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  • 02/08/15--13:12: Marguerite Thompson Zorach







  • Nació en Santa Rosa, California, en 1887 y se mudó con su familia a Fresno cuando era una niña. Estudió música, arte y lengua. En 1908, su tía Harnet Adelaide Harns, la invitó a ir a estudiar a París. Todos esperaban que se dedicara a la pintura clásica, pero en su primer día en París visitó una exposicion de los fauvistas en el Salón de Otoño. 
     Estudió con el pintor  Francis Auburtin en la Academie de la Frande Chaumiere, no le gustó el estilo que impartían y cambió a La Palette, de comenzó a experimentar con el fauvismo con John Duncan Fergusson. Durante el tiempo que estuvo fuera de su país viajó mucho. Conoció a Picasso y a Gertrude Stein.
    En 1912 volvió a Fresno y expuso en Los Angeles. Disgustada por la poca aceptación de su arte, se trasladó a Nueva York donde se encontró con su compañero de La Palette,William Zorach, con el que se casó. En 1913 vio la obra de Picasso y Braque en el Armory Show y comenzó a incorporar elementos cubistas en su obra. La pareja comenzó a ser conocida y en  1916 fueron invitados a participar en The Forum Exhibition of Modern American Painters. Durante la década de 1920 William cambió la pintura por la escultura y tuvo muy buena acogida, tanto por la prensa como por la crítica. Marguerite abandonó la pintura y comenzó a trabajar en  material textil y bordados. Aunque esta nueva obra fue bien recibida por el publico no fue asi por los críticos. Durante la década de 1930 pinto murales. Dio clases en la Universidad de Columbia y en 1945 volvió a la pintura. Murió en 1968

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  • 02/08/15--15:10: Anna Margit


  • Nació en Borota, Hungría, el 23 de diciembre de 1913
    Se formó en la Escuela Vaszary de 1932 a 1936.

    Junto a su marido el también pintor Imre Ámos, viajó a París en 1937, donde conocieron a Marc Chagall, que ejercería una fuerte influencia en la obra de ambos, en Margit, sobre todo en la de su primera época.

    En sus pinturas de colores claros y luminosos, representó en su mayoría figuras femeninas y numerosos autorretratos.
    La obra de la pareja, tuvo muchos puntos en común, tanto que podría confundirse la atribución de algunos de sus cuadros.


    Tras la muerte de Imre Ámos, en un campo de exterminio nazi en 1944, su estilo, se tornó más duro y más simple en sus composiciones.

    A partir de 1945 y hasta 1948, realizó numerosas obras retratos de muñecos, que pretendían simbolizar“el hombre expuesto a la historia”.
    A partir de 1949, se apartó de la pintura y del mundo del arte, retomando los pinceles en 1960.


    Murió en Budapest, el 3 de junio de 1991.
    En la ciudad de Szentendre, podemos ver el museo que lleva su nombre, en el que se albergan obras de ella y de su marido Ámos Imre


    información- trianarts

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  • 02/09/15--12:15: Imre Ámos





  • Pintor Húngaro nacido en Nagykalló, en  1907, muerto en  1845 en Ohrdruf, Alemania. Se crió con su abuelo materno debido a la temprana muerte de su padre.
    Estudio en la Universidad Técnica y despues en la Escuela de Arte de Budapest, donde fue discípulo de Gyula Rudnay.  Se casó con Ann Margit, tambien pintora

    Sus primeras obras estaban influenciadas por Jozsef 
    Rippl-Ronar y Robert Bereny. A partir de la década de 1930 su estilo se acercó más a Chagall, cuya influencia se puede apreciar en algunos de sus trabajos

    En 1936 fue elegido miembro de la Nueva Sociedad de Artistas. Visitó París en 1937, donde conoció a Chagall. Se convirtió en miembro del Nation Salon en 1938.

    Algunas de sus obras muestran influencia de las leyendas del famoso rabino Yitshak Isaak Taub, tambien de Nagykalló. 

    Durante la segunda Guerra Mundial fue víctima del holocausto porque era judío. Fue llevado al campo de concentración de Vojvodina, despues deportado a Sajonia donde fue asesinado. Pintó y dibujó imágenes representando el horror de la guerra



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  • 02/09/15--14:56: Jozsef Rippl-Ronai




  • 1861-1927- Pintor hungaro, introductor de los movimientos artísticos modernos en el arte de Hungría. 

    Nació en Kaposvár. Estudió farmacia en Budapest y despues se trasladó a Munich para estudiar Arte en la Academia.  En 1884 consiguió una beca que le permitió ir a París para estudiar con Munkacsy, el mejor pintor realista hungaro.  Estudió con él durante tres años pero en un viaje que hizo a Pont- Aven en 1889, descubrió la obra de Gauguin lo que le hizo romper con su maestro.  Se unió a los Nabis y se hizo amigo de Maillol.Los dos jóvenes artistas colaboraron durantes diez años. Maillol comenzó como pintor pero poco a poco fue cambiando a la escultura y al diseño de alfombras. Rippi Ronai abandonó París aproximadamente en 1900, estableciendose en la ciudad húngara de Kaposvar. 

     Cuando volvió a su pais no tuvo unas críticas muy favorables hasta su exposición  "Rippi-Ronai impressions".  Se convirtió en uno de los más importanes artstas hungaros, mientras que Maillol tenía un gran éxito como escultor en Francia.  Su obra fue objeto de una exposición retrospectiva en 1917 en Budapest. Dos años más tarde comienzó una nueva serie de pasteles y pintó retratos de sus amigos, artistas y escritores  hasta su muerte


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  • 02/10/15--12:06: Ernst Wilhelm Nay





  • 1902-1968.   Pintor alemán, nacido en Berlín, donde estudió- en la Academia de Bellas Artes, siendo su profesor Hofer.  En 1928 visitó París y Roma en 1930.  En 1937 viajó a Noruega, un viaje que significó mucho para su carrera. Estuvo en  las islas Lofoten, en el círculo Artico que le inspiraron una serie de paisajes expresionistas, de fuertes pincelads y colores vivos, obras en las que desarrolló un estilo muy personal.  Su trabajo fue considerado como "arte degenerado" por los nazis y fue llamado a filas en 1940, pero consiguió seguir pinrando mientras estaba sirviendo en el ejército en Francia. Despues de la guerra vivió en Hofheim, hasta 1951, despues se fue a Colonia. En esta época ya estaba trabajando en un estilo totalmente abstracto, caracterizado por formas  alargadas, puntos  y colores fuertes. En la década de 1950  estaba considerado como uno de los más importantes artistas de su país y fue representado en las exposiciones Documenta en 1955, 59, y 1964 y fue el primer representante de Alemania occidental en la bienal de Venecia, en 1964

    oxfordreference

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  • 02/10/15--13:29: ARMANDO Spadini




  • ARMANDO Spadini 
    Poggio a Caiano (Florencia) 1883 Roma 1925


    Se inició en la cerámica, pero a principios del siglo XX se matriculó en la Escuela de desnudo de la Academia de Florencia donde visita museos y el estudio de De Carolis, con el que colabora alguna vez.  Despues del servicio militar regresa a Florencia pero tras su boda, en 1908 se va a Roma en 1910. Los primeros años en Roma estuvieron marcados por una gran escasez económica. Participa en las exposiciones de la Secesion de 1913 y 1915, donde consigue sus primeros éxitos. Debido a una nefritis crónica, que le provocará una muerte prematura, se traslada con su familia a una casa en Parioli, en la campiña romana, que se convertira en un punto de encuentro de amigos artistas y literatos. En 1918 expone en la segunda exposición de arte italiano en Zurich.  Un creciente interés por su obra le libra de las penurias económicas, pero su salud se va deteriorando- En 1920 fue nombrado académico de San Lucas y al año siguiente fue nombrado como parte del Comité para las  Bienales.  En 1923 participó en la exposición de arte Italiano en Buenos Aire y en 1924 contó con una sala en la bienal de Venecia.

    Hasta 1910 su obra pasa por la influencia de Macchiaioli y los prerrafaelitas y en los años de las secesiones adquiere un punto mas impresionista


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  • 02/11/15--03:25: Ilya Ivanovich Mashkov


  • Pintor ruso nacido en 1881 en Mikhailovsaya. Desde niño mostró interés y talento por el dibujo aunque tuvo que trabajar como chico de los recados y luego como comerciante. En 1890 ingresó en la Escuela de pintura, escultura y arquitectura de Moscú donde tuvo como profesores a Serov, Korovin y Vasnetsov. Debido a su carácter excentrico fue expulsado de la escuela. En sus años de estudiante viajó mucho, visitó Europa Occidental, Egipto y Turquía.

    Se unió a los fauvistas rusos. En 1910 tomó parte en la organización de la primera exposición del grupo de pintores sota de diamantes y fue miembro de esta famosa asociación de artistas con los que participó en las exposiciones posteriores. 

    Vivía en Moscú donde abrió su propia taller-escuela,  pero visitaba su pueblo a  menudo, especialmente en la década de 1930. Murió en Moscú en 1944. Su obra se encuentra hoy en importantes museso de Rusia y otros paises.

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  • 02/12/15--04:43: Aristarkh Lentulov




  • 1882-1943-  Pintor, diseñador y  escenógrafo,  considerado  padre de la vanguardia rusa.  Nació en Chornaya Pyatina. en Penza. Su padre murió cuando Aristardkh tenía dos años y fue educado en una escuela religiosa y despues en un seminario.   No quería  seguir el camino de su padre, el sacerdocio, a el le interesaba el arte así que primero estudió en la escuela de arte de Penza y despues fue a la Escuela de Arte de Kiev. Debido a deficiencias económicas se vio forzado a trabajar para financiar sus estudios.  Aun estaba estudiando cuando participó en alguna exposición. En aquel momento era seguidor de Filippp Malyavin y Mikhail Vrubel. Fue expulsado de la Escuela y se vio forzado a volver a Penza. Despues quiso entrar en la Academia de Arte de San Petersburgo pero  no aprobó el examen de entrada.  A comienzos de 1907 se hizo amigo de David Burlink-  Vivió en Moscú desde  1909 y fue uno de los fundadores del grupo Sota de Diamantes, asociacion de artistas que estuvo activa hasta 1916

    En 1910 se fue a estudiar a París en la Academia Palette. Alli se hizo amigo de Jean Metzinger y Albert Gleize, que desarrolló las ideas del cubismo. En la década de 1920 se convirtió en Presidente de la asociación de artistas de Moscú.  Tambien formó un grupo con  Vladimir Mayakovsky en Malevich, llamado Segodnyashni Lubok



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  • 02/12/15--14:35: David Burliuk


  • Foto de los futuristas Benedikt Lifshits, Nikolái Burluik, Vladímir Maykovski, David Burliuk y Alekséi Kruchónyj (de izda. a dcha). 1913


    Reconocido como el "padre del futurismo" en su  nativa Ucrania y en Rusia, David Burliuk fue el que más contribuyó a modernizar el arte en las primeras décadas del siglo XXI

    Nació en  1882 en Kharkiv, Ucrania. Estudió en Odesa y Kazan, en la Royal Academy of Arts de Munich y en la Ecole de Beaux Arts en París. De carácter exuberante y extrovertido fue llamado por su profesor Anton Azhbe, en la Academia de Munich, como "un maravilloso y salvaje caballo de las estepas"

    Sus comienzos fueron una amalgama de estilos,  con influencias fauvistas, cubistas y futuristas que mezclaba con su amor por la naturaleza, fascinacion por las formas y diseño de la cultura escita y especialmente por su admiración por el folclore ucraniano. 

    Durante estos años participó en importantes exposiciones de vanguardia i en kiev, Moscú, St Petersburgo y Munich.  Desde diciembre  de 1913 hasta abril de 1914 la notoriedad de los futuristas alcanzó su punto más importante  con la gira  de  Burliuk, Vladimir Maiakovsky y Vasily Kamensky por 17 ciudades  del imperio ruso. La aparición de los futuristas, a los que les gustaba llevar chalecos de colores chillones, a veces los rostros pintados con animales y zanahorias en las solapas- y sus perfonrmances que incluían beber té en un escenario bajo un piano suspendido, atraía cantidades de publico y escandalizando a muchos.... pero también atraía a otros a esta nueva técnica, pero  lo que más atraía era el arte de Burliuk, su energía, su fuerza creativa-  todo ello dejó un fuerte impacto en la historia de la modernidad

    .El arte y la vida de Burliuk después de su primera época tumultuosa lo llevó a muchos y variados lugares. Durante los años revolucionarios 1917-1920, viajó a Siberia, donde dio conciertos futuristas y vendió su arte. De 1920 a 1922 se pasó un tiempo en Japón,  pintando, organizando  exposiciones, y promoviendo el futurismo. En 1922, Burliuk llegó a los Estados Unidos, estableciéndose primero en la Ciudad de Nueva York, donde vivió desde 1922 hasta 1941, y luego en Hampton Bays, Long Island (1941-1967).

    La inspiración para la carrera posterior de Burliuk se encuentra en su amor por la vitalidad en todas sus formas - biológicas, psicológicas y culturales. Ya sea  pintando su estepa nativa de Ucrania, paisajes japoneses, pueblos de pescadores de Long Island, o las calles de Nueva York, buscaba la energía que vibraba y fluía a través de escenas. Sugieren la existencia de patrones ocultos poco más allá de la percepción humana

    Fue, en definitiva, un adorador de la abundancia de  la tierra y  un escandalizador futurista. No es de extrañar que uno de sus artistas favoritos  fuera  Vincent van Gogh, cuya apasionada visión de la naturaleza, que  pintaba  con colores brillantes y  pincelada vigorosa


    La  profunda implicación de Burliuk ppr  el mundo también se manifiesta en sus obras importantes centradas  en temas ideológicos, filosóficos relacionados con la guerra y la condición humana.
    David Burliuk murió en Long Island en 1967. Ese mismo año fue honrado póstumamente al ser incluido en la Academia Americana de las Artes y letras 

    .Información- ukrainian museum

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  • 02/14/15--13:23: Yayoi Kusama




  • La  japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) se desenvuelve en el contexto artístico internacionalizado que comienza a finales de los 50 y es origen de la actual globalización. Sus casi seis décadas de trayectoria, iniciada en exposiciones individuales con tan solo 23 años en Japón, le llevan a cruzar las fronteras nacionales hasta Nueva York en 1958, ciudad ya reconocida como epicentro artístico mundial.

    La rápida relevancia que dLa obresarrolló en este contexto durante los sesenta es claro reflejo de que su obra carece de las referencias más habituales, situándose en un territorio cuya excepcionalidad es única. A este momento pertenecen sus trabajos más reconocibles, las denominadas Accumulation scultures  [Esculturas de acumulación], en las que la pintura deja de ser un objeto para encontrarse con los dominios de la escultura , abundando en apéndices fálicos, y las infinity nets[Redes de infinito], amplias extensiones de puntos aún dependientes de la monocromía blanca. Si por lo general estas obras se han convertido en una de las representaciones más habituales de un arte pop y feminista, también hay que tener en cuenta que avanzan formas vinculadas con la excentricidad minimalista de artistas como Lynda Benglis o Eva Hesse. El hecho de que al mismo tiempo atrajera la atención de Donald Judd y expusiera con Yves Klein es clara indicación de que su obra escapa a los marcos de interpretación asumidos. La amplitud de sus intereses le permitió vincularse con los movimientos contraculturales del momento, especialmente con el hippie, lo que se refleja en sus obras audiovisuales menos conocidas, como  setf obliteration (1968), en las que la pintura se transforma en elemento que empapa el espacio para estallar en verdaderas celebraciones del cuerpo y de la libertad sexual.

    Al volver a Japón en 1973 Kusama encarna el trauma del sujeto globalizado, cuya pérdida de raíces le conduce a episódicas crisis psiquiátricas. A este proceso le acompaña una vuelta a la pintura y a otro tipo de medios privados, como la escritura de su novela Manhattan Suicide Addict (1978), en contraste con la dimensión pública de sus happenings neoyorquinos. Ya en los ochenta y noventa retoma la producción pictórica y escultórica en diálogo con la retícula moderna para convertirla en un motivo orgánico, aludiendo así a las acumulaciones de apéndices previas.

    En la actualidad, Yayoi Kusama continúa trabajando en su estudio de Tokio. Más allá de la concentración en el aspecto patológico y terapéutico del arte, esta exposición pretende reflejar la profundidad de su trayectoria así como su contemporaneidad, mostrando también recientes instalaciones, como I´m Here, but Nothing (2000), y otras concebidas para la ocasión, comoInfinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (2011).

    Logotipo del Museo Reina Sofía

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  • 02/15/15--10:39: Andréi Kolkutin




  • Andréi Kolkutin 1957 Simoljaninovo, Primorsk - Rusia- es un pintor que vive y trabaja en el norte del Caucaso. Estudió en la  Academia Repin de Arte en Leningrado
    Los motivos de Kolkutin son raros, a menudo con personas simples de la provincia  rusa o de la biblia.  Elementos suprematistas  y vanguardistas  se combinan con elementos figurativos  y  tradiciones  del arte de iconos de Rusia. En los iconos, Kolkutin halló inspiración para cierto tono de  color que crea poniendo una o más capas de pintura neutral en la tela antes de hacer los motivos. De esta manera los colores quedan ligeros y a veces casi transparentes.


    El arte de Kolkutin pertenece a lo que se llama el Arte de la Sobrevivencia, que es parte del arte pos-soviético. No es un movimiento, sino un número de artistas individuales. Aunque se concentra en los tradiciones artísticas de las épocas posmodernas y poscomunistas, no se dedica a un solo-ismo -iKolkutin usa estilos de previas épocas del arte ruso para unirlos en sus obras. Kolkutin creció en la unión sovietica , que era un régimen ateo  fue bautizado a la edad de 32 años al fin del período soviético, cuando la censura no era tan dura como antes. Pronto la iglesia ortodoxa  fue una parte importante de su arte.


    A pesar de la complejidad del arte de Kolkutin, no tiene interés por el arte de mimesis, en él que se trata de reproducir la realidad en la tela. Lo que le interesa  es buscar lo esencial de la existencia, acontecimientos menores de la vida cotidiana.
    Wikimedia Foundation

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  • 02/15/15--13:13: Jean Hélion
  • 1904-1987
    Para el pintor -y escritor- español Eduardo Arroyo, Jean Hélion ridiculiza con su simple trayectoria "ese ejército conformista y pusilánime educado en el culto del vanguardismo a cualquier precio". En efecto, Hélion se da a conocer entre 1929 y 1930 como teórico del grupo Art Concret, junto a Theo van Doesburg, Otto Carlsund y Léon Tutundjian. Antes, el uruguayo Joaquín Torres-García le familiarizó con el cubismo y el surrealismo pero ahora Hélion defiende un arte "enteramente concebido y formado antes de su elaboración", en el que no hay lugar para la naturaleza, la sensualidad, el simbolismo, lo dramático o el sentimiento".

    El entusiasmo por un universo cuadriculado, "a lo Mondrian", se agotará pronto y las formas curvas regresan a sus telas, luego lo hacen las figuras -cilindros, conos...- que enseguida caen, como derrotadas por una realidad humana que reclama sus derechos. "Durante el año y medio que fui prisionero de los alemanes no soñé con formas geométricas sino con nalgas, con amigos, comida y objetos tangibles" explicó en su día.

    El resultado es que el más abstracto de los abstractos, después de viajar a la URSS en 1931, de vivir varios años, entre 1932 y 1940, en EE UU y ser allí el mayor profeta de la modernidad, se reinstala en París en 1947 (entre 1943 y 1947 ha vivido de nuevo en Nueva York pero le da la espalda al expresionismo abstracto triunfante) para interesarse por Alessandro Magnasco, por la figuración a la manera de Fernand Léger o Max Beckman y, al fin, por sentirse heredero de Poussin o Chardin. Las naturalezas muertas de esa época son un escándalo para un mundo que sólo tiene ojos para la abstracción.
    La pintura de Hélion, a partir de la segunda mitad de los años 50, se reconcilia con toda la tradición pictórica, integra en sus telas escuelas y soluciones distintas, juega con temas surrealistas tratados de manera informal, incorpora iconografía abstracta en telas que describen la vida cotidiana, se aleja de todas las capillas, se abre a todas las corrientes y se plasma en un estilo elegante y esquemático que le permite, incluso, aventurarse a resucitar géneros tan desacreditados como la "pintura histórica" a través de su tríptico consagrado a Mayo 1968.

    Jean Hélion, con graves problemas de retina, pinta en los últimos años de su vida personajes que sufren accidentes, que caen, que, con un bastón blanco en la mano, avanzan titubeantes por el mundo y acaba con una obra extraordinaria y de título duchampiano: El pintor pisoteado por su modelo. Nada resume mejor la trayectoria de quien ha puesto en cuestión todo confort, capaz de levantarse contra el movimiento que ha contribuido a popularizar justo cuando el éxito lo consagra, capaz también de alistarse en Nueva York para luchar contra los nazis cuando tantos artistas parisinos buscaban refugio en la ciudad de los rascacielos y capaz, por último, de pintar con los ojos de la memoria cuando la vista flaqueó demasiado.

    EL PAIS

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  • 02/16/15--11:54: Gina Pellón





  •  

    Nació en 1926 en Cumanayagua, Cuba, a partir de 1959 vivió en París.  Fue en esta ciudad donde conoció al grupo Cobra, uno de los principales movimientos de vanguardia.  Su carrera en Europa fue muy prolífica. Expuso en París, Lausana, Bruselas, Amsterdam, Tolouse, Silkebour  y en Larvik.  Tambien hizo exposiciones individuales en Miami, Nueva York y Caracas, entre otros. "Pinto todos los días, desde que sale el sol hasta que se pone. Necesito crear, retratar emociones y cuando estoy a punto de acabar un cuadro, tengo que empezar otro" - Decía

    Su estilo esta marcado por la espontaneidad y colores fuertes. Además de pintar tambien grababa y escribía poesía.  Murió en París en 2014


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  • 02/17/15--12:07: DAMASO RUANO






  • Dámaso  Ruano (Tetuán 1938- Málaga 1914)  es uno de los pintores malagueños que contribuyó   abiertamente a la renovación  plástica   de Málaga, formando parte del grupo Palmo de tanta trascendencia en el discurrir nuevo del arte malagueño. Su pintura recrea una estética en la que se pone de manifiesto un interés por el equilibrio y la serenidad desde unas marcas externas que muestran una creciente intencionalidad para con la materia plástica, aunque  ese poderío formal no está exento de una sutirl poética donde se  ha desprovisto de su hojarasca y ha retomado caminos intimistas donse se produce un  análisis de la forma. La pintura de Dámaso Ruano extrae el núcleo expresivo a una  representación a la que se somete a un proceso profundo de  síntesis  hasta conseguir   que  las bandas de color, a las que ha sido reducido el conjunto, ejerzan su potestad diferenciadora. El espectador siente una íntima unión, sin distorsión alguna con la forma, existe una sintonía, no hay lugar para la confusión porque la pintura desencadena su fuerza expresiva y toda su capacidad de sugerir. Es la obra del artista una rigurosa lección de pintura abstracta en la que se desentrañan, al unísono, los valores plásticos y espirituales.

    El Cultural


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  • 02/18/15--12:30: Patrick Caulfield







  • Pintor y grabador inglés  (1936-2005). Estudió en Chelsea School of Art en Londres y continuó en el Royal  College of Art.o

    A principios de la década de  1960 sus cuadros se caracterizaban por imágenes planas, objetos geometricos en pares o solos, contra un plano de color, como si quisiera representar cosas cotidianas como realidades misteriosas.  Poco a poco fue introduciendo elementos arquitectónicos. Durante la década de 1980 volvió a una estética mas simplificada  en la que insertaba elementos poco identificables como si quisiera ir a un mundo más abstracto

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  • 02/19/15--11:22: Roberto Montenegro







  • Roberto Montenegro , 1881-1968
    Nacido en Guadalajara, Jalisco en 1881, el pintor y muralista Roberto Montenegro, heredó su amor al arte de su tío, quien le dió sus primeras lecciones de pintura. Contribuyó con ilustraciones y viñetas en la Revista Moderna y más tarde se mudó a la ciudad de México. Estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Antonio Fabrés y Germán Gedovius. Vivió en Europa hast 1921, donde trabajó con importantes artistas españoles, franceses y belgas. En México, José Vasconcelos lo comisionó para realizar diversos murales en la Secretaria de Educación Pública, en la Escuela Benito Juárez, en la Librería Iberoamericana y en la Escuela Nacional de Maestros. Como escritor y crítico, junto con otros artistas contemporáneos, trató de apartar la atención del arte europeo introduciendo el arte popular mexicano al público. Su vasto conjunto de obras incluye pintura, grabado, ilustraciones de libros, viñetas y vitrales. Fue fundador de la Academia de Artes, y murió en Morelia, Michoacán en 1968.
    Coleccion Andres Blaisten


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  • 02/22/15--16:05: Max Klinger


  • Pintor, grabador y escultor alemán -1857-1920. Nació y trabajo en Leipzin, pero de vez en cuando, viajaba a Bruselas, París, Munich, Berlín y Roma.  Roma, donde estuvo  desde  1889 hasta 1893 marcó mucho su desarrolo artístico, en especial Anrbikd Bocking.  Estudió en la escuela técnica de diseño gráfico durante unos pocos años y en la década de  1970 con Karl von Gussow en Kalsruhe y Berlin. Como pintor creía que el color exigía más realismo mientras que el dibujo y el grabado permitían expresar sentimientos y fantasía

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  • 02/24/15--12:34: Satish Gujral





  • Uno de de las más grandes y versátiles artistas de la India. Se le conoce por sus pinturas, obra gráfica y escultura, ademas de la arquitectura e interiorismo.

    Nació en Gujral, Punjab, en 1925. A los ocho años una enfermedad lo dejó sordo. En 1939 ingresó en la Mayo School of Art en Lahore para estudiar artes aplicadas. En 1944 se trasladó a Bombay e ingresó en  The Sir J.J. School of Art. Durante su estancia en la universidad se puso en contacto con el Grupo de Artistas Progresistas. Tuvo dificultades para ponerse de acuerdo con sus técnicas y comenzó a buscar algun tipo de modernidad con raíces en las tradiciones indias.


    En 1947, debido a una enfermedad recurrente se vio obligado a abandonar la universidad. Se fue a Mejico en 1952 con una beca, para hacer un aprendizaje con Diego Rivera y David Sequeiros. Alli su obra se vio influenciada por el sufrimiento de la gente que perdían sus casas y familias debido a la división del país. Empezó a mezclar  acero con trozos de deshechos industriales para sus esculturas.

    Desde finales de la década  de 1980 sus pinturas y esculturas se hicieron más grandes. Empezó a hacer murales, la mayoría de mosaico o teselas. Más  adelante incluyó elementos de acero. Las esculturas de madera quemada las convierte en figuras humanas y otras formas. Desde 1952 hasta 1974 organizó exposiciones de su obra en Méjico, Nueva York, Nueva Delhi, Bombay, Calcuta, Montreal, Roma, Berlín, Tokio, Buenos Aires y Estocolmo  



    Ref-Cultural India


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  • 02/25/15--11:41: Clyfford Still
  • Grandin, 1904-Baltimore, 1980  Representante destacado del expresionismo abstracto americano, el pintor Clyfford Still comenzó su camino en el arte de manera autodidacta en unas obras que plasmaban sus impresiones del paisaje canadiense en el que creció desde los seis años. Estudió brevemente en la Art Students League de Nueva York en 1925, y desde 1933 hasta 1941 asistió, primero como alumno y luego como profesor, al Washington State College. A pesar de que en 1934 defendió una tesis sobre PaulCézanne, pronto decidió abandonar toda referencia a la tradición artística europea, siendo uno de los primeros artistas norteamericanos en llegar a la abstracción. En sus obras, en principio cargadas de referencias alegóricas clásicas, poco a poco ganaron protagonismo unas composiciones a base de grandes planos. Con este proceso, que tuvo lugar a finales de la década de 1930, se anticipó al resto de artistas de su generación, que por esas épocas aún trabajaban en obras figurativas conectadas con el surrealismo
    Tras. el fin de la Segunda Guerra Mundial, Still se instaló en Nueva York. Gracias a Mark Rohtko, al que había conocido en 1943 y que se había convertido en buen amigo suyo, conoció a Peggy Guggenheim, que un año después presentó su obra en su galería Art of This Century. En los años que siguieron Still conoció a otros artistas vinculados al expresionismo abstracto, expuso en la Betty Parsons Gallery y su obra se hizo más abstracta. Los títulos fueron sustituidos por números para evitar cualquier interpretación, y su interés por la verticalidad, que ya se había manifestado con anterioridad, se hizo aún más evidente en unos lienzos de grandes formatos bañados por manchas de colores contrastados. Sin embargo, fue precisamente en este momento en el que Still comenzó a volverse muy crítico con el mundo del arte. Se aisló cada vez más y en ocasiones evitó que su obra fuese expuesta o incluso vendida. Finalmente, en 1961, se instaló en una granja de Maryland, donde pasó el resto de su vida
    Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 02/26/15--11:40: Nikolay Alexeyevich Kasatkin


  • Nikolay Alexeyevich Kasatkin 1859-1930 Pintor ruso nacido en Moscú. Estudió en la Escuela de Pintura y Arquitectura de Moscú con Vasily Perov
     Se hizo miembro de los Peredvizhniki (los errantes) un grupo de artistas rusos originarios de San Petersburgo. En 1922 se convirtió en miembro de la Asociación de Artistas de la Rusia revolucionario (AKHRR). Empezó pintando  obreros y mineros en Donbass. Fue un precursor del realismo socialista cuando empezó la revolución Rusa  

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