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  • 10/18/17--13:01: Pierre Paulus
  •  La Fonte, 1913

     Composition à l'éventail et aux objets domestiques, 1915

     L'ouvrière

     Le mineur

     Coron

     

     (1881 - 1959†)

     Pierre Paulus nació en Châtelet en 1881 en una familia de artistas. Estudió arquitectura en la Academia de Bruselas, donde se graduó, y se dedicó a la pintura, su única y verdadera pasión. A los 15 años, ya tenía un buen dominio de la pintura. No fue hasta 25 años, sin embargo, cuando se convirtió en el pintor que hoy recordamos, el pintor del País Negro, con sus entornos industriales e industrializados: minas y escombreras en la orilla del  Sambre, fábricas de acero  arrojando sus llamas y el humo de fondo ... También pinta la naturaleza, personas,  bodegones y la vida cotidiana.

    Fue  aclamado  en 1911 en la Exposición de Charleroi por el público en general, y su notoriedad comenzó a crecer. Durante la Primera Guerra Mundial  se refugió en  Londres.

    El período de entreguerras se dio a conocer en Europa y en los Estados Unidos.  Dedicó  toda su vida al expresionismo  pero también a otras formas de arte como la litografía y carteles.

    En  1913 dibujó el gallo de la bandera de  Valonia




    Murió en Bruselas en 1959, a los 78 años de edad.


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  • 10/19/17--13:08: Roger Somville

  • Pintor belga  nacido en 1923,  hombre de gran cultura, controvertido  filosofo de la vida que extrae de su práctica artística. Ya en 1947, miembro de la "Joven pintura belga". Abogó por "un arte al alcance del público, según el ejemplo de la pintura mural mexicana". Posteriormente, el militante comunista nunca dejó de atacar a la "buena conciencia burguesa", rebelándose contra los dogmatismos de todos lados, los de los "diktats impuestos por la doctrina oficial del realismo". socialista "como los de las" repeticiones ininterrumpidas "del" viejo arte moderno "," vaciado de significado ". 

    Nacido en Schaerbeek  en una familia de artesanos, estudió en la Real Academia de Bellas Artes con  el pintor Charles Counhaye. Ardiente defensor del "realismo social" contra el arte abstracto, Somville es bastante severo con respecto a algunos de sus colegas, así como  con los críticos, comerciantes y coleccionistas de arte de su tiempo .

    En 1969, recibió el Premio de la Crítica .  La abstracción, para Somville, no consiste en renunciar a la figuración, sino en extraer lo esencial de la vida; es decir, transponer los fenómenos naturales y sociales. Un artista que renuncia a esta transposición actúa como si fuera extraído del mundo en el que vive y, por lo tanto, produce un arte vacío.

    Tras largo tiempo  de ostracismo, será conocido por el público belga a través de los frescos que cubren las paredes de algunos espacios públicos en Bruselas (como en la estación de Hankar) o Louvain-La-Neuve. Las obras de Somville se pueden admirar en Bruselas y Louvain-le-Neuve, pero también en la Ciudad de México, Dresde, Faenza, San Petersburgo, Sofía, París y Lund.

    Murió en 2014, a los  90 años de edad.

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  • 10/20/17--13:43: Leon Spilliaert

  • Resultat d'imatges de Leon Spilliaert
    Resultat d'imatges de Leon Spilliaert



     Ostende  1881; Bruselas 1946.
    Pintor y diseñador belga Sus fuentes iniciales de inspiración fueron las botellas y frascos que vio en la perfumería de su padre en Ostende. Sin embargo, en 1889 estudió brevemente en la Terenacademie de Brujas. Su obra inicial, ya impregnada de simbolismo, fue alimentada por sus lecturas de Friedrich Nietzsche y Maurice Maeterlinck, por ejemplo. Desde febrero de 1903 hasta enero de 1904 trabajó para Edmond Deman, el editor de Bruselas asociado especialmente con Emile Verhaeren, quien lo alentó.Resultat d'imatges de Leon Spilliaert
    En 1904 Spilliaert se quedó en París, donde se encontraba al margen del círculo de Picasso y descubrió la obra de Munch y Toulouse-Lautrec, cuyas influencias reconoció. Siguió pasando la mayor parte de los inviernos en París para mantenerse en contacto con la vida cultural de la ciudad. Una úlcera de estómago que le producía insomnio lo convirtió en un ave nocturna, que producía innumerables obras, una mezcla de acuarela, pastel, lápiz y tinta china. Reveló las bellezas de Ostende de noche: diques y muelles abandonados, arcadas, farolas que brillan a través de la niebla. 
    Resultat d'imatges de Leon Spilliaert
    Entre 1907 y 1913 desarrolló una forma original de simbolismo, teñida de expresionismo y gobernada por un estricto sentido de síntesis. Pintó numerosos autorretratos, obras cargadas de misterio y melancolía y las inspiradas en el contraste entre una figura solitaria y la inmensidad del mar o el cielo. También creó paisajes geométricos que rayaban en la abstracción y eran únicas para la época. Al mismo tiempo, estaba desarrollando motivos Art Nouveau como  Pietà, donde los arabescos  animan las olas. A partir de 1912 ejecutó pasteles a gran escala  de diversas escenas portuarias, con grandes figuras esquematizadas que influyeron en Constant Permeke. Se movió en círculos literarios y culturales y fue amigo del dramaturgo belga Fernand Crommelynck, así como de Stefan Zweig, quien había seguido su carrera desde sus inicios.

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  • 10/23/17--13:36: Gustave Van de Woestijne


  • 1881, Gante - 1947, Ukkel
    Gustave van de Woestijne estudió en la Academia de Gante. E n 1900 se trasladó a   Sint-Martens-Latem con su hermano, el poeta tKarel van de Woestijne. Fue uno de los pintores más famosos de la escuela  Latem.

    Durante la Primera Guerra Mundial vivió en Gran Bretaña. Volvió a Bélgica en  1921 y se convirtió en profesor de la Academia de  Mechelen.

    En sus primeras obras podemos encontrar pinturas religiosas y obras próximas al simbolismo, despues cambió al expresionismo.

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  • 10/24/17--13:31: Rik Wouters

  • Fallecido en 1916 cuando solo tenía 33 años. Había padecido problemas económicos, el internamiento en un campo durante la Primera Guerra Mundial y un cáncer; también perdió un ojo durante una operación.

    Nacido en Malinas y reconocido rápidamente por sus contemporáneos, siempre buscó transmitir optimismo a través de la luz y el color, representar visiones de la “buena vida”, fuese coqueteando con el uso postimpresionista del color o con la mayor libertad que trajeron el fauvismo y las vanguardias. Su aliada a la hora de recrear esas visiones de la “alegría de vivir” fue su esposa Nel, que sería también su musa, a la que retrató en muchas ocasiones.

    Su primer campo de trabajo fue la escultura en madera; fue cinco años antes de su muerte, en 1911, cuando comenzó a pintar. En un primer momento lo hizo seducido por el fauvismo, movimiento del que se le considera el mayor representante belga; pero tras un viaje a París en 1912 se dejó seducir por el uso casi lírico del color de Renoir y la geometría precubista de Cézanne.

    Al margen de su amor por el color vitalista, en la obra optimista de Wouters subyace cierto mensaje crítico: sus escenas intimistas y su afán por mostrar la belleza en lo sencillo y cotidiano (en el contacto con la naturaleza, la vida doméstica, la ausencia de actividad) chocaron entonces con los gustos burgueses. Gracias a las cartas enviadas a su amigo, también artista, Simon Levy, sabemos que su actividad pictórica llegó a obsesionarlo y que se dejó inspirar por la obra de El Greco, Cézanne y los Bruegel, a quienes pudo contemplar en Bruselas.


    MASDEARTE


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  • 10/27/17--10:29: David Olère




  •  1902-1985
    David Olère fue mucho más que un simple artista. Gracias al él, hay pruebas de las atrocidades nazis de los campos de exterminio, ya que documentó con sus dibujos y pinturas esos años que pasó en el infierno. Es quizás el artista más conocido que trató el tema del holocausto en sus numerosas obras.

    El joven judío polaco estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, y pronto decidió buscar fortuna en Berlín, donde trabajó en la industria del cine. En los años 20, como todo artista, se mudó a París, y siguió su trabajo en el cine, que claramente marcó su trabajo (y vicerversa: en toda película sobre el holocausto vemos los horrores que ilustró y que fue de los pocos que vivió para contarlo).

    Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, Olère combatió, pero al final sería perseguido como todos los judíos que vivían en Francia. en 1943 sería arrestado y enviado a Drancy, a las afueras de París, campo conocido como «la sala de espera de Auschwitz». Dos semanas después, sería enviado en tren al lugar más terrible del planeta.
    En Auschwitz, los oficiales de las SS pronto descubrieron su talento artístico. su conocimiento de varios idiomas y las habilidades para el dibujo le permitieron sobrevivir pagando un precio terrible: fue Sonderkommando, es decir, trabajó en el crematorio y a las cámaras de gas, y castigó a su propio pueblo.

    En 1945, Auschwitz fue liberado por las fuerzas aliadas y el artista volvió a Francia donde dibujó y pintó las horrorosas escenas grabadas en su memoria, que presenció mientras fue prisionero en los distintos campos de concentración. Estas obras no sólo son de una calidad e intensidad asombrosas, sino que fueron utilizadas como evidencia legal para probar el holocausto.

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  • 10/30/17--14:23: Aurél Bernáth



  • (1895, Marcali - 1982, Budapest)Pintor, artista gráfico, profesor, crítico de arte y periodista húngaro.
    Estudió en  la escuela impresionista de Nagibánya, díscipulo  de  de János Thorma e István Réti, pero debido al estallido de la Primera guerra Mundial pronto tuvo que dejar sus estudios.
     Fue herido gravemente en el frente y se instaló en  Budapest, a continuación, en 1921 emigró a  Viena,  y luego a  Berlín.  

    Volvió a Hungría  en 1926 y se unió al grupo de artistas que se reunían  en el Gresham Café de Budapest, que adoptaron las ideas de Nagybánya como otra tradición desarrollable; intentaban la relación emocional y formal entre la naturaleza y el ser humano. Entre las muchas características comunes que caracterizan a los miembros del grupo, lo más importante es el punto de partida de ver la realidad, la recreación con medios pictóricos es un verdadero reflejo de su mundo emocional personal. El objetivo principal de las pinturas de Aurel Bernath es expresar el pensamiento, la emoción y el estado de ánimo. Tiene una estructura definida,  sobre el dominio de las formas pero también tienen un ritmo lírico.



    Es un  pintor con talento excelente que  también realizó importantes actividades literarias.  La obra de Aurel Bernath como pintor y escritor se complementó con actividades pedagógicas y artísticas desde 1945. Como profesor de la Facultad de Bellas Artes, deliberadamente llevó a cabo la tarea trascendente de la tradición que comenzó con su trabajo artístico a principios de los años treinta. Además de varios otros premios, recibió un Premio Kossuth en 1948 y 1970 y Munkácsy Award en 1950. En 1958 ganó la medalla de oro en la World Expo de Bruselas. 


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  • 11/02/17--13:13: Konrad Krzyżanowski



  • Konrad Krzyżanowski (1872–1922) fue un pintor polaco nacido en Kremenchuk en Ucrania. Expresionista, autor de retratos y paisajes. 

    Kapliczka kartuska
    Empezó sus estudios en Kiev y continuó en San Pertersburgo y Munich. En Varsovia fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. Llevaba a sus alunos a clases al aire libre en Polonia, Lituania y Finlandia. 

    La mayoría de sus paisajes los pintó en Finlandia
     Con una fuerte influencia del movimiento modernista, al que añadiría algunos elementos simbolistas, su pintura se cataloga dentro del expresionismo.


     De 1912 a 1918, viaja por París y Londres, y a su regreso a Polonia, abre su propia escuela de pintura, en la que enseñó pintura a muchos de los más importantes artistas polacos de las dos décadas entre las dos guerras.
    Murió en Varsovia, el 23 de mayo de 1922.

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  • 11/03/17--13:58: Hugo Simberg


  • Hugo Gerhard Simberg 1873-1917.Fue un pintor y artista gráfico finlandés.

    A los dieciocho años se matriculó en la Escuela de Pintura de los Amigos del Arte de Viipuri y más adelante tambien estudió en la Escuela de Pintura de la Asociación Finlandesa de Bellas Artes. No conforme con la enseñanza académica decidió prepararse con Gallen- kallela en su solitario estudio de Ruovesi.

    En 1896 fue a Londres y en 1897 a París e Italia.
    Durante esos años expuso varios trabajos en las exhibiciones otoñales de artistas finlandeses, incluidos Otoño, Escarcha, El diablo tocando música y La tía Alexandra, los cuáles fueron bien recibidos. Un momento importante de su vida, sucedió cuando fue elegido miembro de la Asociación finlandesa de Artes y como profesor de la Escuela de Pintura de los Amigos del Arte de Viipuri. En 1904 fue comisionado para decorar el interior de la iglesia de San Juan en Tampere, un proyecto que llevó a cabo  con ,Magnus Enckell
    entre 1904 y 1906. De 1907 a 1917 enseñó en la Escuela de Pintura de la Asociación Finlandesa de Artes.


     
    Sus pinturas ponen énfasis, predominantemente, en tópicos sobrenaturales y macabros. Un buen ejemplo es Koulema kuuntele (La Muerte escucha), donde representa a la muerte personificada por un esqueleto que usa un abrigo negro, escuchando con la cabeza inclinada cómo un joven toca el violín; en el fondo esta una anciana acostada en una cama, con aspecto de enferma. Con esto se sugiere que la muerte está ahí para llevarse a la anciana, pero espera a que el joven, quizá el hijo de la anciana, concluya su pieza de violín.

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  • 11/06/17--12:32: Josef Čapek


  • Josef Čapek (1887-1945) nació en Hronov, Bohemia. Tres años mayor que su hermano Karel, uno de los escritores checos más influyentes del siglo XX. Estudió en la escuela de Vrchlabí pero pronto se dieron cuenta que su talento necesitaba una formación mejor, así que durante seis años estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Praga. Como František Kupka y otros pintores checos de su época necesitaron ir a París. Estuvo en París, con su hermano  durante doce meses, estudiando en la academia Colarossi. Se hicieron amigos del poeta Guillaume Apollinaire y Karel fue el traductor de sus poemas. Cuando regresaron a Bohemia, Josef pintó en estilo cubista durante algún tiempo y poco a poco fue cambiando a  expresionismo y simbolismo.

    Josef no solo pintó, ademas de escribir fue tambien ilustrador, artista gráfico, periodista y crítico de arte. A partir de finales de 1920 la pintura naif bohemia le influyó mucho y lo plasmó en una serie de pinturas, litografías y pastel, inspirados en la vida en el campo y juegos infantiles.

    Cuando Checoslovaquia cayó bajo el dominio nazi, en  1939, Josef fue arrestado y enviado a varios campos de concentración. Vivió para ver el final de la guerra, pero murió unos pocos días antes  de que los prisioneros fueran liberados por las fuerzas aliadas


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  • 11/07/17--12:08: Bengt Lindström



  • Bengt Lindström destacado representante de la corriente expresionista, se trasladó tempranamente a París, donde vivió gran parte de su vida y desarrolló su vocación y se convirtió en el artista famoso que fue posteriormente. Ello ni impidió que mantuviera siempre vínculos artísticos y afectivos con Suecia, especialmente con la región donde había nacido en 1925, en el norte, donde transcurrió su infancia y adolescencia, en estrecho contacto con una naturaleza que siempre rescató en sus obras más recordadas.

    Lindström inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Estocolmo y los continuó en Copenhague, París y Chicago. Sus primeros trabajos son retratos y autorretratos figurativos y en 1947 se traslada a París, donde trabaja intensamente, participa en varias exposiciones colectivas y conoce a pintores consagrados como Maryan, Pouget y el danés Asger Jorn, que influirá en su obra como se aprecia en la pintura de paisajes inspirados en personajes de la mitología escandinava.

    Después de su primera exposición en París, en 1958, su nombre fue conocido internacionalmente impresionando su fuerza expresiva y la particular utilización de colores puros que acostumbraba a utilizar en grandes cubos en torno a los cuales se movía junto al lienzo tendido en un bastidor apoyado en el suelo. En 1962 participó en la segunda muestra de Nueva Figuración, celebrada en París.

    Durante varios años expuso galería de retratos de escritores famosos como Oscar Wilde, André Gide y el filósofo Levi-Strauss. A partir de su conocimiento de la obra de Chagal, realizó sus primeras litografías, que, al igual que muchas de sus obras, fueron donadas a museos suecos, principalmente al de Härnösand.
    Un rasgo de su personalidad fue su generosidad. Una de sus últimas donaciones tuvo lugar el año pasado y consistió en la serie denominada Asagudarna, siete grandes pinturas que aluden a los dioses de la mitología nórdica.

    El País 


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  • 11/08/17--13:04: Guy Peellaert

  • 1934-2008 Bélgica
    Artista polifacético como pocos, su impronta se puede encontrar desde el cómic a la fotografía, pasando por la pintura, la música y el cine. Grafista dotado, Peellaert cultivó la hibridación formal para realizar series de cuadros tan brillantes como Rock dreams, que sobre textos de Nick Cohn trazaba un tributo surrealista y onírico a las grandes figuras de la música pop.
     Su estilo hiperrealista le valió memorables portadas de discos de los Rolling Stones (It's only rock 'n roll), David Bowie (Diamond Dogs) o Étienne Daho (Pour nos vies martiennes), carteles tan carismáticos e influyentes como los de las películas Short Cuts (Altman), Taxi driver (Scorsese), Alas sobre Berlín, o París, Texas (Wenders), y una extensa obra en la que destaca con especial fuerza su breve pero fundamental contribución al cómic.
     En plena ebullición cultural e intelectual de la Francia de finales de los sesenta, el cómic se convirtió en un referente contracultural. Una forma considerada de subcultura infantil y vulgar que se erigió en refugio y herramienta de provocación contestataria hacia la cultura oficialista de un selecto grupo de autores que, impulsados fundamentalmente por el editor Eric Losfeld, rompieron todos los límites formales y conceptuales del medio con una serie de cómics protagonizados por heroínas hipersexuadas, de militancia radical y novedosa vanguardia estética que hundía sus raíces en lo más profundo de la cultura popular. La Barbarella de Jean-Claude Forest abriría un camino en el que las contribuciones de Peellaert resultarían decisivas. Junto al guionista Pierre Bartier creó en 1966 Las aventuras de Jodelle, una lúcida y comprometida sátira fantástica de la sociedad de los sesenta, publicada en las páginas de Hara Kiri, en la que una heroína inspirada en la cantante Sylvie Vartan protagonizaba una explosión de delirante cromatismo plenamente deudora del pop art-


    Se trata de una obra de inflexión que tendría prolongación en Pravda, la survireuse (1968), que realizó junto a Pascal Thomas. Françoise Hardy tomó el relevo de referencias para adentrarse en la psicodelia más excesiva y en la fusión atrevida de géneros -desde el western a la ciencia-ficción y las road movies- con el pop más visceral y desmedido. Dos obras que sentaron las bases de una relectura adulta del medio y que supondrían un legado primordial al que añadió la sorprendente Bye bye bye, baby, bye bye, en 1973.
     Información- El País

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  • 11/09/17--13:53: Abram Arkhipov

  •  Yegorovo, Ryazan 1862;  Moscú 1930.

    Pintor ruso nacido en Yegorovo, provincia de Ryazan.  Estudió en la Escuela de Pintura, escultura y arquitectura de Moscú con 
    Vasily Perov, Aleksey Savrasov, Vladimir Makovsky y Vasily Polenov como profesores. Se unió a lo artistas itinerantes  (Peredvizhniki) en 1889 y a la Unión de Artistas Rusos en  1903. 

    En deuda con la pintura realista de Perov, Arkhipov también prestó especial atención a los efectos de la luz, el ritmo y la textura, incluso en sus lienzos más didácticos, como lavanderas


    Arkhipov encontró una fuente de inspiración rica y diversa en el campo ruso y el campesinado; pintó campesinos en el trabajo, el deshielo de la nieve, la iglesia local y el sacerdote, las aldeas del extremo norte y el Mar Blanco. Obras como The Lay Brother (1891) y Northern Village (1903, ambas de Moscú, Tret'yakov Gal.) Son evidencia de la importante posición de Arkhipov en la historia de la pintura de paisaje rusa de finales del siglo XIX. Su concentración en la pintura plein-air fue compartida en gran medida por otros representantes de la Unión de Artistas Rusos, tales como Baksheyev, Leonard Turzhansky (1875-1945) y Sergey Vinogradov (1869-1938).


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  • 11/10/17--04:21: Borís Grigóriev
  •  

    BORIS

    GRIGORIEV

    (1886-1939)

     Su padre fue director de banco en Rybinsk. Estudió en la Universidad Estatal de Moscú y en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo.

    Al acabar sus estudios, el artista y su  mujer se trasladaron a St Petersburgo, donde trabajó en la Academia de Bellas Artes durante tres años. Siendo profesor en la Academia de Moscú, participó en exposiciones de París y Nueva York. En 1919 se vió forzado al exilio, escapando con su mujer y un hijo de cuatro años, a través del golfo de Finlandia. Primero vivieron en Berlin, donde trabajó para varias revistas. A partir de 1921 vivió en París y en  1927  construyó una pequeña casa en Cannes, en el sur de Francia, que llamó Villa Borisella y se convirtió en su lugar de creación durante doce años.

    En 1928 dió clases en la Academia de Bellas Artes de Santiado de Chile.


    En los años 20 consiguió mucha fama en occidente, especialmente en los Estados Unidos. A partir de 1921 vivió en París donde exponía anualmente. Durante esta época tambien visitaba frecuentemente USA.

    Pintó muchos retratos de casi todos los representantes del mundo intelectual ruso y tambien creó escenas de París, Nueva York, Santiago de Chile, paisajes de Europa, norte y sur america e ilustraciones para libros. 


    Boris Grigorie no solo tenía talento para la pintura, sino tambien para la literatura. Escribió libros bajo el seudónimo de Boris Grie.

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  • 11/13/17--12:48: Julie Wolfthorn



  • Nació en Thorn, hija de  una familia judía de clase media. Estudió pintura y artes gráficas en Berlin. Despues de una corta estancia en París para estudiar en la Academia Colarossi y en la Academia Julian, volvió a Berlin, donde vivió durante décadas en una casa que ya no  existe. En 1898 fue miembro fundadora de la Secesión de Berlin y en 1905 firmó con otras 200 artistas la petición de admisión  en   la Real Academia de Bellas Artes de Prusia, aunque la solicitud fue desestimada por entonces director Anton von Werner.  En 1906 fundó con

    Käthe Kollwitz la "connection Visual de Artists".  Käthe y ella fueron nombradas miembros y jurados  de la Secesión en 1912 pero  Fanny Remark y Julie Wolfthorn fueron despedidas en  1933, Julie se quedó en Berlin trabajando en la Asociación cultural de los judíos alemanes, que  fue declarada ilegal por los nazis  y sus miembros fueron arrestados y desposeidos de sus bienes.

    En 1942, Julie Wolfthorn y su hermana Luise, fueron transportadas al campo de concentración Theresienstadt donde permaneció  hasta su muerte en 1944
     




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  • 11/17/17--11:49: Yolanda Carbajales Ferreiro

  • Yolanda Carbajales Ferreiro (Caracas, Venezuela, 1968)

    Licenciada en Bellas Artes, Universidad de Salamanca, 1991
    Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en otros paises, Portugal, Inglaterra, Suecia, Francia e Ialia entre otros.
    Desde 1992 obtiene distintos premios, nacionales e internacionales dentro del mundo del grabado y del diseño gráfico, de entre los cuales, cabe destacar:
    2º Premio Salón Internacional Gran Premio “La Mujer en el arte Galería de las Naciones , Arte Internacional. (Buenos Aires,2003)
    Mención Honorífica I Bienal Internacional de Grabado de Contratalla (Tarragona, 2004)
    1º Premio XII Premio Internacional de Grabado “Villa de Cebreros” (Ávila, 2005)
    Artista Galardonada en Modalidad Gráfica “Premio Web Color Kleinos” (Italia, 2005)
    Ganadora del Premio “María Teresa Toral” (2011)
    Seleccionada por la SNBA (Sociedad Nacional de Bellas Artes francesa) para exp. Corrousel del Louvre, 3nd Qijiang International Print Invitational Exhibition (China), Internacional Mezzotint Festival – Ekaterinburg Museum of Fine Arts (Rusia), etc.

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  • 11/20/17--12:56: Carel Weight


  • Carel Weight 1908-1997

    Nació en Paddington, Londres, en 1908. Como sus padres trabajaban lo dejaban durante la semana con Rose Matkin, que era su madrina y que vivía en Fulham, en aquel entonces un barrio obrero. Pasaba con sus padres los fines de semana, en una zona de clase alta y pronto se dio cuenta de la diferencia de clases. 

    Weight estudió are en la Escuela Hammersmith, donde conoció a Ruskin Spear, que se convertiría en un amigo para toda la vida. Animado por  James Bateman estudió en Goldsmiths' College donde se permitía la composición imaginativa. En 1934 alquilo un local para exponer que llamó mucho la atención gracias a que lo mencionaron en  el periodico Observer
    Daba clases  en la escuela de arte  Beckenham lo que le permitía vivir.  

    Resultat d'imatges de Carel Weight 
    Expuso en la  Royal Academy y en la Sociedad de Artistas Británicos y era miembro de la asociacion Internacional de Artistas, que ayudaron a los artistas a escapar de la Europa Nazi. Lo reclutaron para la guerra y fue enviado a Italia como artista de guerra. Tambien fue a Viena y a Grecia y esto le serviría  como una buena experiencia formativa. 

    Resultat d'imatges de Carel WeightCuando volvió a Londres en  1947 fue invitado a dar clases en el Royal College of Art. Realizó un mural para el pabellón británico en  1963. 

    Pintó paisajes y retratos, pero sobre todo  captó un estado de melancolía, evidente en las misteriosas presencias de sus pinturas fantasmas ambientadas en los modestos entornos urbanos del oeste y el sur de Londres, más familiares para el artista.


     En 1957 entró como profesor en el Colegio Real de Bellas Arte. En 1963 pintó el mural Cristo y la gente para la catedral de Manchester y en 1982 hicieron una gran exposición en la Academia.


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  • 11/21/17--12:51: John Craxton


  •  1922;  2009

    .John tuvo el ingenio para disfrutar de  la vida a medida que pasaba. Pintó el placer, poetas y pastores, marineros en bares y gatos. A los 14 años, el padre de un amigo lo llevó de un campamento Scout en Francia a la Exposición Mundial de París. Fueron solo al pabellón español  a ver el  Guernica de Picasso.  Picasso, a quien conoció después de la guerra, tendría un gran impacto en sus últimas imágenes semicubistas.
    Procedía de una familia de músicos pero el, desde niño, deseaba ser pintor. A los 16 años lo enviaron a estudiar a París, a la  Académie de la Grande Chaumière. Despues se matriculó en Westminster Art School y  Central School of Art en Londres en 1940.

     En 1941 fue rechazado por el ejército debido a una pleuresía. Más o menos en esta época, en plena guerra, conoció a Peter Watson, cofundador de la revista Horizon. Este sería su mecenas durante varios años y le presentó a otros dos pintores, Robert Colquhoun y Robert MacBryde. También en esta época conoció a Lucian Freud; los dos tenían 19 años y se les consideró como el futuro de la pintura inglesa. Estudiaron juntos en varias academias e incluso compartieron un diminuto piso.



    Sus dibujos y pinturas durante la guerra recibieron el calificativo de "neorrománticas"- nombre que el odiaba. 
    A partir de 1946, el y  Freud pintaron en Poros. John viajaba por toda Grecia y dijo "tengo la sensación de ser  poco británico, me identifico más con Grecia"
    Nunca dejó de viajar regularmente a Inglaterra, aunque cada vez menos. Solo abandonó Grecia voluntariamente desde 1970 a 1976 durante la dictadura de los coroneles.
     
    Antes de mudarse a Grecia, en los años cincuenta, el coreógrafo Frederick Ashton le pidió que diseñara los decorados y el vestuario del ballet “Dafnis y Cloe”, protagonizado por la gran bailarina Margot Fonteyn.


    En  1993 fue nombrado académico. Vivía y trabajaba entre  Chania, Creta y Londres. Sobrevivió a su compañero de muchos años 
    Richard Riley.


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  • 11/22/17--13:00: Article 0
  • La vida de JOHN BRATBY era tan colorida como su arte. Los ingleses adoran que un artista sea excéntrico, y Bratby se contentaba cada vez más con asumir el manto de Augustus John, viviendo su vida en público, siempre dispuesto a ofrecer su opinión en entrevistas o cartas a la prensa. Sin embargo, hay una extraña contradicción aquí, porque Bratby era uno de los hombres más tímidos. Sus apariciones públicas reales fueron muy pocas. Si sus dramas privados (divorcio, locura, segundas nupcias, amenazaban perder la vista) a menudo se convertían en noticias, ¿quién era el responsable final? Bratby, tan astuto como siempre en la promoción de su arte a lo largo de su vida, era su mejor agente de prensa.

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  • 11/23/17--14:57: John Minton

  • ¿Por qué un artista de tanto talento, un pintor, aparentemente sin problemas financieros querría suicidarse? 
    Joh Minton fue encontrado moribundo en su estudio de Londres. Tenía solamente  39 años, a su lado descubrieron  un frasco de pastillas. Minton era gay, un hombre muy popular y sin preocupacions aparentes. En los años cincuenta muchos artistas  les fue dificil aguantar el tirón de la abstracción y el Pop Art, a otros como Francis Bacon, Keith Vaughan o Lucian Freud les importó un bledo.



    John Minton (1917-1957) fue un dibujante y artista gráfico de gran talento. Hombre inquieto, recorre el mundo desde los años 30 pintando hombres musculosos, sentados al lado de la pesca del día en Francia, En Córcega retrata un cementerio de cruces doradas y flore escarlata y en España, país que visita muchas veces, captura la oscuridad interior de una carreta, en la que un granjero dormita, contra el maíz maduro que arde hacia un cielo azul feroz. Su vista del Támesis desde Rotherhithe hasta Wapping, después de la guerra, es como una magnífica Venecia.  
    En los años   50 alcanza el apogeo con su obra en Jamaica. Pinta  un enorme friso, tres pescadores metidos  hasta la cintura en el océano, hojas de palmera  cuelgan como gigantescas plumas de papel, obra que parece prefigurar el arte caribeño de Ofili y Peter Doig



    A partir de ahí todo parece ir  mal. Minton deja de pintar, comienza de nuevo, tropieza y pierde el control. Las imágenes le salen  mal.  Unos meses más tarde se suicidó


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