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  • 11/25/13--13:52: JEAN PUY



  • Nace el 8 de noviembre en 1876 en Roanne (Loira) en una familia de industriales. A los 19 años emprendió la carrera de arquitecturaen la Escuela de Bellas Artes de Lyon, pero al poco tiempo empieza a ejercitarse en la pintura bajo la dirección de Tollet. En 1898 se traslada a París e ingresa en la Academia Julian. Insatisfecho por la enseñanza tradicional, se pasa a la Academia Carrière. Allí conoce a Matisse, Laprade y Derain


    En 1901 debuta en el Salón de los Independientes. En aquel período su arte conecta con el de los fauvistas, con quienes concurre al Salón de Otoño de 1905. Sin embargo, hacia 1908 Puy se distancia del fauvismo. En su obra aparecen nuevos caracteres: formas planas y simplificadas, colorido más intenso. En adelante la pintura de Puy cambia poco. En sus mejores creaciones el pintor manifiesta un sentimiento vivo y espontáneo de la natura. Además de cuadros de caballete, Puy pinta cerámicas y en 1939  ejecuta el panel decorativo Encuentro de Ulises y Nausicaa para el liceo de Lyon

    Desde 1908, Jean Puy alterna exposiciones individuales (Galería Vollard, galería de Eugène Blot, la galería Bernheim-Jeune) y el grupo en todo el mundo (Viena, Berlín, Budapest en 1907, Moscú en 1908, Praga, Budapest, Londres y Düsseldorf en 1910, Nueva York, Chicago, Roma, Boston y Gante en 1913 ...

    En los años de entreguerras, vive y trabaja en París, y también en Gran Bretaña -  pasa los veranos  en la región de Roanne Sur, donde reside su familia. expone  en el Salón de Otoño en el Grand Palais "Treinta años de arte independiente", en el Museo de Artes Decorativas en el Petit Palais "Maestros del arte independiente " y  también en Venecia" Exposición Internacional de Bellas Artes ", Estocolmo, Bristol" Exposición moderna francesa 
    Al declararse la   guerra en 1939 llevó a Jean Puy  a aceptar la invitación de su hermana Madeleine VINDRIER para ir a  Roanne, donde permaneció hasta su muerte, una parte del año trabajando en su estudio (que se convierte en un tema principal de su obra)


    Sigue viajando regularmente a París para visitar a sus amigos, con quien intercambió abundante correspondencia. Expuso en Charpentier, Le Garrec Cordier en la Galerie de France, y el Salón de Otoño. Sus pinturas se presentan en Nueva York, Argel, Minneapolis, San Francisco, Dallas, Berlín, Toronto, Nueva Delhi, Londres y Turín, finalmente (con Marquet), el año antes de su muerte
    el 6 de marzo de 1960,  en Roanne

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  • 11/26/13--12:33: Isaac Israëls


  • Isaac Israelis nació en 1865 en Amsterdam. Hijo de una familia judía se trasladaron a La Haya, donde su padre Jozelf Israels era un pintor respetable.  Siempre había artistas y amantes del arte en su casa, Max Liebermann, por ejemplo, era amigo intimo de su familia.

    Siempre mostró un gran talento para el dibujo desde niño y pronto se estableció como artista en La Haya. Como no quería seguir los pasos de su padre volvió a Amsterdam en  1887donde ese año se matriculó en la Academia de Ámsterdam de Arte para finalizar su formación, pero sólo estuvo el primer año porque consideraba que no había mucho que pudieran enseñarle. Israëls pasaba a menudo los meses de verano con su padre en    Scheveningen, en donde pintaba marinas llenas de color fascinado por la luz cambiante del sol y el mar.  .

      Su deseo era simple, quería desarrolar su propio estilo, tener voz propia. Le gustaba observar, le fascinaba ver el bullicio de las calles de la ciudad, de los cafés, teatros y comercios. Entre 1903 y 1923 Israëls pasó la mayor parte de su vida entre París, Londres, Bali, Surakarta  y Batavia.  Se sabe que estuvo en España pero poco hay recogido en su biografía, aunque hay obras que lo reflejan


    -  En 1923 volvió a la casa de sus padres en La Haya, donde el viejo taller de su padre se convirtió en su nuevo estudio


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  • 11/27/13--10:40: Andreas Achenbach




  • Pintor alemán- 1815-1910
    A los catorce años fue aceptado para estudiar en  la Academia de Arte de Düsseldorf y al año siguiente ya vendió su primer cuadro.  Aunque la mayoría de pintores de la escuela de Dusseldorf se orientaban hacia Italia, Achenbach se aproximaba más hacia los Paísajes del norte para buscar inspiración, que encontró en un viaje que realizó a traves de Los Países Bajos en 1832-33. Jakob Ruisdael le sirvió como modelo en la concepción del paisaje. Sus marinas y paisajes de cielos turbulentos son sus motivos favoritos, los cuales reflejan la influencia de su profesor Johann Wilhelm Schimer

     Falleció en Düsseldorf



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  • 12/01/13--12:17: Fernand Khnopff

  • Bélgica
    Grembergen-lez-Termonde 1858 - Bruselas 1921
    Inició estudios de Derecho en Bruselas pero los abandonó para ingresar en la Academia de Bellas Artes donde tuvo como profesor a X. Mellery. En 1877 se trasladó a París, frecuentando el taller de Lefèvre y la Academia Julian, interesándose por la pintura de Moreau y Delacroix. Su relación con el esteticismo inglés y con el simbolismo belga le llevará a convertirse en uno de los más importantes representantes del simbolismo figurativo en Europa. Sus obras se caracterizan por un gran refinamiento técnico y por el empleo de ambiguas mujeres para quien siempre posaría su hermana.



    Ref- Arte Historia


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  • 12/02/13--11:33: Ubaldo Oppi



  • Ubaldo Oppi nació en Bologna en 1889.  Hijo de un comerciante, pasó su juventud en Vicenza.  Aunque era casi autididacta, pasó dos años en Alemania y Austria (1907-1909) donde estudió con Gustav Klimt al mismo tiempo que estudiaba anatomía.  Despues de pasar un años en Italia, en  1911 se fue a París donde consiguió combinar su experiencia con el Seccionismo con elementos expresivos y fuertes colores.  Estudió la pintura italiana del Tre- y Quattrocento y el período azul de Picasso



    Al final de la primera Guerra Mundial pasó algún tiempo en Austria  y despues de una estancia en París de tres años se estableció en Milan, donde con Achille Funi, Mario Sironi y otros artistas fundaron el grupo NOVECENTO ITALIANO. Aunque se distanció pronto ideologicamente, utilizó la organización del grupo hasta finales de los años veinte para exhibir su obra en Italia y fuera


    Hizo muchos retratos.  En este de 1920 que representa al artista y su mujer da la impresión de una pareja con falta de comunicación- El se muestra como un artista y ella con la sonata de Mozart en su mano, parece como una alegoría de la unión de ambos en el arte


    En los tres  cirujanos de 1926, muestra una gran precisión técnica


    Sus obras posteriores fueron sobre temas religiosos- Entre 1928 y 1932 hizo varios murales con motivos cristianos. Murió en 1942 en Vicenza




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  • 12/03/13--11:16: Cagnaccio di San Pietro




  • Cagnaccio de San Pietro, cuyo verdadero nombre era Natale Bentivoglio Scarpa, nació en Desenzano Sul Garda- Venecia en  1897, muere en 1846.  Muestra desde su infancia una gran inclinación artística. Estudia en  la Academia de Bellas Artes de Venecia.  El futurismo, en principio, lo estimula pero la experiencia de la guerra cambia totalmente su visión del mundo.  En 1919 participa con Fino Rossi, Casorati, Garbari y Semeghini en la exposición de Cá Pesaro en Venecia, mostrando Cromografía musicale y Velocitá di linee-forza di un paesaggio, dos obras futuristas.   En 1920 comienza a firmar con el nombre de Cagnaccio como era conocido en la pequeña isla de San Pietro.  A partir de ese año comienza a presentar su propia originalidad artística, aborda la tradición formal del Quattrocento, prestando atención a la realidad y a la emoción. En 1922 expone en el Biennale de Venecia, en la cual seguirá exponiendo en sucesivas ediciones

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  • 12/03/13--13:45: ARTURO SOUTO
  • ARTURO SOUTO "ARTURO SOUTO FEIJOO" [Pontevedra 1902 - México 1964] 


    El más importante, europeo primero y universal al fin, de los pintores gallegos, nace en Pontevedra, en julio de 1902, hijo del magistrado y pintor Alfredo Souto Cuero, que fue su primer maestro. Los diferentes destinos de su padre le llevan a vivir en Oviedo, Zaragoza, Lugo y A Coruña, hasta que se establece en Sevilla, en 1920. El muchacho quiere ser pintor, pero el padre le inclina por una carrera más positiva, y cursa estudios de Aparejador. Todos los años pasan el verano en Galicia, y los ambientes rurales y marinos influirán decisivamente en la inicial visión plástica de Arturo. De todas maneras, el incipiente artista busca ambientes cerrados para sus espléndidas acuarelas, como son los cafés cantantes e incluso las casas de lenocinio, apasionado por la figura femenina y en concreto por el desnudo. En 1922 se instala en Madrid e ingreso en San Fernando, donde coincide con Dalí y otros artistas de posterior renombre. Aficionado a las tertulias, convive con escritores e intelectuales y traba amistad con Valle Inclán.




     Hace el servicio militar en Vigo y realiza su primera exposición en 1925, año en el que participa en el Manifiesto de Los Ibéricos, con un grupo de inconformistas con el adocenado arte oficial de la España de aquel tiempo, que no quiere saber que existen Picasso, Juan Gris, Julio González, Gargallo y otros avanzados. En el grupo están Alberto Sánchez, Alberti, Manuel Angeles Ortiz, Bores, el vigués José Frau. La exposición de este grupo, en el Palacio del Retiro, constituye un grito y una revolución. La corta pensión paterna la amplía Arturo Souto decorando porcelanas, y consigue dinero para su primer viaje en París, en 1926. El segundo, en 1928, becado por la Diputación de Pontevedra. Se entusiasma con las nuevas corrientes estéticas de la capital francesa. Trabaja intensamente y se interesa por Giorgio de Chirico, cuya influencia acusará. Regresa a España, participa en colectivas importantes y realiza muestras en 1929 y en 1930. Todas las técnicas le son accesibles: pastel, gouauche, acuarela, óleo.


     Un esteticismo dandi y un poco decadentista preside la obra de esta época. Por medio del médico y poeta Luis Pimentel, del grupo "Ronsel", el Círculo de las Artes de Lugo le encarga seis paneles para sus salones. Obras magníficas, donde está ya toda la personalidad del gallego. Viene la república y Souto se identifica con ella, significándose políticamente, al firmar el Manifiesto dirigido a la opinión pública y a los poderes oficiales. Conoce bien a pintores vascos, con alguno de los cuales, como el malogrado Aurelio Arteta, se identifica temática y técnicamente. Se suceden sus exposiciones, en Madrid, Bilbao, A Coruña, Vigo. Su obra salta fronteras y se muestra en Cophenague y Berlín. En 1934 obtiene el premio de Roma, donde permanece hasta 1936, en cuyo mes de julio, encontrándose en Madrid, le sorprende la revuelta militar que deriva en guerra civil. Souto participa activamente en la propaganda republicana con dibujos y carteles. En 1937 asiste al congreso internacional de escritores que se celebra en Valencia y expone en la Internacional de París, en el pabellón diseñado por Sert donde está el Guernica de Picasso, a quien ha conocido un par de años antes. 



    En 1938 expone en Bruselas y es elogiado por el gran pintor James Ensor. Concluye la guerra, con la derrota republicana, y en 1939, desde Valencia, Souto parte para el exilio. Se detiene en La Habana, donde expone, y después va a Nueva York, Los Angeles, Filadelfia. En 1942, por mediación de su amigo el diplomático y poeta Torres Bodet, se traslada a México, donde inmediatamente celebra su primera exposición y lo hará muchas veces, identificándose parcialmente con modos autóctonos que parten de los grandes muralistas. En 1962 cruza el Atlántico, desembarca en Vigo y celebra una exposición en la desaparecida sala Velázquez. La muestra es un fracaso. Sus antiguos amigos apenas le hacen caso. Profundamente defraudado, recoge la obra, reniega de esas amistades y expone en Madrid, Bilbao y Compostela. Permanece en España hasta principios de 1964. En marzo regresa a México. Pintando, lo que le apasionaba y hacía magistralmente, fallece el 3 de julio siguiente. 



    Su obra se ha extendido por el mundo. Figura en Museos de España y de América. El de Vigo adquiere un magnífico lote de casi una veintena de lienzos, para dedicarle una sala monográfica. Con motivo de la Bienal de Pontevedra, de 1984, se celebra una gran exposición antológica de pintor, que se repite en Vigo, en 1988. Souto tiene muy diferentes etapas como pintor. Se inicia en un modernismo decadentista, elegante y mundano. La sucede otra muy francesa, con influencias que van de Bonnard a Toulouse Lautrec. Salta a la italiana, que recuerda a Chirico, y se entusiasma con el arte japonés, del que da una visión muy personal, de colorismo exquisito y exultante. La etapa americana es mucho más neutra de color, de intención racista, hierática, influida por el muralismo indigenista. En medio, siempre, un pintor prodigioso, de mancha nerviosa, barroquizante, muy moderno, capaz de captar los más variados ambientes, desde las fiestas populares al mundo del mar y de la mitología. Sus desnudos femeninos poseen una exquisitez suprema, en un ámbito lúdico e intimista. Si folkloriza, siempre hay gran pintura en los asuntos más tópicos, que recuerdan vagamente a Vázquez Díaz. En definitiva, cien pintores en un artista excepcional, superdotado, el más universal de cuantos haya dado Galicia.

    Ref.- novacaixagalicia

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  • 12/04/13--10:21: Arne Haugen Sørensen

  • Pintor  y creador gráfico. Nacido el 27 de abril de 1932 en Copenhague.  Artista de vanguardia que lleva medio siglo buscando nuevas formas en el arte. Aunque es un artista autodidacta, en los años  50 estudió técnicas gráficas en París, grabado con Stanley William Hayter y Johnny Friedlaender y litografía en el Academia de Bellas Artes.  Ha vivido en París, Mallorca y desde 1981 reside en Andalucía, España

    Sørensen ha decorado con su obra a altares, vidrieras, fuentes de bautizo y púlpitos, a cerca de 30 iglesias en su Dinamarca natal. Y está representado en diversos museos e instituciones públicos por todo el país.

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  • 12/05/13--10:56: Ferdinand Hart Nibbrig





  • Nació en  en 1866 en Amsterdam y murió en  1915 en Laren.

    Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de Amsterdam desde 1883 hasta 1999. Pasó un año en París, donde estudió en la Academia Julian, y despues volvió a Amsterdad. Desde  1894 se estableció en Laren. Fue amigo de Singers y muchas de sus obras están en el Museo Singer de Laren


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  • 12/05/13--12:32: Miguel Carlos Victorica





  • Nace en Buenos Aires el 4 de enero de 1884. Inicia sus estudios artísticos con el pintor romano Ottorino Pugnaloni y en 1901 ingresa a la escuela de la Asociación Estímulo de Bellas Artes, donde tiene por maestros a Angel Della Valle, Eduardo Sívori, Reinaldo Giudici, y Ernesto de la Cárcova.


    En 1911 viaja a París, estudia con Louis-Marie Désiré-Lucas y obtiene una beca del Gobierno para continuar sus estudios en Europa. Recorre España e Italia. Durante su estadía en París desarrolla obras como el retrato del escultor Madariaga, el retrato de su madre y Collar de Venecia. En 1917, realiza las decoraciones del despacho del titular del Ministerio de Obras Públicas de la Nación y, ese mismo año, expone por primera vez en el Salón Nacional y realiza una muestra en el Salón L'éqletique en París.


    Regresa a la Argentina en 1918 y ese mismo año envía suAutorretrato al Salón de Primavera. En 1922, instala su taller en la Vuelta de Rocha y obras de esos primeros años en el barrio de La Boca como El amigo fiel (1922) ya presentan una factura inacabada y alejada de referentes naturalistas. Entre 1923 y 1925 participa en la exposición organizada por la Universidad de La Plata, muestra que viaja a Roma, Londres, París, Viena y Madrid. En 1926 forma parte de la Exposición Argentina en Bolivia. También obtiene el Tercer Premio Municipal y el Premio al Mejor Conjunto. En 1929 participa del Nuevo Salón y en 1930 integra el Salón de Pintores y Escultores Modernos, ambos realizados en la Asociación Amigos del Arte de Buenos Aires. En 1931 presenta allí también, su primera exposición individual, todos proyectos impulsados y organizados por Alfredo Guttero
     
    En 1935 expone en Pittsburg, Estados Unidos. En 1938 obtiene el Premio Estímulo y en 1941 el Gran Premio, ambos del Salón Nacional. Inmediatamente sale a recorrer el interior del país, Chile, Bolivia y Perú. En 1946 expone en los Salones Oficiales de Rosario, Santa Fe, Córdoba, Paraná y La Plata. En 1949 expone en el Museo de Bellas Artes de La Boca; en el Municipal de Artes Plásticas “Eduardo Sívori” de Buenos Aires; en el Provincial de Bellas Artes de La Plata, Paraná y Santa Fe y en el Museo Municipal de Bellas Artes de Rosario. En 1950, expone en el Museo Nacional de Bellas Artes y en la Galería Bonino.


    Victorica fallece en Buenos Aires el 9 de Febrero de 1955.
    Obras de su autoría integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes, el de Bellas Artes “Benito Quinquela Martín” de La Boca; el Museo Municipal de Artes Plásticas “Eduardo Sívori” y los museos provinciales de Buenos Aires, Santa Fe y Paraná y el Museo “Juan B. Castagnino” de Rosa
    información-  buenosaires.gob.ar/areas/cultura/arteargentino/

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  • 12/06/13--13:50: Warren Brandt


  • Warren Brandt pintor ligado al expresionismo abstracto, en principio, para pasar a un realismo con claras referencias a  los impresionistas franceses.  Nació en Greensboro y se traslado a Nueva York al acabar sus estudios secundarios.  Estudió con Yasno Kuniyoshi en Art Students League y, despues de trabajar con retratista en el ejercito durante la Segunda Guerra Mundial, continuó su formación con G. I. Bill.  Despues estudió con Philip Guston y Max Beckmann en Washington University en St. Louis.  Viajó por Europa durante la década de  1950. Al volver fue profesor en Mississippi.

    En 1960. despues de divorciarse, se caso con Grace Borgnicht, artista y marchante de arte. Se trasladaron a Nueva York y su arte dio un cambio radical, adquiriendo muchas referencias de Matisse, principalmente en sus desnudos y en las escenas de su estudio. Falleció en  2002


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  • 12/07/13--03:13: MANUEL QUINTANA MARTELO


  • Santiago de Compostela (1949)

    Antes de formarse como pintor, Quintana Martelo comenzó los estudios de Ingeniería Técnica Eléctrica en Vigo. A principios de los sesenta decidió trasladarse a Barcelona para estudiar la especialidad de pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jordi. Una vez terminada la carrera, completó su aprendizaje mediante los cursos de Pintura Mural Contemporánea en Sant Cugat del Vallés, Grabado Calcográfico en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, y Estudios de Cinematografía en el CEI de esta misma ciudad. Gracias a una beca de la Dotación de Arte Castellblanch, se trasladó a Londres, donde permaneció una larga temporada. 


    Sus primeras exposiciones individuales datan de los años 70. En esta década realizó varias propuestas de carácter conceptual sobre el lenguaje, el cuerpo o la identidad. En los 80' se incorporó al movimiento Atlántica. En estos años alternó la figuración de corte expresionista, con dominio del dibujo y el color, con la abstracción. Una vez desaparecida Atlántica, Quintana Martelo dió un nuevo cambio a su obra, encaminándose hacia una estética próxima al pop, que derivó en realismo en la década de los 90'. En sus retratos y naturalezas muertas, mezcla imaginación y sensibilidad, buscando el equilibrio de las composiciones, mediante el estudio de la profundidad y la luz. 


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  • 12/08/13--11:13: Ken Howard

  • 1832
    Pintor de paisajes, marinas e interiores.  Estudió en Kilburn Grammar School y despues  en Hornsey College of Art.  Al acabar el servicio militar volvió a estudiar en Royal College of Art consiguiendo una beca para irse a Florencia en 1958.

    Su primera exposición individual fue en 1955 en Plymouth Art Centre y desde entonces ha expuesto sus obras regularmente, tanto en el Reino Unido como en el extranjero, principalmente en the New Grafton Gallery en Londres, donde le hicieron una gran exposición retrospectiva en  1972.   Se ha convertido en uno de los artistas más populares en Inglaterra. Es Presidente del New English Art Club miembro de la Royal Academy.



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  • 12/09/13--10:55: Manuel Humbert i Esteve


  • Manuel Humbert i Esteve (Barcelona, 1890 - ídem, 1975) fue un pintor y dibujante español.
    Se formó en la Escuela de la Llotja y con Francesc d'Assís Galí. Se dio a conocer como dibujante en el semanario satírico Papitu, con el seudónimo Isaac, y colaboró con la revista Picarol.
    En 1915 hizo su primera exposición en las Galeries Laietanes. Entre 1909 y 1939 vivió entre Barcelona y París, donde hizo amistad con Picasso, Modigliani, Chaïm Soutine y Moïse Kisling.
    Miembro fundador de la agrupación Les Arts i els Artistes, en 1929 colaboró en la decoración del Palacio Nacional de Montjuïc (actual MNAC).


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  • 12/09/13--12:20: Arthur Hughes
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    Nació en Londres en 1832 y murió en la misma ciudad en 1915. Pintor e ilustrador inglés asociado a la Hermandad Prerrafaelita. Estudió en Archbishop Tenison´s Grammar School y posteriormente en la escuela de diseño Somerset House en Londres.  En 1847 le concedieron una beca de la Royal Academy School y expuso en la Academia dos años despues. Aunque era simpatizante de la Hermandad Prefarraelita e intimaba con el grupo, nunca fue miembro del mismo. Se influenció por los prefarraelitas en 1850 despues de leer la revista The Germ (de corta vida), y ese mismo año conoció a William Holman Hunt, a Rossetti y a Ford Madox Brown. Expuso con el grupo en 1852 y conoció a Millais. Durante esa década realizó sus mejores obras prerrafaelitas.  Desde 1852 hasta 1858 compartió estudio con el escultor Alexander Munro. En 1855 se casó y empezó una exitosa carrera como ilustrador. A partir de esa fecha, durante dos décadas, se dedicó casi por completo a la ilustración. En 1862 viajó a Italia. Su ultima exposición fue en la Royal Academy en  1908.




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  • 12/12/13--10:43: Marcelo Fuentes





  • Frente a la irrupción imperiosa de las imágenes (fotográficas, videográficas, en movimiento…), que se han adueñado de nuestra vida, resulta tranquilizador, extraordinariamente reconfortante, el encuentro con la pintura de Marcelo Fuentes: pintura pura y de soledades, practicada calladamente sobre vistas de Valencia, de Madrid y de Nueva York. Son óleos y acuarelas -junto con una serie sorprendente de dibujos a lápiz-, todos de formato pequeño, que testifican que Marcelo Fuentes tiene el don extraordinario de contemplar el mundo desde las luces altas del ático en que él vive en el ensanche valenciano. Vistos desde allí, los más audaces perfiles arquitectónicos de todas las metrópolis atemperan su escala, y los volúmenes pesados de las construcciones e ingenierías más potentes se desentienden de los detalles y se hacen porosos, edificios y puentes prácticamente humanos, que respiran en una atmósfera de humedad y de difumino, mientras caen desde ellos las sombras, contrastantes, que reafirman las estructuras, y que crecen con el ritmo encalmado del atardecer. Se trata de que Marcelo tiene -o ha adoptado- una posición que le permite referirse a las cosas de una manera esencial, pero también desde el sentimiento y la emoción; inclusive desde el sueño. ¡El sueño! No en vano queda en estas obras todavía el resto de un perfume de las visiones urbanas de Hopper, de los paisajes de Morandi, de la poética singularmente moderna de José Balaguer, de Valori Plastici que pudo analizar en directo durante su etapa de residente en la Academia de España en Roma, y también de los nocturnos ciudadanos de su colega Manuel Sáez, y de esas zonas fronterizas en que lo urbano se funde con lo suburbano y con lo rural, que cultiva Pedro Esteban, asimismo compañero de Fuentes.
    Claro que la pintura de Marcelo Fuentes es “otra cosa”, y sólo suya, como obra de un autodidacta contrastado (por dos veces lo rechazaron al intentar ingresar en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos), aunque eso sí, localizado entre los neofigurativos valencianos. Y ésta es una pintura ensimismada, de imágenes extraordinariamente condensadas, de visiones urbanas inéditas, pero inconfundibles, que se resuelven en un colorido de tono bajo y de riqueza exquisita, bien matizada (ocres, grises, rosas, algún azul…), un arte que es “la pintura de siempre” y que tiende cada vez más hacia la contención, hacia sí misma, hacia la síntesis apurada, hacia lo pequeño, contra toda retórica. Marcelo dice, divertido, que “si yo me dejara llevar…, llegaríamos a lo insignificante”. 
    Se trata, en consecuencia, de un arte efectivo y que hace adictos, seguramente porque el espectador encuentra aquí el tan traído y llevado, y tan escasas veces logrado, “placer de la pintura”, un placer que transfigura al contemplador en amateur -en el sentido noble y etimológico del término; o sea, en “amador”-, figura cada vez más rara en los circuitos del mercado. Unamateur, que acaba entrando en estos cuadros y que, simultáneamente, introduce en ellos -en sus desérticos e imprevistos panoramas- un sentimiento humano que estas figuraciones no tienen de por sí: el de la nostalgia o recuerdo de una dicha perdida, el silencio.

    El Cultural



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  • 12/13/13--10:02: Josep Porta Missé




  • Josep Porta Missé (Barcelona, 1927) es un artista hecho a sí mismo, que inició su andadura por el mundo artístico a muy temprana edad, influenciado por su padre Jose Porta Galobart, dibujante de quien heredó sus habilidades básicas.
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    Dotado de una innata capacidad autodidacta que pocos poseen, Porta Missé, rápidamente fue incorporando elementos propios con apoyos surrealistas, que con el paso del tiempo le han llevado a desarrollar su propia iconografía y a consolidar su propio lenguaje pictórico.
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    Avalado por una carrera artística impresionante tras vivir en diferentes capitales europeas y exponer en importantes galerías de Gran Bretaña, Alemania, España, etc..., vuelve a su cuidad natal, Barcelona, donde establece su residencia y estudio, reafirmando su singular visión del acto creativo pictórico.
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    Se trata de una artista con unos conceptos artísticos únicos, al que gusta destruir la excesiva formalidad, rehuyendo el uso de perspectivas. El eje principal de sus creaciones son los personajes que las integran. Todos sus extraños seres flotan en una cosmicidad creada por su genialidad, ofreciendo un contexto de interacción y diálogo entre ellos. Su obra se nos presenta con una fuerte carga de lirismo, pero no exenta de contundencia expresiva, donde conviven lo geométrico y lo orgánico.


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  • 12/13/13--11:54: Gilberto Bellini


  • Gilberto Bellini (1908-1935)

    Pintor nacido en Montevideo el 18 de junio de 1908. Inicio sus estudios a los 10 años en el Circulo de Bellas Artes , bajo la dirección de Domingo Bazzurro. Obtuvo por concurso la beca de pintura del Ministerio de Instrucción Publica y se traslado a París en 1926, continuando sus estudios en el estudio de André Lothe. Se relaciono con los grandes artistas de le época como Picasso, Modigliani, Matisse, J. Torres García, ente otros. De regreso a Montevideo se dedico a la enseñanza. Su primera exposición individual la realizo en el Ateneo de Montevideo en 1924. Luego de su viaje a Europa, exhibió sus obras en la Galería Moretti, Catelli y Mazzuchelli. En Europa expuso en el salón de los independientes (1929 y 1930), intervino en la primera exposición del Grupo Latinoamericano en la Galeria Zak en 1930, junto a los pintores uruguayos Pedro Figari, Carlos Albertos Castellanos y Joaquin Torres García. (Este ultimo escribió el prologo del catálogo de la exposición retrosectiva de su obra, que tuvo lugar en Amigos del Arte después de su muerte). Se encuentra representado en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Juan Manuel Blanes y en varias colecciones particulares. Fallece el 22 de agosto de 1935 con apenas cumplidos los 27 años. 




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  • 12/15/13--11:30: Jonathan Lasker
  • La obra de Jonathan Lasker (Jersey City, EE.UU., 1948) 
    Durante los años setenta las pinturas de Lasker aludía a elementos que el artista encontraba a su alrededor: camas, mesas, televisores y otros objetos que mantenían un diálogo con las aportaciones del Pop Art a la escena artística. Artistas como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, James Rosenquist o Roy Lichtenstein formaban parte de su horizonte y en gran medida, seguirán estando presentes en el resto de su producción hasta el presente. No obstante, desde la década de los ochenta, Lasker comienza a desarrollar un conjunto de marcas y gestos personales alejados de un referente claro. Lejos de lo narrativo, el norteamericano crea un lenguaje propio y sistematiza una metodología conceptual en base a estudios preliminares. Estos son un paso intermedio en la realización de sus cuadros y facilitan que la espontaneidad del subconsciente -la misma que ponían en juego los pintores surrealistas y los expresionistas abstractos- no se vea inhibida.
    Los estudios de Lasker son obras pequeñas y articuladas en las que el artista ensaya una idea determinada. Una vez fijada la idea, en uno o varios papeles previos, pasa a ejecutarla a gran escala. En el proceso pueden cambiar las relaciones entre los elementos pictóricos, el tamaño o la situación espacial de algunos de ellos pero la idea inicial persevera. El artista se permite añadir pero no sustraer. De esta manera, la obra final es una versión de los estudios realizados con anterioridad donde Lasker ha puesto en juego su capacidad intuitiva hasta llegar a las formas finales. El artista quiere superar la aleatoriedad del expresionismo abstracto, corriente que considera agotada.
     Para Lasker existen tres ejes sobre los que su producción se desarrolla: figura, fondo y línea. Estos son los tres elementos que el pintor utiliza en su proceso de deconstrucción de las tradiciones y lenguajes pictóricos.
    Los trazos más geométricos, directas reminiscencias de las retículas de Piet Mondrian, cohabitan en sus lienzos junto a las pinceladas gestuales. Son habituales los fondos monocromos, los garabatos y las marcas. Las tramas compactas y superpuestas al fondo son a menudo puestas en diálogo con una capa superior de espesa pintura. El recorrido por la obra de Lasker a través de esta exposición retrospectiva permite comprender el funcionamiento de las estructuras y la organización de las familias de formas que se desenvuelven a lo largo de su producción. Tanto la sistemática metodología como la revisión de los fundamentos del expresionismo abstracto hacen de Lasker uno de los pintores de referencia a la hora de tratar la abstracción conceptual

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  • 12/16/13--13:18: Amédée Ozenfant



  •  Francia
    Saint-Quentin 1886 - Cannes 1966 
    Tras el conflicto internacional de 1914 y cansados de la actividad de las vanguardias, el arte europeo busca nuevos caminos. Uno de ellos se produce de 1918 a 1923 y está protagonizado por Amédée Ozenfant. En ese momento se crearon las bases para una revisión del cubismo. Uno de los escritos más importantes para ello fue el libro de Ozenfant y Jeanneret "Después del cubismo" (1918) que dio lugar a una tendencia basada en el rigor máximo o la precisión, en una palabra, la pureza. Sin embargo unos años antes, Ozenfant había fundado la revista francesa "L'Élain" que le había servido de plataforma para la difusión de sus teorías.Ozenfant, que había mantenido contacto con otros pintores, sobre todo, Segonzac y La Fresnaye, había buscado la verdad en el paisaje y luego se había aproximado a un cierto surrealismo antes de adentrarse en el purismo de 1918 a 1925. Así nacía el movimiento purista, cuyo órgano difusor fue la revista "L' Esprit Nouveau" (1920-1925). Ozenfant y Jeanneret proponen un nuevo orden cuya esencia se encuentra en la arquitectura clásica. Frente a la pintura naturalista e impresionista, el Purismo tiende a la esencia de lo real basado en relaciones proporcionales, numéricas y geométricas como Naturaleza muerta (1920) en el Museo Salomon Guggenheim de Nueva York. Así se llegaba a un geometrismo que simplificaba el cubismo.Ozenfant fue uno de los más activos divulgadores del arte moderno aunque sin quererlo el purismo se fue definiendo hacia un estilo decorativo. Al respecto, su amigo Le Corbusier afirmará: "una jerarquía en las artes; el arte decorativo está en la base, la figura humana está en la cumbre".En 1938 marcha a Estados Unidos, donde se dedicó a la difusión de las corrientes que formaban el discurso del arte europeo del periodo de entreguerras.

    Ref- Arte Historia

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