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  • 02/28/15--13:52: LUCIO FONTANA



  • Lucio Fontana nace en Rosario de Santa Fe (Argentina) en 1899. Italiano y argentino, su vida estuvo marcada por esta doble nacionalidad, y sus raíces están tanto en la Pampa argentina como en los lagos de Lombardía. Será en Milán donde finalmente se acabará estableciendo después de muchas idas y venidas. Artista contradictorio, alterna entre la abstracción y la figuración, lo barroco y lo clásico, la materia y el espacio. Experimenta con esculturas, pinturas, dibujos, cerámicas, ambientes y realizaciones decorativas. Hijo y nieto de escultores, se inicia en el oficio a los once años en el estudio de su padre, Luigi Fontana, con la escultura monumental y decorativa. Continúa sus estudios artísticos en Italia, en la prestigiosa Academia de Brera, bajo las enseñanzas del simbolista Adolf Wildt. En los años treinta rompe con la tradición académica y se adscribe al primer grupo de arte abstracto italiano, los llamados «abstractistas milaneses», un movimiento que surge como continuación de las preocupaciones futuristas. Entre 1934 y 1939 reside en París, donde conoce a Miró, Brancusi y se une al grupo Abstraction-Création. Inicia su actividad como ceramista en Albisola y en 1937 en Sèvres. Durante toda esta época alterna abstracción y figuración, y experimenta con relieves en terracota, lápidas grabadas en cemento coloreado y esculturas cerámicas. Cuando Fontana regresa a Italia después de la Segunda Guerra Mundial, tras un breve paréntesis argentino, se convierte en punta de lanza de todos los movimientos de vanguardia en Italia. Instalado de nuevo en Milán, crea el Movimiento Espacialista y presenta sus ideas en varios manifiestos que se suceden entre 1947 y 1952. En ellos defiende la superación de los límites entre pintura y escultura y la desmaterialización de la obra de arte. Mantiene la necesidad de integrar todos los elementos físicos (color, sonido, movimiento y espacio) en una unidad ideal y material. En esos años, Fontana produce esculturas «espaciales» e inicia un Informalismo matérico. Intenta alcanzar un equilibrio formal entre el espacio real y el espacio ilusorio, incorporando a la tela piedras, vidrios y lentejuelas. En 1949 inicia la serie Buchi (lienzos agujereados) y Concetii Spaziali. Durante los años cincuenta y sesenta, las series se van sucediendo, desde las Galassie –que reflejan su fascinación por la conquista del espacio-, losTeatrini- guiñoles de papeles-, o los Fine di Dio, en forma de elipses. Sus planteamientos artísticos e investigaciones en torno a los materiales influyeron en muchos artistas jóvenes después de su muerte en 1968


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  • 03/02/15--13:24: Renato Mambor





  • El 6 de diciembre de 2014 murió en su casa de Roma, Renato Mambor(Roma, 1936-2014).  Uno de los  principales protagonistas de la renovación de las artes visuales en Italia a principios de los años cincuenta, Mambor era una figura prominente de “La Scuola di Piazza del Popolo "La Escuela de la Plaza del Pueblo",  considerada como  la respuesta italiana, tras la  metafisica y el futurismo, al  Pop art americano. Compañero de viaje de Pascali, Ceroli, Schi­fano, Festa, y Kou­nel­lis, un grupo de artistas que trabajaban en la capital  a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta  y que hicieron grande la historia del arte italiano de los últimos sesenta años. 

    Siempre interesado por el teatro y el cine, participó como interprete en la película La Dolce vita de Federico Fellini


    Mambor pasó  toda la década del 60  como protagonista, renovando analticamente la pintura  y fue  el primer artista de vídeo. Fue  invitado al final de la década  a 
    participar en las exposiciones iniciales del arte povera.  A mediados de la década de los años setenta se involucra como escenógrafo y se aparta de la pintura hasta finales de los años ochenta. Cuando vuelve el artista declara "mirar una cosa es una cuestión de dar cabida en su contexto habitual  y reconocerlo  por lo que hemos aprendido  que es..."



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  • 03/03/15--13:00: Théo Tobiasse


  • Nacido en Jaffa, en aquel momento perteneciente a Palestina, en 1927, hijo de padres lituanos. La familia se trasladó a Francia  en  1931. Durante la ocupación nazi vivieron dos años escondidos en un minúsculo apartamento en París.   No podían encender las luces ni podían salir pero el confiesa que nunca podrá olvidar la impresión que recibió al llegar a la "ciudad de la luz". Pasaba el tiempo leyendo, dibujando y jugando al ajedrez con su padre, por esa razón aparece un tablero de ajedrez en muchas de sus pinturas.  Despues de la guerra trabajó durante quince años como diseñador publicitario  en París y Niza. En 1960 hizo su primera exposición  en el Palais de la Mediterranee, en Niza y  ganó  el primer  premio y a partir de ahi  galerías y coleccionistas empezaron a interesarse por su trabajo, lo que le permitió dedicarse exclusivamente a la pintura. Adoptó Niza como la ciudad de inspiración porque le recordaba el cielo de Jerusalem y Florencia.

    Sus temas  se centran en reminiscencias de su niñez, los coches que había visto de camino a Francia, los barcos con ruedas de Lituania, las teteras, los trenes de París, todo esto lo combina con escenas biblicas, fantasías eróticas y recuerdos del exilio.  A partir de 1980 ha viajado mucho a los Estados Unidos. En un viaje vía Méjico, descubrió el mundo azteca que ha influído mucho en sus esculturas. Fascinado por Nueva York, decidió buscar un lugar para residir parte del año, asi que ahora se divide entre St. Paul-de-Venice y esa ciudad.  Ha expuesto por todo el mundo y hay esculturas suyas en muchas ciudades como L´enfant fou en el aeropuerto de Niza, vidrieras en varias instituciones, libros ilustrados, etc.

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  • 03/04/15--05:01: Mary Fedden

  • Mary Fedden 1915 – 2012


    Nació en Bristol, Reino Unido, el 14 de agosto de 1915

    Mary Fedden se graduó en la Slade School of Art en 1936 y despues volvió a Bristol donde dio clases y pintó hasta que estalló la segunda guerra mundial. Desde 1946 desarrolló su propio estilo de bodegones y flores con reminiscencias de Matisse y Braque. Se casó con Julian Trevelyan, tambien artista, del cual mas tarde comentó 'realmente cambió la direccion de mi pintura'. 

    En 1956 empezó a enseñar en el Royal College of Art donde permaneció hasta 1964, lo dejó para ocupar un puesto en la Yehudi Menuhin School (escuela para musicos con talento, donde permaneció 10 años. En 1995 declaró en una entrevista para la revista 'The Artist' : 

    ' En realidad voy de influencia en influencia…. Descubrí el al principio a Ben Nicholsons fascinada por los cuadros de su mujer Winifred. Tambien admiro a la artista escocesa Anne Redpath y al pintor francés Henri Hayden.' 

    Trabaja exclusivamente la acuarela y el collage, sus bodegones, colocados delante de un paisaje, disfruta del contraste y del disparate, incluso de elementos estrafalarios. Prefiere las superficies burdas de su favorito papel indio sobre el que trabaja en su estado primitivo

    Mary Fedden ha realizado muchas exposiciones. Ha expuesto individualmente en New Grafton Gallery, Beaux Arts, Christopher Hull Gallery y Redfern Gallery en Londres. Tambien le han encargado varios murales, incluyendo el del Festival of Britain en 1951 y para escuelas en Bristol, Hertfordshire y Londres... 

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  • 03/04/15--13:38: Igor Mitoraj




  • 1944-2014
    Hijo de madre polaca y padre francés, Mitoraj nació en la ciudad alemana de Oederan. Despues de sobrevivir al bombardeo de Dresden, la familia se fue a Polonia. Despues de estudiar arte en Bielsko-Biala, a los 19 años se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Empezó como pintor  estudiando durante tres años con el artista de vanguardia y director de teatro Tadeusz Kantor, exponiendo en 1967  en la galería Krzysztofory en Cracovia.
    Kantor le aconsejó que ampliara su experiencia yendose fuera, y en 1968 se fue a París, matriculandose allí en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Al principio continuó pintando, pero despues de un viaje a Méjico a principios de la década de 1970, empezó a dedicarse a las artes  plásticas. Animado por una exposición individual en 1976, en la galería La Hune en París. al principio empezó a trabajar en bronce y terracota y tres años despues, al visitar Carrara, comenzo a utilizar mármol
    En 1983 se estableció en Pietrasanta, cerca de Carrara. un lugar que le gustaba por el paisaje y por la calidad de la piedra. Italia se convirtió en un país donde le hicieron importantes encargos públicos, tanto para sitios seglares como religiosos, y fue invitado a participar en la Bienal de Venecia de 1986, lo que le ayudó a consolidar su reputación internacional
    En la década de 1990 empezo a colaborar con el comisario independiente James Putnam, quien en 1994 consiguió que se exhibiera su escultura de bronce Tsuki-No-Hikari en el Museo Británico. Dos años antes, había expuesto en la Plaza Economist en Londres y en la Yorkshire Sculture Park cerca de Wakefield.  Quizás su proyecto británico mas evocativo fue la instalación Eros bendato Screpolato, caido en un suelo otoñal en Chatsworth House, Derbyshire, en 2009- 

    Una cabeza de bronce de cuatro metros que se podía entender como un lamento del sufrimiento que Mitoraj veía en lo que le rodeaba
    El potencial simbolismo del arte de Mitoraj lo hacía ideal para encargos religiosos, que incluyeron dos puertas de bronce-  Basilica di Santa Maria degli Angeli e dei Martiri en Roma en 2006 y tres años despues, para la iglesia de los jesuitas de Matka Boza Laskawa en Varsovia.  En los últimos años de vida se dividió entre Italia y Polonia. 
    Sus últimas obras fueron extremadamente variadas
    Información- Sculptor for whom fragmented bodies expressed the depths of human suffering  The guardian

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  • 03/05/15--05:01: FRANCISCO LEIRO
  • Pincha en el siguiente enlace para ver el vídeo

    http://vernissage.tv/2013/01/22/francisco-leiro-human-rescources-at-marlborough-gallery-new-york/


    Cada vez que pongo en el blog la obra de un escultor, mi mente se va a Leiro... Francisco Leiro, artista de mi tierra, nacido en Cambados en 1957.  Leo en el CULTURAL "que se caracteriza por tener un particular proceder asilvestrado, un singular espiritu agreste"...Que lo conserve toda la vida!!! Pienso yo. No podría soportar la idea de un leiro amansado y amanerado por "New York". Estoy segura que no es así. He leído en algún sitio que necesita venir a su tierra parte del año para respirar.

    Francisco Leiro- UNO DE LOS GRANDES ESCULTORES CONTEMPORANEOS, hombre grande, de mirada noble de niño... para que andar con rodeos  ME ENCANTA!!!

    Estoy leyendo una entrevista y no puedo dejar de reirme a carcajadas... este hombre no puede negar que es gallego

    Transcribo solo unas pocas preguntas...


    -¿Los marchantes de arte?
    -Forman parte del tinglado.
    -¿Cuesta ponerle precio a una obra de arte?
    -Le cuesta más al que la compra.
    -l¿Tuviste maestro?
    -Fue muy importante para mí conocer a un pintor, Marino Silva, que me abrió mucho los ojos. Una de las cosas que más aprecié fue cuando me dio a oler un repollo. Fue una lección magistral, pues aprendí que no sólo las rosas tienen aromas, sino que hay muchos más.
    -Una ciudad para trabajar.
    -Nueva York.
    -Para vivir.
    -También.
    -¿La última vez que mentiste?
    -Ahora mismo.
    -¿Qué ves por la mañana en el espejo?
    -No me suelo mirar por la mañana, suelo hacerlo por la tarde..





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  • 03/05/15--13:12: Volker Stelzmann







  • Volker Stelzmann nació en Dresde en 1940. Se crió en Leipzig y comenzó su carrera como mecánico de precisión en 1957, profesión que practicó hasta 1963. Luego estudió en la Hochschule für Graphik en Leipzig con Gerhard Kurt Müller, así como Harry Blume y Hans Mayer Foreyt. A mediados de los setenta comenzó a enseñar como profesor en la Hochschule für Graphik en Leipzig y fue miembro activo de la junta directiva de la DDR "Berufsverband der Künstler Bildender".

    En 1986 decidió emigrar a la República Federal de Alemania. Dos años más tarde fue nombrado profesor en la Hochschule der Künste en Berlín Occidental. En un siglo de los "ismos" y de vanguardia era difícil para Stelzmann tener éxito con un estilo más conservador. Pero Stelzmann tuvo un gran éxito. Sus trabajos están relacionados con grandes ejemplos de hechos-realistas y al mismo tiempo, pintura atmosférica e importante con un contexto socio político como, por ejemplo, la de Otto Dix, Schad cristiana y George Grosz.

    Su "leitmotiv" son obras con con grupos de personas, haciendo hincapié en la soledad y la soledad del individuo en la sociedad. Stelzmann no quiere ser asociado con ninguna escuela específica y restringe la información biográfica en las publicaciones a un mínimo. Se considera con una clasificación de su posición artística como "maldito difícil"

    Muchas de las exposiciones - tanto a nivel nacional e internacional - se dedicaron a su trabajo. Un año después de su traslado a la República Federal de Alemania ya estaba representado en la Bienal de Venecia; la mayoría de las grandes colecciones de arte contemporáneo poseen obras de Stelzmann.



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  • 03/06/15--15:23: Xin Haizhou



  • XIN Haizhou

    China- Chebgdu, provincia de Sichuan 1966

    Se graduó en 1989 en la Escuela de Bellas Artes de Sichuan y ahora da clases allí. Ha expuesto en 2001 en Chongging Chilies, Kassel 2000 en Gate of the Century, Exposicion de Arte Contemporaneo de China en San Francisco, en Hong Kong, Exposición de Arte Contemporaneo chino en Bruselas, en la Primera bienal de Arte de Hong Kong, California, Peking, etc

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  • 03/09/15--12:51: JOHN WHITE ALEXANDER


  • JOHN WHITE ALEXANDER 1856-1915 Nació en Allegheny, Pensilvania. Su interés por el dibujo lo llevó a Nueva York en 1875, donde trabajó como ilustrador pora Harper Brothers. En 1877 viajó a Europa y, despues de una breve estancia en París, se matriculó en la Real Academia de Munich. En 1878 se unió al círculo de artistas que trabajaban con Frank Duveneck en Bavaria y más adelante en Venecia y Florencia. Cuando regresó a Nueva York en  1881 empezó su carrera como retratrista, consiguiendo un reconocimiento público a partir de su primera exposición.

    Volvió a París en 1891 y se quedó allí durante diez años. Su participación en los Salones de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, a partir de 1893 le condujeron a participar en varias exposiciones internacionales, incluyendo la Carnegie International Exhibition, the International Society of Sculptor, Painters and Gravers, Londres, y la Exposicion Universal de Paris de 1900. Despues de su regreso, en 1901, se involucró intensamente en el desarrollo y promoción del arte americano, culminando con la presidencia de la National Academy of Design desde 1909 hasta poco antes de su muerte en 1915
     

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  • 03/09/15--15:13: Niki de Saint Phalle



  • Nacida como Marie-Agnés Fal de Saint Phalle un 29 de octubre de 1930, fue un verdadero ejemplo de artista total. Capaz de posar como modelo de moda, esculpir, crear perfumes, imaginar gigantescas estatuas, concebir figuras en movimiento perpetuo, a su imagen y semejanza

    Hija de madre americana y padre francés, banquero, arruinado, en 1929, Niki de Saint Phalle nació en Neuilly, en la periferia más dorada de París, y se educó entre Connecticut y Nueva York. Descubriría su vocación en 1953, gracias a una depresión que le llevó a serinternada en un sanatorio.


    Con Harry Mathews, su primer marido, el fundador de «Locus Solus», compartía una concepción jocosa y misteriosa del arte, acentuada por la poderosa personalidad de su segundo esposo, el escultor Jean Tinguely. Con ellos, y con muchos otros amigos, Niki vivió una vida nómada entre Nueva York, París, Los Ángeles, Deya, la Toscana, la Costa Azul y la Provenza, creando, inventando, pintando, imaginando mundos maravillosos, que ella tenía la gracia de crear y proponernos, como ofrendas. Sus obras más emblemáticas quizá sean sus «Nanás» (Chicas, Mozas, Mujeres, Señoras), lúdicas, juguetonas, gordas, aéreas, maravillosas, infantiles, como inmensas muñecas capaces de habitar en bosques, jardines y fuentes encantadas.

    La artista también «fue una de las primeras en hacer performances, una de las primeras artistas feministas, de las primeras en interesarse en el espacio público y en ser globalmente política», según explicaba recientemente a Efe Camille Morineau, comisaria de una gran retrospectiva sobre su obra en el Grand Palais de París.



    Sola, o en compañía de Tinguely, Niki de Saint Phalle realizó impresionantes encargos para decorar plazas públicas. Una de esas fuentes más famosas es la que se encuentra ante una de las puertas de entrada del parisino Centro Pompidou: una colección de «móviles» y arquitecturas acuáticas se ofrecen en espectáculo a los niños y mayores que contemplan, encantados, un espectáculo onírico de misteriosa belleza lírica.

    En 1976, en Nueva York, Niki confesó a una amiga italiana, Marella Caracciolo Agnelli, que el sueño de su vida era crear su propio bosque encantado, a imagen y semejanza del Parque Güell, de Gaudí, en Barcelona. Marella y sus hermanos, Carlo y Nicola, hicieron posible ese sueño, ofreciendo a la artista una gran parcela de monte, en la Toscana.


    Veinte años más tarde, al fin, del Jardín del Tarot de Niki de Saint-Phalle, se abría en Pescia Fiorentina, Capalbio. Una maravilla lúdica. Un jardín, un bosque encantado, poblado por figuras de sueño, que intentan devolver a la tierra una parte de sus antiguos moradores, hadas, duendes y misterios, con los que el arte de Niki intentaba dialogar, con el talento, la gracia y la ilusión de un artista que soñaba con repoblar el mundo con seres de encanto, misterio e ilusión, propios de las leyendas y los cuentos infantiles.

    Niki de Saint Phalle falleció en 2002 a los 71 años, en San Diego, California, víctima de una larga y dolorosa enfermedad pulmonar que algunos de sus familiares y conocidos achacaron a los materiales tóxicos con los que elaboraba sus creaciones artísticas. No obstante, su muerte no supuso ni mucho menos el comienzo de su olvido:su obra ha seguido reivindicándose con fuerza, especialmente en tres exposiciones póstumas en la Toscana (2009), en el Castillo de Malbrouck (norte de Francia, en 2010) y en el Grand Palais,   2015  y despues en  el Museo Guggenheim de Bilbao.

    ABCtv


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  • 03/10/15--14:09: Margaret Keane

  • LA EXTRAÑA HISTORIA DE UNA ARTISTA PLÁSTICA QUE SE HA HECHO FAMOSA POR UNA PELÍCULA DE TIM BURTON

              " BIG   EYES" 

    A principios de la década de 1960, el extravagante artista Walter Keane se hizo famoso vendiendo a precio de oro unas pinturas "kitsch", pero la verdad es que Walter Keane nunca tocó un pincel, era su mujer Margaret la que pintaba los cuadros.

    La historia nunca se  habría conocido mundialmente si no fuera por la película. Margaret confesó que llegó un momento que ya no lo pudo soportar. Sentía que alguien le robaba el trabajo de su vida, mientras que el que presumía de autor se dedicaba a la buena vida. Despues de una década juntos, un día Walter llegó a casa borraco y despues de una pelea con Margaret y su hija (de un matrimonio anterior)- incendió la casa y el estudio.

    Margaret reclamó la autoría de la obra, pero Walter, que era el que realmente firmaba, declaró que eran producto de una inspiración cuando había sido estudiante de arte en Europa despues de la Segunda Guerra Mundial.  La disputa duró  16 años. Al final un juez ordenó que pintaran una obra en público y así fue reconocida Margaret como la verdadera autora.

    La crítica siempre odió estos  cuadros, los denominaban "el anti arte" pero el público ensalzaba a Walter como EL PICASSO. Andy Warhol decía que si fueran unos cuadros tan malos no gustarían  a tanta gente

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  • 03/11/15--13:06: 0TTO DIX




  • Otto Dix nació en Gera, una ciudad alemana en el sudeste del país próxima a la frontera checa, en 1891. Inició su carrera como pintor de interiores, hasta que en 1910 logró una beca con la que pudo completar su formación en la Real Escuela de Artes y Oficios de Dresde. Ahí afianzó su técnica de dibujo y durante esos años la Germaldegalerie (Museo de Pintura) de Dresde se convirtió en su lugar de estudio. Allí conoció de primera mano las obras de Durero, Cranach y de los artistas italianos del Renacimiento, de quienes aprendió e intentó imitar su técnica del óleo. Sus primeros pasos como pintor también estuvieron marcados por la variedad de corrientes que dominaban en centroeuropa y Francia en las primeras décadas del siglo: el simbolismo y el judgenstil, Munch, Kokoschka, el expresionismo, el orfismo y las formas cubofuturistas incidieron entonces en su lenguaje pictórico. También se atrevió con la escultura, aunque sólo realizó una obra; se trataba de un busto de Nietzsche. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Otto Dix fue llamado a filas, pero en 1918 resultó herido en el cuello y tuvo que abandonar el campo de batalla. Los años que pasó en el frente fueron artísticamente muy productivos: pintó casi cien aguadas y unos quinientos dibujos. En estos trabajos expuso su particular visión de la guerra: cruel y sangrienta. A estos dibujos se les conoce con el nombre de Actas de la guerra. Una de las consecuencias de su participación en la contienda fue que en los temas que desarrolló a partir de ese momento primó la crítica, la sátira y la ironía para comentar la guerra, sus líderes y sus terribles efectos. Una vez acabada la guerra regresó a Dresde, para continuar sus estudios en la Academia Estatal de Artes Plásticas, de la que fue nombrado profesor en 1926. Fundó, junto con otros compañeros, el Grupo Secesión de Dresde en 1919 y también fue entonces cuando entró en contacto con el Dadaísmo. En sus cuadros se ocupaba de temas cotidianos analizados desde la sátira y con un realismo brutal que en muchas ocasiones alcanzaba lo grotesco: prostitutas, marineros, ricos empresarios, mutilados de guerra, etc. Por su estilo y los temas que abordó a comienzos de los años veinte, Dix fue acusado dos veces en 1923 de obscenidad y pornografía. Estos episodios tuvieron el efecto contrario al perseguido, pues significaron publicidad para su obra y el público empezó a conocerle.

     Su estilo cambió a mediados de los años veinte, cuando se aproximó a los principios pictóricos y estéticos defendidos por los pintores de la Nueva Objetividad, y en cuya exposición fundacional (1925) Dix participó. Los colores fríos llenaron su paleta, insistió en el verismo –por otra parte, era su particular pugna contra la fotografía– y en la manera antigua de hacer pintura, optando por la tabla como soporte. Dix encontró el apoyo teórico necesario en el libro que Max Doerner publicó en 1921: Los materiales de pintura y su empleo en el arte. Ahí halló las fórmulas y los métodos utilizados por los pintores del Renacimiento. El primer cuadro que pintó siguiendo esas indicaciones data de 1925. Sus compañeros lo apodaron Otto Hans Baldung Dix, un apelativo que remitía directamente al pintor alemán del siglo XVI Hans Baldung Grien. Incluso se inventó un anagrama para firmar sus cuadros, basado en una serpiente enlazada a un arco y una flecha; esto significaba un reconocimiento a los pintores del siglo XV y XVI, en especial a Lucas Cranach. Por esa vuelta a la manera de los pintores del Renacimiento, Dix fue abandonando las mordaces críticas que con su pintura lanzaba a la sociedad mediante la deformación física y una exagerada fealdad de sus personajes. En cuanto destacado retratista, Otto Dix realizaba numerosos dibujos preparatorios de los modelos con los que apresar su carácter pero nunca pintaba el retrato con el modelo real delante, sino que trabajaba a partir de los dibujos. En 1933 fue destituido de su puesto como profesor en la Academia de Dresde, como consecuencia del “saneamiento de las escuelas de Bellas Artes de Sajonia”; y en 1936, ante la progresiva expansión del nazismo en Alemania, decidió retirarse a Hemmenhofen, una modesta población del lago Constanza, donde ya se habían instalado otros artistas. El Gobierno alemán lo incluyó en la lista de artistas degenerados y le confiscaron unas doscientas sesenta obras. En 1945 fue movilizado y hecho prisionero; tras su liberación, y de vuelta al lago Constanza, se consagró a la pintura de paisaje y religiosa hasta su muerte, ocurrida en 1969. En sus últimos cuadros retomó el espíritu romántico alemán del siglo XIX y cambió las técnicas renacentistas por una pintura sin dibujo, aplicando los pigmentos directamente desde el tubo. La crítica, la historiografía y las instituciones alemanas se ocuparon de restaurar el nombre y la obra de Dix durante las últimas décadas de vida del pintor.

    educa thyssen


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  • 03/12/15--14:09: Ben Shahn





  • 1898- 1969     Ben Shahn nació en aunus, Lituania, en 1898. Emigró con su familia a Nueva York en 1906. Estudió en la Universidad de Nueva York y en la National Academy of Design

    En la década de 1920 se convirtió en miembro del movimiento realismo social, 
    término que describe la obra de los artistas americanos durante la época de
    la depresión. Se dedicaron a mostrar los problemas sociales de la sufridora clase
    baja.

    Principalmente en los dibujos añadía textos inspirados en las noticias de los 
    periódicos.  En sus primeras obras se involucró mucho en los asuntos políticos
    de la época, en sus trabajos posteriores retrató la soledad de las ciudades.

      Despues de trabajar como litógrafo hasta  1930, realizó una serie
    de 23 cuadros relacionados con el juicio Sacco-Vanzetti. (Ferdinando Nicola 
    Sacco y Bartolomeo Vanzetti eran dos emigrantes italianos, obreros anarquis-
    tas, que fueron juzgados y condenados a morir en la silla electrica  por un 
    presunto robo y asesinato en South Braintree, Massachusetts)

     Desde 1933 hasta 1938 trabajó como fotografo para la Farm  Security Adminis-
    tration, haciendo una maravillosas imágenes de las zonas rurales y  de
    sus habitantes. Este trabajo le dio la oportunidad de viajar por zonas depri´-
    midas que más adelante pudo utilizar para sus pinturas. Aunque algunos 
    críticos dijeron que el utilizar las fotos bajaba el valor de su obra, fue el 
    artista mas popular de su época y sus cuadros fueron portada del Time y del
    Museo de Arte Moderno.

    Se conoce Shahn como un hombre de fuertes creencias y
    valores y  como artista comprometido que denunciaba
    las injusticias. Fue tambien profesor y escritor




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  • 03/15/15--13:05: Elfriede Lohse-Wächtler
  • blick über mietshäuser by elfriede lohse-wächtler

    1899-1940.  Nació en Desde donde empezó sus estudios artísticos en  la Escuela de Artes Aplicadas. Despues hizo cursos de dibujo y pintura con Otto Gussmann en la Academia de Bellas Artes. En 1919 se puso en contacto con el círculo  de Franz Pfemfert- Los Dadaistas de Berlín y el grupo de la secesión de Dresden. Abrió un estudio y comenzo a ganarse la vida como ilustradora. Otto Dix y Conrad Felixmüller le presentaron al artista y cantante Kurt Lohse y se casaron en  1921
    ausblick by elfriede lohse-wächtler
    La pareja se mudó a Hamburgo en 1925, donde Kurt Lohse encontró empleo en un coro. Se separaron en 1926. La etapa más creativa  de Elfriede coincidió con el período de Hamburgo. Sus principales obras en oleo y pastel eran vistas de la ciudad, autorretratos,  parejas, prostitutas, obreros, etc. En 1928 partició en varias exposiciones de la Nueva Objetividad

    En 1929, debido a una crisis nerviosa, tuvieron que ingresarla en una clínica psiquiatrica. Allí dibujó cabezas y cuerpos de pacientes psiquiatricos. Despues de recuperarse experimentó una nueva fase productiva y en 1930-31 mostró su obra.
    suppe loffelnder mann by elfriede lohse-wächtler
    Su estado mental volvió a deteriorarse y volvió a casa de sus padres y su padre solicitó que la internasen en una institución donde le diagnosticaron esquizofrenia. Durante el periodo nazí, en 1933, le pidieron que se prestara a la esterelización voluntaria y como se negó fue declarada  mentalmente incompetente con perdida de todos sus privilegios. Finalmente fue esterelizada y forzada a entrar en el programa de eutanasia

    Su obra, declarada como "arte degenerado" fue en parte destruida. Murió en una cámara de gas el 31 de julio o 1 de agosto de 1940


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  • 03/15/15--15:22: VALENTIN NAGEL




  • Valentin Nagel 1891-1942. Pintor alemán influenciado por las experiencias de la Primera Guerra muncial. Pertenecio a una generación de pintores alemanes de gran talento, suprimidos por los nazis. Estudió con Hans Hoffman en la Munich School of Art.  En 2001 se celebró una exposición en el Cutural and Historical Museum en Osnabrück con el fin de redescubrir esa generación de artistas alemanes y austriacos cuyo trabajo fue silenciado y olvidado como resultado de la persecución política de su época






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  • 03/16/15--13:02: Jacob Steinhardt
  • girl by jakob steinhardtarab women in front of the walls of jerusalem by jakob steinhardt 





    Zerkow, Polonia, 1887 -  Jerusalem, 1968

    Conocido pintor y grabador, dejó su tierra natal, Polonia en  1906 para estudiar en Berlin. Primero se matriculó en el museo de Artes Aplicadas y  despues con el grabador Hermann Struck.  Tambien estudió en París con Laurens y Matisse, aunque es evidente que no dejaron ninguna influencia en él. En 1912 tuvo contacto con la asociación de expresionistas, volvió a Berlin y con Ludwig Medner fundó el grupo expresionista "Die Pathetiker". En 1933 abandonó Berlín y se estableció en Jerusalem, donde hizo principalmente grabados y litografías. En 1949 Fue nombrado jefe del Departamento de Artes Gráficas de la Academia de Bellas Artes de  Bezalel y desde 1953 hasta 1957 fue Director de la Academia


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  • 03/21/15--14:34: Judit Reigl





  • Nació en 1923 en Kapuvar, Hungría.  Despues de estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Budapest, viajó a Italia como becaria de la Academia Hungara en Roma. En 1948 volvió a Hungria que ya había sido tomada por un régimen de estilo sovietico. Despues de varios intentos consiguió huir en1950 y unos pocos meses despues llegó a París. Sus primeras obras en París consistían en dibujos oníricos o surrealistas. collages y pinturas con figuras fantasmagóricas, de colores vivos.

    En 1954 un colega hungaro, el pintor Simon Hanta llevó  a André Breton al estudio de Reigl. Breton le ofreció una exposición inmediatamente. La exhibición se celebró en L´Etoile scellée. Despues de esta exposición ella disolvió su conexión con Breton y adoptó un estilo abstracto.
    En 1963 abandonó París y se trasladó a Marcoussis, un pueblo en el suroeste de la capital

    Man (Homme)
    "From February 1966, this same writing transformed itself independently of my will, or even against it, into a more and more anthropomorphic figure, a human torso. At first imperceptibly, then more and more consciously after 1970, I tried to intervene, to underline the emerging aspect of these erect bodies."
    Si os interesa saber más sobre esta pintora, dejo aqui el enlace de su pagina




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  • 03/23/15--13:01: Dorothea Tanning





  • Con Max Ernst



    Dorothea Tanning, pintora, poeta y diseñadora, miembro de los surrealistas europeos durante  y despues de la Segunda Guerra Mundial.

    .Nació en 1910, en Galesburg, Estados Unidos. Estudió brevemente en el Instituto de Arte de Chicago, lo abandonó para trasladarse a Nueva York en 1935.  Impactada por una exposición de arte Dada y surrealismo, viajó a París en 1939 con la esperanza de encontrarse con los pintores surrealistas pero todos se habían marchado para evitar la guerra, asi que volvió a Nueva York. Hizo diseños para grandes almacenes y se casó con Homer Shannon.


    En 1941 se unió a la gallería Julien Levy, un importante punto del surrealismo entonces y allí conoció a artistas como Breton, Tanguy y Max Ernst, en ese momento marido de Peggy Guggenheim, se enamoraron y se escaparon juntos a mitad de la década de 1940.  Se casaron en una ceremonia conjunta con Man Ray y Juliet Browne y se trasladaron a Francia en la década de 1950. Vivieron y trabajaron juntos hasta la muerte de Ernst en 1976
    Su obra es principalmente surrealista, aunque con el tiempo se volvió más abstracta y experimentó con la escultura y el grabado. A partir de la década de 1980 se dedicó mas a la escritura, publicando numerosos poemas y dos libros de memorias.
    Se celebraron exposiciones retrospectivas de su obra en el Centro de Arte Contemporaneo de París, en Malmo Konsthall en Suecia y en Museo de Arte de Filadelfia.
    Murió a los 101 años


    Observer Culture


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  • 03/24/15--14:11: Sonia Delaunay





  • Sonia Delaunay-Terk, nacida Sonia Stern, representó un papel fundamental en el desarrollo del orfismo, corriente que supo expresar tanto en la pintura como en el campo del diseño de moda, tejidos y libros, entre otros. De origen ucraniano, fue confiada, con apenas cinco años, a sus tíos maternos de San Petersburgo, de quienes recibió una educación cosmopolita. A través de Max Liebermann, conocido de su tío, tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más tarde continuaría su formación en París en la Académie La Palette. Durante estos años sus obras reflejaron su admiración por el postimpresionismo de Vincent van Gogh y PaulGauguin, así como del fauvismo de Henri Matisse
    Para. no abandonar Francia, Sonia contrajo matrimonio de conveniencia con el marchante alemán Wilhelm Uhde, a través del cual conoció a artistas de vanguardia como Pablo Picasso, Georges Braque o el propio Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910 tras divorciarse de Uhde. A partir de entonces, el intercambio artístico entre ambos sería constante. Como él, se sentiría interesada por las teorías del color de Michel-Eugène Chevreul y en 1913 comenzaría su serie no figurativaContrastes simultáneos. Ese mismo año colaboró en la ilustración y diseño de la cubierta de La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars. La llegada de la Primera Guerra Mundial les sorprendió en la península Ibérica y durante los años de la contienda vivió en España y Portugal. En 1917, tras el triunfo de la Revolución de Octubre, dejó de recibir las rentas que había percibido hasta entonces y comenzó a comercializar sus creaciones, primero en Madrid, donde abrió una tienda con sus propios diseños de moda, y en 1920, tras su retorno a París, inauguró la Boutique Simultané. En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier
    Durante. la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939. Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 03/25/15--13:44: Georges Lacombe




  • (1868-1916)
    Tres encuentros marcan la vida artística de este artista. Con Sérusier en  1892, un  año más tarde con Gauguin y con Theo van Risselberghe en 1904. Muy pronto adoptó las ideas de Sérusier y se integró con los Nabis. Sus pinturas se integran con la línea y el espíritu de los paisajes de Pont- Aven, sin embargo, especialmente en sus marinas, muestra una euforia muy personal. Despues de una reunión con Gauguin decide dedicarse a la talla de madera y el grupo le da el apodo de  el "escultor Nabi"-  pero no abandonó la pintura


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