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  • 04/10/17--11:49: PEDRO CAMPOS


  • Pedro Campos   pintor nacido en Madrid en  1966. Se formó en la Escuela Oficial de Conservación y Restauración de Obras de Arte de Madrid. Antes de dedicarse exclusivamente a la pintura hiperrrealista fue ilustrador en importantes agencias.

    En 1998 comenzó a pintar objetos simples de la vida cotidiana con impresionante veracidad, tanto que muchos al mirarlas pensaban que eran fotografías.

    Sus cuadros, al óleo sobre tela, se han expuesto en toda España y en algunos sitios de los Estados Unidos y de Gran Bretaña


    “Creo que la influencia de la restauración en el desarrollo de mi estilo ha sido importante […] (Por ejemplo) La restauración de áreas perdidas en pinturas antiguas, te obliga a buscar exactitud en el color: cualquier intervención personal debe pasar desapercibida.” Comenta Pedro.



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  • 04/12/17--12:14: Michael Carson



  •  Michael Carson nació en  1972 en Minneapolis. USA. Se  graduó en el Instituto de Arte y Dibujo  de Minneapolis.  Trabajó como artista gráfico y comenzo a pintar en  2001.


    Influenciado por Toulouise Loutrec, John Singer Sargent, Norman Rockwell, Malcolm Liepke, y  Milt Kobayashi, Michael Carson es esencialmente un artista figurativo al que le gusta contar una historia. Sus personajes se encuentran en bares, nightclubs,  cafés y clubs de jazz, incluso en casa y en situaciones íntimas.

    Le gusta enfatizar las relaciones con color y luz . Ha expuesto en Minneapolis desde 2003   hasta  2006 y ha participado en varias exposiciones colectivas.


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  • 04/13/17--12:52: Malcolm T. Liepke


  • Malcom T. Liepke– ( 1954) Pintor americano. Estudió en Art Center College of Design en Pasadena y durante la última década  ha contribuído al resurgimiento de la pintura figurativa. 
    Se trasladó a Nueva York y comenzó a estudiar artistas como
     John Singer Sargent, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Diego Velázquez, James McNeill Whistler y Édouard Vuillard. 

    Su obra ha aparecido en portadas de    Time, Newsweek, Forbes y Fortune y ahora figura en la colección del  Smithsonian Institution  y en el  Brooklyn Museum. Ha expuesto en  Pastel Society of America, the American Watercolor Society, National Academy of Design  y en el   National Arts Club. 

    Es compañero de  Milt Kobayashi y ambos tienen un estilo muy parecido


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  • 04/17/17--05:17: XOSÉ GUILLERMO

  • Nací en Carballo, Coruña, en 1947. Mi vida ha estado vinculada a la ciudad de Vigo. Fui becado por la Diputación de Pontevedra, para estudiar bellas artes. Siempre viví de y para la pintura. Desde hace veinte años desarrollo mi actividad en una Fundación que se llama "FUNDICION NAUTILUS". Tal vez porque fundimos en una actividad conjunta, artes como Pintura, Escultura, Música, Fotografía, Literatura.... El trabajo en la "Fundi" en sus sedes de Vigo y Granada se alternó con exposiciones e intervenciones más o menos submarinas, pues los componentes de la "Fundición Nautilus" nos desarrollamos mejor en los líquidos.

    El artista falleció a los 61 años el 16 de febrero de 2009, dejando en la memoria colectiva de la ciudad su revulsivo cultural en plena Movida que le llevó a fundar años más tarde la Fundición Nautilus

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  • 04/19/17--02:55: Raúl Soldi


  • Raúl Soldi (1905-1994) nació en Buenos Aires.  Inició sus estudios de arte en  la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina. A los 18 años viajó a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923 y despues se trasladó a Italia ingresando a la Academia Brera, de Milán, en 1924.


    Regreso a la Argentina  en 1933 y becado por la Comisión Nacional de Cultura recorrió los Estados Unidos.  Hacia 1935 comenzó a trabajar como escenógrafo  para Argentina Sono Films, donde realizó más de 600 escenografías para las más exitosas películas argentinas, tarea que desempeñará hasta mediados de la década del 50 aproximadamente. Esta actividad, con la que se sustentaba, le suponía largas jornadas, volvía a su hogar a las 18 horas y pintaba con la pequeña iluminación de una lámpara de 25 watts. Por eso los críticos llaman a ese periodo como el rosa del autor. En sus primeras exposiciones en Argentina, presenta obras oníricas,  “período amarillo”, por la recurrencia de este color en sus pinturas, debido tal vez a la luz artificial con la que pintaba.

     La figuración en Soldi no responde a  un canon académico, en  sus figuras de circo, bodegones e iconografía cristiana suenan influencias  picassianas.


    Desde los años 50 y hasta mediados de los 70 abundan los colores azules, por lo que estos años se engloban en el denominado “período azul”. Es la época de las grandes obras de Soldi, donde él ya puede vivir de su pintura.
    En 1953 comienza la que va a ser una de sus obras mayores: la decoración de los muros de la Parroquia de Santa Anaen Glew (provincia de Buenos Aires), e ilustró numerosos libros de poesía y de música. Durante más de 20 años trabajará en estos frescos, cubriendo  250 metros cuadrados y empleando más de 60 figuras. Se trata de escenificaciones de la vida de Santa Ana, para las que Soldi recurre a numerosas referencias a Glew y su entorno.


    En la década del 60  Soldi pinta el techo del  teatro Colón. El 25 de mayo de 1966 se inauguró el conjunto de dieciséis paneles de pintura sobre tela que Soldi concibió y ejecutó para decorar la cúpula. Denominada “Alegoría a la música, al canto y al baile”,  cincuenta y una figuras cubren casi 318 metros cuadrados.
    Entre finales de los años 70 y los 90,  el denominado “período blanco”, en el que su paleta se aclara, constituyendo el blanco un color recurrente.
    En 1979 el pintor crea la Fundación Soldi, a la que dona las que considera sus 60 mejores obras.  En 1982 abre sus puertas en la casa que fuera su residencia veraniega en Glew.


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  • 04/20/17--12:13: Milt Kobayashi



  • Nació en Nueva York pero pronto se trasladó a  Oahu, Hawaii con su familia. A los ocho años se fue a Los Angeles. Despues de graduarse en la Universidad de California, en 1970, comenzó a trabajar como ilustrador.  En 1977 volvió a Nueva York y al visitar el Museo Metropolitano su carrera artística cambió al ver un retrato de Juan de Pareja de Velazquez
     
     Comenzó a estudiar la obra de Whistler, Chase y Sargent, que tenían ifluencias de Velazquez. Luego estudió la pintura japonesa del siglo XVI y XVII. La perspectiva del arte japonés le proporcionó armonía en el color, composición y dibujo


    Kobayashi ha recibido dos premios importantes:El National Academy of Design's Ranger Purchased Award y el  Allied Arts Silver Medal. Su obra ha aparecido en  las revistas Forbes, Fortune y Reader´s Digest


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  • 04/21/17--12:04: Alberto ARRUE


  • Pintor vizcaíno nacido en Abando (Bilbao) el 3 de febrero de 1878 y fallecido en su ciudad natal en 8 de abril de 1944.
     Hermano de José, Ricardo y Ramiro. Se inició en las artes aprendiendo dibujo con Antonio María Lecuona, completando sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios. Los maestros Guinea y Arámburu le enseñaron los secretos del oficio. En 1894 fue pensionado por la señora Viuda de Epalza, cursando estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, bajo la experta dirección del pintor Moreno Carbonero y otros prestigiosos artistas de las Bellas Artes. En su decidido afán de conseguir nuevos conocimientos de pintura viajó por diferentes países: Roma, París, Marsella, Londres, Burdeos, República Argentina, etc. En Roma instaló un taller de pintura, donde realizó algunas de sus más destacadas obras, al mismo tiempo que trabajaba en la Academia fundada por la Associazione Artística Internazionale.

    Como notable reproductor de escenas y costumbres del País Vasco, Alberto Arrúe ha sido considerado por la crítica como uno de los más firmes y prestigiosos pintores de nuestro país. Concurrió un par de veces a las Exposiciones Nacionales -bienales- que se celebraban en Madrid en el parque de El Retiro. Parece ser que al pintor le pusieron la zancadilla, ya que sus obras fueron colocadas en la llamada sala del crimen; esta injusticia determinó que el pintor no acudiese más a tales exposiciones. Las exposiciones más interesantes celebradas por el pintor son las siguientes: Exposición Nacional de Bellas Artes (Madrid, 1901 y 1904); IV Exposición de Arte Moderno Bilbao, 1906); Exposición Hispano Francesa (seleccionado en Zaragoza en 1919); Primera Exposición de Pintura y Escultura (Bilbao, 1919); Exposición de Pintura Española (Londres, 1920); Exposición con sus hermanos Ricardo y José en Burdeos en 1920; Exposición en Buenos Aires en 1922; y otra exposición con sus hermanos Ramiro y José en Buenos Aires en 1928; Exposición personal en Bilbao en 1943. Sus obras más representativas podrían ser: Retrato de Tomás Meabe, Retrato de Juan de la Encina, La vuelta de la romería, Caridad, Pescadores vizcaínos, Lola, Fray Juan de Zumárraga (efigie, que le encargó la Diputación de Bizkaia para la Galería de Vascongados ilustres de la Casa de Juntas de Guernica), Aldeanos de Arratio (que se encuentra en la colección de la Diputación de Bizkaia) y Pescadora (propiedad del Museo Provincial de Vitoria).
     

    Auñamendi Eusko Entziklopedia


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  • 04/24/17--11:28: Christian Schloe



  • Christian Schloe es un artista austriaco que le gusta combinar la pintura con la ilustración y la fotografía. Todo puede ocurrir en su mundo creativo que con un toque de surrealismo parece representar sueños del universo.

    Sus cuadros de una belleza peculiar, conectan la realidad con la imaginación.

     Los personajes de sus obras llevan vestidos victorianos, sombreros de copa e incluso princesas de los libros de cuentos infantiles.

    No se sabe mucho sobre él, solo que comenzó con su carrera  artística hace poco tiempo




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  • 04/25/17--11:59: Richard Diebenkorn




  •  1922 –  1993
    Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.

    Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.

    En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas en su pintura.

    Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.

    Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.


    En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.
    Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.
    La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.

    Información EL PAIS

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  • 04/26/17--12:24: Vladimir Iglesias Geraldo



  • Vladimir Iglesias Geraldo | nació en Matanzas en1964. Estudió pintura, escultura y dibujo en la Instituto Superior Pedagógico Enrique José Varona y se gradúa como Licenciado en Educación Plástica en 1990. Es artista independiente y miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.
    La temática de obra es fundamentalmente el paisaje, visto desde sus diferentes entornos, como el marino, rural y urbano, todos ejecutados con una meticulosidad y un realismo casi fotográfico, en algunas obras se traslada a sitios de la ciudad Matanzas, en otras, muestran fragmentos de La Habana colonial y del Valle de Viñales. El bodegón es otro de los temas de las mpinturas de Vladimir, la mayoría de las veces fusionado con otros paisaje de fondo, logrando fuertes contrastes y con una iluminación intensa dejando entrever su pasión por el paisaje cubano.

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  • 04/28/17--13:00: Huang Yongyu




  •  Nacido en 1924 en  Fenghuang, provincia de Hunan.  Nunca fue a una escuela de arte, es autodidacta. Estudió arte y literatura por si mismo. Quizás sea por eso que muestra una especial inicitativa y vitalidad sin atenerse a un patrón determinado.

    Su tierra natal es su tema favorito. Fenghuang no es solo un lugar de una infancia feliz en su memoria, sino tambien el sitio que le proporciona inspiración artística. Nunca olvidó aquellos estrechos senderon empedrados de su ciudad, donde veía a los artesanos haciendo cometas y esculpiendo estatuas de Buda, donde disfrutó de la óperas folk, de las carreras y bailes de dragones y leones. Nunca olvidó aquellas maravillosas escenas.
     

    En la década de 1950 se convirtió en  el profesor más joven de la Academia Central de Bellas Artes de Pekin. Eran los tiempos de la revolución cultural  y Huang fue uno de los artistas principales en grabado y tinta.


    Durante los años 70, Huang Yongyu comenzó a alejarse del  grabado  y comenzó con sus tintas de flores, de paisajes y de pájaros.



     El búho y los pájaros que  son ahora pinturas icónicas, tienen un significado cultural complejo en China. A diferencia de la visión  de la lechuza como una figura de sabiduría en Occidente, tradicionalmente en China, la imagen de la lechuza estaba llena de connotaciones ominosas y vista como precursora de malas noticias.  Desde la década de 1950 hubo un esfuerzo oficial concertado para mejorar la imagen cultural de la lechuza. El final de los años 50 fue un período de hambruna generalizada en China, y muchos culpaban  a gorriones y roedores de la destrucción de cultivos.  A la gente se les dijo que que el buho era el enemigo natural de los roedores y que ayudarían. Se crearon publicaciones para niños y jóvenes con la lechuza como protagonista adorable, e incluso una película, para promover su imagen, y lo hicieron con éxito. Yongyu  fue un ilustrador de los libros para niños









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  • 05/01/17--15:01: Zdzisław Beksiński


  •  1929-.2005
    Zdzislaw Beksinski nació en Polonia en Sanok  en 1929. Despues de pasar la niñez durante la Segunda Guerra Mundial, fue a la universidad de Cracovia para estudiar arquitectura. Despues de acabar sus estudios pasó varios años como supervisor de obras, trabajo que odiaba, hasta que pudo introducirse en  el arte. En  1958 empezó a ganarse el beneplácito de la crítica. Se trasladó con su familia a Varsovia en 1977. Expuso por toda Europa pero el raramente asistía a las exposiciones.  Aunque era una persona muy tímida, era agradable y con gran sentido del humor.  En 1998 su esposa murió y al año siguiente su único hijo, Thomas, se suicidó.   Esta corriente trágica le afectó a él mismo, pues en 2005 fue brutalmente asesinado en su apartamento.

    El decía que quería pintar de forma que parecieran sueños fotografiados, que estaba obsesionado con el proceso de la creación.  Ejecutaba su obra en un estilo que el denominaba "barroco o gotico". Las primeras son ejemplo de un realismo fantástico, imágenes perturbadoras en un entorno de pesadilla surrealista. El segundo estilo es más abstracto, dominado por la forma.  Su obra presenta espacios desolados y escalofriantes, como producto de un desastre apocalíptico.



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  • 05/04/17--12:23: Hans von Bartels


  • Hans von Bartels (Hamburgo, 25 de diciembre de 1856 - Múnich, 5 de octubre de 1913), fue un pintoralemán, hijo del Dr. N. F. F. von Bartels, un oficial del gobierno ruso. Estudió primero con el pintor de marinasR. Hardorif en Hamburgo, luego con C. Schweitzer en Düsseldorf y C. Oesterley, y finalmente en la Escuela de Arte de Berlín. Después de viajar ampliamente, en particular a Italia, se estableció en Múnich en 1885 y fue nombrado profesor de pintura en 1891.
    Pintor al óleo de gran energía, es uno de los más destacados acuarelistas alemanes, principalmente de marinas y escenas de la vida de pesca, pintado con rudo vigor y una gran exhibición de habilidad técnica. Destaca en escenas de tormenta y en representar a los fuertes y sanos pescadores de las costas septentrionales. Se convirtió en miembro de honor de las sociedades artísticas más notables de Inglaterra, Alemania, Holanda, Bélgica y Austria. Fue ennoblecido por el rey de Baviera.



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  • 05/05/17--03:01: ANXEL HUETE





  • ÁngelHueteValesnaceenOrenseen1944. Comenzóavivirelambienteartísticodesdelainfancia, yaquesupadre, unconocidoperiodista, eramuyamigodedestacadosplásticosourensanos. ElfuturopintorserelacionadesdemuyjovenconJaimeQuesada, JoséLuisdeDios, AciscloManzano, Virxilio, conterráneosyalgomayoresqueél.
    Enladécadadelossesenta, trasresidiralgúntiempoenVigo, setrasladaaBarcelona, paraasistiraloscursosdelaEscuelaMassanayseguirdespuéslacarreradeBellasArtesenlaEscueladeSanJorge. ElcaminodefinitivolohallaráenlaEscuelaSuperiordeBellasArtes (H. F. B. K.) deBerlín, dondeentraencontactoconlasvanguardiasqueorientanlaobradeljovengallegohaciaunaabstracciónsinóptica, debasegeométrica, despuésdeetapasinicialesenlasquecultivóelpop-artyunexpresionismoemparentableconlascorrientesqueuniversalizóBacon.
    Exponeindividualmenteen1966, enVigo, ydesdeentoncessusmuestrassehansucedidoenciudadesdeGaliciaydeEspaña, enBerlín, RíodeJaneiro, Suiza. Másinteresaaúnessuparticipaciónencolectivasdeimportancia, desde1970enBerlín, pasandopornumerosasciudadesdeEspaña, porFrancia, Argentina, etc.
    Figuróenlasde«Atlántica» desdelainicial, yaquefuemiembrofundadordelgruposurgidoenBaiona. Interesadoporlainvestigaciónenlaplástica, realizaloscursosdeDoctoradoenlaFacultaddeBellasArtesenlaUniversidaddeSalamancaysedoctoraenBellasArtesporlaUniversidaddeVigo. Deestaúltimaesprofesor. Haviajadopornumerosospaísesytieneobranosóloencoleccionespúblicasyprivadas, comomuseosdeGaliciaycentrosinstitucionales, sinoquetambiénlatieneintegradaenarquitectura. TalelmuraldelcentrodeE. G. B. enArmenteira, laesculturaalairelibredelpolígonodeLaGrela, enLaCoruña, ylosmuralesenlaalamedadeChapela, enVigo, yeldelaautovíaVigo-Pontevedra, enelllamadonudodeIsaacPeral. Hailustradonumerososlibrosypublicacionesapartirde1982paraescritoresyeditorialesdeGalicia. FiguraenlosmuseosdeVigo, Pontevedra, ACoruña, León, ArteContemporáneadeCompostela, degrabadodeBuenosAiresydelaResistenciaSalvadorAllende.
    LapinturarepresentativadeHueteesporcompletoabstracta, convagasyhastanulasreferenciasformales, casisiempredeintencióngeométrica. Supaletaesmuysobria, deentonacionesocresdominantes, aunquetambiénestánazulesyamarillos. Llegaaunatotalsimplificación, sugiriendoelgrafismodeldiseño, especialidadquehacultivado. Materialevísima, muytendidasobreelsoporte, confrecuenciapapel, consiguetexturascaprichosas, comodebrochazoelemental. Lamanchaesamplia, despereocupadaenaparienciaynoobstante, muymeditada. Suelerealizarseriesacercadeunamismaconcepción, conligerasvariantesdeestructuraycromatismo. Nohayenestaobraningunaconcesiónalo«bonito». Porelcontrario, lametadelartistaesunapintura«pobre», queprecisadelatotalatencióndelespectadorparaadentrarseensucomplejomundosugerido.





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  • 05/09/17--12:27: Carlos Schwabe



  • Carlos Schwabe (1866 – 1926) pintor e ilustrador simbolista suizo.  Nació en Altona, Holstein pero siendo muy joven se trasladó a Ginebra donde adquirió la nacionalidad suiza. Estudió en Ginebra y terminados sus estudios se fue a París donde se hizo amigo de los pintores simbolistas. Su obra se basa en temas mitológicos por lo que se considera un artista literario. Fue tambien un reputado ilustrador. Ilustró libros como Le reve (1892) de Emile Zola,  Les Fleurs du mal  de Charles Baudelaire (1900),  Pelleas et Melisande de Maurice Maeterlinck (1892), y Jardin de l'infante de Albert Samain(1908). Schwabe vivió en Francia el resto de su vida y murió en Avon, Seine et-Marne en 1926.
     Se pueden distinguir dos estilos diferentes en su arte. Antes de 1900, sus pinturas eran mas individuales y experimentales, indicando el idealismo de los simboistas. Escenas alegóricas más  convencionales se encuentran en su última época.
     Las imágenes de la mujer, a veces representando la muerte y el sufrimiento otras veces como guía de la creatividad, son muy importantes. Su primera mujer fue su modelos para angeles y vírgenes. La muerte de un amigo en 1894, cuando el tenía  28 años, fue el comienzo de su interés por la muerte.




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  • 05/11/17--14:35: Georg Schrimpf


  • 1889  Munich – 1938  Berlin.
     Pintor alemán y artista gráfico. Con Otto Dix, George Grosz y Christian Schad fueron los principales representantes del grupo conocido como  Nueva objetividad, que desarrollaron en la década de  1920 un movimiento entre el expresionismo y la abstracción.  Schrimpf fue considerado como productor de arte degenerado por el gobierno nazi de la década de 1930

    Schrimpf nació en Munich. Su padre ya había muerto antes de su nacimiento y su padrastro lo echó de casa. En 1902 trabajó como aprendiz de panadero en Passau. Desde  1905 hasta 1914 viajó por Belgica, Francia, Suiza  y el norte de Italia, trabajando como camarero, panadero y carbonero. En 1913 vivió en una colonia anarquista en Suiza donde se hizo amigo de Oskar Maria Graf, tambien panadero pero que se convertiría en un famoso novelista.


     Cuando estalló la Primera Guerra Mundial como era anti militarista hizo todo lo posible para evitar el servicio militar pero en el empeño perjudicó mucho su salud. Desde 1915 hasta 1918 vivió en Berlín, donde comenzó a pintar y a hacer escultura en madera. Como artista autodidacta fue aprendiendo copiando de antiguos maestros
    En 1916 el famoso publicista y experto en arte Herwarth Walden 
     expuso alguno de sus cuadros y esculturas en su galería y la obra gustó al público. En esta galería  Schrimpf conoció a la pintora  Maria Uhden.  Se casaron en 1917 pero al año siguiente ella murió

    En 1925 Schrimpf partició en la exposición  Neue Sachlichkeit en Mannheim Kunsthalle. Dos años despues empezó a dar clases en
     Meisterschule fur Dekorationskunst en Munich. Al principio no fue perseguido por los nazis como muchos artistas de  la Nueva Objetividad porque su obra les pareció  aceptable. Fue nombrado profesor de la Academia de Arte de Berlin en 1933, pero fue despedido en  1937 por su pasado "rojo", ya que había sido miembro de    Rote Hilfe, una organización socialista. Por esta razón  sus cuadros fueron eliminados de exposiciones públicas. 



     

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  • 05/18/17--11:50: Georg Scholz
  • Georg Scholz (Wolfenbüttel, 10 de octubre de 1890 - Waldkirch, 27 de noviembre de 1945) fue un pintorexpresionistaalemán, adscrito a la Nueva Objetividad.
    Recibió su formación artística en la Academia de Karlsruhe, donde tuvo como profesores a Hans Thoma y Wilhelm Trübner. Más tarde estudió en Berlín con Lovis Corinth. Después del servicio militar en la Primera Guerra Mundial volvió a la pintura, trabajando en un estilo fusión del cubismo y el futurismo.
    En 1919 se convirtió en miembro del Partido Comunista de Alemania, y su trabajo de los  siguientes años es duramente crítico con el  orden social y económico de la Alemania de posguerra. Scholz se convirtió rápidamente en uno de los líderes de la Nueva Objetividad, un grupo de artistas que practicaban una forma cínica de realismo. En 1925, sin embargo, su enfoque se había suavizado en algo cercano al neoclasicismo, como se ve en el Autorretrato frente a una columna de publicidad de 1926 y el Desnudo sentado con busto de yeso de 1927.


    En 1925 fue nombrado profesor en la Academia Estatal de Arte de Baden en Karlsruhe. Comenzó a contribuir en 1926 a la revista satírica Simplicissimus, y en 1928 visitó París, donde apreció especialmente la obra de Bonnard. Con la subida al poder de Hitler y el nacionalsocialismo, en 1933, fue rápidamente despedido de su puesto docente. Declarado un artista degenerado, sus obras fueron incautadas en 1937 como parte de una campaña para "purificar" la cultura alemana, y le prohibieron pintar en 1939. En 1945 las fuerzas de ocupación francesas le nombraron alcalde de Waldkirch, pero murió ese mismo año.

    Información-wikipedia

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  • 05/21/17--02:50: Article 1
  • Georg Scholz

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    Scholz nació en Wolfenbüttel. Estudió en  Karlsruhe Academy, donde tuvo como profesores a
    Hans Thoma  y Wilhelm Trübner. Despues estudió en Berlin con Lovis Corinth. Despues del servicio militar en la primera guerra mundial volvió a la pintura con un estilo que mezclaba el cubismo y el futurismo

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    En 1919 se afilió al partido comunista alemán y su obra, durante los años siguientes, fue tremendamente crítico con la situación social y económica con la  Alemania de la posguerra.
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    Scholz pronto se convirtió en uno de los líderes de la Nueva Objetividad, un grupo de artistas que mostraban una forma cínica de realismo. Entre los más famosos del grupo están  Max Beckmann, George Grosz , Otto Dix, y Scholz
     En 1925 fue nombrado profesor de la  Baden State Academy of Art en Karlsruhe.  Scholz comenzó a colaborarar con la revista satírica  Simplicissimus eb 1925 y en  1928 visitó París donde le gustó especialmente la obra de Bonnard.
     Con la subida al poder de Hitler, en 1933, fue expulsado de su puesto de profesor. Declarado artista degenerado, su obra fue eliminada de los museos. En 1945 las fuerzas de ocupación francesas le nombraron alcalde de Waldkirch, pero murió ese mismo año en Waldkirch.





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  • 05/21/17--04:07: MARIA IZQUIERDO


  • María Cenobia Izquierdo Gutiérrez nació en San Juan de los Lagos, Jalisco, el 30 octubre de 1902, y después de cursar sus estudios, su obra consistió en pinturas de la corriente surrealista que marcó época por el arte impreso donde presentaba naturalezas muertas, retratos y paisajes mexicanos, con el uso de colores intensos que vino a abonar a la imagen social, y con ello ayudó a configurar el rostro de este país, lo cual también se le reconoció en el extranjero, en donde una mujer expuso por primera vez: es allá donde se encuentra la mayor parte de sus pinturas.

    En 1927 ingresó a la Academia de San Carlos en donde estudió durante un año. En ella tuvo a algunos maestros como Germán Gedovius y a Manuel Toussaint, aunque cabe mencionar que la influencia más profunda la obtuvo de Rufino Tamayo. Se le reconoce por ser la primera mujer mexicana en exponer sus obras fuera de este país, en 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de Nueva York.

    En el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México había una galería de arte atendida por Carlos Mérida y Carlos Orozco Romero, en la que se llevó a cabo la primera exposición de María Izquierdo, la cual fue muy comentada por las publicaciones de la época. La introducción al catálogo fue escrita por Diego Rivera, quien era ya director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En ese texto plasmó el gran desarrollo que había tenido la joven pintora, a la cual definió como una de las personalidades más atrayentes del panorama artístico y uno de los mejores elementos de la academia, considerándola “un valor seguro; seguro y concreto”.

    La crítica de arte Raquel Tibol, en su ensayo El muralismo de María Izquierdo, acto fallido, publicado en la revista Proceso en 1979, señaló que: “Lo más relevante de su obra es aquella teñida de sueño y enigmas, donde los objetos y las partes son ordenados para perder relación con la realidad y ganarla con la metáfora. Ahí está ese delicioso Paisaje de 1935, donde una cebra observa filosóficamente el movimiento de un tronco en el río, un dirigible en el cielo y un barco en el mar; todos se alejan en la misma dirección, mientras el animal aparece tan plantado en tierra como la torre de petróleo que tiene a su izquierda. Las perspectivas fugadas con postes de luz, troncos o muros enigmáticos, planteadas para acentuar la incongruencia con las composiciones en primer plano, como en Naturaleza muerta con pescado (1946), enriquecieron el capítulo del surrealismo en México, el cual abundó en caracteres nacionalistas y popularistas, poniendo con frecuencia (María Izquierdo lo hace) acentos de humor sin retorcimientos, aunque entrañablemente poético”.



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  • 05/25/17--12:31: Georg Scholz
  • Nu couché

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    Scholz nació en Wolfenbüttel y se  formó en la Academia de Karlsruhe, donde sus maestros fueron Hans Thoma y Wilhelm Trübner. Posteriormente estudió en Berlín bajo la dirección de Lovis Corinth. Después del servicio militar en la Primera Guerra Mundial que duró de 1915 a 1918, reasumió la pintura, trabajando en un estilo que funde ideas cubistas y futuristas.
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    En 1919 Scholz se convirtió en miembro del Partido Comunista de Alemania, y su trabajo de los años siguientes años es muy crítico con el orden social y económico en la Alemania de la posguerra. 


    Sus agricultores industriales de 1920 es una pintura al óleo con collage que representa a un agricultor que agarra la Biblia mientras el  dinero brota de su frente, sentado junto a su esposa monstruosa que mece  un cochinillo. Su hijo subhumano, con la cabeza abierta en la parte superior para demostrar que está vacía, está torturando una rana. Tal vez el trabajo más conocido de Scholz, es el típico de las pinturas que produjo a principios de la década de 1920, combinando una ejecución muy controlada y nítida con un sarcasmo corrosivo.


    Scholz rápidamente se convirtió en uno de los líderes de la Nueva Objetividad, un grupo de artistas que practicaban una forma cínica de realismo. Los más famosos de este grupo son Max Beckmann, George Grosz y Otto Dix, y el trabajo de Scholz compitió brevemente con el suyo por la ferocidad del ataque. En 1925, sin embargo, su enfoque se había ablandado y se acercó  al neoclasicismo, como se ve en el autorretrato frente a una columna publicitaria de 1926 y el desnudo asentado con busto de yeso de 1927.


     
    Nombrado profesor en la Academia Estatal de Arte de Baden en Karlsruhe en 1925.  Scholz comenzó a colaborar, en 1926, con  la revista satírica Simplicissimus , y en 1928 visitó París donde apreció especialmente la obra de Bonnard.


    Con el ascenso al poder de Hitler y los nacionalsocialistas en 1933, Scholz fue rápidamente despedido de su posición docente. Declarado Artista Degenerado, sus obras fueron una de las que fueron confiscadas  en 1937 como parte de una campaña de los nazis para "purificar" la cultura alemana y se le prohibió pintar en 1939. En 1945, las fuerzas de ocupación francesas nombraron a Scholz alcalde de Waldkirch, Pero murió ese mismo año, en Waldkirch.



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