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  • 03/02/17--12:32: Władysław Podkowiński

  • Władysław Podkowiński fue un pintor e ilustrador, uno de los primeros impresionistas y simbolistas en el arte polaco de finales del siglo XIX. Nació en Varsovia en  1866 y murió en la misma ciudad en  1895. 


    Comenzó su formación artística en la Escuela de dibujo de Varsovia y simultaneamente trabajaba como ilustrador para los periodicos Tygodnik Ilustrowany y  Wędrowiec. Despues continuó su preparación en la Academia de Bellas Artes de St Petersburgo. En 1889 se fue a París con su colega  Józef Pankiewicz y esto marcó un antes y despues en su carrera artística. Abandonó el realismo y adoptó el impresionismo. 


    Al regresar a Polonia en  1890 expuso en el salón de   Aleksander Krywult, Podkowinski, con  Pankiewicz, exhibiendo unos paisajes con técnica impresionista, que recibieron una fuerte crítica tanto del público como de los críticos.


    En 1892 introdujo temas que eran típicos de los simbolistas europeos. Se referían a la literatura y los enfocaba al amor y a la muerte- Murió de tuberculosis a los 28 años de edad

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  • 03/04/17--11:36: Agustín Riancho

  • (Entrambasmestas, Cantabria, 1841-Ontaneda, Cantabria, 1929). Pintor español. De origen humilde, fue tutelado desde niño por el impresor José María Martínez, quien llegó a solicitar una suscripción popular para financiar su carrera. Gracias a esta ayuda llegó a Madrid en 1858, donde ingresó en la Escuela de ­Bellas Artes de San Fernando como discípulo de Carlos de Haes. Después, en 1861, gracias a una beca de la Diputación de Santander, viajó a Bélgica, siendo discípulo de Jan ­Pierre François Lamarinière en Amberes. Más tarde se trasladó a Bruselas, donde permaneció dieciséis años y militó en el grupo L'Art Libre, donde fue editor de una revista con el mismo nombre. Durante su estancia, participó en el Salón de Amberes de 1873 y en la Trienal de Bellas Artes de Namur de 1874.

     También hizo frecuentes viajes al norte de Francia, trabando contacto con la escuela de Barbizon. Regresó a España en 1883, residió en Valladolid durante cinco años, dedicado a la actividad docente y pictórica, pero en 1888 se vio obligado a regresar a su tierra natal y a instalarse en la casa de su hermano. Allí vivió humildemente ­durante treinta años, apartado e ignorado, vendiendo su obra en los escaparates de ferias y mercados has­ta que un grupo de jóvenes pintores de Santander le rescataron, y organizaron sendas exposiciones en el Ateneo de Santander en 1914 y en el Círcu­lo de Bellas Artes en 1916. 

    El reconocimiento le llegó tardíamente, con motivo de las exposiciones individuales de 1922 y 1923 celebradas en Santander y en un homenaje en 1928 en el Parador Gil Blas en Santillana del Mar, presidido por la archiduquesa de Austria. A partir de 1927 la Dipu­tación de Santander le concedió una pensión vitalicia. Excelente paisajista, su pintura está influida por la escuela de Barbizon, pero con un empleo de la mancha próximo a la abstracción expresionista. El dominio progresivo de la espátula hace que se adelante a muchos movimientos vanguardistas.

    Museo del Prado

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  • 03/07/17--11:41: Martín Rico



  • (Madrid, 1833-Venecia, 1908). Pintor español, considerado como el iniciador del paisajismo moderno español. Comenzó su formación artística con su hermano el grabador Bernardo Rico, con quien colaboró en el taller de su tío Calixto Ortega Matamoros en sus trabajos como ilustrador. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, con los paisajistas Genaro Pérez Villaamil, Fernando Ferrant y Vicente Camarón. En el Liceo de Madrid, trabó amistad con Rosales, Fortuny y Raimundo de Madrazo. Obtuvo una beca para continuar sus estudios en París en 1862, donde tuvo la oportunidad de conocer la obra de Meissonier y Daubigny, en cuyo taller comenzó a trabajar desde 1863. 



    Fue amigo de alguno de los primeros artistas impresionistas, como es el caso de Camille Pissarro. Estuvo en Suiza y Gran Bretaña, además de rea­lizar frecuentes viajes a Venecia en compañía de Mariano Fortuny. Concurrió asiduamente a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, obtuvo tercera medalla en 1860 por el lienzo titulado Un país, y segunda medalla en 1864 y 1867. Asimismo, remitió sus lienzos a las Universales de París de 1878 y 1888, en las que fue galardonado con tercera y segunda medalla, respectivamente. Gran parte de sus obras se hallan en colecciones particulares extranjeras debido a la estrecha relación comercial que mantuvo con el marchante francés de arte Adolphe Goupil. En sus lienzos se pueden rastrear influencias de la escuela de Barbizon, Turner, Claudio de Lorena y el preciosismo de Fortuny. En sus primeros paisajes manifiesta una visión romántica que, tras una etapa realista evoluciona hasta los finales con influencias de Fortuny. Como ilustrador colaboró en La Ilustración Española y Americana, publicación de la que fue director en 1895. Fue comendador de la orden de Isabel la Católica y recibió la cruz de la Legión de Honor francesa.

    Museo del Prado

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  • 03/08/17--13:00: Jakob Emil Schindler

  • Jakob Emil Schindler (1842-1892) hijo de una familia de fabricantes. Se suponía que iba a seguir una carrera militar pero prefirió ser artista. En 1860 entró en la Academia de Bellas Artes de Viena donde tuvo como profesor a Albert Zimmermann. Encontró su   modelo en los  maestros holandeses como Meindert Hobbema  y Jacob Izaaksoon van Ruisdael. 

    En 1873 viajó a Venecia y despues a Dalmacia y Holanda.  En 1879 se casó con la cantante de opereta Anna Sofie Moll-Schindler-Bergen. Su situación financiera era desesperada y tuvieron que compartir un apartamento con  Julius Victor Berger, un colega del pintor.
    Mientras vivían alli tuvieron una hija- Alma. Durante una temporada que Emil estuvo ausente debido a una enfermedad, su mujer tuvo un affair con Julius y se cree que su hija Margarethe Julie era hija suya.

     En 1881, ganò el premio  Reichel que consistía en  1.500 coronas lo que permitió a la familia alquilar un apartamento además de proporcionarle clientes.  A partir de 1885 pasaba los veranos en la colonia de artistas en Plankenberg cerca de Neulengbach. Alli tuvo varios estudiantes, entre otros, Marie Egner, Tina Blau, Olga Wisinger-Florian y Luise Begas-Parmentier. Dos años depues recibió un encargo del principe de la corona austríaca, Rodolfo,  para que  dibujara las ciudades costeras de Dalmacia y Grecia, como parte de un proyecto llamado " la monarquía Austro-hungara en palabras y pinturas" (24 volúmenes). Ese mismo años fue nombrado miembro de la Academia de Viena y en 1888 de la Academia de Munich.
    Su vida privada fue poco afortunada. Aunque su mujer acabó su relación con Berger, comenzó otra con el ayudante de Schindler, Carl Moll, con quien se casaría tres años despues de la muerte de Schindler. 
    Este cuadro en una vista de Ragusa (Dubrovnik), pintado en 1887 durante el segundo viaje del artista a la costa de Dalmacia. Las personas que vemos mirando al mar son la mujer del artista, Anna Sofie Moll-Shindler-Bergen y su hija Alma, que más adelante se casaría con Gustav Mahler



    Alma Mahler inspiró un amor apasionado en varios artistas y se casó con tres de ellos- : el compositor Gustav Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el escritor Franz Werfel, aparte de los amantes... pintores como Oscar Kokoschka, Egon Schiele y Gustav Klimpt. El compositor Alban Berg le dedicó la opera Wozzeck y un concierto de violin a la memoria de su hija Manon, que murió de polio. 

    Kokoschka
    Alma a los 11 años con su familia

    De Mahler Alma escribió: "es terriblemente nervioso. Anda por la habitación como un animal salvaje. Es puro oxígeno. Ardes si te acercas" -Por desgracia para Mahler, su intento de tener a Alma a su voluntad fracasó: "Tienes una única profesión, hacerme feliz". Esto le llevó al desastre



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  • 03/09/17--12:02: Raffaello Sernesi






  •   1838-1866. Pintor asociado al grupo Macchiaioli. Nació en Florencia en una familia muy humilde. Despues de un tiempo de aprendiz con un grabador local, se matriculó en la Academia de Florencia, donde estudió bajo la tutela de Antonio Ciseri. Como parte de su preparación copió obras de artistas del quattrocento como  Masaccio y  Botticelli. En 1858 su padre murió y se vio obligado a dejar la Academia para ayudar a su familia. En 1859 comenzó a frecuentar el Caffe Michelangiolo  y conoció a artistas del grupo  Macchiaioli, incluyendo Odoardo Borrani, que se convirtió en un amigo íntimo.
    Sernesi sirvió como voluntario en la segunda guerra por la independencia de Italia. Despues de su vuelta a Florencia hizo sus primeras obras al aire libre. Expuso sus obras Pastura in montagna en Brera en 1861. En 1862 viajó a Nápoles y despues a Ischia y expuso en Milán en  1865.


    En 1866 se unió a la campaña de Garibaldi en la tercera guerra de independencia. El 16 de julio sufrió una terrible herida en la pierna y fue hecho prisionero de los austriacos. Lo llevaron a Bolzano pero se negó a que le amputaran la pierna lo que le provocó gangrena y como consecuencia murió el 9 de agosto de 1866




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  • 03/09/17--13:03: Zinaida Serebryakova
  •  (1884-1967)

    Zinaida Serebryakova nació en el estado de  Neskuchnoye cerca de
     Kharkov. Su padre  Yevgeny Lansere,  era un escultor conocido. Uno  de sus hermanos era arquitecto y otro hermano, Yevgeny Lansere, era un maestro en pintura monumental y arte gráfico.  



    Zinaida pasó su niñez en  St. Petersburgo,  donde vivía su abuelo, el arquitecto  N. L. Benois.  Vivía en un ambiente tan artístico que no fue una sorpresa cuando la chica decidió que quería ser artista. Sus años de estudio no duraron mucho. En 1901 estudió en la escuela de arte que dirigía  IIya Repin,  y despues estudió  con  Osip Braz. 


     Expuso sus primeras obras en  1909. Se dedicó a estudiar arte clásico en  el  Hermitage y en museos de Francia e Italia. Quedó asombrada por la obra de Tintoretto, Poussin, Jordaens y Rubens pero lo que más le impresionó fueron las imágenes de Venetsianov. Admiraba la simplicidad y armonía de los campesinos de Venetsianov y el vínculo que le unía a la naturaleza rusa.


      Cuando en  1916 le encargaron a  Alexander Benois la decoración de la estación  Kazan, pidió a Yevgeny Lansere, Boris Kustodiev, Mstislav Dobuzhinsky y a  Zinaida Serebryakova que le ayudaran . Serebryakova eligió un tema oriental: La India, Jaón, Turquía y Siam están representados de una forma alegórica con figura de bellas mujeres. Al mismo tiempo comenzó composiciones de mitología clásica pero quedaron sin terminar. Muchos de los proyectos de la artista no se pudieron realizar, su marido murió repentinamente de tifus y ella tuvo que dejar sus cuatro hijos a su madre.



    En  1924 Serebrvakova viajó a París para hacer un gran mural decorativo. Al acabar intentó regresar a Rusia pero al final se quedo en Francia. Viajó mucho. Estuvo en Gran Bretaña, Argelia y Marruecos. En 1966 se realizaron grandes exposiciones de su obra en Moscú, Leningrado y Kiev. Zinaida murió en París en 1967






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  • 03/10/17--13:04: Josep María Mallol Suazo

  • (Barcelona, 1910 - Barcelona, 1986
    Uno de los pintores figurativos más prestigiosos de Cataluña adscritos al realismo propio de la sala Parés. Nacido en Barcelona en 1910 y formado en las Escuelas de Bellas Artes de la Llotja, con maestros de la talla de Félix Mestres en el dibujo y Ramón Calsina en la pintura, es un caracterizado maestro de la pintura que siguió a la gran generación de los Nonell, Russiñol, Casas, Canals, etcétera, prosiguiendo los postulados realistas y figurativos sin vincularse a los movimientos de vanguardia.

    Artista de grandes facultades, con un vasto dominio del dibujo, la composición y el color, seguirá una trayectoria muy independiente y personal, alejada de tendencias o ismos temporales.
    Su personalidad, marcadamente introvertida, culta, reservada, se reflejaba en su pintura, resultado de una gran madurez de experiencias y suma de un acercamiento progresivo a la densidad y a la concentración formal, especialmente en el tratamiento de la figura humana (mujeres y niños), si bien también notable en sus paisajes y naturalezas muertas, campo en el que igualmente destacó.

    La crítica ha hablado de su sabiduría técnica y del dominio excepcional del dibujo, que configuraba y daba trabazón interna a toda su obra, siempre pausada, concentrada, metódica y muy estudiada. Por ello, todo en sus cuadros parece hallarse sumido en una cierta intemporalidad, sin improntas impresionistas o expresionistas. Esa inmovilización de cuerpos y paisajes respira, además, una cierta melancolía rayana en la tristeza, la de su mundo interior.

    Aunque pintó el paisaje catalán, el italiano y el brasileño, en con tacto directo con la naturaleza, la suya es una labor de taller, de ejercicio diario, de estudio de las formas, las masas de color, las texturas y los valores pictóricos desde esa realidad tan suya que fue captar magistralmente la quietud y la detención de los seres y las cosas con un lenguaje muy propio, marcadamente diferenciado del de sus compañeros de generación.


    Fue académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, obtuvo importantes premios nacionales e internacionales y expuso en París, Venecia, Londres, Nueva York, Los Ángeles, Caracas y Montevideo. En Barcelona lo hizo habitualmente en las galerías Syra, hasta los años cuarenta, y desde entonces hasta la actualidad, en la sala Parés.

    Información - EL PAIS

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  • 03/13/17--12:54: Victor Vignon



  • Victor Alfred Paul Vignon nació en Villers-Cotterets en 1947, murió en Meulan en  1909- Pintor paisajista francés.

    Su  madre, Marie Noemi Cadiot fue una escultora que firmaba bajo el pseudónimo de Claude Vignon.  Cuando Victor nació ella era la propietaria de un hotel decorado por Puvis de Chavannes.

    Victor estudió con Camille Corot y Adolphe Felix Cals. Al principio pintaba en el Val-d´Oise y lo complementaba con viajes a Chamart, Bougival y La Celle- Saint Clou. En la década de 1870 se asoció con Camille Pissarro y su círculo de Auvers-sur-Oise.

    En 1880 se trasladó a Nesles-la Vallée y despues de un tiempo se estableció en L´isle Adam, donde se hizo amigo de Vincent Van Gogh  y el doctor Paul Gachet se convirtió en uno de sus mejores clientes. Participó en la quinta, sexta y septima exposiciones impresionistas y fue criticado por Monet, que decía que su línea no era en realidad impresionista- En la década de 1890 los críticos Roger Marx y Félix Fénéon, se unieron a la crítica de Monet y dijeron que su pintura se parecía mas a los viejos maestros holandeses.


    Todas estas críticas afectaron a su obra y fue rechazado en varias exposiciones, incluyendo las del Salon. Finalmente el Doctor Georges Viau, que era un gran coleccionista, le ayudó a exponer en la Exposición Universal de 1900. Tres años más tarde, Renoir y Paul Durand Ruel le ayudaron a organizar una exposición retrospectiva de su obra. Despues de su muerte, Renoir y Julie Manet. Rouart, la hija de  Berthe Morisot, organizaron otra exposición

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  • 03/13/17--14:05: Robert Vonnoh







  • (1858-1933) El pintor impresionista americano, hijo de emigrantes alemanes,  Robert Vonnoh nació en Boston. Despues de hacer un aprendizaje como litógrafo fue a la Massachusetts Normal Art School,donde se graduó. Al  acabar viajo a París donde estudió en la Academie Julian con Boulanger y Lefebvre.  Durante la década de 1880 volvió a Paris de vez en cuando y trabajó como profesor de pintura en  la escuela del museo de Boston. Tres años despues volvió a Francia y se quedó allí durante cinco años, trabajando principalmente en Grez-sur-Loing, una colonia de artistas cerca del bosque de Fontainebleau. En Grez fue cambiando al impresionismo, parece ser que influenciado por el artista irlandés Roderick O´Conor


     En 1891 volvió a America y entró como profesor en la Academia de Bellas Artes de  Pennsylvania. Expuso en París y en Los Estados Unidos.

    Hubo varias exposiciones retrospectivas de su obra en 2010 en Madron Gallery de Chigago y Butler Institute

    Murió en Niza, Francia, en  1933




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  • 03/14/17--13:57: Wu Guanzhong
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    Wu Guanzhong 1919-2010- es uno de los pintores  chinos contemporaneos más conocidos. Ha pintado arquitectura, plantas, animales, personas y paisajes chinos en un estilo impresionista de principios de la década de  1900.  Su obra fue expuesa en el Museo Británico en 1992.

    Nació en Yixing en la provincia de Jiangsu.  En 1935 aprobó su examen de entrada en la escuela  Industrial de Zhejiang. Un año despues con la influencia de Zhu Dequn se cambió a la Academia Nacional de Bellas Artes de Hangzhou donde estudió arte chino y occidental con Pan Tianshou y Ln Fengmian.

    Cuando estalló la guerra en  1937, se trasladó, primero a Yunnan y despues a Chongqing. Lin Fengmian, que había pasado varios años en Francia, premió a varios estudiantes con una beca para ir allí.  Wu, con otros compañeros, partieron para Francia  y en 1947 se matriculó en la Escuela Superior de Bellas Artes. Wu mostró su admiración por Utrillo, Braque, Matisse, Gauguin, Cezanne, Picasso y especialmente por Van Gogh.

    Despues de regresar a China en 1950, introdujo varios aspectos del arte occidental a sus alumnos en  la Academia Cental de Bellas Artes de Beijing. La Academia era conocida por estar dominada por el realismo social y Wu fue acusado de "burgués". Al negarse a acatar el dogma político oficial fue trasladado de una academia a otra. Al comenzar la Revolución Cultural en  1966, ya no se le permitió pintar, escribir ni enseñar y en 1970 fue enviado a la provincia de Hebei para trabajar en el campo.




    En 1973 Wu fue uno de los primeros artistas que regresaron del campo, con la iniciativa de Zhou Enlai de decorar hoteles y restaurantes. Su rehabilitación fue sellada con una exposición en la Academia Central en 1978.


    Sus pinturas tienen colores occidentales pero el espíritu de China. Expuso en muchas galería y museos de todo el mundo, incluyendo China, Hong Kong, Taiwan, Singapore, Japón, Corea, Inglaterra y  and the USA.

       
           Wu Guanzhong  en Beijing en 2010.

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  • 03/15/17--13:17: Pere Ysern


  • Barcelona, 1875 - 1946
    Nacido en plena efervescencia de la renovación de Cataluña, tanto a nivel económico como cultural y de autodeterminación, que lleva, a la creación del Ensanche Barcelonés, el levantamiento de la Sagrada Familia y a la inauguración del tren Barcelona-París en 1977 y ese mismo año, la apertura de la Sala Parés, su infancia, de este modo, se desarrolla en un ambiente holgado y progresista, su padre era contratista de obras de la ciudad. En 1894, con el apoyo de su familia, presenta su primera obra, una cabeza a lápiz, en la Exposición General de Barcelona. Tras ser rechazada su solicitud de ingreso en la Académia Sant Jordi, su familia decide matricularle en una de las mas prestigiosas e innovadoras academias del momento, la fundada por Pere Borrell del Caso. Allí junto con sus compañeros, crearán la peña denominada “El rover de l’ou”, de claro gusto realista que reaccionaba contra el estancamiento modernista. 



    En 1896, viaja a Roma donde permanece durante dos años, aunque la ciudad eterna había quedado vetusta en el terreno artístico, pasando el relevo a París, por lo que en 1899 parte hacia la capital francesa. Alli va a descubrir los muros del Panteón de Pubis de Chavannes pero también a los impresionistas del Museo de Luxemburgo. Inmerso en la vida parisina y el círculo catalán que allí residía frecuenta los famosos cabarets, como el Moulin Rouge, que era propiedad del catalán Ramon Oller, donde se codea con Lautrec.

    Tras una breve estancia en Barcelona en 1904, su pintura no es valorada como merece lo que hace que afiance su residencia en París, donde era habitual del Salon des Indépendants. La guerra de 1914, precipita un cambio en la ciudad, cierra el Moulin Rouge, pero Ysern continua pintando, inmune a los nuevos movimientos estéticos y fiel a los interiores de los cafés concierto. Terminada la guerra, París vive una nueva etapa de optimismo. “los felices años veinte”, marcados por la presencia norteamericana, el fox-trot y el jazz. Mientras, Ysern pinta paisajes catalanes y paulatinamente su interés por su tierra natal, se hace más y más fuerte y comienza a pasar largas temporadas en Mallorca, hacia el año 1924, hasta que en 1927, retorna a España. Su presencia en los certámenes barceloneses y nacionales era constante y su pintura valorada, pero una vez más, la guerra civil en 1936 le recluyen en Mallorca y de nuevo en París.



    En 1939, regresa definitivamente a Barcelona donde permanece hasta el momento de su muerte. En la década de los ochenta la sala Parés realiza una gran exposición, la Caixa de Barcelona una magnífica antológica de su obra y la Sala Velázquez de Madrid otra exposición. Esta revalorización de la pintura de Ysern lleva a la Sala Drouot de París a subastar en 1989 su obra Danseuse au Tabarin por cifras millonarias.

    Ref-ciudad de la pintura

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  • 03/16/17--13:14: Carlos Enrique Polanco


  •  Lima 1953. Pintor expresionista peruano

    En 1975 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, donde estudió con el profesor Leonel Velarde. Se hizo amigo de Víctor Humareda, un tipo solitario que le gustaba pintar al amanecer y que le enseñó a amar la pintura. 

    Siempre le gustó Lima y se sintió atraído por los sectores menos privilegiados. En su obra se refleja una fuerte conciencia social..."El Perú es un arroz con mango. La identidad más concreta peruana es la identidad andina. El caos social arquitectónico de Lima se plasma en mi trabajo"  "el expresionismo es un lenguaje, es un modo de vivir y sentir la vida. (...) la pintura es dominar la realidad".


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    (Valencia, 1867-1922). Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y prosiguió sus estudios en Roma y en París. Desde muy joven participó en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes donde consiguió tercera medalla en 1887 con el cuadro de tema histórico En las Termópilas, y la misma distinción en 1890 con Una poesía. Instalado definitivamente en España, se ­especializó en temas costumbristas valencianos y en retratos, al mismo tiempo que inició una labor como dibujante e ilustrador colaborando en el periódico Las Provincias y en ediciones de libros.

    Museo del Prado

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  • 03/17/17--13:32: Anders Zorn


  • (Utmeland, 1860-­Mora, 1920). Pintor sueco. Hijo natural de una campesina sueca y un cervecero alemán, Zorn creció en un medio rural, en la Dalecarlia sueca, y se formó durante dos años -estudiando primero escultura y después pintura a la acuarela- en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo


     En 1881 abandonó Suecia y viajó a Londres, París y España, iniciando una vida viajera y cosmopolita durante la que obtendría incontables triunfos, especialmente en el campo del retrato, en toda Europa y Estados Unidos. Cultivó asimismo las escenas de género y la pintura de desnudos femeninos. Influido, en lo que se refiere a la pintura al óleo que solo comenzó a cultivar bien avanzada la década de 1880, por Whistler, Sargent y Albert Besnard, su obra se encuadra entre la de los pintores luministas del cambio de siglo (el danés Peder ­Severin Kröyer, el noruego Fritz Thaulow, el español Joaquín Sorolla, etc.), todos ellos admiradores de Velázquez e influidos por él, en mayor o menor medida, desde el punto de vista técnico, en algún momento de sus carreras.


     Zorn viajó a España por primera vez, en compañía del también pintor Ernst Josephson, a mediados de septiembre de 1881, pasando entonces dos semanas en Madrid y varios meses -hasta febrero de 1882- en Sevilla y Cádiz. Aunque visitaron entonces el Museo del Prado y Josephson era ya un admirador de Velázquez, Zorn, según confesión propia, no «descubriría» real­mente al sevillano hasta el año siguiente, cuando vio en Roma el Inocencio X. Después volvería a Madrid en 1884, llamado por el embajador sueco para hacer retratos a la acuarela de personajes de la alta sociedad, y debió de estudiar ya más a fondo las obras del Prado. 


    Es entonces cuando el conde Morphy, secretario privado de Alfonso XII, le encargó el Retrato deCristina Morphy que fue legado por la condesa viuda al Museo del Prado en 1935, una acuarela que fue presentada en la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1884. Al menos otro de sus seis viajes posteriores a España -una ­estancia de una semana en 1900- lo hizo, según le escribió a su mujer, ­porque echaba de menos a Velázquez. Joaquín Sorolla, amigo suyo desde que ambos se encontraron en París en 1906, establecería una sutil relación entre su pintura y la del maestro sevillano: «Parece que [Zorn] dibuja de dentro a afuera; que no busca nunca el contorno o silueta, y, desde luego, puede afirmarse que jamás hace nada fragmentado; no inventa; todo, como nuestro gran Velázquez en sus Meninas, lo tiene junto y lo pinta a la vez». 


    Llegó a ser miembro de la Berliner ­Secession y, después de su muerte, su casa natal se convirtió en un museo dedicado a su vida y obra. Coleccionista desde que sus ingresos se lo permitieron, Zorn adquirió varias obras de escuela española que pueden contemplarse en dicho museo y entre las que se hallan, además de San Bartolomé y La Magdalena ­(ambas tablas del siglo xv), Lágrimas de san Pedro, de la escuela de El Greco, Hombre con una copa de vino (versión, del taller o escuela de Velázquez, de El geógrafo del Musée des Beaux-Arts de Rouen, que él adquirió en ­Múnich en 1912 creyendo que era original) y Aparición del Niño Jesús a san Antonio de Padua, firmada y fechada «Jusepe Ribera F. 1647», pero considerada generalmente obra de taller.

    Museo del Prado

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  • 03/23/17--03:15: Imanol Buisán


  • Terrassa (1985). Diseñador, hijo, usuario, artista, feminista, transeúnte, ciclista, y en ocasiones iluso. Licenciado en Publicidad y RRP y graduado en Diseño gráfico.
    Desde hace tres años realiza el proyecto diario Los días contados, gracias al cuál ha encontrado el lenguaje para expresarse: el collage manual, técnica que permite disimular su diógenes y construir a partir de la destrucción, principalmente, de libros y revistas. Esta rutina le permita experimentar y encontrarse, descubrir formas de hacer.
    Participa en fanzines como Fanzine Imbécil, Wczay y Le nouveau fanzine, tanto con ilustraciones, piezas de diseño o collage.

    Además tiene un proyecto de diseño gráfico experimental en el que realiza un “libro” sin una periodicidad específica denominado Asfalto.

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  • 03/25/17--04:55: María Victoria de la Fuente

  • María Vitoria de la Fuente Alonso,  Vigo 1927 . Madrid  2009 

    Hija y nieta de arquitectos, a partir de 1945 pasa temporadas en Madrid, donde asiste al estudio del pintor Xulio Moisés y a finales de esta década estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.


    A partir de 1953 empieza a participar en exposiciones colectivas. Viaja a París y descubre a artistas como Picasso, Braque y Juan Gris. Tambien viaja a los Países Bajos y se enusiasma con Rembrandt y Vermeer y en Italia conoce las obras de Mario Sironi y de Morandi. Su interés  por la pintura mural la llevan a realizar algún trabajo en un estilo expresionista.  

    En 1962 le conceden el premio de la crítica por una exposición individual en el Ateneo. En 1064 se casa con el pintor Maximo de Pablo. Consigue una beca de la Fundación March y la tercera y segunda medalla  nacionales de bellas Artes de 1965 y 1967



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  • 03/29/17--02:55: Ejnar Nielsen



  •  
    Ejnar Nielsen ( 1872 –  1956) Pintor e ilustrador danés, figura central del simbolismo en el arte de Dinamarca. Fue profesor en la Real Academia de Bellas Artes Danesa desde 1920 hasta 1930.



    En 1894 viajó a Jutlandia, donde pintó a la gente  y paisajes. Durante este periodo fue cuando se consideró el mejor exponente del arte simbolista danés pero con el cambio de siglo su pintura se convirtió en más clásica.  Ilustró libros como  Den gamle Mands BarnyIjobs Bog (traesnit, 1927). Desde 1932 hasta 1937 realizó el gran mural del techo del arco que  llega al Teatro Real Danes
     en Copenhagen. Al final de su carrera pintó principalmente flores y paisajes



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  • 04/02/17--04:04: EL GRUPO ATLANTICA
  •                        Armando Guerra


                                  Anxel Huete 


                            Guillermo Monroy



                              Silverio Rivas


                                                          Ignacio Basallo

                                                       Manolo Moldes

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                                                         Rafael Baixeras
    ¡Vaya, los ochenta! A comienzos de la década de los ochenta, artistas jóvenes vigueses como Monroy, Huete, Antón Patiño y Menchu Lamas van madurando el proyecto de dar un empuje al arte moderno desde Galicia. “En ese núcleo –explica– nace la idea de ese Grupo Atlántica que reivindicaba la cultura atlántica y abrió la pintura gallega a las corrientes internacionales y en el que participamos gente como Baixeras, Correa Corredoira, Armando Guerra, Goyanes, Silverio Rivas, Basallo, Moldes, Manolo Ruibal, Mon Vasco, Mantecón, Lamazares, Leiro... Atlántica no era un grupo generacional porque en él se habían integrado artistas mayores como Raimundo Patiño, Alberto Datas o Lodeiro, que llevaban años trabajando en solitario con el espíritu atlántico”. En “Atlántica 80” en Baiona, recuerda Pereiro el emocionado abrazo que le dio Leopoldo Novoa diciéndole: “Aquí se respira salud”. Desde entonces mantienen una entrañable amistad. Pereiro, editor de la revista “Futura Arte” y de la colección “Aguatintafue”, es comisario de importantes exposiciones como “75 años de arte y deporte”.

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  • 04/05/17--12:18: Vladimir Kush

  • Vladimir Kush es un pintor ruso nacido en 1965.  Estudió en  el Instituto de Arte de Moscú y ahora vive en los Estados Unidos. Su obra surrealista está influenciada por Dali y Magritte
    Sus pinturas, con una visión algo mística, se basan en temas recurrentes como mariposas, barcos de vela, fruta, nubes etc.

    En 1990, con otros dos pintores rusas, expuso en Coburg, Alemania con gran éxito. Despues de la exposición los artistas tomaron caminos separados, los dos amigos de Vladimir volvieron a casa pero el cogió un avión a los Angeles donde expuso  20 obras y así comenzó su odisea americana-
    En 2001 abrió su primera galería, Kush Fine Art, en Lahaina, Hawaii y ahora tiene otra galería en Laguna Beach, California


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  • 04/06/17--11:46: Eduardo Vicente



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    Eduardo Vicente (1909-1968) emerge del fondo de un tiempo que se nos antoja remoto. Para el artista, como para tantos españoles, la posguerra no fue menos difícil que la guerra: sobrevivió a duras penas, gracias a José María de Cossío, que le dio trabajo como ilustrador taurino para la editorial Espasa-Calpe, y a Eugenio d’Ors, con quien creó la Academia Breve de Crítica de Arte y que le llevó a la galería Biosca y le presentó al Primer Salón de los Once (junto a él, María Blanchard, Olga Sacharoff, Foujita, Grau Sala o Manolo Hugué). Pronto se forjó una discreta reputación como pintor de Madrid y sus alrededores. Aquí están sus escenas de arrabal con las farolas desvencijadas, junto a los descampados y, más allá, sus paisajes del yermo castellano, bajo cielos casi siempre nublados. Vicente fracasa rotundamente cuando intenta lo retórico, por ejemplo, en la absurda perspectiva de el Monasterio de El Escorial, y triunfa, en cambio, cuando aborda lo cercano y familiar, como en su vista de Arganda (1948). 

    Con un trazo rápido y vivo que recuerda casi al Constantin Guys, elogiado por Baudelaire, capta los bailes populares, las tabernas y cafés, y todos sus tipos callejeros: el vagabundo, la prostituta, el mozo de cuerda, la flamenca, el fotógrafo. Pero más allá de esta crónica de la vida de la calle, su pintura celebra la intimidad. Por ejemplo, en la conversación de una pareja sentada en el Café Gijón (del que el pintor era cliente habitual). La intimidad lírica de sus rotundas figuras femeninas, mujeres desvestidas junto al balcón abierto, de erotismo nada velado, acariciadas por una luz suave y mate a un tiempo.



    En los paisajes de Eduardo Vicente y en ciertas figuras hay evidentes ecos de Goya, si Goya puede llegar a ser descolorido y leve. A fuerza de hacerse indefinida y borrosa, su pintura se acerca a veces a la abstracción, como en ese campo castellano visto desde el aire, fechado en el año 1958. 



    Después, en la última década de su vida, la calidad declina visiblemente; la pincelada se hace más suave, algodonosa, y los temas, más afectados, un poco de postal cursi. Pero antes de la decadencia final, Vicente había pintado cuadros, como esas dos espléndidas ventanas abiertas ante el paisaje, que bastan para justificar toda su obra.



    El Cultural

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