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  • 10/06/16--13:30: ANTONIO QUIRÓS

  •  1918-1984
     Nació en Ucieda (Santander), hacia 1918. Pero cabe sospechar que fue antes, aunque él lo desmentía. Coetáneos suyos le adelantan hasta tres años. Fue, sí, en el mes de agosto, en la casa de los Quirós. Emparentado con la pintora María Blanchard, de la que recibe claras influencias, en sus primeras composiciones artísticas, con los Gutiérrez Cucto, fundadores de periódicos y gente de letras, con Concha Espina y los De la Serna, su primer profesor fue Camoyano, a quien apreciaba más allá de lo usual entre alumno y maestro.




     Pronto se deja atrapar por la magia del surrealismo y pinta con colores enterizos y grandes espacios vacíos y fantasmales. La guerra civil supone para él una prueba y un drama del que no gusta hablar. Se conservan dibujos suyos de esta etapa, bayoneta al hombro, duros y graves, de milicianos en el frente asediados por el frío invierno y la tragedia, tratados con dureza de xilografía que anuncia las esquematizaciones que en el futuro le darán fama. El exilio le lleva a París, como a tantos artistas republicanos, siendo luego herido en el cerco de Berlín, donde permanece postrado un largo espacio de tiempo, víctima de las heridas de guerra recibidas.

    Su mester de soldado, obligado por las circunstancias y el compromiso ético, quería olvidarlo, para hablar de París, de sus estudios en la Academie de la Grand Chaumiere y en la Academie Julien. Influido por su tía, María Blanchard, lo cual se nota en los cuadros del 39 al 45, aproximadamente, goza de la amistad y magisterio de Fernand Léger y de André Lhote, contando con condiscípulos de la significación de Staël, Herauld, Goerg y Wools. Tras la liberación de París, y vuelta la normalidad, Quirós brilla con luz propia en los movimientos artísticos parisienses más ligados con el existencialismo.

     Cuando comenzaba a ganar la aceptación de París, no tanto como él decía, ni tan poco como aquí se piensa, Quirós. vuelve a España hacia 1952, y se instala en Madrid. Dos modos trae bajo el brazo, ambos muy suyos: la figuración esquemática y la abstración orgánica, nombres ambos que registro como suyos. Quirós se gana pronto un nombre en Madrid, donde su quehacer, por demás original, contrasta con el de cualquier otro. Quirós puede gustar o no gustar, pero lo que no cabe duda es que es un pintor personalísimo. Tanto en la concepción de sus figuras, delgadas, esqueléticas y fantasmales, como en la viveza vibrante y joyesca de sus actuaciones, especie de seres en descomposición o piezas orgánicas fructuantes, algo que se está haciendo o deshaciendo. Y si original en extremo era su mundo de formas, no menos puede decirse de la originalidad técnica de sus pinturas. Colores planos, a veces, que dejan rezumar los subyacentes. Y otras, esa especie de rascaduras o flotamientos que recubre un toque cerámico, como de vitral. Otra originalidad, generalmente afectada, de Quirós, es la calidad de sus retratos, verdaderas incursiones en el ánima del retratado. Y es que antes que retratos, éstos aspiraban a ser, y lo eran, grandes abstraciones, trozos de cuadros, condensaciones de su mejor arte.

    Información --El País

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  • 10/07/16--12:15: NILES SPENCER



  • NILES SPENCER (1893–1952)
     Pintor asociado con los "Precisionists" y conocido por la simplicidad de sus imágenes arquitectónicas. Nació en 1893 en Pawtucket, Rhode Island Estados Unidos. Su familia tenía una próspera fabrica textil, y su primera relación con la industria le proporcionaría la temática que le fascinó a lo largo de su carrera. Desde 1913 hasta 1915, estudió en  la Escuela de Dibujo en Rhode Island. En 1916 se estableció en Nueva York donde se matriculó en la Arts Students League y estudió con George Bellows y Robert Henri en una escuela de arte privada en el Bronx. Dividió su tiempo entre Nueva York y Ogunquit, Maine, donde pasaba  los veranos con otros artistas americanos, que se reunían alrededor de Hamilton Easter Field, pintor, crítico y fundador de la revista The Arts. Durante la década de 1920 viajó a Europa, donde quedó entusiasmado con el cubismo y los pintores del renacimiento italiano.


    Los planos de color y las formas en los primeros trabajos de Spencer son reminiscencias de Cézanne, cuyas composiciones parecen haber afectado a los paisajes y al estilo más abstracto que caracterizaría su obra más madura.


    En esa época expuso frecuentemente, vivía en Provincetown y hacía paisajes y bodegones llenos de luz. En estas obras y en las posteriores de las escenas del Nueva York industrial, el artista emplea una ventana a través de la cual se pueden ver objetos de la casa del artista.  Cuando se muda a Nueva York, su obra se enfoca a la arquitectura y maquinaria industrial. 


    Ya en las décadas de 1930 y 1940 se acerca más a los pintores del Precisionist como Charles Sheeler y Charles Demuth. De 1940 a 1950 su estilo  se vuelve más abstracto, creando composiciones complejas




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  • 10/10/16--11:26: Enric Galwey i Garcia
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    (Barcelona 1864-1931). Pintor español. Inició su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona. Posteriormente fue discípulo de Joaquín Vayreda en Olot, quien lo animó a viajar a París. En Francia se especializó en el paisaje, siguiendo inicialmente las directrices de la escuela de Barbizon, adscribiéndose después al impresionismo. Se dio a conocer en 1885 en la Exposición del Centro de Acuarelistas de Barcelona, y a partir de entonces alternó los certámenes en su ciudad natal con las Exposiciones Nacionales celebradas en Madrid, donde obtuvo segunda medalla en 1897 porPreludio de la noche y en 1906 por Las avanzadas y primera medalla en la edición de 1915 por su obraAnochecer en el pinar. En la Exposición de 1922 ocupó una sala de honor con cincuenta y ocho óleos.

    Museo del Prado

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  • 10/10/16--12:29: Alfonso Galván





  • Madrid, 1945 
     Su primera exposición individual la realiza en Madrid en 1973.
    Entre las exposiciones más importantes cabe destacar la individual del año 1987 en el Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid ( M.E.A.C.) que recogía una amplia muestra de la obra realizada desde los 70 y posteriormente en el Espacio Caja Burgos y la Sala Luzán de Zaragoza.Ha ganado los siguientes premios: mención I Concurso Adaja de la Caja de Ávila (1974), 1º Premio en el II Concurso Adaja (1975), Beca March (1975), Becas del Ministerio de Cultura (1982 y 1983), 1º Premio en la I Bienal de Albacete (1986)
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    Hay obra suya en colecciones públicas y privadas, como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Caja General de Ahorros y Monte de Piedad de Ávila, Ayuntamiento de Albacete, Exeter College de Oxford, Comunidad Autónoma de Madrid, Biblioteca Nacional, Fundación General Mediterránea, Colección Arte y Naturaleza, etc
     Artista de difícil clasificación, su trabajo conjuga un extraño realismo, cargado de imágenes simbólicas, con una obra que va de la ironía a la abstracción.
    Sobre el significado de su obra se ha dicho: “la pintura de Alfonso Galván contiene extrañas presencias, irrupciones, sorpresas, que introducen un caos sutil y discreto en entornos ordenados. La sorpresa, la insinuación de “otra cosa” ausente, recorren unas obras imbuidas por un peculiar simbolismo personal”.


    Información- Galería Espiral

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  • 10/12/16--14:40: Clara Gangutia Elícegui


  • Nace en San Sebastián en 1952. A los 16 años, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, con Antonio López como profesor y Juan Manuel Contreras y Roberto González como compañeros de estudio. En 1974, recibe una pensión de estudios para la Academia Española de Roma, y gana el primer premio en el certamen "Pinturas guipuzcoanas" de San Sebastián. En los años siguientes, será también becada por la Fundación Juan March y el Ministerio de Cultura. En 1981, obtiene la segunda medalla en el concurso de pintura de la Cámara de Comercio de Madrid. Aunque se instala definitivamente en Madrid, la pintora donostiarra seguirá toda la vida recreando los paisajes de su ciudad natal. En 1973, se casa con el pintor Jesús Ibáñez.

    Expone por primera vez de forma individual en la Galería Egam de Madrid. Posteriormente, su obrá se exhibirá en la feria de arte contemporáneo Aretder´81 (Bilbao), Galería Leandro Navarro de Madrid (donde expone en diversas ocasiones, la última de ellas en 2010, y con la que participa en ARCO 88), Museo Sant Telmo de San Sebastián ,que organiza una retrospectiva de la artista en 1985, Appiani Arte Trentadue en Milán, Galería Dieciséis de San Sebastián, Museo Zuloaga de Zumaya, Galería Ederti de Bilbao, Museo Gustavo de Maeztu en Estella (Navarra) y Galería Ekain de San Sebastián. El Centro Cultural Conde Duque de Madrid organizó una retrospectiva de su obra en el año 2000. Junto a otros artistas, ha participado asimismo en exposiciones colectivas internacionales, como Beijing International Art Bienale (China), la muestra "Real Current Spanish Art" organizada por Nagasaki Prefectural Art Museum (Japón) o el Museum Frankenhausen de Alemania.


    La obra de Clara Gangutia puede encontrarse en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Cámara de Comercio e Industria de Madrid, la Colección Unión Española de Explosivos, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo d´Arte dello Splendore de Giulianova (Italia), Museo de Vitoria, Museo Postal y Telegráfico, Colección Ibercaja, Diputación Foral de Guipúzcoa, Colección Saldañuela de la Caja de Ahorros de Burgos, Colección Municipal de Madrid, Collezione Coniugi Teresita e Alfredo Paglione, Colección Euskaltel, Colección Fundación Kutxa y Colección Sociedad de Ciencias Aranzadi.

    Fuente, Galería de Arte Leandro Navarro

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  • 10/13/16--13:23: Akseli Gallen-Kallela

  • Akseli Gallen-Kallela (1865-1931)


     Considerado como uno de los artistas más emblemáticos del genio finlandés, en la encrucijada de los siglos XIX a XX,Akseli Gallen-Kallela nunca ha sido el objeto de una exposición monográfica en Francia. Sus vínculos con París son sin embargo muy estrechos. Fue alumno de la Academia Julian, en la década de 1880, triunfó en la Exposición Universal de 1900, con los frescos del pabellón finlandés, sobre temas procedentes de la epopeya del Kalevala, expuso de nuevo en París en 1908, antes de embarcar rumbo a África, de donde trajo de vuelta una deslumbrante serie de pinturas y acuarelas.
    Naturalismo, neo-romanticismo, simbolismo y expresionismo se combinan en la obra de Gallen-Kallella, en la que también tienen cabida las artes decorativas. La exposición muestra esta brillante carrera, reuniendo obras procedentes de prestigiosas instituciones finlandesas o de colecciones privadas, que constituyen los manifiestos de un arte durante demasiado tiempo reducido a la expresión de un sentimiento nacional.

     Recepción

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  • 10/14/16--13:02: Ay-O

  • Takao Iijima Nació en 1931 en la prefectura de Ibaraki, situada en la costa del Pacífico en la isla de Honshu. Su pseudónimo artístico es Ay-O. Artista japonés asociado con Fluxus desde sus comienzos en la década de 1960


    Quizás la mejor referencia para entender sus comienzos es su libro autobiográfico "Ay-O, Over the Rainbow. Acabó sus estudios en 1945, en la universidad de Tokio. Un año despues presentó sus obras en u na pequeña exposición en la galería Takemiya en Tokio.  Estando todavía en Japón hizo principalmente obra gráfica y consiguió fama, desarrollando una estilo muy personal 

     Ay-O estaba fascinado por los colores del arco iris. Lo que deseaba era combinar el arte moderno con la forma tradicional de ver la naturaleza en Japón. A menudo combinaba temas de la tradición ukiyo-e para transformalo en su propio lenguaje de composiciones cubistas


    En 1958 se fue a Nueva York y  fue miembro fundador del movimiento fluxus. El artista lituano George Maciunas y su colega Yoko Ono, que más tarde se convertiría en la esposa de John Lennon, lo presentaron en 1961 a un grupo de artistas y en 1963 -Ay-O comenzó a tomar parte en las reuniones y eventos del grupo fluxus. Su primera presentación, en 1964, la tituló  "rainbow happening" y tuvo lugar en el  Carnegie Hall en Nueva York. Más adelante conoció a otros artistas internacionales como el poeta Emmett Williams, el compositor Dick Higgins y el artista de videos Nara June Paik. Con ellos amplió sus actividades a Europa. En 1966 publicó su "rainbow manifesto". En 1966 representó a Japón en la bienal de Venecia y a continuación viajó por Europa y la India.  En 1968 y 1969 dio clases en la universidad de Kentucky. En Japón se le conoce como el  "Rainbow Man" por el uso de los colores del arco iris en su estado más puro.  Hizo su famoso ·arco iris táctil" en la Feria Mundial de Osaka en 1970. En 1971 hizo su debut Demokato y adaptó 10 pinturas naif americanas para crear una versión del arco iris al que tituló Nashville Skyline. Su obra se encuentra en famosas galerías y museos



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  • 10/17/16--12:48: James Gleeson




  • Nació en Sidney en  1915. Perdió a su padre cuando tenía solo cuatro años y fue criado por su madre. Uno de los artistas más importantes de Australia. Pintor surrealista, aclamado por la crítica. Además de pintor fue crítico de arte y poeta. Influenciado por los grandes surrealistas europeos, como Dalí y Magritte, además de las teorías de Freud y Jung.  Siempre decía que había nacido surrealista. Criado al lado del mar pasaba los días contemplándolo e imaginandose historias de un mundo lleno de criaturas fantásticas


     A los once años, su tía Doris McPherson le enseñó a utilizar la pintura al óleo. Estudió en  la Escuela de Arte, East Sydney Technical College y en 1939 expuso su primera obra- Se entusiasmó cuando leyó la primera filosofía sobre el surrealismo, aunque no vio la primera obra de Dalí hasta 1939. El surrealismo parecía el lenguaje apropiado para un período histórico tan oscuro como aquel, la subida del fascismo, la guerra civil española y la segunda guerra mundial. 
    Viajó a Europa desde 1947 hasta 1949 y los clásicos le influenciaron. En sus obras exploró sobre la mitología y la religión, pero manteniendose siempre en el surrealismo.  Durante las décadas de 1960 y 1970 ejerció como crítico de arte e historiador. Tambien escribió poesía y trabajó en varias fundaciones de arte. Durante 27 años pintó solamente los fines de semana pero en 1983 decidió dedicarse solo a la pintura.




    Quizas Gleeson nunca recibió el reconocimiento que se merecía- En 2004-5 se celebró una gran retrospectiva en Melbourne y Camberra y en  The Art Gallery de Nueva Gales del Sur.

    Aunque Gleeson, a menudo, se expresaba con gran pesimismo acerca de la naturaleza humana, era un persona muy agradable, quizás el artista australiano más cultivado. En 2006, el y su compañero Frank O´keefe, que murió en  2007, dejaron un legado de unos 16 millones, a una fundación para adquirir obras de arte. Gleeson murió en 2008


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  • 10/17/16--15:16: Henry de Groux
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    El artista belga Henry de Groux no luchó en la primera Guerra mundial,- tenía ya 48 años- pero visitaba a menudo el frente y dibujaba las escenas desgarradoras que veía
    En esta escena podemos ver hombres y mujeres, unos a caballo, otros a pie, abandonando una zona devastada. Una gran cruz rota, está tirada en el suelo. La verja que servía de cierre está rota, derribada. Todo esta en ruinas y los habitantes se ven obligados a huir


    En su pintura Cristo de los ultrajes, podemos ver a una multitud atacando a Jesús
    Prisioneros de guerra

    Henry de Groux 1866-1930, fue un pintor, escultor y litógrafo belga. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes. Fue miembro de Les XX pero en 1886 fue expulsado por negarse a exponer con  van Gogh


    Este pintor, tan original y hoy en día casi olvidado. A los 22 años ya era famoso por su cuadro "el Cristo de los ultrajes". Despues de abandonar el Grupo de Les XX se fue a París. La ciudad bullía entre tendencias artísticas, los puntillistas, tachistas, impresionistas, fauves, todos en contra de las tradiciones académicas. 


    Considerado en aquella época como uno de los pintores más innovadores de la generación simbolista, de Groux descubre en Leon Bloy su alma gemela. Es seducido tanto por sus ideas revolucionarias como por su búsqueda espiritual atípica y temperamento volcánico. Clama contra los artistas innovadores como los "tontos cubistas, dadaístas y futuristas" Hace a Cézanne, Manet y Degas responsables de la crisis

    Cuando estalló el asunto Dreyfus, de Groux se puso de parte de Zola y participó en su protección física contra la multitud hostil que lo esperaba a la salida del tribunal. Esto lo llevó a una ruptura con Leon Bloy, su maestro y mentor.


    Despues de este periodo tan oscuro, durante el cual Leon Bloy le somete a una presión violenta, el pintor entra en una depresión que le conduce a la religión. Viajó a Florencia y se enamoró de Dante y de su obra


    Emile Sicard, poeta de Provenza lo llevó con él  para  trabajar en un busto de Emmanuel Signoret y en 1914 el busto estaba listo, ya estaba colocado en  una plaza de Lancon en medio de árboles  cuando estalló la guerra.



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  • 10/19/16--03:55: Felipe Orlando


  • Juan De Dios Felipe Orlando García Murciano, nació en Quemado de Güines, Cuba en 1911

    En 1928, a los 17 años se traslada a La Habana para cursar estudios universitarios, doctorándose en Filosofía y Letras y estudiando además Derecho y Antropología. Allí se conciencia políticamente frente a dictadura de Gerardo Machado, en ese mismo año comienza a trabajar como decorador en La Habana.


     Estudió en la escuela de pintura de Jorge Arche y Víctor Manuel y se incorpora luego al grupo de pintores que trabaja en este ultimo. Ilustra periódicos y revistas. Hace un primer envío al Salón Nacional en 1935, y es premiado.




    Realiza una exposición personal en Lyceum, en 1936.

    Fue uno de los miembros fundadores de la Asociación de Pintores y escultores de Cuba(APEC). 

    Viajero incansable se estableció en New York, después de abrir un taller entre 1946 y 1951, entrando en contacto con Jean Poul Broch y Miró. Luego viajó a México donde residió hasta 1959 allí ejerció como profesor de la Universidad de las Américas y la Universidad Nacional Autónoma de México. En los años 50 realizó un viaje de varios meses por Europa, conoce a Henry Moore y a George Braque.
    Su pasión por la música le lleva a mantener amistad con Pablo Casals, y su amor por la literatura le puso en contacto con los poetas malagueñosEmilio Prados, Moreno Villa y Manuel Altolaguirre, además de mantener una importante amistad con Gabriel García Márquez


     Desde mediado de los 60 se establece en España, primero en Mójacan (Almería), luego en Málaga y finalmente, en Benalmádena, donde siguió desarrollando su actividad pictórica y literaria, patrocinando la inauguración de un museo arqueológico en acuerdo con el Ayuntamiento de Benalmádena al cual donó entre 1968 y 1970su colección que constaba de 275 piezas. Precolombinas de Mesoamérica, Honduras, Costa Rica y Santo Domingo, herencia de su abuelo paterno.  

     En 1986  viaja a Cuba nuevamente donde realiza una exposición

     Entre residencias y viajes recorrió Europa, América e incluso África ampliando su círculo de Amigos y su bagaje cultural volviendo siempre a Benalmádena, donde falleció el 10 de abril del 2001.
     Fuente
    EcuRed

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  • 10/19/16--12:02: Charles Guilloux


  • Charles Guilloux, pintor francés ( 1866 - 1946) un modesto empleado de la Biblioteca Nacional, artista autodidacta, adscrito al movimiento simbolista. En 1891 su obra fue mostrada en la exposiciones de la Sociedad de Artistas Independientes y en la de los impresionistas y simbolistas, ofrecida por la Galería Le Barc de  Boutteville. 


      Muy pronto, los títulos de sus cuadros parecen cada vez más elípticos, a veces incluso con el uso de connotaciones musicales (Scherzo lunar, 1894, localización desconocida), mientras que el origen de sus motivos se vuelve cada vez menos identificable.Crepúsculo constituye un ejemplo que reúne, entre el agua y el cielo, una banda de tierra a penas emergida, en la que se recortan, a contraluz, las siluetas oscuras de algunos árboles.
    Esta estructuración del espacio, este reparto de las formas y de los colores exacerbados, que comenta con abundancia André Mellerio (1862-1943) en suMovimiento idealista en pintura(1896), se reencuentran en otras obras pintadas por Guilloux en la misma época: Aparecer de luna en un canal(Moulins, Museo Anne de Beaujeu) o Paysage au crépuscule Paisaje en el crepúsculo (Beauvais, Museo departamental del Oise). Crepúsculo y estos otros dos cuadros pudieron aparecer en 1892 en Le Barc de Boutteville, provocando el siguiente comentario de un crítico anónimo en el Temps: "Magnífica serie de paisajes enviada por un desconocido que es un maestro".
     Crepúsculo es el primer cuadro de Guilloux que entró en las colecciones del museo de Orsay, donde ya se encuentran representados Charles-Marie Dulac (1856-1898) y Charles Lacoste (1870-1959), dos artistas con los que los periodistas le relacionaron con frecuencia. Esta adquisición permite pues completar la representación de estos paisajes simbolistas franceses en las colecciones nacionales.

    Recepción

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  • 10/20/16--12:02: FLAVIO GARCIANDÍA

  • FLAVIO GARCIANDÍA
    VILLA CLARA, CUBA, 1954

     


    Flavio Garciandía de Oraá ingresa en 1967 a la Escuela Provincial de Arte de Rolando Escardó, Cienfuegos, y luego concluye los estudios en 1973 en la Escuela Nacional de Arte .
    Se desempeña como profesor de dibujo y pintura en la Escuela de Artes Plásticas Leopoldo Romañach de Santa Clara, donde cumple el servicio social. De 1973 a 1980 cursa el nivel superior en el ISA. Trabaja como especialista de la Dirección de Artes Plásticas y Diseño del Ministerio de Cultura y profesor de pintura del ISA.
    Utiliza la fotografía como punto de partida en la realización de muchas de sus pinturas. Entre sus obras principales se encuentran Todo lo que usted necesita es amor, la que figura en la colección del Museo de Bellas Artes, en La Habana, y la serie titulada Apuntes para un estudio de la conquista.




    Obras suyas se encuentran expuestas además en el Museo de Arte Moderno de Lods, Polonia; en el  Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali, Colombia; y muchas forman parte de colecciones privadas en Cuba y el extranjero. Ha mostrado sus obras de forma individual en Cuba y fuera del país.
    Entre sus exposisiciones individuales más relevantes se encuentran: Galería L, La Habana (1973), Casa de Cultura de Plaza (1979); Vereda Tropical (1982); Obra reciente (1983); Museo Nacional (1989 y 1990).
    Entre sus exposisiciones colectivas más relevantes se encuentran: Centro Cultural José‚ Martí, México (1981); Amelie A. Walace Gallery, Nueva York, Estados Unidos (1985) y Worth Hall Gallery, Massachusetts Colloge of Art, Boston, Estados Unidos.

    Museo Carrillo Gil

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  • 10/20/16--12:43: Manuel Mendive


  • Nació en La Habana, el 15 de diciembre de 1944.
    Se graduó en la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1962. También realizó estudios en el Departamento de Etnología y Folklore, de la Academia de Ciencias de Cuba, y de Historia del Arte en la Facultad de Humanidades, Escuela de Letras, de la Universidad de La Habana.
    Pintor de gran cubanía, con una fuerte expresión de las raíces africanas, en especial del panteón Yoruba, este artista mezcla diversas técnicas, estilos y colores, sobre variados soportes y texturas. Lienzo, madera, piel de animales y hasta el propio cuerpo humano, le sirven para dar riendas sueltas a la creatividad de sus extraordinarios mitos y narraciones pictóricas. 



    Con apenas once años, resultó premiado en un certamen de pintura infantil en Japón y posteriormente ha recibido una infinidad de premios, tales como el del Salón Nacional de Dibujo (La Habana, 1967); el del Salón de Mayo (París, 1967); el del II Festival de Pintura Internacional Cagnes-sur-Mer (Francia, 1970); la Medalla Alejo Carpentier del Consejo de Estado de La República de Cuba (La Habana, 1988); el Premio Nacional de Artes Plásticas (La Habana, 2001), y la medalla de los Cinco Continentes de la UNESCO, (2009). 


    Sobre él, Rogelio Martínez Fouré expresó: “Es difícil clasificar dentro de una escuela o tendencia determinada la obra de Mendive. No es simbolista ni primitivo, en el sentido europeo.” Más que un pintor es un creador termino que permite englobar al pintor, dibujante, escultor, instalacionista, grabador, muralista, escenógrafo, diseñador y artista del performance que es Mendive. Según la opinión de Israel Castellanos: “Creador de un universo y un estilo muy personales, habitados por orishas, deidades fundidas con la naturaleza e iluminadas por una pródiga imaginación, Mendive es una suerte de demiurgo representacional que de cierto modo ha atendido las señales dejadas por esos dos grandes hitos del llamado arte afrocubano: Wifredo Lam (1902-1982) y Roberto Diago (1920-1957).” 



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  • 10/21/16--13:14: ELENA GAGO

  • 1940-2011
    Gago formó parte de la generación de la que partió la renovación de la pintura gallega en los años sesenta.
    Inició su formación en su ciudad natal y después se trasladó a Madrid, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y en el Círculo de Bellas Artes. Comenzó a exponer en 1959.
    Después de su paso por la capital de España realizó numerosos viajes al extranjero para ampliar sus conocimientos y cursó estudios de música y danza. La década de los setenta supuso para María Elena Fernández-Gago una gran repercusión internacional, con exposiciones en países como Estados Unidos, Japón, Bélgica, Suiza o Alemania -además de numerosas ciudades españolas-, en las que recibió elogios por parte de la crítica.
    Su pintura realista, ejecutada siempre con una minuciosidad casi obsesiva, ha merecido críticas favorables de personas como Miguel González Garcés, Camilo José Cela, José Hierro, Fernando Mon o Álvaro Cunqueiro. Es la única pintora que ha colgado sus cuadros en dos ocasiones en el Kiosco Alfonso coruñés, la última de ellas, en el año 2007. Además, Elena Gago es autora de diversos ensayos sobre temas relacionados con el arte.

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  • 10/23/16--12:37: Álvaro Caruncho


  •  1948-.2011
    Nacido en a Coruña en 1948, Caruncho comenzó su carrera artística como ilustrador y diseñador gráfico, tras cursar sus estudios en la Escuela de Artes Pablo Picasso. En 1972 comenzó a colaborar con la histórica revista satírica La Codorniz, en la que destacó gracias a unas ilustraciones en las que el surrealismo se entremezclaba con la crítica política.
    Abelenda, que también trabajó en el semanario fundado por Miguel Mihura, destaca la versatilidad de la que hizo gala Caruncho durante toda su carrera: "Tenía una gran capacidad de trabajo: hizo publicidad, grabados y serigrafías, y deja detrás una gran obra, muy buena y abundante. Tenía una gran capacidad de trabajo, y trabajó hasta el último día".
    Fue precisamente su compromiso durante su trayectoria en la ilustración lo que hizo que Caruncho fuera galardonado con un premio internacional de humor antifascista en Atenas. También relacionado con el humor fue otro de sus trabajos más populares, los Poemas de golf, con los que el escritor Francisco Xavier de la Colina satirizó sin piedad la sociedad coruñesa de los años 70, en los que Álvaro Caruncho colaboró ocupándose de la parte gráfica de la obra.
    El premio que recibió en Grecia fue el primero de los reconocimientos internacionales del artista coruñés, que expuso sus creaciones en galerías de todo el territorio nacional y en el extranjero, además de participar en eventos como la segunda Bienal Internacional del Arte Contemporánea de Florencia, y la décima edición de la Feria de Arte Contemporánea de Innsbruck, en Austria.
    En sus últimos años, Álvaro Caruncho se centró en su faceta como pintor, dejando de lado su vertiente humorística y sustituyéndola por sus coloristas lienzos, que expuso en numerosas instalaciones en la ciudad, tanto individuales como colectivas. "Era muy suyo -recuerda Abelenda-, y tenía un carácter muy independiente y particular. Le gustaba hacer la guerra por su cuenta".

    Fuente- La opinión a Coruña

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  • 10/24/16--12:02: Wayne Thiebaud



  • Wayne Thiebaud  1920- conocido por sus cuadros de pasteles, barras de labios, latas de pintura, helados, etc.  Se le asocia al pop art por su interes en objetos de cultura de masas.


     Nació en una familia de mormones en Mesa, Arizona, Estados Unidos. Su familia se trasladó a Long Beach, California, cuando el tenía seis meses. Un verano, cuando aún estaba en la escuela, fue aprendiz en los estudios de Walt Disney. Al verano siguiente estudió en Frank Wiggins Trade School en Los Angeles. Desde 1938 hasta 1949, trabajo como dibujante y diseñador en California y Nueva York. Desde 1942 hasta 1945 sirvió como artista en las Fuerzas Armadas. Eb 1949 se matriculó en la Universidad del estados de San José y despues en la de Sacramento.

     Realizó su primera exposición en Crocker Art Gallery en Sacramento y desde 1954 a 1957 produjo once peliculas educativas por las que recibió una beca. Fue profesor en el departamento de arte en la universidad de Sacramento hasta 1959 y despues en la universidad de California

    Utiliza pigmentos fuertes para exagerar los colores y destacar los temas


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  • 10/25/16--04:53: José Manuel VIDAL SOUTO
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     José Manuel Vidal Souto (Ourense, 1948)  
    Su pintura tiene, originariamente, una profunda relación con la sencillez y la ruralidad, una intencionada búsqueda de la esencialidad de la tierra fértil y nutricia de nuestras aldeas, desde los ojos de alguien ansioso de aprender, dispuesto a dejar a un lado los convencionalismos de urbanita y a concentrar su gran fuerza física en la delicadeza expresiva de los pinceles. Los sucesivos descubrimientos que, en ese terreno, ha ido haciendo con su arte, pueden seguirse, desde luego, recorriendo la geografía de sus productivas soledades en los diferentes lugares en que se fue asentando, siempre provisionalmente hasta que logró encontrar relativa tranquilidad en una aldea próxima a Leiro. 
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     Tojos y retamas, piornos y acacias, con sus floraciones verdes y amarillas intensas, junto a sombreros de paja campesinos, iban inundando de color las telas. Como objeto único de atención, en un estilo entre impresionista y expresionista, con una factura pictórica densa  que acentuaba fuertemente el lado escultórico con que se le imponía aquella realidad absorbente. Por entonces, le quedaba tiempo y energía suficientes como para desarrollar ensayos con el volumen, que le permitía la labra de diversas rocas que poblaban el patio de aquella casa.


    Información Faro de Vigo


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  • 10/26/16--05:16: Stanislas Lépine



  • Stanislas Lépine
    Caen, 1835-París, 1892 
     Victor Edouard Stanislas Lépine nació en Caen en 1836. Al comienzo de su carrera artística adopta el estilo del pintor de marinas Johan Barthold Jongkind y se especializa en la ejecución de este tipo de paisajes, como se puede apreciar en Veleros en el puerto de Caen. En 1855 el pintor se traslada a París y en 1859 acude por primera vez al Salon, exponiendo una obra titulada Puerto de Caen a la luz de la luna. Stanislas Lépine se especializó en la ejecución de paisajes urbanos pintorescos, eligiendo con frecuencia las orillas del Sena y las viejas calles de París. 

    En 1860 Lépine se decantó por un aprendizaje más profesional bajo la dirección de Jean Baptiste-Camille Corot, en cuyo estudio conoció al pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904). Buena prueba de la amistad entre ambos es que en numerosas ocasiones Fantin-Latour ayudó económicamente a Stanislas. En el estudio de Corot, Lépine desarrolló un estilo personal a mitad de camino entre el planteamiento pastoral tradicional, típico de las composiciones de su maestro, y los paisajes atmosféricos propios de los impresionistas, cuyo prototipo pueden ser algunas obras como Montmartre, Rue Saint Vincent (1878) y Le Pont de Mondo (1880), ambas en el Musée d'Orsay. 

    Aunque Lépine nunca alcanzó la popularidad de otros pintores de su misma época, lo invitaron a participar en la primera exposición impresionista de 1874, en la que mostró la obra titulada Orillas del Sena. A lo largo de su vida, participó con regularidad en el Salon (Grove Dictionary of Art). Los cuadros de Stanislas Lépine se apreciaron tanto por sus delicados efectos lumínicos como por su carácter contemplativo; en la actualidad la crítica lo considera precursor del movimiento impresionista.
     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 10/26/16--12:49: Augustin Rouart

  • Los Rouart -Una dinastía de artistas: Henri Rouart, fundador, ingeniero,  industrial,  inventor, pero también pintor, amigo de Degas y coleccionista de arte. Uno de su hijos, Ernest, también pintor, se casa con Julia Manet, hija y sobrina del gran Eugène Manet de Berthe Morisot. Será tutores Mallarmé y Renoir. Otro hijo de Henri, Louis, se casará con Christine Lerolle, a menudo retratada por Renoir, que le  da un hijo, Augustin Rouart. 

    Augustin Rouart (1907-1997)

     Augustin es el cuarto hijo de Louis y Christine.Heredó el gusto por el arte de su abuelo y por parte de su abuela materna el amor por la música.Bajo la sombra del omnipresente Degas, Augustin Rouart se convirtió en un pintor que se desliza suavemente en una burbuja fuera del tiempo, lejos de la atmósfera impresionista  de su infancia.

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  • 10/27/16--12:23: Ernest Rouart



  • Ernest Rouart -París 1874-1942.  Uno de los cuatro hijos de Henri Rouart. Se casó con Julie Manet, hija de Berthe Morisot y Eugene Manet.  Despues de estudiar matemáticas, pensando en entrar en la empresa de su padre, decidió dedicarse a la pintura. Edgar Degas, amigo de la familia, le dio clases y además fue el que le presentó a Julie Manet. 


    Ernest Rouart contribuyó mucho al desarrollo del movimiento impresionista organizando grandes exposiciones, especialmente de Manet, Degas y Berthe Morisot. Su hija, Julie Manet tambien fue pintora y uno de sus nietos, Denis Rouart, fue conservador del Museo de Bellas Artes de Nancy. Ernest también se ocupa de proteger mejor la colección de su padre, que con su dispersión en 1912,  tratará de comprar ciertas obras.

     Apasionado por el arte y exigente pintor, expuso por primera vez en  1899 en el Salon de los Independientes, donde conoció  a Bonnard, Vuillard, Maurice Denis y a Henri Rousseau.  





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