Emilio Sanchez Cayuela

April 5, 2015, 10:05 am

Emilio Sánchez Cayuela,”Gutxi”, nace el 6 de octubre de 1907 en Pamplona, en el seno de una familia de tradición artística, e inicia muy joven su formación pictórica. En 1928 se traslada a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde vivirá hasta 1968, fecha en que regresa de nuevo a vivir a Pamplona.

En la Escuela de Bellas Artes elige como maestro a Daniel Vázquez Díaz, por sus afinidades artísticas y por la amistad que les unía. La influencia de este pintor quedó patente en algunos de los rasgos más característicos de la obra de Emilio Sánchez Cayuela.

Durante sus más de cincuenta años de vida profesional cultivó y dominó todos los géneros y técnicas, preferentemente la pintura mural, el óleo, el dibujo y la acuarela. Como pintor de caballete abarcó toda la gama de posibilidades de la pintura figurativa: naturalezas muertas, el bodegón, los temas florales, el paisaje, la pintura de género y, sobre todo, el retrato.

En 1935 ejecuta su primera pintura al fresco en los “Salones de Intercambio Cultural Iberoamericano”, donde pinta un mural sobre el Descubrimiento.

De 1942 a 1952 pinta los siguientes murales: Iglesia de San Antonio y de la capilla del Cementerio de San José en Pamplona; capilla mayor y tablas del vía crucis de la iglesia de San Francisco Javier en Pamplona; iglesia de Olave, Navarra; murales del Frontón Recoletos, del Restaurante Roncesvalles, de la Capilla del Tribunal de Menores, de la capilla de los Sagrados Corazones y de la iglesia de San Lorenzo, en Madrid; y los murales de la Casa Nestares de Barcelona.

De 1961 a 1987 pinta el mural de mosaicos de la iglesia parroquial de Espinal, el de la iglesia de Oroquieta y los del Hostal El Mirador en Barasoain (Navarra); en Pamplona, los murales del Hotel Maisonave y de la cafetería Reta.

En 1991, el Gobierno de Navarra organiza, con carácter de homenaje, una exposición antológica en el Museo de Navarra, y, posteriormente, en la sala de cultura Fray Diego en Estella.

Emilio Sánchez Cayuela muere en Pamplona el día 16 de marzo de 1993.

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Daniel Vázquez Díaz

April 6, 2015, 12:14 pm

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Pintor andaluz nacido en Nerva (Huelva) el 15 de enero de 1882. Murió en Madrid el 17 de marzo de 1969.

Su primera formación la recibe en Sevilla, en torno al Museo y al Ateneo, donde conoce a pintores como Canals, Iturrino y Zuloaga. En 1903 prosigue su formación en el Museo del Prado. Toma contacto en Madrid con la familia Baroja, sobre todo conRicardo con quien tratará también posteriormente dada la proximidad deHondarribia y Bera, cuando Vázquez Díaz iba en verano a Gipuzkoa. Viaja a París entre 1906 y 1918, realizando antes una escala en Hondarribia de tres meses, que será su primer contacto con el paisaje vasco del que adoptará sus verdes y azules inconfundibles. Así pasará los veranos desde 1906 a 1935, entre sus viajes a París. En San Sebastián tuvo lugar su primera exposición individual. Asimismo realizará amistades en los círculos artísticos e intelectuales de San Sebastián e Irun, conociendo a José María Salaverría, quien más tarde será el principal gestor de su obra, a Montes Iturrioz, etc. En 1950 será hecho hijo adoptivo de la ciudad hondarrabitarra.

Su trayectoria paisajística con respecto al País Vasco, se divide en tres etapas; una colorista, otra arquitectural, y una última poética (de 1920 a 1930) en la que se vuelca más apasionadamente en Hondarribia y su paisaje. Su influencia en la pintura vasca ha sido importante, sobre todo en Bienabe Artía y Montes Iturrioz; la tendencia cubista (humanizada) de su paisaje y su continua depuración de la obra de arte, ha calado en pintores vascos, como Martiarena u Olasagasti.

En 1968 Hondarribia le dedica una calle. Sus mejores obras están relacionadas con el paisaje del Bidasoa, Fuenterrabía, Lezo, Bahía del Bidasoa, La barca en el Bidasoa, etc. En 1982 se realizaron sendas exposiciones antológicas con motivo del centenario de su nacimiento en Madrid y San Sebastián (San Telmo).

Euskomedia

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Paul Klee

April 20, 2015, 1:25 pm

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Cuentan que Paul Klee estaba en su apartamento con un gato, cuando vino a verle un coleccionista. Mientras hablaban, el gato tuvo la genial idea de estampar sus pezuñas sobre un lienzo que se estaba secando en el suelo. Alarmado, el coleccionista recriminó al felino y lamentó haber sido testigo del estropicio. Paul Klee le restó importancia a lo ocurrido y se quedó admirando las pisadas de colores del minino sobre su obra: "En el futuro, la gente se preguntará cómo lo he hecho para conseguir ese maravilloso efecto".

Paul Klee, suizo de nacimiento, de nacionalidad alemana, pintor, grabador y dibujante. Al principio estuvo asociado con el grupo Der Blaue Reiter. Dio clases en la Bauhaus, la influyente escuela de arte alemana del periodo de entre guerras. No se le puede incluir en un simple mov imiento artístico o escuela, Su obra, a veces infantil, ingeniosa, sirvió de inspiración a la Escuela de Nueva York, así como a otros muchos artistas del siglo XX

Músico, a menudo practicaba el violin antes de empezar a pintar.A menudo, en sus conferencias en la Bauhaus, comparaba el ritmo de los dibujos con los ritmos estructurales de la composicion musical del maestro Bach

:Klee desafió los límites tradicionales que separan la escritura y el arte visual mediante la exploración de un nuevo lenguaje en gran medida abstracto o pético de símbolos y signos pictóricos. Fllechas, letras, notaciónes musicales jeroglíficos antiguos, o unas pocas línea,s de color delamte de una persona o un objeto con frecuencia aparecen en su obra, rara vez exigiendo una lectura específica. Constantemente experimentaba con técnicas artísticas y el color, rompiendo a menudo las reglas académicas.

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Alfonso Albacete

April 21, 2015, 3:36 am

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Nació en Antequera, Málaga, España, en 1950
Desde su Antequera natal se trasladó con su familia a Murcia, donde fue discípulo del pintor Juan Bonafé. Mas tarde asistió a las clases del Círculo de Bellas Artes de Valencia. Ya en Madrid, ternimó los estudios de arquitectura en 1977. Dedicandose de lleno a la pintura, su exposición individual en la galería Egam de Madrid (1979), que tituló como a su serie, En el Estudio, le dio a conocer en el panorama artístico del cambio de década, siendo entonces incluido por Juan Manuel Bonet en la ininerancia de la muestra "1980", que había sido presentada al mismo tiempo en la galería Juana Mordó. Albacete había realizado una primera obra de ámbito conceptual, ideológicamente comprometido, pero en esa exposición presentó lo que habría de ser su obra posterior; una pintura influida por Cezanne y por la abstaccion amaricana (Jasper Johns, Diebenkor). De cromatismo vital, su pintura se desarrolla principalmente en series. Ademas de las imágenes de los rincones de su taller de pintor, desarrolla Albacete la luminosidad del paisaje murciano en Levante (1980), a la que siguen Cuadros andaluces (1981), Dos Continentes (1982), Los Vientos (1984) y Hamlet y Absalón en 1985. En sus series posteriores destacan, ademas de las visiones urbanas de Madrid, las series de los cazadores en la nieve y el Estudiante de Praga, en la que plasma escenas de sus viajes por centro Europa: paisajes urbanos meláncólicos, de luces enfriadas y doradas, de Graz. Viena y Praga, los más literarios de su producción. Su exposición en 1988 en el Museo de Arte Contemporáneo Español de Madrid fue fundamental para contemplar su trayectoria hasta la fecha. En su obra desde los primeros noventa, los parámetros estéticos y temáticos siguen siendo recurrentes: la figura humana, el bodegón y el paisaje, junto con la luz y los lugares del artista, referentes de paisajes reales y de la memoria. Aunque siempre desde una óptica formalmente figurativa, en los noventa se ha mostrado abierto a planteamientos más netamente abstractos, especialmente la construcción de obras de trasunto geométrico, que se han relacionado con plasmaciones pictóricas de resonancias musicales. Albacete se mantiene fiel al género pictórico en su acepción más pura y clásica, con una honestidad y una coherencia que le han marcado a lo largo de toda su trayectoria

Información. PATIO HERRERIANO- Museo de Arte Contemporáneo Español

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Abraham Lacalle

April 21, 2015, 10:24 am

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Abraham Lacalle(Almería, 1962) se formó en Sevilla y actualmente reside en Madrid. Su trabajo arranca en la década de los ochenta y en 1989 tiene lugar su primera exposición individual en la galería Fúcares de Madrid. Su trabajo se ha podido ver en diferentes exposiciones en museos y galerías nacionales e internacionales. El artista participó en la muestra Art Espagnol Contemporain (Marlborough Mónaco, 2003) y en el XXXVI Prix Internacional d’Art Contemporain por la Fundación Prince Pierre de Mónaco. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas en las principales instituciones culturales españolas.

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DIDIER LOURENÇO

April 22, 2015, 4:58 am

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Didier Lourenço, pintor catalán nacido en Premià de Mar en 1968- Empieza su carrera

artística como litógrafo. Su pintura, sencilla pero llena de matices. Grandes rostros femaninos cargados de expresividad. En el año 91 gana el segundo premio "XXXIII Premi de Pintura Jove de la Sala Parés". Al año siguiente repite, con el "Premi Talens" del "XXXIV Premi de Pintura Jove de la Sala Parés" y organiza su primera exposición individual , de ahí en adelante su carrera es imparable. En el año 94 contacta con Javier Mariscal, que le propone trasladar su taller a Palo Alto, pero no será hasta el año 2000 que firme un contrato con Winn Devon, editor de obra gráfica, que distribuirá su obra a nivel mundial . Es a partir de entonces cuando viaja a Estados Unidos para presentar una serie de ediciones de serigrafías y pósters en la feria Artexpo de Nueva York.

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MANUEL FRANQUELO

April 22, 2015, 12:59 pm

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MANUEL FRANQUELO Málaga, 1953

En 1972, se traslada a Madrid para cursar estudios de ingeniero de . Telecomunicaciones que compagina con su asistencia a clases de dibujo y pintura.

En 1977 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, obteniendo la licenciatura en la especialidad de pintura . Trabaja como profesor de dibujo en la Academia Peña, hasta el año 1985.

Desde 1981 a 1987 trabaja en exclusiva con la Galería Heller, en Madrid, realizando diversas exposiciones

Empieza a colaborar con ilustraciones en la revista Álbum Letras y Arte, desde 1986 hasta 1989.

En 1987 firma un contrato en exclusiva con la Galería Gamarra y Garrigues, que se prolonga hasta 1998, año en el que cierra la galería.

Recibe numerosos premios a lo largo de su carrera artística. por su obra, de gran personalidad. Ejerce como docente en la Facultad de Ballas Artes de la Universidad Complutense de Madrid hasta 2002 y ese mismo año firma un contrato en exlusiva con la Galería Malborough. Hasta 2006 desarrolla varios importantes proyectos, entre los que se encuentran la replica facsimil de la tumba de Siti I, de Tutmosis III y de la Dama de Elche.

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JUAN CORREA

April 23, 2015, 4:58 am

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Juan Correa nació en Zamora en 1959.

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Hugo Fontela

April 23, 2015, 9:55 am

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GRADO (ASTURIAS)

FECHA DE NACIMIENTO: 198

No alcanza la treintena pero Hugo Fontela cuenta ya con un espléndido currículum que acaba de completarse con el Premio Fundación Príncipe de Girona.

En sus pinturas se entremezclan lo figurativo y lo abstracto y su procedimiento de trabajo suele repetirse: parte de la imagen de un lugar, normalmente paisajes que le atraen, para analizarlos de cerca, memorizarlos, visualizar su recuerdo y dar forma a éste sobre el papel o el lienzo.

El asturiano recoge y atesora recortes, fotografías y libros viejos de apariencia descuidada que se relacionan de modo más o menos evidente con la imagen con la que quiere trabajar. Estas piezas y materiales, que en ocasiones constituyen simples rayones o manchas de pintura que deforman la obra, le sugieren al artista algo insólito, raro, especial.

Su objetivo es construir piezas en las que lo irreal sea un aspecto esencial para poder comprenderlas, crear realidades nuevas y conseguir que la imagen que le emocionó en un inicio conmueva también al espectador.

El interés de Fontela por la pintura y el dibujo surgió en su infancia y en 2001, a los 14 años, ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Avilés con el apoyo de un artista de su tierra, Amado Hevia “Favila”. Allí aprendió a pintar a la manera académica y pronto recibió el Premio Extraordinario al Mérito en las Artes, concedido a los alumnos más destacados de esa institución.

Alcanzada la mayoría de edad, desarrolló sus estudios artísticos en la prestigiosa The Art Students League neoyorquina. Vive y trabaja en Manhattan desde 2005, el mismo año en el que obtuvo uno de los principales galardones que en nuestro país reconocen el trabajo de pintores: el BMW, que cumplía entonces su vigésima edición.

Posteriormente ha asistido como artista invitado a la XVIII Bienal de Pintura Ciudad de Zamora, en 2007 recibió, de manos de la Asociación de Críticos de Arte de Madrid, el Premio al Mejor Artista en la Feria ESTAMPA.

Entre los centros que han expuesto sus obras figuran la Casa de Vacas de Madrid, el Palacio Revillagigedo de Gijón, el Círculo de Arte de Barcelona, el Instituto Cervantes de Chicago, la Galería 100kubik de Colonia, el Centro Niemeyer, la Gabarron Foundation o la Galería Carles Taché de Barcelona. En el vídeo os enseñamos la performance Concierto para pintura que realizó para Fringe´13 en Matadero Madrid.

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Rafael Cidoncha

April 23, 2015, 11:10 am

≫ Next: Tobias Rehberger

≪ Previous: Hugo Fontela

En 1994 Marie-Heléne y Guy de Rostschild encargaron a Rafael Cidoncha (Vigo, 1952), su amigo, que realizara una serie de doce pinturas del aristocrático y no muy habitual género “de interiores”, sobre motivos de su palacio parisiense, el barroco Hôtel Lambert, en St. Louis en l’Île. En 1997 Guillermo de Osma, que es un galerista que se distingue por establecer lazos estrechos de complicidad -cultural- con sus pintores, tuvo ocasión de ver aquella hermosa serie y, entusiasmado, convenció a Cidoncha para que pintara para esta exposición un conjunto de cuadros “de estancias” de museos de Madrid. El pintor dedicó todo el año pasado a llevar a cabo lo acordado y realizó estas pinturas en los días de cierre de los seis museos que le interesaban: El Prado, el de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Lázaro Galdiano, el Romántico, el Thyssen-Bornemisza y el Reina Sofía. Ahora presenta el ciclo completo en una exposición muy diferente, no sólo ya por la temática, sino por la manera de afrontarla y proyectarla.
Aquí el punto de partida de Cidoncha ha sido pintar “retratos” de la arquitectura, el espacio, el color y la luz y la atmósfera que distinguen y dan carácter a cada uno de esos museos. Los cuadros son vistas fieles de unos interiores emblemáticos del contexto institucional de la cultura. Ahora bien, esa iconografía relevante ha “obligado” al pintor a depender de medios lingöísticos apropiados a su mensaje: los de la tradición ilustrada, de Hubert Robert, y con las de Los Uffizzi, de Johan Zoffany. La serie asume, pues, los valores de ese género de pintura, interesada por la perspectiva renacentista, el espacio arquitectónico, el sentido ornamental purista e inclusive, la estimación de lo arqueológico, con la estatuaria jugando función principal. No en vano, y en ese sentido, cuentan entre los cuadros de mayor impacto los dedicados a la “Rotonda” y a las doradas salas “Ariadna” y “Esculturas” del Prado, o el inquietante y anaranjado de la “Sala Bernini”, del Thyssen. Pero, de inmediato, como por sorpresa, Cidoncha aprovecha el tono de antinaturalidad que conlleva el intelectualismo de esa iconografía de “pathos” severo, casi heroico, así como la peculiar frialdad -filosófica, “metafísica”, desolada- de esos medios lingöísticos. Es decir, aprovecha la carga interna de modernidad que tienen esos conceptos. Y a esa carga añade la conceptualización posmoderna de trabajar el conjunto de cuadros como proyecto, estableciendo juegos mentales, connotaciones, comparaciones, asociaciones y relaciones del “project art”, cargando de autorreflexión y actualidad a una obra de tema, apariencia y lenguaje tradicionales.

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Tobias Rehberger

April 25, 2015, 4:41 am

≫ Next: Xavier Valls

≪ Previous: Rafael Cidoncha

Tobias Rehberger- 1966, Esslingen am Neckar, Alemania, trabaja a través no sólo de los medios de comunicación, sino tambien de la industria: escultor, pintor, diseñador, cineasta, y, a veces, incluso arquitecto. Crea objetos e instalaciones que reflejan interés y relación con la cultura de masas. Pensando espacialmente, Rehberger crea ambientes totales que intervienen en la percepción de los objetos y su función. Rehberger hace espacios para que las personas vivan e interactúen, trabaja con la geometría para componer sus mundos físicos de formas ambiguas de colores brillantes.

El trabajo de Rehberger se ha exhibido internacionalmente en instituciones como Palais de Tokyo, el Walker Art Center, y Tate Liverpool, la Bienal de Venecia, y la Bienal Manifesta

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Xavier Valls

April 26, 2015, 11:12 am

≫ Next: Ernest Quost

≪ Previous: Tobias Rehberger

Este pintor nació en Barcelona el 18 de septiembre de 1923; y murió en la misma ciudad el 16 de septiembre de 2006. Hijo del fundador del diario catalán “El Mati”, pasó su infancia y adolescencia en Horta.

En Horta aprendió la técnica de la pintura con el escultor suizo Charles Collet, quien fue su único maestro. En un principio, Vals se interesó por el cubismo, pero luego evolucionó hacia el arte abstracto hasta afianzarse en el figurativo, donde se le comparó a Francisco de Zurbarán.

En 1939-40 trabajó con Jaume Busquets y aprendió sobre la vidriería y la pintura mural. Entre este último año y 1942 trabajó como dibujante con un joyero, Ramón Sunyer, asistió a las clases del Círculo Artístico y fue miembro del Círculo de Artes Decorativas.

En 1979, fue nombrado “Chevalier daos I’Ordre des Arts et des Lettres” por el Gobierno francés y obtuvo el Premio Cáceres de Pintura (Extremadura). En 1980 se le concedió el “Prix Drouant” de París, premio de la crítica.

En 1982, se hizo una exposición de su obra en España, que fue el primer reconocimiento oficial de su trabajo en su país. La muestra reunió 140 obras en las salas de exposiciones de la Subdirección General de Artes Plásticas.

En 1993 obtuvo la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Al año siguiente fue nombrado Comendador de la Orden de las Artes y las Letras por el Gobierno francés; y recibió el Premio Nacional de las Artes Plásticas de la Generalitat de Cataluña.

Entre sus numerosas exposiciones individuales cabe destacar las realizadas en la Galería Theo, Madrid (1974); Galería Henriette Gomes, París (1979); Galería Claude Bernard, París (1981), y su primera gran retrospectiva organizada en el Musèe Inges de Montauban (1981).

Su obra se encuentra en varios museos de España y Francia, fundamentalmente, destacando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Galería Juan Gris, Museo de Arte Contemporáneo de Lanzarote y el Font National d’Art Contemporain de París.

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Ernest Quost

April 27, 2015, 12:20 pm

≫ Next: T. Alexander Harrison

≪ Previous: Xavier Valls

Pintor impresionista francés nacido en 1842 en Avalion, murió en París en 1931. Pintor de paisajes urbanos, flores, frutas etc. Alumno de Horace Aumont. Expone en el Salon de París de 1866 y continua exponiendo en el Salon de artistas franceses. Obtiene la medalla de plata en la Exposicion Universal de París de 1900

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T. Alexander Harrison

April 28, 2015, 2:52 am

≫ Next: Aída Carballo

≪ Previous: Ernest Quost

Thomas Alexander Harrison 1853 Fiiladelfia -1930 Pintor americano que desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia

Estudió en la Pennsylvania Academy of Fine Arts . Trabajó casi seis años como dibujante para la gobierno americano. Estudió durante durante una corta temporada en la escuela de dibujo de San Francisco. En 1879 se fue a París y estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes con Jean- Leon Gerome y Jules Bastien-Lepage

Viajó a Bretaña y recorriendo Pont Aven y Concarneau empezó a pintar marinas y paisajes

En 1882 envió un cuadro de un chico durmiendo en una playa, al Salón, con el título Castillos en España y en el Salon de 1885 envió un cuadro grande titulado En Arcadie, de mujeres desnudas

Fue condecorado con la Legión de Honor, miembro de la sociedad Nacional de Bellas Artes de París de la Royal Institute of Painters in Oil Colours en Londres, de la Secession Society of Munich de Viena y Berlin, de la National Academy of Design, de la Society of American Artists de Nueva York, etc

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Aída Carballo

April 28, 2015, 12:21 pm

≫ Next: AIDA CARBALLO

≪ Previous: T. Alexander Harrison

Nació el 16/07/1916. Dibujante, grabadora, pintora y ceramista. Egresada de la Academia Nacional de Artes Prilidiano Pueyrredón (1937). Profesora de Cerámica (1945) y de Grabado (1949). Una de las mayores exponentes del arte argentino contemporáneo. Participó de importantes exposiciones nacionales e internacionales, como la Bienal de México (1960) y en la de grabadores argentinos en Tokio (1961) y en Sudáfrica (1962). Patrocinada por el Gobierno de Francia en viaje de estudios (1958-59). Se destacan sus series: Los Locos, elegida por la Asociación de Críticos de Arte como la mejor de la temporada (1963); Los Amantes(1965); Los Levitantes (1967) y Los colectivos, entre otras. Ilustró libros para niños,Misteriosa Buenos Aires de Manuel Mujica Láinez y la sección Literatura del diario La Nación (PK) (1974-84). Vicepresidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos (1984). Recibió numerosos premios y distinciones. Falleció el 19/04/1985.

Fundación KONEX

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AIDA CARBALLO

April 30, 2015, 12:35 pm

≫ Next: Tomma Abts

≪ Previous: Aída Carballo

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Tomma Abts

May 4, 2015, 3:49 am

≫ Next: Edward Kienholz

≪ Previous: AIDA CARBALLO

Pintora Alemana nacida en Kiel en 1967, Vive y trabaja en Londres.

“Desarrollo mis cuadros sin ninguna idea preconcebida sobre el aspecto que tiene que tener, despues, para darle un significado y un sentido de autoevidencia, intento definir las formas de una manera precisa. Los cuadros llegan a ser, a través de las sombras, texturas, etc., más físicos y próximos a algo “real” y no a una imagen de algo. Las formas solo están para eso, no simbolizan nada, no describen nada fuera de la propia pintura. Se representan a si mismas”.

Es la primer mujer que ha ganado el premio Turner (2006).Estudió Visual Communication en la facultad de bellas artes en la Universidad de Berlin. Su estilo es abstracto y siempre pinta en el mismo formato 48x38 cm. Hace figuras geométricas y gradualmente añade colores, óleo o acrílico.

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Edward Kienholz

May 4, 2015, 11:49 am

≫ Next: Tshuta KIMURA

≪ Previous: Tomma Abts

"I mostly think of my work as the spoor of an animal that goes through the forest and makes a thought trail, and the viewer is the hunter who comes and follows the trail. At one point I as the trail-maker disappear. The viewer then is confronted with the dilemma of ideas and directions."

1927-1994 Artista estadounidense de originalidad inquebrantable. Su obra reflexiona sobre temas sociales y políticos contemporáneos de América de finales del siglo XX. Creó cuadrps tridimensionales, a tamaño natural, hechos con materiales de desecho que encontraba por las calles o en mercadillos. . Aunque es más conocido por su contribucion al desarrollo de las prácticas escultóricas de la posguerra, Kienholz fue también un promotor clave de la vanguardia en Los Angeles como el fundador de la Galería EMPRESA y cofundador de la Galería Ferus, un lugar fundamental y lugar de reunión para poetas emergentes de la época y artistas. De 1972 en adelante, trabajó casi exclusivamente con su quinta esposa, el artista Nancy Reddin Kienholz, que jugó un papel importante en la conceptualización y la fabricación de sus obras posteriores

The Art Story

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Tshuta KIMURA

May 5, 2015, 1:20 pm

≫ Next: Mery Sales

≪ Previous: Edward Kienholz

Nacido en 1917 en Takamatsu. Japón, en el seno de una familia
de la burguesía provinciana. Durante su solitaria niñez comienza

a dibujar

Estudia en la Academia de Arte Nika en Tokio. Durante el
servicio militar es enviado a China. Se quedó fascinado
con la gente china y su arte, especialmente la caligrafía
antigua.

Vuelve a Japón y abandona el ejercito debido a una
enfermedad. Se dedica a la pintura y expone en el Salón
Dokuritsu. En 1941 en el museo Ohara, durante una
exposición de pintura francesa, descubre a
Bonnard y se queda fascinado

En 1947 se casa con Satchiko Yonoki y deciden cumplir su
sueño. Gracias a una ayuda, la pareja se establece en París
en 1953. En 1954 dos obras suyas se exponen en el Salon
de artistas franceses y tambien en las galerías Art Vivant de
París y Lyon. A partir de 1965 expondrá en la galería Kriegel
regularmente.

A partir de la década de 1980 expone en numerosas galerías
y museos como El Centro Pompidou. The Fiac,
The Ruth Siegel Gallery en Nueva York, etc

En 1987 asiste a su última exposición en Nueva York.
Muere en Paris ese mismo año

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Mery Sales

May 6, 2015, 9:28 am

≫ Next: Karl Schmidt-Rottluff

≪ Previous: Tshuta KIMURA

Beca Erasmus en la Facultad de BB AA de Atenas, Grecia (1994). Licenciada, doctora y profesora de la Facultad de BB AA de San Carlos de Valencia.

De los premios importantes sobresalen el 1er Premio Paul Ricard. España (2008); Mención de Honor, XLI Salón de Otoño, Ateneo Mercantil de Valencia (2010); Mención Senyera de Pintura (2005), XXXI Salón de Otoño. Ateneo Mercantil de Valencia (2003) y 1er Premio VII bienal de las Artes Plásticas, Ciudad de Pamplona (2001)

De las recientes exposiciones individuales, cabe señalar, desde los cinco últimos años, Surge amica mea et veni, C. M. Rector Peset, Valencia (2012),Palabras de papel. Fundación Castalia Iuris, Castellón (2010); Cierta claridad.Embajada de España en Andorra (2008). De las muestras colectivas desde los últimos cinco años, pueden destacarse Monstruos, Fundación Chirivella-Soriano, Valencia, Árboles de la vida, Jardín Botánico, Valencia, Presencia y figura, Centro del Carmen, Valencia, (2013); Lonja del Pescado, Alicante;(2012); XLII y XLI Salón de Otoño, Ateneo Mercantil de Valencia, (2011- 2010); Semejantes. Proyecto social “Arte sin límite. Dos maneras de pintar una forma de pensar”, Caja Rural de Torrent, Valencia; Cartografías de la creatividad. 100% valencianos. C. del Carmen, Valencia; Museo de Arte Contemporáneo, Santo Domingo; Nostálgia de futur. Homenaje a Renau, C. del Carmen de Valencia. (2009); Premios Paul Ricard. C. del Carmen de Valencia, Sevilla y París (2008).

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