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  • 10/27/16--15:39: Article 0
  • LA SAGA DE LOS ROUART


                          Henri Rouart retratado por Degas

     Henri Rouart (1833-1912) nació, literalmente, en el corazón del Impresionismo: un año antes que Edgar Degas, con quien estudió, y un año después de Edouard Manet, tío de su futura nuera.  Siempre le gustó la pintura y la practica  como aficionado- Henri, ingeniero brillante, inventa y patenta, entre otros, el correo neumático, un sistema de refrigeración industrial y sobre todo la técnica de hierro hueco, un proceso metalúrgico que le hará rico.


     Henri Rouart and His Son Alexis, 1895-1898 - Edgar Degas

    Este hombre, brillante empresario, se encuentra con su amigo de la infancia, el carismático y caustico Edgar Degas y a los 40 años deja de ser pintor aficionado para dedicarse al arte a tiempo completo. 

    Inmensamente rico colecciona arte y llena de cuadros todas las paredes de sus mansiones de Lisboa y París. En su colección tiene obras de Delacroix, Jongkind, Courbet, Daumier, Degas, Corot, Velázquez, Poussin, Gauguin etc. Su querido Degas, encuentra en Henri Rouart y sus cinco hijos mucho más que amigos íntimos, una familia.

      autorretratos de Henri y Ernest  Rouart

    Ernest Rouart (1874-1942) es el cuarto hijo de Henri. Nacido el año de la primera exposición impresionista. Crece en el medio de una fabulosa colección, rodeado de pintores sin embargo, Ernest hace ingeniería como su padre, que veía en él un perfecto sucesor como jefe del imperio industrial. Pero antes de la graduación  optó por dedicarse por completo a la pintura.


     Julie Manet, 1894

     Ernest se convierte en  alumno de Degas y éste se hace casamentero. Un día vió en una exposición a Julie Manet, hija de Berthe Morisot y Eugene Manet, hermano menor de Edouard Manet. Degas tomó a Julie por el brazo y le dijo "ven que te voy a presentar a tu futuro marido"
    Julie Manet, Paul Valéry, Paule Gobillard, Ernest Rouart and Jeannie Gobillard.


     En 1900 se celebró una doble boda, Ernest Rouart y Julie, y la de su prima Jeannie Gobillard con un joven llamado Paul Valéry, Degas acertó totalmente, los cuatro fueron inseparables  toda su vida, compartiendo el mismo edificio parisino, el mismo castillo en el verano y el mismo amor absoluto por el  arte.

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  • 10/28/16--02:09: Yiannis Moralis




  • YANNIS MORALIS (1916-2009) nació en Arta, 
    Grecia. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Atenas con Dimitris Geraniotis, Costas Parthenis y Umbertos Argyros y grabado con Yannis Kefallimos. Con una beca que consiguió en la universidad, estudió mosaico y frescos en Roma. Tambien recibió clases de fresco en París, en la Escuela de Bellas Artes y de mosaico en la Ecole des Arts et Métiers. Celebró su primera exposición en Atenas en 1959. Hizo grabados, libros ilustrados y diseños para escenarios  de teatro y danza. Tiene numerosos murales y le dieron el premio Pan-Hellenic. Recibió la medalla de oro en la Muestra internacional de Munich de 1973. En 1947 fue nombrado profesor de la escuela de Bellas Artes.Murió en Atenas en 2009


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  • 10/28/16--12:19: Frederick William MacMonnies


  • (1863-1937)


    Pintor y escultor nacido en Nueva York. Estudió en la Academia Nacional de Diseño y en la Art Students League de Nueva York. En 1884 viajó a París para estudiar escultura en la facultad de Bellas Artes. En 1888 abrió un estudio en París y comenzó a crear algunas de sus esculturas más famosas, que presentaría anualmente en el Salón de París. Ese mismo año, con la intervención de Stanford White, consiguió dos encargos para Estados Unidos y se casó con María Fairchild, una colega americana con quien compartía estudio. Se trasladaron a Giverny, donde había una colonia floreciente de artistas. Las sucesivas relaciones de ambos unido a largas ausencias del hogar, los llevó al divorcio en 1909


    En 1889 recibió una mención de honor en el Salón de París. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial viaja anualmente a los Estados Unidos para encargarse de los pedidos. En  1891 hizo una fuente para la Feria Mundial de Chicago.  Fue  muy bien recibido y agasajado en su país pero pronto su estilo se quedó obsoleto. Murió a los 73 años, totalmente arruinado por la caida de la bolsa de 1929. Ahora, renovada la apreciación por la escultura y el diseño americano MacMonnies ha regresado a un lugar prominente en la historia del arte





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  • 11/02/16--13:07: Juan Navarro Baldeweg


  • Juan Navarro Baldeweg, santanderino, nacido en 1939, es arquitecto, pintor, académico de Bellas Artes y premio Nacional de Artes Plásticas.
    Navarro Baldeweg realizó sus primeros estudios de dibujo y pintura entre 1951 y 1956 en su ciudad natal. En 1959, se instaló en Madrid para estudiar un año de grabado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Posteriormente, se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, consiguiendo la licenciatura de arquitecto en 1965.

    En 1970, fue becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios en el extranjero.
    En 1975, de vuelta en España, ejerció la docencia en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid como catedrático de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. También ha sido profesor invitado de las universidades estadounidenses de Pensilvania, Yale, Princeton y Harvard.
    Arquitecto de proyección nacional e internacional, cuenta en su currículo con numerosos proyectos y realizaciones de peso, logrados, en la mayoría de los casos, en concursos en los que competía con grandes figuras internacionales.


    Entre su producción arquitectónica, cabría distinguir: la Casa de la Lluvia de Santander; el Palacio de Congresos y Exposiciones Castilla-León, en Salamanca; la Biblioteca Municipal de San Francisco el Grande (Madrid); el Centro Cultural en Villanueva de la Cañada (Madrid); la biblioteca de la Facultad de Música de la Universidad de Princeton; o el Centro de Investigación y Museo de Altamira, que alberga la copia de las famosísimas pinturas rupestres.

    Pintor reconocido, ha expuesto en solitario en una veintena de ocasiones y ha participado en numerosas exposiciones colectivas. Su trabajo está presente en varios centros españoles, como el Museo Español de Arte Contemporáneo y el Centro de Arte Reina Sofía, ambos en Madrid; el Museo de Bellas artes de Vitoria; la Fundación Caja de Pensiones de Barcelona; la colección Dobe de Zúrich; o el Museo de Malmö de Suecia.

    Información- EL PAIS

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  • 11/03/16--14:01: Mary Frank

  • Nació en Londres en 1933. "Nací para ser artista"- siempre dice. Hija única de la pintora estadounidense Eleanore Lockspeiser y del crítico de arte y musicologo Edward Lockspeiser. Cuando Gran Bretaña declaró la guerra a Alemania en 1939, Mary fue evacuada de Londres y trasladada a un internado en el campo. Cuando sucedió esto se dio cuenta de la realidad de pertenecer a una familia judía. La casa familiar fue bombardeada y Mary, despues de la guerra, fue llevada a casa de sus abuelos maternos en Brooklyn, Nueva York. 

     Sus padres no pudieron superar toda esta desgracia y se separaron antes de terminar la guerra. En Nueva York, la danza se convirtió en algo más importante que la pintura para ella. Estudió  danza y en 1947 fue admitida en la High School for Music and Art en Manhattan. y se graduó en 1950, pero ese mismo año comenzó a estudiar escultura en el estudio de Alfred van Loen y dibujo con Max Beckmann en la American Art School de Nueva York Se casó con Robert Frank, fotógrafo suizo.  

    En 1855, cuando ya era madre de dos hijos, le dieron a Frank una beca de la fundación Guggenheim. Frank llevó en coche a toda la familia de viaje durante dos años, desde Texas a Nuevo Mejico, Arizona, Nevada y California. Un documental, recogido en fotos, titulado "The Americans" fue publicado en 1958.  

    Mary Frank hizo su primera exposición en 1958. Había explorado temas mitológicos, arquetipos primitivos  humanos y de animales, todo ello lo realizó en madera, cera, yeso y bronce y expresivos dibujos en cera y lápiz. Le inpiraba mucho la escultura etrusca y egipcia, la de Henry Moore, Giacometti y Brancusi así como los dibujos de Degas.  

    En 1973 compró una casa de verano en Lake Hill, Nueva York, ya se había separado de su marido. En 1974, su hija Andrea murió en un accidente aéreo, su hijo Pablo desarrolló la enfermedad de Hodgkin. La obra de Mary Frank ya era conocida y era aclamada desde 1970. A partir de la mitad de la década de 1980 se fue dedicando cada vez más a la pintura. 

    La madre de Mary murió en 1986, su hijo Pablo en 1994, ella siguió viviendo en Lake Hill, con su nuevo marido, el pianista Leo Treitler, con quien se casó en 1995.  Fue elegida Académica de la Academia Americana y del instituto de Artes y Letras. Recibió numerosos premio y honores, dos de la Fundación Guggenheim, de la fundación Pollock-Krasner etc. Le han hecho tres exposiciones retrospectivas y su obra se encuentra en museos y colecciones. El Metropolitan Museum of Art, The National Museum of American Art at the Smithsonian Institution, The Library of Congress, The Art Institute of Chicago, The Museum of Modern Art at Yale University, and The Jewish Museum.    

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  • 11/03/16--15:50: Robert Frank-THE AMERICANS


  • Robert Frank, nació en Zurich, Suiza en 1924. A los 22 años ya era un fotografo profesional y en la década de 1940 ya era famoso. En 1947 emigró a los Estados Unidos y consiguió un empleo en Nueva York como fotografo de moda para el
    Harper´s Bazaar.  Despues de casarse con la pintora y escultora Mary Lockspeiser, en 1955, ya con dos hijos, consiguió una beca de la fundación Guggenheim y recorrieron con un Ford el país americano, visitando treinta estados y fotografiando todo lo que se ponía delante de sus ojos. Acabó con 767 rollos que fueron publicados en un libro de 83 fotografías y que tituló THE AMERICANS

    THE AMERICANS era otra visión de America. Robert Frank mostró otra visión de la vida americana, no la que aparecía en las revistas de moda. Sus personajes no vivían el sueño americano de los cincuenta. Era trabajadores de las fábricas de Detroit, travestis de Nueva York,  gente negra segregados en autobuses de Nueva Orleans. The Americans cambió el curso de la fotografía, en esas fotos Frank se metía debajo de la piel de la vida americana para revelarnos una gente llena de racismo, malos políticos y todos rendidos ante una expansiva cultura de consumo. 


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  • 11/04/16--13:12: Katsura Funakoshi



  • Katsura Funakoshi  nació en 1951 Morioka, en la prefectura de Iwate, Japón. Conocido por sus esculturas en madera y mármol.  Estudió en la universidad de Arte y Diseño y despues en la Universidad de Bellas Artes y Música. Sus obras, de gran efecto poético, combinan el pasado con la realidad y la fantasía, dialogando entre el este y el oeste. Trabaja el material de forma muy personal dejando las marcas en la talla. Ha expuesto en al Bienal de Venecia, en la de Sao Paulo, Documenta IX y en la Bienal de Shangai y su obra está representada en Museos de Japón y en otros países





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  • 11/05/16--13:08: Preston Dickinson


  • Nació en Nueva York en 1889. Estudió en la Art Students League con William Merrit Chase como profesor. Con la ayuda del mecenas Henry Barbey, pudo ir a París, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Julian. Expuso en el Salón de Artistas Franceses y en el Salón de los independientes. 
     Regresó a los Estados Unidos al estallar la Primera Guerra mundial. Participó en varias exposiciones colectivas y en 1923 celebró su primera exposición individual en Daniel Gallery. En 1925 pasó un año en Quebec y al final de la década de 1920 ya había alcanzado fama  y sus obras ya estaban en colecciones públicas y privadas. 
     En 1930 viajó a España con su amigo, el pintor Oronzo Gasparo, para buscar un sitio barato donde vivir y pintar. Aquejado de problemas de salud, incluyendo alcoholismo, sin dinero para volver a su país, fue hospitalizado y tres días despues murió en Irún, donde está enterrado
    Sus primeras obras de arquitectura moderna e industrial aparecieron en 1914. Estas primeras obras de formas geométricas, son una combinación de arte abstracto y reminiscencias del cubismo de Juan Gris. En los nueve años siguientes, sus obras son más personales pero con una variedad de influencias, entre Cézanne, el estilo japonés Ukiyo-e y futurismo.

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  • 11/08/16--13:39: Ricard Opisso


  •  Nació en Tarragona en 1880, pero cuando tenía dos años su familia se trasladó a Barcelona. Con la influencia de la obra de Antonio Gaudí, con quien trabajó durante seis años, llegando a ser delineante, y el poder del arte nouveau se desarrolló el arte de Opisso. Se convirtió en pintor, dibujante e ilustrador de revistas como Cu´cut y L´Esquella de Torratxa. Despues comenzó con las tiras satíricas trabajando para TBO.

    Con motivo de una exposición en la Sala Parés, conoció a Miquel Utrillo, que le presentó al grupo de artistas modernistas que se reunían en la cervecería Quatre Gats. Desde ese momento Opisso compaginó su trabajo con Gaudí con  las tertulias artísticas en los Quetre Gats. 
    En los Quatre Gats forma grupo con Picasso, Manolo Hugué, Casagemas, Sebastiá Sunyer  y otros.  Admiraban y escuchaban a artistas consagrados como Casas, Rusiñol, Anglada Camarasa, Canals y Regoyos.

    Opisso publicó sus dos primeros dibujos en la revista Luz en 1898 y en 1899 presentó en la portada de la revista Quatre Gats un dibujo titulado Raval de Barcelona. En 1901 viajó a París, deseoso de conocer a sus ídolos Toulouse-Lautrec y Steilen, pero las publicaciones de prestigio no le dieron trabajo. Volvió a Barcelona pero la capital francesa le habia provocado una fuerte impresión. En 1906 la revista francesa Le Rire le publicó algunos dibujos

    En 1902 expuso en la Sala Parés y comenzó a colaborar en Cu-Cut, publicacion de humor y crítica social. Cuando este revista desaparece, por motivos politicos, Opisso pasó a colaborar en L´Esquella de la Torratxa

    En 1921 comenzó con sus producciones deportivas, publicadas en Xut

    En la década de 1930 gozaba de popularidad y tenía una vida bohemia. Durante la guerra civil se refugió en Rellinás, siendo espectador de la derrota republicana. Volvió a Barcelona y a partir de 1941 comenzó a exponer, casi anualmente, durante más de 20 años.

    La muerte de su esposa lo hundió en una depresión y Opisso murió en 1966




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  • 11/09/16--13:07: Guy Pène du Bois

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    Guy Pene Du Bois


    Brooklyn, 1884-Boston, 1958


     Guy Pène du Bois nació en Brooklyn, Nueva York, el 4 de enero de 1884. Empezó a estudiar en la New York School of Art en 1899 y todavía seguía allí cuando Robert Henri ingresó como profesor en 1902. En 1905 Du Bois viajó a París con su padre y allí estudió en la Académie Colarossi con Steinlen. Cuando en 1906 Du Bois regresó a Nueva York, trabajó como periodista en el New York American. En 1909 ascendió a crítico de arte, puesto que desempeñó hasta 1912. En 1911 se casó con Florence Sherman Duncan y en 1913 nació su hija Yvonne. Du Bois fue miembro de la comisión de publicidad de la Armory Show de 1913 y ese mismo año empezó a trabajar como ayudante de Royal Cortissoz en el New York Tribune. La carrera de Du Bois como crítico de arte se desarrolló en paralelo a su carrera como artista y en 1913 empezó a exponer en la Kraushaar Gallery. De 1914 a 1917 los Du Bois vivieron en Nutley, Nueva Jersey. En 1916, el mismo año en que Du Bois empezó a trabajar en el New York Post, nació su hijo William. En 1917 el pintor expuso en la Whitney Studio y al año siguiente celebró una exposición individual en esa misma galería. Du Bois empezó a dar clases, primero en la Art Students League y luego en su propio estudio. La familia Du Bois se trasladó a Connecticut en 1920 y de allí a Francia en 1924. En 1930 regresaron a Estados Unidos y Du Bois volvió a dar clases. Enseñó durante un año en la Art Students League y en 1932 abrió su propia academia, la Guy Pène du Bois School. A finales de la década de 1930 impartió sus enseñanzas en la Amgansett Art School, Long Island, y en la Cooper Union School of Art. A Du Bois se le concedieron numerosos premios y distinciones en la década de 1940. En 1951 colaboró con Raphael Soyer en Reality: A Journal of Artists's Opinions. Visitó por última vez París con su hija Yvonne en 1953 y murió en Boston, Massachusetts, el 18 de julio de 1958.


     


     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 11/09/16--13:53: Raphael Soyer



  • Borisoglebsk, 1899-Nueva York, 1987

    La obra pictórica de Raphael Soyer se inscribió dentro del realismo social que se fraguó en Estados Unidos, inspirado por las corrientes que habían surgido en México tras la Revolución de 1910.
    De origen ruso, Soyer emigró a Norteamérica en 1913. Tanto él, como su hermano gemelo Moses y el menor de la familia Isaac, se dedicaron a la pintura. Las vidas de Raphael y las de sus hermanos estuvieron muy relacionadas y juntos realizaron numerosos proyectos. Estudió en la Cooper Union, la National Academy of Design y la Educational Alliance Art School hasta 1922. En 1929 celebró su primera exposición individual en la Daniel Gallery de Nueva York, y su éxito fue tal, que desde entonces Soyer dedicó gran parte de su tiempo a pintar. A pesar de ello, entre 1933 y 1942 dio clases de manera intermitente en la Art Students League.
    Soyer se decantó desde el comienzo de su carrera por la figuración. Su estilo directo tuvo siempre como protagonista la vida de la ciudad de Nueva York. Sus primeros paisajes urbanos dieron paso a retratos de la clase trabajadora. Durante la década de 1920 se convirtió, junto a sus hermanos, en un miembro importante de la Fourteenth Street School, que aglutinó a artistas interesados por mostrar las desigualdades sociales. Paralelamente, trabajó junto a su hermano Moses en la Works Progress Administration. La crisis económica que sufrió Estados Unidos a partir de 1929 no hizo sino acentuar esta tendencia y en sus pinturas, acuarelas, litografías como en sus ilustraciones para libros, aparecieron los desempleados y seres marginados de la sociedad.
    Asimismo Raphael Soyer se interesó durante toda su vida por el género del retrato. Su familia y sus amigos del mundo artístico neoyorquino aparecieron en sus obras, a veces en solitario y otras en grupo. Él mismo se convirtió en el protagonista en sus más de cincuenta autorretratos.
     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 11/10/16--12:25: Ricardo Baroja

  • “Quieran o no, el grabado es un arte fundamentalmente literario” Ricardo Baroja

    El Café o La cupletista y los chulos. Museo Bellas Artes de Córdoba.

    Ricardo Baroja y Nessi (Minas de Río Tinto, Huelva, 12 de enero de 1871 – Vera de Bidasoa, Navarra, 19 de diciembre de 1953) fue un pintor, grabador y escritor español, hermano del novelista Pío Baroja y tío del antropólogo Julio Caro Baroja y del director y guionista de cine Pío Caro Baroja. Entre 1900 y 1906 se da con preferencia a la técnica del aguafuerte y desde entonces concurre a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de los años 1901, 1906, 1910, 1912, 1920, 1924, 1926, 1930 y 1936. Obtuvo una Segunda medalla en la de 1906 y la Primera en 1908. Cultiva preferentemente el retrato y las escenas de la vida popular, en un tono entre goyesco y romántico. En 1903 funda con la colaboración de Pablo Ruiz Picasso y Francisco de Asís y Soler el grupo de «Arte Joven». En 1910 cofundó la Sociedad de Grabadores Españoles, después reagrupada como la denominación de Los 24, grupo que editó tres números de la revista de esta técnica La Estampa antes de que pasara a publicarla el Círculo de Bellas Artes. En 1935 ganó el premio nacional de literatura por su obra La Nao Capitana y ese mismo año empieza a escribir en Diario de Madrid los artículos sobre tertulias madrileñas. Su obra como grabador es importante y se le considera el sucesor de Goya. Ha dejado más de ciento treinta grabados, unos mil óleos y dos docenas de libros entre ensayos y novelas, así como gran obra dispersa de articulista en distintas revistas y periódicos. 

     ARTE. Grabados y Artistas. Pintor

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  • 11/11/16--13:37: Russell Cowles
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    1887-1979

    Nació en Algona, Iowa-USA. Le gustaba pintar desde niño porque su madre tambien pintaba. Estudió en Dartmouth College y al acabar viajó a París, donde compartió experiencias con otros artistas y allí permaneció hasta que se quedó sin dinero. Regreso a los Estados Unidos y trabajó en Nueva York, en la Art Students League y en la National Academy of Design. Trabajó con Douglas Volk y Barry Faulkner, ayudandoles en pintura mural. En 1915 ganó el Premio de Roma

    En 1917, al estallar la Primera Guerra Mundial, le asignaron un puesto en el departamento de inteligencia en la marina, en Italia. Acabó sus estudios con una beca, en la Academia Americana de Roma y viajó por Europa

     
    En la década de 1920 regresó a París. Despues decidio hacer un viaje de estudios por oriente y fue a Java, Bali, China y Egipto. Volvió a America en 1928. Durante su ausencia, le habian  premiado con la medalla Norman Waite Harris en el Instituto de Arte de Chicago.Durante la década de 1930 vivió  en Santa Fe y se unio al grupo de pintores mejicanos.
     Cowles hizo más de cuarenta exposiciones  y ganó muchos premios, incluido el de la Feria Mundial de Nueva York de 1925. Murió en Nueva York en 1979. Su obra se encuentra en museos y colecciones privadas, incluyendo el museo de arte de Denver, LACMA, PAFA y en los murales del edificio del Register y Tribune de Moines, Iowa



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  • 11/12/16--11:47: Maurice Estève


  • Maurice Estève 1904-2001

     Pintor francé nacido en Culan (Cher). Su familia se trasladó a París en  1913. Trabajó como diseñador textil en una fábrica de Barcelona en 1923. En 1924 hizo un curso en la Academia Colarossi y estudió la obra de Fouquet y Uccello en el Louvre. De los pintores contemporaneos admiraba, sobre todo, a Cézanne. A partir de 1928 comenzó a escaparse del realismo, influenciado por Léger, Matisse y Bonnard. Celebró  su primera exposición en la Galería Yvangot, en París en 1930. Trabajó como ayudante de Robert Delaunay en los grandes paneles decorativos para la Exposición Internacional de París de 1937. En la década de 1940 sus figuras estilizadas, bodegones y paisajes  adquirieron más colorido y se volvieron totalmente abstractas. Tambien hizo acuarelas y collages y en 1957 diseñó las vidrieras para  una iglesia en Berlincourt en Bernese Jura




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  • 11/13/16--16:08: Henri Gervex

  •   El esperó los primeros rayos del sol, se asomó por la ventana y la miró, rendida, cansada y dormida. Rolla termina envenenado en brazos de Marion.

    “Y por lo tanto, ambos huyeron de las crueldades de la suerte, la niña en el sueño, y el hombre en la muerte”


     Rolla

    En la primavera de 1878, un mes antes de la inauguración del Salón, Rolla fue brutalmente excluido del acto por la administración de Bellas Artes. Henri Gervex era, sin embargo, un pintor reconocido. De sólo 26 años de edad, ya había sido galardonado con medallas en el Salón, lo que le colocaba en teoría "fuera de concurso", dispensado de las deliberaciones del jurado encargado de elegir las obras presentadas. Esta vez las autoridades deciden lo contrario, lo retiran, juzgando de  "inmoral"  la escena.
    Gervex se había inspirado  en un largo poema de Afred de Musset (1810-1857), publicado en 1833. El texto relata el destino de un joven burgués, Jacques Rolla, inmerso en una vida de ocio y de vicio. Conoce a Marie, adolescente que se prostituye para librarse de la miseria. Aquí vemos a Rolla, arruinado, cerca de la ventana, girando la mirada hacia la joven dormida. Pronto pondrá fin a sus días, absorbiendo veneno.
    Si la escena fue juzgada de indecente, no es debido a la desnudez de Marie, que no difiere para nada en otros desnudos canónicos de la época. Lo que llama la atención de los contemporáneos es en realidad la naturaleza muerta constituida por las enaguas, una liga, un corsé desabrochado con prisas, con  un sombrero de copa encima. Fue Degas quien había aconsejado a Gervex colocar "un corsé en el suelo" para que se entendiese que esa mujer "no era un modelo". En efecto, esta disposición, la naturaleza de la ropa, indican claramente el consentimiento de Marie y su estatuto de prostituta. Además, el bastón saliendo de la ropa interior actúa como una metáfora del acto sexual.

    Tras su exclusión del Salón, Rolla fue expuesto durante tres meses en la sala de un marchante de cuadros parisino. El escándalo, ampliamente difundido por la prensa, atrajo a  la multitud. Bastantes años más tarde, en unas entrevistas publicadas en 1924, Gervex cuenta el placer que tuvo viendo el "desfile ininterrumpido de  visitas".


      



    Henri Gervex (1852-1929)nació en París en 1852. Estudió con Pierre Nicholas Brisset y Fromentin y acabó su formación con Cabanel. 

     Sus primeras obras son casi todas de género mitológico. Mas adelante siguió con representaciones de la vida moderna y logró mucho exito con "La operación"


    - cuadro basado en la Lección de anatomía del Dr Nicolaes Tulp de Rembrandt


     Recibió encargos importantes para pintar y decorar edificios públicos. Entre sus pinturas están: la distribución de premios en el Palais de l¨Industrie (hoy palacio de Versales), la Coronación de Nicolás II, los banquetes de los alcaldes y el retrato en grupo






     Tambien pintó con Alfred Stevens un panorama- La historia del siglo. Aparte de otras pinturas importantes, además de numerosos retratos, están la comunión en la iglesia de la Trinidad, Al volver del baile, boda civil, etc


     

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  • 11/14/16--12:20: Huguette Arthur Bertrand
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     (1920-2005), pertenece a  lajoven generación deartistasde la posguerra,que desarrollóun lenguaje abstracto,líricoy libre.

     Su pinturaes colorida,dramatizadapor las líneas negrasque cruzanel lienzo,destacandoloscolores, a menudo diluidos, en tonos  rojoy ocre,o azul. Su creación en papel es más dramática, casi exclusivamente pintada en negro y gris, a veces con un toque de ocre, rojo o azul.

    Nació en 1920. Despues de pasar su infancia en Saint-Etienne se trasladó a París en la posguerra. Viajó a Praga con una beca. Participó en el Salón de mayo de 1949 y expuso con el grupo Les Mains eblouies en exposiciones en los años 1949 1950. Sus primeras exposiciones individuales las celebró  en la galería Niepce en 1951. Obtuvo el Premio Féneon en 1955 y al año siguiente expuso en Nueva York, Copenhaguen, Inglaterra, Bélgica, Alemania y Japón

     Sus obras se pueden ver en el Centro Pompidou, en el Museo de Arte Moderno de Paris, en el Museo de Arte Moderno de Saint Étienne, así como en otros museos franceses y extranjeros

     



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  • 11/16/16--12:02: Monique de Roux






  •  Nacida en Boulogne-Billancourt, Francia, en 1946, vive y trabaja en  Madrid.

    Vivió en Argelia hasta los seis años y despues se trasladaron a París, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes, especializandose en grabado. Despues completó su formación en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

    Empieza a pintar al final de la década de 1970 representando visiones oscuras con maniquies y gente inmóvil. Durante una estancia de cuatro años en Panamá descubre los colores puros y su arte se convierte en un lenguaje simbólico lleno de sensaciones.  Los paisajes de la naturaleza panameña le recuerdan el exotismo de Henri Rousseau.

    Cuando regresa a Madrid en  1990, la Fundación Mapfre le otorga el premio Penagos de dibujo y desde esa fecha expone regularmente en Europa y America

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  • 11/17/16--12:04: Marguerite Jeanne Carpentier

  • (París, 1886-1965). Pintora y escultora francesa. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de París y en la Academia Julian, de la que, por medio de su profesor Jean-Paul Laurens, pasa al taller de escultura de Rodin. En 1912 viaja a Roma, en donde permanece hasta 1914, fecha en la que regresa a París debido a una enfermedad de su madre. En las primeras décadas del siglo XX expone en el Salón de los Independientes de París y en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes francesas. De esta autora el Museo del Prado conserva una obra titulada Paisaje con ovejas, que ingresó en la colección en 1894 gracias a la donación de la marquesa viuda de Cabriñana.

    Museo del Prado

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  • 11/18/16--12:08: Émilie Charmy


  • Émilie Charmy (1878–1974) dejó un sello en el mundo del arte moderno francés de la primera mitad del siglo XX. Sus primeras obras, ejecutadas alrededor de 1900, exploraron el legado de la pintura impresionista y post-impresionista. Un compromiso con el círculo vanguardista de los pintores Fauve definió su arte en los años previos a la Primera Guerra Mundial. En el período de entreguerras que siguió, Charmy encontró su estilo maduro, caracterizado por el realismo óptico, la adhesión a los géneros tradicionales del retrato, el desnudo, el paisaje y la naturaleza muerta, y una noción modernista de la aplicación de pintura directa y vigorosa como marca de arte sincero. Encontró su expresión última en numerosas representaciones del desnudo femenino, reproduciendo la seducción por un lado y el poder y la firmeza por otro


     "Mira como una mujer y pinta como un hombre"-decían los críticos de su época. Con colores intensos y pinceladas gruesas se acercó al mundo de la abstracción, despertando la admiración de pintores como Matisse y Camoin, Aunque las mujeres aristas de su época dificilmente podían vivir de su arte, Charmy se negó a vivir de la enseñanza o cualquier otra opción, pudo vivir de su pintura y se ganó el respeto y admiración de críticos y público

     

    "Mira como una mujer y pinta como un hombre. De una coge la gracia y del otro, fuerza. Y eso es lo que la hace una pintora tan extraña y poderosa que mantiene nuestra atención", escribía el periodista y escritor francés Roland Dorgelés.

    Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2078143/0/emilie-charmy/pintura/redescubrimiento/#xtor=AD-15&xts=467263

    "Mira como una mujer y pinta como un hombre. De una coge la gracia y del otro, fuerza. Y eso es lo que la hace una pintora tan extraña y poderosa que mantiene nuestra atención", escribía el periodista y escritor francés Roland Dorgelés.

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    "Mira como una mujer y pinta como un hombre. De una coge la gracia y del otro, fuerza. Y eso es lo que la hace una pintora tan extraña y poderosa que mantiene nuestra atención", escribía el periodista y escritor francés Roland Dorgelés.

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  • 11/20/16--12:20: Virginie Demont-Breton
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    Nació en courrieres en 1859 y murió en París en 1935. Hija de Jules Breton y sobrina de Emile Breton, ambos pintores de reconocido prestigio. A los 20 años ya ganó una medalla de oro en la exposición Universal de Amsterdam de 1883.

    En 1890 se trasladó a Wissant, un pequeño pueblo en la Costa de Opalo, donde ella y su marido, el pintor Adrien Demmont, habían construído una villa, obra del arquitecto belga Edmond De Vigne, vivienda que se convertiría en monumento histórico en 1985.

     Virginie se integró en la Unión de Mujeres de Pintores y Escultores en 1883. Pugnó por la entrada de mujres en la Escuela de Bellas Artes, en una época que que solo tenían acceso a una carrera los hombres, y lo consiguió en 1897. En 1894 fue condecorada con la Legión de Honor

    En una primera etapa, su pintura se trataba principalmente de escenas historicas o míticas pero despues de trasladarse a Wissant mostró la vida de los pescadores y el entorno social


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