiri también ha participado en varias exposiciones colectivas regionales e internacionales como Contemporary Istanbul 2011, Hungary Art Moments 2014Art Paris 2015, Basel Art Center 2016, Beirut Art Fair 2011, 2016 y 2017.



  Al Kadiri se centró en una trayectoria profesional estable más allá de sus prácticas pictóricas en Kuwait desde 2006 hasta 2015, primero como crítico de arte durante 3 años, luego en 2010 estableció FA Gallery en Kuwait. A principios de 2012 se le ofreció el puesto de Director en Contemporary Art Platform (CAP) Kuwait, la principal institución artística sin fines de lucro en Medio Oriente. 


Allí comisarió numerosas exposiciones, desarrolló un extenso programa de educación y contribuyó a un aumento de la atención y el enfoque en la incipiente escena del arte contemporáneo kuwaití e inició el programa de intercambio de arte dando paso a colaboraciones con espacios de arte significativos en París, España, Hungría, Reino Unido, Corea del Sur, Líbano, El Cairo y otros en la región del Golfo. En 2015, Al Kadiri dejó su puesto en CAP y desde entonces reside en Beirut y trabaja como artista a tiempo completo. Recientemente fue galardonado con el premio del Jurado del Sursock Museum en el 32º Salon d'Autone.




Isaak Brodsky

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Isaak Brodsky – pintor y artista gráfico nacido en Crimea en 1883. En 1902 se trasladó a San Petersburgo para estudiar en la Academia Imperial de Bellas Artes. No le fue fácil matricularse porque el acceso era muy dificil para los judíos, solo se podían matricular  un  3 por ciento. Practicamente era indispensable estudiar allí para tener una carrera de éxito en el mundo artístico y además los alumnos destacados podían disponer de becas para ir al extranjero.

Desde 1909 hasta 1911 pudo disponer de fondos universitarios para viajar a Alemania, Francia, España e Italia.  Pasó la mayor parte del tiempo en la isla de Capri, Italia, que en aquel momento era un lugar popular para artistas y escritores europeos. Durante su estancia allí  se hizo amigo de  Maxim Gorky, un activista político y fundador del realismo socialista.  Gorky, que ayudaba al comunismo, fue arrestado muchas veces por oponerse al régimen de los zares, pasaba temporadas en Capri por salud y por escapar de la represión en Rusia. Lenin, amigo personal de Gorky, lo visitó en Capri en  1908.
Cuando Brosky finalizó sus viajes estalló la revolución de octubre de 1917 y el participó en varias exposiciones en la Academia de Bellas Artes y en otras. Se unió a la Sociedad Judía  para 
 el Fomento de las Artes en 1916.


Con el tiempo, Brodsky pintó a los líderes soviéticos, incluido Vladimir Lenin; Joseph Stalin; Anatoly Lunacharsky, el primer comisario popular de educación soviético; Kliment Voroshilov, uno de los cinco Marshals originales de la Unión Soviética; y Grigory Zinoviev, uno de los siete miembros del primer Politburó.
Isaak Brodsky - V. I. Lenin in Smolny, 1930
 Brodsky se involucró en la reorganización de la educación artística en la URSS, obteniendo el título de profesor en 1932 y Director de la Academia Rusa de las Artes. Disfrutó de una buena relación con muchos pintores destacados, incluyendo su mentor, Ilya Repin. Brodsky usó sus conexiones para atraer a los mejores artistas y maestros disponibles para la academia y se convirtió en una figura importante en el mundo del arte de la Rusia soviética. Usó su influencia para difundir el movimiento del realismo socialista.
The Execution of the Twenty-Six Baku Commisars by Isaak BrodskyComo artista, Brodsky creó un cuerpo de trabajo que contó la historia de la Guerra Civil Rusa y la Revolución Bolchevique, al tiempo que cumplía con los requisitos del realismo socialista. Como ávido coleccionista de arte, consiguió  una  buena colección, además de la heredada, que llevó a su apartamento en la Plaza de las Artes en San Petersburgo   y que fue declarado museo nacional después de su muerte.




Hussein Madi

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Hussein Madi nació en  Chabaa, un pueblo al pie del monte  Hermon al sur del Líbano. Pintor, escultor y grabador, estudió en ALBA y despues fue a la Academia de Bellas Artes y a la de San Jacomo en Roma. Durante sus estudios en Italia, realizó una investigación avanzada sobre el patrimonio cultural del mundo árabe, y particularmente de Egipto.

Regresó al Libano y dio clases  de escultura y grabado en la facultad de Bellas Artes del Libano y desde 1958 hasta 1962 en ALBA. Desde 1964 vive entre Beirut y Roma. Está exponiendo por Europa desde 1965-

Ha participado en las bienales de Alexandría y Bagdad, ha expuesto en el museo de Beirut, en la Galería La Satdera, Sulmona, Italia... etc.  

Utiliza la caligrafía, símbolos que originalmente fueron pictogramas. Hussein Madi es uno de los artistas destacados  responsable de la explosión de la escena artística en el Medio Oriente en la última década.

ABEL AUER

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 Abel Auer nació en  Munich en 1974. Su trabajo ha sido descrito como rozando la frontera entre la abstracción y la figuración, entre la realidad y la alucinación, la seriedad y lo grotesco.Como fundador de Isotrop de Hamburgo en la década de 1990, formó parte de una red influyente y ahora históricamente importante de instituciones y actividades alternativas en Alemania, y continúa creando trabajos que cuestionan los discursos dominantes en el arte contemporáneo.Actualmente vive y trabaja en Stuttgart.



Vojtěch Hynais

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Vojtěch Hynais (1854–1925) fue una figura destacada de la escena artística checa. Estudió en la  Academia  con  Karl Wurzinger, August Eisenmenger y Anselm Feuerbach como profesores. Recibió una beca para estudiar en Italia (1875-1876). Hynais visitó brevemente Praga en 1876 y luego se mudó a París y estudió en la École des Beau-Arts. 

Ganó el concurso para la decoración de la escalera y el telón  del Teatro Nacional (1880). Con la ayuda del arquitecto J. Hlávka, también participó en la decoración del Court Theatre en Viena, por la cual recibió la orden del Caballero de Franz Josef I y la Orden de la Corona de Hierro de la Tercera Clase. En 1890 fue nombrado caballero y más tarde se convirtió en oficial de la Legión de Honor francesa (1923). También preparó diseños para la fábrica de porcelana en Sevres, pero rechazó una oferta para convertirse en su director.

En cambio, aceptó una cátedra en la Academia en Praga  y más adelante se convirtió en su rector. Hynais también creó carteles para la Exposición General del Centenario de la Tierra,  la Exposición Etnográfica checo-eslava  y decoró el panteón del Museo Nacional. Se convirtió en un miembro  de la Academia de Ciencias y Arte  y recibió el Premio de la Academia. Expuso en la Feria Mundial de París y fue galardonado con una medalla de oro.

Viktor Oliva

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(NovéStrašecí1861 - Praga1928) fue un pintor, e ilustrador checo que vivió durante el Imperio austrohúngaro.
Oliva, con 17 años se graduó en la Academia de Bellas Artes en Praga con el pintor y restaurador František Sequens y luego en la Academia de Bellas Artes de Múnich. En Múnich, se incorporó a la Asociación Škréta de artistas checos, a la que pertenecían Luděk Marold y Alfons Mucha.
 En 1888 estuvo pintando en la zona de Montmartre de París, vivió allí durante algunos años haciendo buenos amigos con otros bohemios parisinos como Luděk Marold, Aleš Mikoláš, Jakub Arbes y Karel Vítězslav Masek. Este grupo de oriundos de Bohemia fueron el centro de la cultura bohemia. En ese ambiente su arte se desarrolla y entra en el mundo de la absenta, a la que dedica uno de sus cuadros. Tras varios años regresó a Bohemia.
 En 1897 comienza a trabajar como editor de imágenes en la revista Zlatá Praha que era muy popular al editarse en el idioma checo, se mantuvo en ese cargo durante 19 años. En ese periodo se casó y tuvo un hijo, pero su mujer le abandonó y él se hizo cargo del mismo. En los años siguientes produjó muchas obras y compartió mucho tiempo con su amigo Josef Kořenský y visitando su café favorito, el Café Slavia. En 1926 la revista Český Svět, que trataba sobre personalidades y sus vidas, le dedicó un artículo reconociendo especialmente su trabajo como ilustrador. Murió en Praga el 5 de abril de 1928. Fue enterrado en el cementerio Olšany en la zona de artistas famosos.
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