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  • 05/25/15--10:58: Antonio Villa-Toro


  •  Antonio Villa-Toro (Castro del Río, Córdoba, 1949)
    ESTUDIO EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE SEVILLA CONTINUANDO SU FORMACION EN MADRID, LONDRES Y NAIROBI. EN LOS 80 SE VINCULA CON LOS ARTISTAS DE LA MOVIDA. HA EXPUESTO SUS OBRAS POR ESPAÑA Y EN EL EXTRANJERO
    La trayectoria pictórica de Villa-Toro arranca con la década de los setenta. Ha llevado su trabajo a varias ediciones de Arco, a la Feria de Arte Contemporáneo de Basilea, y sus obras cuelgan en Tokio, Milán y Nueva York.


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  • 05/26/15--02:48: Xesús Vázquez





  • En una primera impresión, las últimas pinturas de Xesús Vázquez (Orense, 1946) pueden pensarse como un elogio al color, una expresión vitalista o un arte decorativo. Pero me temo que no es éste el caso. Más bien diría que su uso del color, así como sus composiciones, introducen una suerte de inquietud o, mejor, de inestabilidad visual. La idea que hay detrás de estas pinturas es la de vértigo, el vértigo como una de las expresiones de lo sublime; aspecto, éste, el de lo sublime, evidente al iniciar su trayectoria como pintor y que tal vez sea el hilo conductor de toda su obra a pesar de su diversidad. Xesús Vázquez, para conseguir esta expresión de vértigo, utiliza varios procedimientos: combina colores ácidos o fluorescentes de una especial agresividad, reelabora algunas estrategias de impacto visual del op art (interferencias de tramas y líneas, por ejemplo) y utiliza determinados elementos inspirados del diseño gráfico y la imagen digital, pero trabajados pictóricamente con transparencias, derrames, etcétera. En otras palabras, Xesús Vázquez, como Uslé, esta comprometido en una labor de releer y ampliar los lenguajes abstractos. Pero más allá de un simple divertimento, se trata de una imagen alucinada y ebria, emblema del laberinto, una especie de metáfora de la pérdida de la orientación. 

    El Cultural

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  • 05/26/15--03:25: Joaquim Vancells Vieta





  • Joaquim Vancells Vieta (Barcelona, 1866-1942) se trasladó con su familia en Terrassa, estudió dibujo y pintura (1882-83) en el Cercle Artístic terrasense con el marinista Sivilla y el pintor Martínez Altés. Aún así, la influencia más fuerte fue del paisajismo de Joaquim Vayredae, con su armonía de colores y su lirismo.
    Después estudió en la Llotja, donde no congenió con Antoni Caba, y dejó la enseñanza académica por la pintura al aire libre. Se perfeccionó solo, pintando en las cercanías de Terrassa. En 1891 presentó un paisaje del Vallès en la Sala Parés y obtuvo por el cuadro una mención honorífica a la Exposición de Bellas artes de Barcelona. En 1894 ganó una segunda medalla con Sant Llorenç del Munt, y en 1896 una primera medalla conRiera de la Barata. De 1890 a 1896 son sus mejores cuadros en gris, de los cuales lo llevan a un lirismo pictórico que lo acerca a la pintura idealista coetánea, y dónde consigue una gran poesía gracias a los velos misteriosos de niebla que rodean y matizan los contornos de las sierras de Sant Llorenç. Su amistad con Alexandre de Riquer y Modest Urgell contribuyó seguramente a dar a sus obras este cariz sentimental, a la vez que la influencia del primero se hizo notar en el campo de la decoración modernista que él introdujo en Terrassa: acabó la decoración del Institut Industrial —empezada por Riquer—, decoró la casa Amat Pagès, las salas de la Agrupació Regionalista, el cafè Comdal, la tienda Vídua Carnero, en un estilo modernista de raíces británicas. Fue empresario y director de los espectáculos de artes Ars Lucis desarrollados en Terrassa en 1906-07, con la colaboración de Joan Llongueras. Miembro fundador del Cercle Artístic de Sant Lluc, pintó los paisajes de dos plafones del presbiterio de Montserrat, las figuritas de los cuales son de Baixeras. Es responsable de muchos de los paisajes de los cuadros de Cusachs. Mientras continuaba cultivando un paisajismo lírico y nublado de forma ya estandarizada y comercial, su obra original evolucionó verso una pintura más viva de colores, con una materia pictórica más vigorosa, un arte más objetivo, más realista, desarrollado en los mismos paisajes naturales de Llavaneres y de Terrassa.
    Fuente: enciclopedia.cat

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  • 05/26/15--11:40: Lorenzo Viani









  • Fue uno de los artistas italianos más controvertidos y problemáticos de su epoca.  Al igual que sus colegas futuristas de Florencia y Milán, Viani fue profundamente influenciado por los acontecimientos bélicos que sacudieron  Europa en 1914, en el inicio de la Primera Guerra Mundial. Viani comenzó con sentimientos anti-militares. En 1912, durante la operación del colonialismo libio, hizo una serie de dibujos llamada "Alla Gloria della Guerra", que puso de relieve los horrores del conflicto italo-turco. 

    Después de escuchar las opiniones de Cesare Battisti en Viareggio, el pintor abrazó las ideas militaristas y se enroló en el ejército.  Para Viani, el frente se convirtió en una fuente de inspiración artística. En medio de la muerte, el miedo, la lucha y la desesperación, encontró refugio en el dibujo. Creó obras en  carbóncillo  en l papel, toallas y vendas, que representan su punto de vista de los trágicos acontecimientos que se produjeron durante la guerra. El 01 de enero 1919  volvió a Viareggio. La guerra no dio paso a la justicia social como Viani había esperado antes de su inscripción. Años difíciles y violentos siguieron  y Viani se dio cuenta del daño que le habían hecho a los italianos que habían sido enviados al frente para morir


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  • 05/27/15--10:24: Xavier Vilató i Ruiz





  • Javier Vilató, (Barcelona, 1921-Paris, 2000)

    Inmerso desde pequeño en el mundo del arte, Javier Vilató, sobrino de Picasso _hijo de su hermana Lola y del neuropsiquiatra catalán Joan Baptista Vilató_, se sumergió, en París, en la nueva forma de vivir y sentir el arte que el gran artista aportó, huyendo de parámetros establecidos y buscando su propia identidad.
    Si algún rasgo caracteriza la vida y la obra de Vilató, mas allá de sentirse siempre atraído por la luz del Mediterráneo, hecho evidente en su uso del color, es su interés, o mejor dicho su mirada reveladora del entorno, a menudo el entorno mas próximo, casi íntimo. Por ello, Vilató siempre fue un gran retratista, hasta el último momento en que trabajó intensamente el retrato escultórico.
    Tanto de las mujeres amadas, de los hijos, de los amigos, como de los animales con los que siempre compartió su hogar _los perros, los caballos, o los insectos_, como retratista, al fin y al cabo, de los objetos domésticos y cotidianos como por ejemplo un frutero, un cántaro o una lámpara. Temas, todos ellos, que reflejan su personal reflexión vital de una forma libre, enérgica y apasionada. 

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  • 05/28/15--12:01: Elihu Vedder



  • Elihu Vedder, nació en Nueva York en   1836. Su padre que era dentista, se fue a Cuba y Vedder se crió en un internado, pasando los veranos  con su abuelo en   Schenectady. Realizó su primer entrenamieno artístico con  Tompkins Harrison Matteson. En 1856, viajó a París por primea vez, para estudiar con  François-Édouard Picot.  Al año siguiente fue  a Florencia donde estudió con  Raffaello Bonaituti.  Durante su estancia en Florencia le presentaron a los Macchiaioli, un grupo de artistas que se rebelaron contra la pintura académica, y fue fuertemente influenciado por ellos.  
    Como su padre le cortó la asignación económica, volvió a Nueva York y empezó a hacer ilustraciones pra Vanity Fair y para el periodico ilustrado Frank Leslie, y al mismo tiempo empezó a introducirse en la escena literaria de la ciudad
    En  1869 se casó y fue de luna de miel a Inglaterra, esta visita produjo un tremendo efecto en el ya místico estilo de Vedder
    Volvió a los Estados Unidos, pero abandonó definitivamente el país en 1901 y dividió su tiempo entre Roma y su villa en la isla de Capri. Escribir poesía fue  un gran consuelo para Vedder despues de la muerte de su mujer en  1909 y de su hijo en  1916. Vedder murió en Roma en 1923  

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  • 06/11/15--13:05: Charline von Heyl




  • Nació en Alemania en 1960. Estudió en la Academia de Arte de Susseldorf con Jörg Immendorf y Fritz Schwegler. 

    Charline von Heyl ha descrito su impulso hacia la abstracción como el deseo de inventar algo que todavía no se ha visto; la negativa a confiar en el mundo visual existente,  sorprender no sólo al espectador pero sobre  a todo a sí misma.  Vive y trabaja en Nueva York y Marta,  Tejas, con su marido, tambien pintor,  Christopher Wool 



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  • 06/12/15--11:42: Romà Vallès






  • Romà Vallès i Simplicio (Barcelona1923)

    Profesor de Instituto y profesor de la escola Massana, en el año 1959 fue integrante del grupo de artistas que crearon el Museo de arte contemporáneo de Barcelona y la  legendaria Galería René Métras (1962-1984); También ha sido uno de los organizadores de la escuela de arte de moda. Roman Valles es uno de los referentes de la actual expresión pictórica  abstracta informalista dentro del territorio catalán y Baleares. Volcado en la búsqueda constante de la forma y su contenido intelectual. 

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  • 06/12/15--12:59: Victor Vasarely

  • El Arte Óptico, una de las tendencias abstractas de posguerra que se desarrolló principalmente en Europa, tenía una orientación científica, objetiva e interactiva. Los artistas ópticos creaban obras no figurativas con líneas, formas y colores para producir ilusiones de movimiento, espacio y luz. Esos trabajos, en su mayoría geométricos, se centraban en la percepción del observador y en las transformaciones ópticas en lugar de en un objeto concreto.
    Nacido en Hungría, Victor Vasarely (1908-97) llegó a ser uno de los líderes del Arte Óptico en Europa. Abandonó los estudios de medicina a los veinte años para dedicarse al arte. Se trasladó a París, donde tuvo bastante éxito como diseñador gráfico en publicidad antes de entregarse a la pintura. A principios de la década de 1950, sus pinturas abstractas estaban llenas de grandes formas geométricas, para las que se inspiraba en baldosas, formas naturales y elementos paisajísticos; pero hacia mediados de esa década abandonó lo natural en favor de la abstracción pura, tomando como fuentes la geometría, las relaciones cromáticas, los sistemas matemáticos y la psicología de la Gestalt, la escuela de psicología que sentó los cimientos del estudio moderno de la percepción. Vasarely también es conocido por promover las ideas del Arte Cinético, que buscaba crear la sensación de movimiento a través de ilusiones ópticas en una superficie plana. Sus pinturas ofrecen juegos ópticos, y algunos son tan extremos que llegar a marear o incomodar al espectador.
    Vasarely trabajó en Lacerta entre 1955 y 1979, un período en el que su estilo y sus intereses evolucionaron. Sin embargo, las cualidades ópticas de esa obra se asemejan a las de la época que comenzó en 1968: la disposición de los elementos compositivos creaba la ilusión de que las formas sobresalían del plano pictórico y parecían volúmenes tridimensionales.
    Guggenheim Bilbao

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    Friedrich Vordemberge-Gildewart
    Osnabrück, 1899-Ulm, 1962

    El artista alemán Friedrich Vordemberge-Gildewart estudió en la Kunstgewerbeschule de Hannover diseño y arquitectura. Sus primeras obras pictóricas destacaban por su geometría y por su tendencia a la no figuración, que sería una constante que le acompañaría a lo largo de toda su carrera artística. Su obra se expuso por primera vez durante 1924 en la Kestner-Gesellschaft de Hannover, donde llamó la atención de la crítica. Ese mismo año comenzó sus trabajos tipográficos y abrió taller en el edificio de la Kestner-Gesellschaft. Conoció a Kurt Schwitters y, a través de él, a Hans Arp y Theo van Doesburg, que le facilitó su entrada en el grupo neoplasticista holandés De Stijl en 1925. Desde entonces Vordemberge-Gildewart redujo los colores de su paleta y publicó algunas de sus obras en la revista que había dado nombre al grupo. En 1927 fundó con Schwitters, Carl Buchheister, Rudolf Jahns y César Domela el grupo Die Abstrakten Hannover y también colaboró con Ring Neue Werbegestalter que reunía, por iniciativa de Schwitters, a diseñadores y artistas dedicados a la publicidad. Posteriormente, en 1932, se uniría al grupo Abstraction- Création
    La. llegada al poder de los nazis marcó su vida y su carrera artística. Tras vivir en Berlín durante 1936 y 1937 y pasar por Suiza, Vordemberge-Gildewart se estableció en los Países Bajos, país del que se haría ciudadano tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Durante ese tiempo, se vio forzado a pintar en secreto unas obras que destacan por su equilibrio y su luminosidad y que Hans Arp, vio como el contrapunto al caos que reinó durante todo ese periodo, en la primera monografía del artista publicada en 1949.
    En 1953 fue premiado por la Bienal de São Paulo y un año más tarde aceptó el puesto de profesor en la Hochschule für Gestaltung de Ulm, en Alemania, donde trabajó el resto de su vida
    Museo Thyssen-Bornemisza



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  • 06/13/15--11:18: Ramon VILANOVA FORCADA







  • RAMON VILANOVA Nace en Caldes de Montbui (Barcelona), el año 1947. De formación autodidacta, aunque recibe la influencia del pintor y escultor Sebastià Badia. Su primera individual tiene lugar en la Galeria Watts-Art de Castellar del Vallès (Barcelona) en 1979, si bien con anterioridad había expuesto de forma colectiva en Caldes Montbuí (1976). Desde entonces, expone su obra regularmente en: Sala Sant Jordi (Granollers, Barcelona), Galeria Watts-Art (Castellar del Vallès), Sala Lectura (Reus), Galeria Intel.lecte (Sabadell, Barcelona), Galeria Aida (Terrassa, Barcelona), Galeria Lleonart (Barcelona), Sala Vayreda (Olot, Girona), Sala Rafael (Valladolid), Galería Kreisler (Madrid), Galeria Pedreguet-Art (Amer-Girona), Galería Sokoa (Madrid), Sala de Arte Rusiñol, Galeria Pedreguet-Art (Pineda de Mar-Barcelona), Galeria Agora-3 (Sitges-Barcelona) y Galeria Anquin's (Reus, Tarragona). Su obra ha sido exhibida en diversos museos entre los que cabe destacar: Museo Thermalia/Manolo Hugué (Caldes de Montbui), Palau Meca (Barcelona), Museu d'Història (Girona), Casa Museu Prat de la Riba (Castellterçol), Musée de Chartres (Francia), Fundació Francesc Galí (Palamós), Museu de Vilafranca del Penedés, Museo de Fraga (Huesca), Museum of Taunestain (Alemania), Musée d'Antibes (Francia), Fundació Sant Miquel de Cuixà (Francia), Museo de Tossa de Mar (Girona), Botanic Museum of Chicago (EEUU), Museu de Granollers.

    A nivel internacional cabe destacar sus exposiciones en Francia (Grenoble y Lyon) y en Estados Unidos (Chicago, Laguna Beach, Naples, New Cork City, Park City, La Jolla, Washington DC) . También ha realizado exposiciones en Birmingham (Reino Unido), Bologna (Italia), Gent (Bélgica), Goteborg (Suecia), Londres (Reino Unido) y Andorra. Obtiene numerosos premios de certámenes de pintura.


    Información- Artelista

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  • 06/15/15--11:35: Evaristo Valle


  • (Gijón, 1873 - 1951) Pintor español. Durante su juventud desempeñó varios oficios en una refinería de petróleo y en talleres litográficos de Gijón y París, donde residió de forma intermitente varios años y publicó sus primeros dibujos y caricaturas en revistas. En la capital francesa fue estimulado por el dibujante Daniel Urrabieta y entró en contacto con los ambientes postimpresionistas y simbolistas; se interesó por la pintura de Gauguin y por el dibujo Toulouse-Lautrec. De regreso a su tierra natal (1900), cultivó preferentemente la litografía, pero a partir de 1903 se dedicó exclusivamente a la pintura.
    Entre 1902 y 1905 se estableció de nuevo en París, ciudad en la que residió por última vez en entre 1908 y 1911. Fueron años de tanteo y experimentación entre el simbolismo inicial, un fauvismo epigonal y el deje caricaturesco que no iba a abandonar ya en toda su carrera creativa. En 1911 regresó a Gijón, aquejado de una agorafobia grave que lo mantuvo casi inactivo durante cuatro años. A partir de 1915 retomó con cierta cautela la actividad artística y se dedicó especialmente a la pintura costumbrista, tanto rural como urbana. En los años siguientes fue afinando un estilo pictórico caracterizado por unos efectos lumínicos a medio camino entre lo experimentado por algunos impresionistas y el sistema cromático fauvista.

    Con todo ello, aplicado a su mundo costumbrista, consiguió en su momento efectos verdaderamente sorprendentes, y adquirió un creciente prestigio artístico tanto en su país como en el extranjero. Sus series costumbristas vinieron a ser complementadas a partir de 1927 (año de su viaje a Estados Unidos y Cuba) con cuadros de escenas populares caribeñas de encendido colorido, similares, al menos en lo superficial, a los célebres cuadros isleños de Gauguin.

    Simultáneamente, desarrolló el motivo de la máscara y el carnaval, ámbito en el que consiguió algunas de sus mejores series pictóricas. Las escenas carnavalescas de Evaristo Valle se asocian de manera inmediata con las de su contemporáneo José Gutiérrez Solana (más ligeras, festivas y oníricas), aunque en ocasiones parezcan inspiradas en algunos de los Caprichos de Goya.

    El conjunto de su obra, dedicada en su mayor parte a la representación de temas populares asturianos y paisajes de su tierra, puede en general enmarcarse dentro de un expresionismo figurativo de línea regionalista. Además de sus Carnavaladas y cuadros de tema caribeño, debe destacarse su atención a mineros, pescadores, marinos y a las clases trabajadoras tradicionales, tipos que responden a una intención no sólo estética, sino también testimonial.

    Sus dibujos y caricaturas fueron publicados en Le RireEl Independiente y El Comercio, de Gijón, y en La Esfera; ilustró además varios libros. Evaristo Valle cultivó también la literatura, siendo destacable, junto a su autobiografía, su novelaOves e Isabel (1919). En 1983 tuvo lugar en Somio (Gijón) la inauguración de la Fundación Museo Evaristo Valle, promovida por María Rodríguez del Valle, sobrina del pintor, donde se conserva una gran parte de la obra del artista.
    Información- Biografías y vidas

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  • 06/17/15--10:24: Article 1







  • AURORA VALERO CUENCA

    Alboraya (Valencia), 5.VI.1940 - . Pintora y profesora.

    Inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valencia en 1952; posteriormente cursó estudios superiores en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

    En 1961 obtuvo el título de Profesora de Dibujo y en 1969 el de Catedrática de Expresión Plástica de Escuelas de Magisterio. Su trabajo pedagógico se ha desarrollado en todos estos años y hasta su jubilación, en las ciudades de Córdoba, Tarragona y Valencia respectivamente.

    En su etapa de formación, los trabajos de Aurora Valero fueron reconocidos positivamente por los especialistas, desde el primer momento, como lo demuestra el hecho de haber ganado por concurso sendas pensiones otorgadas por El Paular, la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo y la Diputación Provincial de Valencia. E igualmente fue becada por el Ministerio de Educación entre 1956 y 1962.

    En 1959 participó en Segovia en la muestra Pensionados del Paular; desde entonces, las pinturas de Aurora Valero han estado presentes en numerosos salones oficiales y exposiciones colectivas entre los que cabe mencionar: Arte Actual (Valencia, 1963);Pintores Mediterráneos (Nueva York, 1967); La mujer en la cultura actual (Toledo, 1976); Cien años de pintura valenciana (Valencia, 1976); Arco (Madrid, 1986 y 1987);Pintores hispanoamericanos, portugueses y españoles (Itinerante por Chile, Argentina y Uruguay, 1986); Un siglo de pintura valenciana: 1880-1980 (Valencia y Madrid, 1994); V Feria Internacional de Arte (Salamanca, 2001); Witness and Reponse(Washington, 2002); Kunst (Maguncia, 2003).

    En noviembre de 2007 se inauguró en Valencia una muestra retrospectiva de su producción plástica, en la que están representadas once series que abarcan cincuenta años dedicados a la pintura.

    La poesía, el arte griego, la filosofía zen y las circunstancias sociales y medio-ambientales de su entorno, son factores que han influido en el quehacer artístico de Aurora Valero en su larga trayectoria.

    La obra de Aurora Valero forma parte de las colecciones de diferentes museos e instituciones, públicas y privadas,  tanto nacionales como internacionales, entre las que cabe destacar: Museo de Arte Moderno de Barcelona, Museo de Bellas Artes San Pio V de Valencia, Museo Popular de Arte Moderno de Villafamés, The San Francisco Museum of Contemporany Hispanic Art, Colección The Library of Congress of Washington, Dept. of Interior Design Shoae College de Seúl, Museo de la Solidaridad Salvador Allende de Chile.

    En 2005 fue distinguida con el nombramiento de Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, como reconocimiento a sus méritos.

    En marzo de 2009 le fue concedido el Premio Isabel de Villena, como reconocimiento a su compromiso humano y  trayectoria artística.

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  • 06/17/15--12:15: Louis Valtat





  • Louis Valtat (Dieppe,  1869 - Paris,  1952) 


    Nació en Normandía y se crió cerca de Versalles.   Decidio hacer una carrera artística y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes en París. Continuó sus estudios en la Academia Juaian con Jules Dupré, que era un paisajista del grupo de Barbizon

    Fue amigo de Albert Andre, Maurice Denis, Pierre Bonnard y de Edouar Vuillard, todos miembros del movimiento Nabis, influenciado por los métodos de Paul Gauguin- utilización de formas simples y colores puros. Valtat no se convirtió en Nabi, pero aprendió mucho y más tarde utilizó  ese estilo.

    Valtar expuso e incluso trabajó con el escultor Aristide Maillol y con Toulouse- Lautrec trabajó en la decoración del teatro de paris L´Ouevre en  1894.  Se vio obligado a trasladarse a la costa mediterranea debido a problemas de salud en otoño e invierno. Alli visitaba a Paul Signac y a Pierre Auguste Renoir
    En su obra emplea fuertes influencias impresionistas aunque se le conoce como miembro de los fauvistas

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  • 06/18/15--11:32: Niels Bjerre
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    Niels Bjerre


    (1864-1942)


     

    De todos los pintores daneses que buscaron motivos en regiones apartadas e inexploradas, fue Niels Bjerre quien alcanzó las zonas más alejadas del medio capitalino, con sus pinturas de pescadores del occidente de Jutlandia. A diferencia de Skagen, no había sido de las favoritas de los copenhaguenses. Bjerre era hijo de un propietario del lugar, en donde dominaba el estricto y casi fanático movimiento religioso de la Misión Interior (Indre Mission). Aunque él mismo no era seguidor de esa línea, se ocupó en plasmar en sus telas escenas de las profundamente creyentes y devotas familias de pescadores. Con pocas excepciones sus cuadros son una prolongación de la tradición del realismo social. Con los años, la pintura paisajista desplazó casi totalmente la pintura figurativa.
    Bjerre se formó en la Academia de Arte de Copenhague de 1881 a 1888, pero nunca se adaptó a la capital. Así, también en este periodo encontró sus motivos pictóricos en la tierra natal. En realidad, Bjerre estaba profundamente comprometido en la ruptura literaria moderna y en su época de estudiante siguió la enseñanza del critico literario Georg Brandes en la Universidad de Copenhague. Después de dejar la Academia, ingresó en la Escuela Libre de Estudios para Artistas, en la escuela de Krøyer, donde tuvo a Laurits Tuxen como maestro. A excepción de una pintura de paisaje que se exhibió en la exposición de la Academia de Arte en 1887, todas sus obras fueron rechazadas por el comité de censura. Siguiendo la invitación de Harald Slott-Møller, se incorporó a la Exposición Libre (Den Frie Udstilling) en 1892, un año después de su fundación.

    Aurora Boreal

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  • 06/18/15--12:42: Sámal Joensen-Mikines
  • landscape with mountain and reflecting water, the faroe islands by samuel joensen-mikinesview from bøur towards tindhólm, the faroe islands by samuel joensen-mikines



    Sámal Joensen-Mikines (Mykines23 de febrero de 1906 — Copenhague21 de septiembre de 1979) fue el primer artista profesional de las Islas Feroe y uno de los más importantes. Frecuentemente es reconocido como el "padre de la pintura feroesa".
    Nació como Samuel Elias Frederik Joensen en Mykines, una isla de difícil acceso localizada en el extremo occidental de las Islas Feroe. Añadió a su apellido el nombre de su tierra natal (una reforma ortográfica posterior cambiaría la forma Mikines por la actual Mykines), mientras que Sámal es la forma feroesa de Samuel. Mikines, como sería conocido, mostró siempre un fuerte apego a la naturaleza de su isla y a sus coterráneos.
    Entre 1928 y 1932 Mikines estudió en la Escuela de Pintura de la Real Academia de Arte de Dinamarca, en Copenhague. Tras terminar sus estudios, regresó a las Islas Feroe, y después alternaría su residencia en Tórshavn, Mykines y Copenhague. Visitaba su isla natal todos los veranos. Fue en las Feroe donde encontró la mayor parte de la inspiración para sus obras, con excepción de algunos paisajes daneses pintados en la década de 1960.
    Su obra muestra un inconfundible tono expresionista nórdico. Entre 1933 y 1940 el sufrimiento humano se convirtió en un tema fundamental. Mikines enfrentó la muerte de una manera muy dolorosa: su padre y tres de sus hermanos fallecieron de tuberculosis, además de que varios jóvenes de la isla —amigos, compañeros y parientes del artista— murieron en naufragios en el mar o debido a otras desgracias. Mikines se dedica a obras monumentales de tono ascético y colores oscuros que representan a dolientes en torno al lecho de muerte o al ataúd de un ser querido, o después del funeral. En esta época también realizó una serie de retratos de gente nativa de Mykines, obras que se cuentan entre su más importante y original legado.
    De Edvard Munch pudo decir:
    Todo el arte, literatura y música, se tiene que producir con la propia sangre del corazón. El arte es esta sangre."
    Un largo viaje en 1937 fue de gran significado en su posterior desarrollo artístico. Este viaje lo llevó a BergenOslo,Estocolmo, Copenhague, La HayaÁmsterdam y París.
    El 1 de agosto de 1940, Mikines se afilió al DNSAP, el principal partido nazi de Dinamarca.
    Después de la Segunda Guerra Mundial, el arte de Mikines se dirigió principalmente a un lenguaje colorista, en detrimento de los contenidos expresionistas. De esta época data una serie de paisajes de las Islas Feroe, especialmente de Mykines.
    De las Islas Feroe llegó a decir:
    Aquí en las islas, los colores se rompen de una manera extraña por la humedad del aire, a menudo en una impresión visual difusa, que yo he experimentado, cuando mar y cielo se funden en tonos rosas y grises con brillos nacarados y cascadas de luz, y a veces en un tremendo drama atmosférico, son lanzados repentinamente e iluminan el mar, los acantilados, los verdes prados y las negras casas de la aldea. En ambos casos es al mismo tiempo una luz fuerte y suave. Es fascinante."
    A mediados de la década de 1950 regresa a los temas de sufrimiento que abordaba en su juventud y produce una serie de obras importantes que representan una síntesis del expresionismo de los años 30 y el colorismo de la posguerra.
    El Museo de Arte de las Islas Feroe, en Tórshavn, alberga una colección representativa de la obra de Mikines. El Departamento de Correos de las Islas Feroe ha emitido sellos postales con varias de sus obras.
    Sámal Joensen-Mikines estuvo casado entre 1944 y 1952 con la artista gráfica feroesa Elinborg Lützen. Se casó de nuevo en 1954, en esta ocasión con la enfermera danesa Karen Nielsen.


    • Wikimedia Foundation


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  • 06/21/15--09:57: August Macke

  • Meschede, 1887-Perthes-les-Hurlus, 1914
    August Macke, uno de los principales componentes del grupo expresionista alemánDer blaue Reiter (El jinete azul), vivió un período especialmente innovador dentro del arte de su país en el que, mientras se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, iban difundiéndose los sucesivos movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa. Como un verdadero contemporáneo de su tiempo, Macke supo integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de la vanguardia
    Vivió. la mayor parte de su vida creativa en Bonn, salvo algunas estancias en el lago Thun, en Suiza, y varios viajes a París, Italia, Holanda y Túnez. En París, adonde viajó por primera vez en 1907, conoció la obra de los impresionistas, y poco después, en Berlín, estuvo unos meses en el estudio de Lovis Corinth. Su estilo artístico se inició dentro del impresionismo y el postimpresionismo francés y atravesó más tarde una fase fauve. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoció aKandinsky y durante un tiempo compartió la estética no-objetiva y las preocupaciones místicas y simbólicas de Der blaue Reiter
    El. encuentro en París con Robert Delaunay, en 1912, fue para Macke una auténtica revelación. El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como orfismo, se impuso en su pintura a partir de entonces. Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una personal interpretación de las Ventanas de Delaunay combinadas con la simultaneidad de imágenes del futurismo italiano. El ambiente exótico de Túnez, adonde viajó en 1914 junto a Paul Klee y Louis Moillet, fue determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida, etapa en la que realizó una serie de obras consideradas como obras maestras del color
    Su. carrera se vio truncada por su prematura muerte en el frente de la I Guerra Mundial, en septiembre de 1914

    Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 06/22/15--11:08: Barnett Newman





  • Barnett Newman, nombre original Baruch Newman (nacido el 29 de enero 1905,Nueva York, NY, Estados Unidos y murió el 3 de julio de 1970 en la ciudad de Nueva York), pintor estadounidense  con gran influencia en los  pintores de la década de 1960.
    Hijo de inmigrantes polacos, Newman estudió en el Art Students League de Nueva York y en el City College de Nueva York, donde se graduó en 1927. Trabajó en el negocio de la ropa de su padre en la década de 1930 y poco a poco comenzó a pintar a tiempo completo. En 1948 fundó, junto con William Baziotes, Robert Motherwell y Mark Rothko, una escuela llamada Subjet of the Artist ,que celebraba sesiones abiertas y conferencias para otros artistas.
    Newman desarrolló un estilo de abstracción mística en la década de 1940 y logró un gran avance con el lienzo "Onement I" (1948), en la que una sola raya naranja divide verticalmente un campo de color rojo oscuro. Este estilo geométrico austero se convirtió en su marca registrada. Su primera exposición individual  se celebró en la ciudad de Nueva York en 1950, despertó  hostilidad e incomprensión, pero a finales de 1950 y de los años 60 su obra había  influido en Ad Reinhardt, Clyfford Still, y en artistas más jóvenes tales como Frank Stella y Larry Poons. Una Serie de Newman de 14 pinturas llamadas "Estaciones de la Cruz",  que se caracteriza por las enormes proporciones de los lienzos y por las líneas de diversos colores que dividen aquéllos, exhibida en el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, en 1966, estableció plenamente su reputación.

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  • 06/23/15--13:15: Walter Greaves
    • 1846–1930

    Walter Greaves pintor y grabador británico, principalmente de escenas ribereñas, paisajes y retratos.  Hijo de un contructor de barcos de Londres y barquero.  A principios de la década de  1860, el y su hermano, conocieron a Whistler, vecino de Chelsea, y comenzaron a llevarlo en bote por el río, que era uno de sus entretenimientos preferidos. Aproximadamente  en 1863 se convirtieron en  discipulos y ayudantes en su estudio. Walter continuó con Whistler hasta la década de 1890. Había pintado antes de conocer al maestro pero su obra temprana fue considerada de estilo casi ingenuo, pero despues de conocerlo, su influencia  se hizo palpable, hasta el punto de causar confusión. Sin embargo, se reconoce una diferencia de perspectiva en las escenas del río.  

    Greaves no alcanzó reconocimiento la mayor parte de su vida, hasta que fueron descubiertas unas pinturas suyas en una librería de Londres en 1910. Fueron expuestas en la galería Goupil de Londres en 1911 y en la Galería Cottier de Nueva York en 1912 y fue elogiado como un genio anónimo. Se armó una gran controversia porque algunos críticos decían que era obras de Whistler retocadas y firmadas por él,  fue defendido por Sickert.  En 1922 fue admitido en un albergue para pobres, donde vivió el resto de su vida


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  • 06/24/15--12:50: Ron Mueck



  • Ron Mueck (1958) es un escultor australiano que actualmente trabaja en el Reino Unido.


    Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.
    En 1996 Mueck cambió hacia el “otro bando” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.
    Las esculturas de Mueck reproducen partes intimas del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.1
    Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.
    Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

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