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  • 05/06/15--10:42: Karl Schmidt-Rottluff





  • Karl Schmidt fue uno de los protagonistas del primer movimiento pictórico expresionista alemán. En la Escuela de Chemnitz coincidió con Erich Heckel y, en 1905, siguió sus pasos y se trasladó a la ciudad de Dresde para estudiar arquitectura y pintar de forma autodidacta. Junto a Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Fritz Bleyl creó en 1905 el grupo expresionista Die Brücke (El Puente), con la intención de buscar un nuevo lenguaje pictórico que rompiera con el pasado. Fue entonces cuando el joven Karl Schmidt añadió a su nombre el de su lugar de nacimiento y se convirtió en Schmidt-Rottluff. En los veranos de 1907 y de 1912 fue con Heckel a pintar a Dangast, y en 1911 siguió a sus compañeros en su traslado a Berlín, donde residió el resto de su vida
    Durante. la Primera Guerra Mundial combatió en el frente ruso. Con la llegada del nazismo al poder su reconocimiento se eclipsó, y en 1937 pasó a ser considerado un «artista degenerado». Fue expulsado de la Reichskammer der Bildenden Künste, sus cuadros se retiraron de los museos y se prohibió exhibir su obra. Durante estos años de obligado exilio interior, pasó largas temporadas en el lago de Leba, en la Pomerania Oriental, donde realizó numerosas acuarelas
    Durante. la Segunda Guerra Mundial su estudio fue destruido, por lo que gran parte de su obra se perdió. En 1947 fue contratado como profesor de la Hochschule für Bildende Künste de Berlín Occidental desde donde ejerció una importante influencia en las nuevas generaciones de pintores. En 1964 fue el principal promotor del Brücke-Museum de Berlín, que se inauguró en 1967 con obras donadas por los componentes de Die Brücke
    Su. estilo expresionista, de pincelada vigorosa y brillante colorido, evolucionó desde un primer periodo bajo la influencia de Van Gogh hacia formas más planas y sintéticas. Como sus compañeros, realizó numerosas xilografías y fue el primero de ellos en experimentar asimismo con la litografía
     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 05/07/15--11:48: Erik Pevernagie





  • Erik Pevernagie es un pintor belga nacido el 27 de abril de 1939
    Hijo del pintor Pevernagie Louis (1904-1970), obtuvo la licenciatura en Filología alemana por la Universidad Libre de Bruselas en 1961, y realizó un postgrado en Cambridge. Profesor de Enseñanza Económica Superior, es presidente del Recreative International Centre (asociación cultural) (1973). Es miembro y académico asociado de la Accademia Internazionale del Verbano di Lettere, Arti, Scienze. Ha protagonizado exposiciones en BruselasAmberesParísBerlínDüsseldorfÁmsterdam, en el Museo Gilardi de Lucca (Italia) y exposiciones colectivas en Nueva York.

    Wikimedia Foundation

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  • 05/08/15--12:33: Per Olof Ultvedt

  • Estación Central de Estocolmo


    ägget by per-olof ultvedtsprutan - från hon by per-olof ultvedt


    1927  Kemi, Finlandia, † 2006, vivió en Estocolmo, Suecia 

    Pintor, artista gráfico, diseñador  y escultor finlandés, considerado un importante exponente del arte cinético en Escandinavia.

    En 1938 su familia se trasladó a Suecia.
    A partir de 1945 estudió en la Konsthögskola (Royal Academy of Arts) y en la Escuela de Artes Decorativas de Estocolmo.
    Entre 1947 y 1948 visitó París.

    En 1950 tuvo su primera exposición individual en la galería de Noa-Noa en Copenhague.
    En ese tiempo, creó dibujos, acuarelas y grabados.

    En 1954 diseñó los decorados para  ballet de la Sala de Conciertos de Estocolmo.
    Desde mediados de 1950, se volvió al collage, creado soldadas esculturas de metal y madera y ensambles de papel.



    A principios de 1960 hizo una serie de relieves superficiales con capas abiertas de madera.
    En el mismo periodo, de una serie de instalaciones creadas con materiales de madera, alambre y otros, que están montados libremente y con frecuencia contienen partes móviles, como objetos cinéticos.
    Ultvedt también creó asociaciones con pequeñas piezas móviles con motores eléctricos.
    En 1962, colaboró ​​con Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle y Daniel Spoerri  en la instalación de la exposición Dylaby (El laberinto dinámico) en el Museo Stedelijk de Amsterdam, por un laberinto construido de habitaciones y otras Objetos.
    Junto con Saint Phalle y Jean Tinguely en 1966, realizaron  una gran instalación: Una catedral para una exposición en el "Museo Moderno" en Estocolmo.
    Consistía en una gran escultura, de 25 metros de largo. Una  mujer sentada, entre sus piernas el público podia llegar a un número de habitaciones interconectadas, un bar y un cine.



    Después de la exposición, la instalación fue destruida.
    En 1968 participó con  objetos cinéticos en la cuarta Documenta de Kassel.
    En 1972,  comenzó a dibujar caricaturas satíricas.
    Viajó a Francia en 1973 y en 1977 a Méjico.
    En la década de 1980, creó una serie de esculturas públicas, como Déjeuner sur l'herbe (1984) para el Parque Folkets en Motala.



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  • 05/09/15--03:24: Christian Boltanski
  • monument by christian boltanski

    Le cambiaban de colegio, pero Christian Boltanski no dejaba de escaparse. Sus padres lo dieron por imposible y le mandaron quedarse en casa. Tenía 13 años. Un día hizo un dibujo que su hermano mayor elogió. “Aquello me marcó. Yo era un idiota casi patológico. Y por fin hacía algo bien. Así que pensé que ese iba a ser mi trabajo”, recuerda el artista parisino. No le ha ido mal. Su trabajo le ha llevado a ser considerado uno de los artistas franceses más influyentes y de mayor proyección internacional. “He tenido la gran suerte de encontrar gente interesante que me ha enseñado muchas cosas. Mi cultura viene de ahí, del oído, del encuentro. Si no me llegan a apoyar mis padres y no nazco en una familia burguesa, con intereses intelectuales, probablemente hubiera acabado en un psiquiátrico”, comentaba ayer el creador de 71 años en Palma de Mallorca, donde la arquitectura gótica de la antigua lonja de mercaderes alberga su última instalación, Sombras.

    El País


    CHRISTIAN BOLTANSKI  
    O EL INVENTARIO DE LA MUERTE
    Y LA MEMORIA

    No dejeis de leer este magnifico articulo sobre este artísta. Aqui dejo el enlace                                                                              http://www.escaner.cl/escaner43/yusti.htm



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  • 05/09/15--03:48: Marcel Broodthaers





  • Marcel Broodthaers 1924-1976

    Poeta, fotografo, cienasta y artista belga. Comenzó como poeta a los  16 años y tuvo algunos contactos con los surrealistas belgas, especialmente con Magritte, que le dio una copia de Un Coup de Dés de Mallarme. (Pinturas de Magritte con palabras, donde hay una contradicción entre la palabra pintada y el objeto pintado, que fue una influencia crucial para el más adelante) Empezó publicando artículos ilustrados con sus propias fotografías en 1958 y a finales de 1963 decidió  convertirse en artista y empezar con sus propios objetos. Su primera exposición se celebró en  la Galeria St Laurent en 1964 en Bruselas. Hizo su primera película en 1957 y a partir de 1967 realizó cortos. En 1968 estableció un "Museo de Arte Moderno" de postales en su casa de Bruselas y continuó con otras instalaciones. A partir de 1969 vivió en Dusseldorf, Berlin y finalmente en Londres. Murio en Colonia

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  • 05/09/15--03:54: Jeremy Deller






  • "Tanto los artistas como los criminales testamos los límites de lo aceptable"


    Jeremy Deller (Londres, 1966) El arte de Deller está muy ligado al humor y a la cultura popular, sobre todo, a la cultura pop británica de los 90. Años durante los que el Reino Unido creó un imperio musical tan exquisito como variado e internacional, exportándolo a todo el mundo y haciendo de él un espejo en el que reflejarse. Cuenta que es una de sus fuentes de inspiración "junto a otras porque se trata de algo muy visual y ayuda a la creación". La política es otra de sus fuentes pero no se trata de un "activista". De hecho deja "espacio al espectador para que piense", rehuyendo así de explicar el significado de sus piezas. "Uso la política de manera artística en lugar de hacerlo de modo polémico, dejo a la gente que piense ya que ese es uno de los papeles que tiene el arte", explica. 

    Fuente. El Cultural

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  • 05/09/15--12:50: Marlene Dumas

  • “Nunca colgaría mis cuadros en mi comedor”

    Marlene Dumas (Ciudad del Cabo, Sudafrica. 1953) 

    Estudió Artes Visuales en la Universidad de Ciudad del Cabo, luego completó sus estudios en Haarlem, en Holanda.
    Vive y trabaja en Amsterdam desde 1976. Desde 1978 ha expuesto a nivel internacional, y es una de las artistas más admiradas de Holanda. En 1995 representó a Holanda en la Bienal de Venecia, y en 1996 la Tate Gallery expuso una selección de sus obras sobre  papel
     Ahora trabaja principalmente con óleo sobre  lienzo y tinta sobre papel. Las fuentes que utiliza son   periódicos y revistas, recuerdos personales, pinturas flamencas y fptpgrafías, La mayoría de sus obras son 'retratos', pero no son retratos en el sentido tradicional. En lugar de representación de una persona real representa una emoción o un estado de ánimo. Su temática incluye raza y  sexualidad,  culpa e inocencia,  violencia y  ternura.

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  • 05/10/15--12:59: Kerry James Marshall






  • Kerry James Marshall: pintura y otras cosas, se configura como una de las muestras más amplias dedicadas a este autor norteamericano. La trayectoria artística de Kerry James Marshall (Birmingham, Alabama, 1955; reside en Chicago) se articula a través del tratamiento creativo de temáticas relacionadas con la vida, la cultura y la historia afroamericana abordadas desde múltiples ópticas, aportando así nuevas visiones a cuestiones relacionadas con la política racial, la representación cultural y la emancipación social. 

    A lo largo de toda su obra, Marshall mantiene una constante reflexión acerca de la “negritud” (blackness), concepto fundamental desde el que se desarrolla todo su trabajo. Reivindicando lo que él denomina “lo negro”, idea polisémica cargada de implicaciones visuales, culturales y estéticas, se compromete a compensar la ausencia de cultura negra en los espacios museísticos, algo que considera está representado de forma marginal tanto en lo referente a la temática como en lo referente a los autores. Establece así una propuesta de contraarchivo como envés de la cultura visual dominante, lo cual provoca preguntas relativas a la legitimación, el poder y la marginalización dentro de la historia del arte. 

    Para llevar a cabo esta compensación en favor del imaginario negro, Marshall abarca una gran variedad de medios visuales, muy especialmente la pintura. Todos estos medios son utilizados de forma experimental y autorreflexiva, como herramientas con las que llevar a cabo su propósito desde el compromiso ético con la lucha racial, puesto que tal y como afirma el autor: “Uno no puede nacer en Birmingham, Alabama, en 1955, y criarse en el Sur de Los Ángeles, cerca de la sede del Partido de las Panteras Negras, y no asumir cierto tipo de responsabilidad social”.


    Logotipo del Museo Reina Sofía

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  • 05/11/15--03:29: Chantal Akerman


  • Chantal Akerman por Chantal Akerman

    Chantal Akerman (nacida el 6 junio de 1950) es una directora de cine belga, artista y profesora de cine en la European Graduate School. Las películas de esta cineasta, residente en Bruselas y muy a menudo viajera, están basadas en observaciones sobre la vida cotidiana, la sexualidad, el aislamiento y la política en el siglo XX. Se dio a conocer al público con el film Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), donde ejemplifica su modo de evadir la narrativa convencional mediante la elipsis.
    pincha en el enlace para ver el artículo

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  • 05/11/15--04:11: OSCAR MURILLO


  • En la mayoría de las telas de  Oscar Murillo destaca a menudo, sucia, pero llamativamente, una palabra que es alimento. Milk, chorizo, pollo, mango, yuca… Un vocablo que asoma y se impone. Una voz dentro de la obra que muestra la razón más profunda de su rabia artística: encontrar el lenguaje. Las palabras en suave español tropical que quizá dejó en los lejanos ecos de La Paila, su pueblecito del Valle del Cauca  (Colombia) donde nació en 1986.
    Sus padres cambiaron la inestabilidad de aquel país y aquella región que supuraba caña de azúcar por la gris y más segura neblina del East End londinense a finales del pasado siglo. Tenía 10 años cuando llegó a Inglaterra. Su padre se dedicó a limpiar oficinas. Él, con el tiempo, también. Aunque lo compaginaba con los estudios de arte que cursó en la Universidad de Westminster. Hoy, a sus papás, les cuesta hacer la cuenta de sus progresos. Los apenas ocho euros que podían empezar ganando a la hora por tragarse el polvo de las moquetas desgastadas y limpiar los cristales salpicados de gotas ya sin hollín en la ciudad de Charles Dickens se han multiplicado, con mucho sacrificio, en los 356.000 euros que, dicen  pagó  en 2013 Leonardo  Di Caprio  por uno de los cuadros de Murillo en una subasta.
    Aquel radical salto a la fama fue seguido de acusaciones: se decía que el coleccionista Charles Saatchi había  inflado en mercado  con la compra de ocho obras de Murillo. En un reportaje televisivo, el artista mismo decía mostrarse en contra. “Puedo estar en desacuerdo sobre cómo funciona el mercado, pero yo no estoy aquí para satisfacer a nadie”.  
     El País

    Como el mundo del arte moderno nos deja, a veces, perplejos dejo aqui un enlace 

    YO ACUSO A ÓSCAR MURILLO

    y

    YO DEFIENDO A OSCAR MURILLO




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  • 05/14/15--03:24: Dino Valls



  • Pintor español, nacido en 1959. Estudió medicina pero dejó la carrera para dedicarse a la pintura. Es un pintor autodidacta. En su obra representa no solo sus conocimientos de medicina sino tambien un proceso intelectual. Su trabajo está influenciado por el renacimiento italiano, el arte flamenco,  prerrafaelismo  y el modernismo




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  • 05/16/15--02:42: Henry Valensi





  • Nació en 1883 en Argelia. Se trasladó a París para estudiar en la Escuela de Bellas Artes. Antes de la Primera Guerra Mundial viajó por Rusia, Turquía y Grecia.En 1912 participó en la creación de la Section d´Or con Marcel Duchamp, Picabia, Dumont y Gleizes, entre otros. Durante la guerra fue pintor del Estado Mayor, con el geneal Gourand, recogió muchos documentos que están ahora en el Museo de guera de Vincennes. Despues de la guera viajó de nuevo por Europa y Africa. En 1923 expuso en Roma, la introducción del catálogo la escribio Marinetti porque a Valensi se le consideraba un futurista francés.


    Valensi era el lider de un grupo de artistas que se llamaban "Musicalistes". Durante las décadas de 1930 y 1950, los Misicalistes interpretaban los ritmos de la música en dos dimensiones a través de formas abstractas. Valensi organizó y participó exhibiciones musicales en el salón 23 de pintura musical, en París, el primero fue en la galería Ranaissance. Expuso en el Salon de los orientalistas a partir de 1905 y en el Salon de los Independientes en París, a partir de 1907.  


    Partició tambien en muchas otras exposiciones musicalistas en toda Europa, en ciudades como Praga, Amstardam, Roterdam, Dudapest, Bratislava y Limoges. Despues de la Segunda Guerra Mundial, partició en el Salon des Realites Nouvelles en 1947

    Su obra está representada en el Museo de Arte Moderno en París.  Murió en  1960





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  • 05/18/15--03:08: Wifredo LAM



  • El pintor cubano Wifredo Lam (1902-1982), de fama internacional, es el iniciador de una pintura mestizada que alía modernismo occidental y símbolos africanos o caribeños. Frecuentó todos los movimientos vanguardistas de su época  –  cubismo, surrealismo, CoBrA – que incitaban a la libertad, favorecían el acceso al inconsciente o exploraban lo maravilloso, a través del automatismo gráfico… Pero Lam también se enfrenta a los problemas del mundo; persigue en su obra el mismo combate que su amigo Aimé Césaire: « pintar el drama de su país, la causa y el espíritu de los negros ». Inventó así un lenguaje propio, único y original, para « defender la dignidad de la vida » y « saludar la Libertad ».

    Si quieres leer su biografía pincha en este enlace

    http://www.wifredolam.net/es/biografia

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    Pintor, ilustrador, grabador, pintor y escultor suizo. Despues de estudiar en la universidad de Lausana y trabajar como aprendiz en una fábrica textil en Mulhouse, llegó a París en  1881 y se estableció en Montmartre, donde se quedó el resto de su vida. En 1883 el ilustrador Adolphe Wilette lo presentó en un ambiente artístico de vanguardia, el cabaret el Chat Noir, que había sido fundado por otro compatriota suizo, Rodolphe Salis. Steinlen pronto se convirtio en ilustrador de su periodico humorístico, Chat noir,  y colaborador artístico de escritores como Emile Zola, de poetas como Jean Richepin, compositores como Paul Delmet, artistas como Toulouse-Lautrec y del cantante y letrista  Aristide Bruant, todos ellos asiduos del Chat Noir. Las canciones de Bruant incorporaron el argot de los pobres, de los obreros,  y prostitutas,  por todo ello Steinlen sentia la empatía que le había despertado la novela de Zola  L´Assommoir. Steilen se convirtió en el principal ilustrador del periodico de Bruant "Le Mirliton" y de varios libros que contienen sus canciones y monólogos



     The Grove Dictionary of Art 

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  • 05/20/15--11:09: Kwadwo Ani







  • Kwadwo Ani, nacido en marzo de 1966 en Accra (Ghana) es un pintor africano.
    Estudió en el Colegio Ghanatta de Arte. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Ghana e internacionalmente. Su obra está incluida en colecciones como la Alianza Francesa en Ghana, Ghana Broadcasting Corporation, y el Ministerio de Cultura de China. Kwadwo Ani terminó recientemente una exposición itinerante en Europa, patrocinado por el British Royal Overseas League. En 2004, ganó una residencia en el Vermont Studio Center patrocinado por laFundación Ford

    Su trabajo reciente se relaciona con la palabra "Ani-kese" que se traduce en "Gran Ojo" - Ani en su lengua nativa significa ojo. El estilo de Ani es distintivo, casi ingenuo. Él cree que sus personajes necesitan verse como niños, pero no infantiles, juega con los gestos exagerados al igual que los colores. Ani constantemente trata de revelar una lección, un comentario sobre el estilo de vida o los asuntos sociales y políticos. Los temas representados en sus pinturas muestran el deseo de enseñar a su audiencia acerca de la injusticia social y abuso de poder. Él cree que las lecciones se manifiestan en sus pinturas son más importantes que el arte en sí

    En el año 2002 Kwadwo fue el ganador de la beca de viaje para los artistas en la Royal Overseas League en el Reino Unido

    Wikimedia Foundation

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  • 05/21/15--11:20: Qi Baishi


  • blossoming plum branch and two peaches by qi baishi

    chrysanthemums by qi baishi

    Qi nació en una familia con pocos recursos de Xiangtan, en la provincia de Hunan, y vivió con sus padres y abuelos, así como con sus ocho hermanos y hermanas menores. Debido a una enfermedad, sólo pudo asistir a la escuela durante menos de un año. Muchas familias pobres de la época ponían a sus hijos a trabajar en la granja con ellos, pero Baishi era demasiado débil para hacer tales esfuerzos. Por ello, a los 14 años, se convirtió en carpintero.

    wisteria and three bees by qi baishi
    Más tarde, se toparía con el libro ‘Dibujando en el jardín de las semillas de mostaza’, conocido también como ‘Jieziyuan Huapu’, un manual de pintura china compliado a principios de la dinastía Qing. Este libro despertó el interés de Qi por la pintura y el arte. Mäs tarde, lo aprendería de forma autodidacta.
    Cuando Qi rondaba los 20 años, comenzaron a ser necesarios muchos artistas para pintar retratos de familia. Comenzó a trabajar en ello como pintor profesional. Así, comenzó a aprender de otros pintores y a leer sobre pintura.
    Entre 1902 y 1909, invitado por unos amigos, viajó por toda China, visitando lugares famosos, conociendo a gente de diferentes orígenes sociales y contemplando con sus propios ojos las obras de grandes artistas. Esta experiencia amplió sus horizontes considerablemente.
    wisteria by qi baishi
    Tras sus viajes, Baishi construyó una casa y se estableció en Beijing. Comenzó a escribir poesía y a pintar las montañas que había visto. Estas pinturas conformaron una serie de cincuenta paisajes llamada ‘Jie Shan Tu Juan’.
    Fue tras cumplir los 50 años cuando Baishi comenzó a ser visto como un pintor maduro. Las líneas en sus obras se volvieron afiladas y los temas pasaron de los animales a las plantas.
    En sus últimos años, continuó con sus “innovaciones tardías”, en las que presenta ratones, gambas o pájaros. En 1953 fue elegido presidente de la Asociación de Pintores Chinos.
    El 16 de septiembre de 1957, Qi murió en Beijing a los 96 años.

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  • 05/22/15--12:31: Vilmos Huszár

  • Budapest, 1884-Hierden, 1960

    De origen húngaroVilmos, Huszár, nacido Vilmos Herz, pasó la mayor parte de su vida en los Países Bajos, donde se relacionó con diferentes grupos de vanguardia, entre los que destacó su asunción de los principios estéticos y artísticos del neoplasticismo

    Estudió. en la Academia de Artes Decorativas de Budapest y en 1904 se trasladó a Múnich donde continuó sus estudios. En 1906 se instaló en La Haya y realizó unas obras en las que le influyó su gran admiración por Vincent van Gogh. Durante estos años se dedicó fundamentalmente a retratar a la alta sociedad de la ciudad, diseñó sus primeras vidrieras y estableció contactos con artistas de vanguardia de Londres y París. Poco a poco, el peso del cubismo y el futurismo se dejó sentir en su obra

    En. 1916 conoció a Theo van Doesburg y fue, junto a él, uno de los fundadores de la revista De Stijl en 1917Vilmos. Huszár fue el responsable del diseño de la portada y publicó numerosos artículos en la revista, contribuyendo con ello a la definición del neoplasticismo. A sus obras no figurativas de esta época se unieron las colaboraciones en el diseño de interiores, como la residencia del industrial Bruynzeel con Piet Klaarhamer, en 1918, y el diseño de muebles con Piet Zwart, entre 1920 y 1921

    A. mediados de la década de 1920 conoció a Kurt Schwitters, El Lissitzky y algunos pintores húngaros de vanguardia. Durante estos años también trabajó en el diseño gráfico industrial y comercial, hasta que, con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Huszár se trasladó a una pequeña localidad holandesa llamada Hierden, donde, debido a su condición de judío, se sentía más seguro. Durante los años siguientes representó el paisaje que le rodeaba en un estilo naturalista, y desde 1955 hasta su muerte se centró en la búsqueda de un lenguaje no-objetivo puro
    Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 05/22/15--12:44: Bart van der Leck




  • Utrecht, 1876-Blaricum, 1958
    Bart van der Leck fue miembro fundador de la revista holandesa De Stijl. Su interés por aunar pintura y arquitectura contribuyó en gran medida a crear la nueva relación entre arte y vida, que caracterizó al neoplasticismo. Comenzó su formación como aprendiz en diversos talleres de vidrieras de Utrecht y continuó entre 1900 y 1904 en la Nationaal School voor Kunstnijverheid y la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam. Van der Leck diseñó muebles e ilustraciones junto a su amigo el arquitecto Piet Klaarhamerb, y desde 1912 tuvo el apoyo del crítico y marchante Hendricus Petrus Bremmer y de la coleccionista Hélène Kröller-Müller, para la que realizó numerosos proyectos. Durante estos años se interesó por reflejar con un estilo realista el mundo del proletariado holandés: lavanderas, trabajadores de fábricas textiles, las mujeres de los pescadores, etc

    Entre. 1912 y 1915 evolucionó hacia una abstracción dominada por los colores primarios y los fondos blancos. Inmerso en esta evolución, entró en contacto con PietMondrian en 1916. Este encuentro, que sería fundamental en el desarrollo artístico de Van der Leck, se materializó en una mayor tendencia hacia la objetivación del arte. Durante el breve periodo que permaneció ligado a De Stijl, su convencimiento de la necesidad de integrar pintura y arquitectura influyó de forma determinante en el resto de los miembros del grupo. Fue precisamente un desencuentro sobre el papel que se les debía otorgar a los arquitectos en la revista, lo que desencadenó su abandono del grupo pocos meses después. Desde entonces vivió en Blaricum, donde realizó unas obras en las que nunca se separó completamente de la conexión con el mundo visible y dio expresión abstracta a animales o a miembros de su familia. Sólo en los últimos momentos de su vida llegó a la abstracción plena
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 05/23/15--12:04: Jean Édouard Vuillard










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    EDWARD VUILLARD 
    (1868 - 1940) 




    Probablemente, uno de los pintores más importantes de finales del siglo XIX en Francia. Nacido en Cuiseaux en Saone-et-Loire, 


    Ker-Xavier Roussel, Édouard Vuillard, Romain Coolus, Felix Vallotton 1899


    En 1885, abandonó la escuela secundaria y se unió a su amigo Ker-Xavier Roussel, para asistir a las clases del pintor Diógenes Maillart. Luego  comienza a frecuentar el Louvre y descubre su vocación artística  a lo que se opone su familia que quería que siguiera la tradición militar. 
    En marzo de 1886  entró en la Académie Julian. En junio de 1887 fue admitido en la Academia de Bellas Artes y fue discipulo de  Jean-Leon Gerome. 
    Su obra se caracteriza por una investigación sutil y matizada de equilibrios entre la luz y la oscuridad, las líneas están trabajadas en arabescos  y sus motivos decorativos   están inspirados en los grabados japoneses. 


    Gran admirador de clásicos como Vermeer, Watteau y Chardin, pero  muy interesado también en artistas alemanes del XVII. 
    En 1889, se unió a un pequeño grupo de artistas de la Académie Julian, Maurice Denis y Pierre Bonnard   y se hacían llamar la "Hermandad de los Nabis" 
    Querían  liberarse de todas las convenciones académicas y, en particular, la reproducción fiel de la naturaleza o de lo observado.  Estaban  decepcionados por los límites del impresionismo, que simplemente reproducia  paisajes y lo consideraban un empobrecimiento intelectual, mientras que para ellos la imaginación debía  ser el motor esencial de la emoción.  



    En 1893, continuando en el simbolismo e inspirado por la literatura contemporánea de autores como Maeterlinck, Ibsen, o Stephane Mallarmé pintó  el "efecto de la noche del Interior", en el que a la dimensión dramática  añade una cierta espiritualidad. 


    En 1899, sus "paisajes e interiores" y estudios en colores pastel y acuarela  dan testimonio de gran virtuosismo en nuevas técnicas. Es un período en el que realiza paneles decorativos para interiores de  mansiones parisinas, carteles y decoraciones  para  teatro de vanguardia etc.

     
    A partir de 1900, recibe  numerosos encargos de la burguesía parisina. 






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  • 05/24/15--04:51: Hernando Viñes




  • Benjamín Palencia, Hernando Viñes y Rafael Alberti, hacia 1927




    Hernando Viñes nace en París el 20 de mayo de 1904. Su padre era ingeniero y su madre era hija del ex-presidente de la República de Honduras.
    Su tío, el gran pianista Ricardo Viñes - que creó gran parte de las obras mayores de la primera mitad del siglo- lo introdujo de forma natural en el círculo de los artistas más famosos de su tiempo.

    Después de la guerra de 1914 -18, durante la cual estuvo en Madrid, volvió a París y se citó con Pablo Picasso (amigo de Viñes), el cual después de ver sus primeros dibujos, le aconsejó seguir en esa misma vía y perfeccionar los conocimientos adquiridos durante su época de autodidacta. Viñes siguió los consejos de Picasso, primero en la Academia de Arte Sacro con Maurice Denis y Georges Desvallieres y luego en 1922 con André Lhote y Gino Severini.
    Al año siguiente participó como decorador en la creación mundial de "El Retablo de Maese Pedro" de Manuel de Falla y expuso por primera vez en el Salón de Otoño. En aquel mismo año 1923 - gracias a su amigo, el pintor Manuel Ángeles Ortiz- entró en el círculo de los jóvenes artistas españoles que vivían en París: Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco Gacía Lorca (hermano del poeta), Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, etc... La mayoría se convertirían en amigos de "toda la vida".
    A los 20 años decidió dedicarse al oficio. Obtuvo inmediatamente el apoyo de dos críticos importantes: Tériade y Christian Zervos, director de los famosos "Cahiers d'Art"; a partir de aquel momento expuso de forma regular en las galerías Percier y Max Berger.
    En 1931, se casó con la hija de Francis Jourdain, decorador, pintor y hombre de letras.
    Después de la guerra civil española, en la cual se comprometió políticamente con el bando republicano, y unos días antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, nació su hija Nina, el 14 de septiembre de 1939.


    Entonces empezó para el pintor una época muy dura en la que a pesar de numerosas exposiciones (colectivas e individuales) no consiguió la notoriedad que sus brillantes comienzos prometían. Tuvo que esperar al año 1965 y la inmensa retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Madrid para ser reconocido, por fin, como uno de los pintores más brillantes de su generación. A partir de aquel momento, las exposiciones se sucedieron de manera acelerada, en las Galerías Théo, de Madrid y Valencia (con las que había firmado un contrato), en la Sala Dalmau de Barcelona, en la Galería Ruiz de Santander, etc.
    Desde principios de los años 80, además de las galerías españolas citadas que seguirían exponiendo sus obras regularmente, la Casa de España en París, el Museo de Bellas Artes de Santander y el Museo Bonnat de Bayonne organizaron retrospectivas importantes. En 1988, recibe de la mano del rey D. Juan Carlos I, la medalla de oro de Las Artes y las Letras.


    Paralelamente, en el extranjero, dentro del marco de numerosas exposiciones colectivas (Alemania, Dinamarca, América, Checoslovaquia, Inglaterra y Japón) reconocen su mayor notoriedad, confirmada cada día. Alejado de escuelas, alejado de cualquier atisbo de jactancia, la obra de Viñes siguió su camino en Francia, y museos de todo el mundo empezaron a adquirir sus obras: el Museo de Arte Moderno y el Reina Sofía en España, el centro Georges Pompidou, el Museo de Albi, el de Castres y de Saint- Ouen en Francia, el Museo de Tel- Aviv en Israel, el Museo de Buenos Aires y el de Praga.
    "Hernando Viñes falleció en 1993 y se ha revelado como uno de los pintores que han marcado la Escuela de París.
    Habiendo abordado todos los temas centrales de la pintura, Viñes recorrió todo el campo de la pintura moderna. Vio el final del cubismo analítico y sintético, después se dedicó a los gozos del surrealismo pictórico, sin despreciar el fauvismo que le sirvió como experiencia personal, por fin se decidió por la vía del cromatismo, la cual practicó temporalmente. Fue pintor sin concesiones, de una gran honradez pictórica y perfectamente auténtico"

    http://www.hernandovines.com/vida.html


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