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  • 12/17/13--11:11: Henri-Jean Guillaume Martin









  • Henri-Jean Guillaume Martin  1860 - 1943- fue un pintor impresionista francés.

    Nació en Tolouse, hijo de un ebanista francés  y una madre de ascendencia italiana.  Convenció a su padre para que le permitiera ser artista. Empezó su carrera en  1877 en la Escuela de Bellas Artes de Tolouse bajo la tutela de Jules Garipuy, tambien fue alumno de Henry- Eugéne Delacroix.  En 1879 se fue a París y con la ayuda de una beca, pudo estudiar en el estudio de Jean- Paul Laurens.  Cuatro años más tarde recibió su primera medalla en el Salon de París, donde expondría por primera vez tres años más tarde.

    Al año siguiente de recibir  su primera medalla le concedieron una beca para ir a Italia, donde estudió la obra de los grandes maestros como Giotto  y Masaccio.  En 1889 recibio una medalla de oro en el Salon, con una obra que  el describió como puntillista.  Ese mismo año se convirtió en miembro de la Legion de Honor. En la Feria Mundial de 1900, fue galardonado con el primer premio. Durante esta época se hizo amigo de Auguste Rodin.

    Aunque la obra neoimpresionista de Martin no es considerada como innovadora, fue muy bien recibida, pero tambien se le asocia como simbolista con refierencias a Puvis de Chavannes.


    Debido a su carácter introvertido decidio abandonar París. Despues de una década buscando su casa ideal, compró Marquayrol, una mansión en Bastide du Vert, cerca de Cahors. Alli, en un ambiente tranquilo, realizó su mejor obra, y alli murió en  1943


    Ref. Wikipedia


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  • 12/18/13--10:40: FRANCISCO LEIRO
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    Francisco Leiro

    (Cambados, Pontevedra, 1957)

    Comenzó su formación en el manejo de la piedra en la Escuela de Artes y Oficios de Santiago de Compostela. Posteriormente, viajó a Madrid, donde asistió a clases de Modelado y Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Su primera exposición se celebró en 1975 en la Sociedad Cultural de Cambados, su ciudad natal.
     
    A finales de los años ochenta fijó su residencia en Nueva York y en 1990, presentó su obra en la Galería Marlborough.
     
    Su estilo ha desfilado por diferentes etapas pero nunca ha abandonado su figuración expresionista. Sus principales referencias temáticas son la escultura gallega, el hieratismo egipcio y mesopotámico, las formas manieristas y barrocas y el expresionismo alemán. Utiliza todo tipo de materiales: hormigón, piedra, poliéster, vinilo, pero sobre todo madera, aprovechando sus peculiaridades cromáticas.






     Francisco Leiro grew up in the northern region of Spain, an area steeped in centuries of religious traditions and history. He now lives and works in New York and continues to spend part of the year in his native country in Pontevedra. Well known and respected for his sculptures carved in wood and stone, Leiro has received numerous public commissions. His works are also in museum collections in Spain, Portugal, Japan, the Netherlands, and in the United States; and have been exhibited in solo and group shows at venues throughout the Iberian Peninsula, in France, Italy, Germany, Japan, Australia, countries in South America, and a number of times at Marlborough Gallery in New York City.

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  • 12/18/13--14:15: Gerardo Rueda


  • Y ahora vamos con el artista de la polémica actual... y el que el arte y la política forman un mal matrimonio.  El asunto es

    Aznar medió con Blesa para que el banco
    comprara la colección del artista Rueda

     

    El expresidente José María Aznar envió el 18 de septiembre de 2008 un correo electrónico a su amigo Miguel Blesa, al que había colocado algunos años antes al frente de Caja Madrid, en el que le contaba que José Luis Rueda, heredero del pintor y escultor Gerardo Rueda, ofrecía a la entidad financiera una parte de su colección de arte y otra parte en préstamo a cambio de 54 millones de euros. Rueda, fallecido en 1996, es considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX.
    A partir de ese correo electrónico de Aznar, Blesa se afanó por hacer la operación a través de la Fundación Caja Madrid, pese a que la entidadfinanciera ya daba signos de grave debilidad.
    El director de la Fundación Caja Madrid, Rafael Spottorno, hoy jefe de la Casa del Rey, no solo puso reparos a la valoración de la colección — “es un precio disparatado”—, sino que desaconsejó cerrar la operación por “inabordable”.


     Pero dejándo aparte política y politicos, vamos a ver un poco de la obra de este pintor y escultor- UN GRAN ARTISTA- 

    Dice EL PAIS, - el mismo periódico que da la noticia anterior-
    Durante toda su vida, Gerardo Rueda (Madrid, 1926-1996) estuvo demasiado ocupado como para pensar en su carrera, aunque su obra fue coleccionada por museos e importantes coleccionistas particulares y él fue elegido, entre otros, para representar a España en exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia de 1960 y la panorámica del arte español contemporáneo titulada Antes de Picasso, después de Miró en el Guggenheim de Nueva York. Sin embargo, ahora, cuando se cumplen 10 años de su muerte, se le está reconociendo por fin, merecidamente, como uno de los miembros más originales e importantes de la vanguardia española de posguerra.
    Pintor, escultor y maestro del collage, Rueda no había alcanzado la fama y el reconocimiento que ahora se le tributan en todo el mundo. Lejos de ser un seguidor de Andy Warhol en cuanto a la fama, era lo contrario de él. Si Warhol quería convertir el museo en un supermercado, Rueda tenía la capacidad de elevar los objetos más humildes a la condición de icono hasta que adquirían una elegancia poco común, transformando humildes cajetillas de cigarrillos y cajas de cerillas en idealizadas y armoniosas ordenaciones de formas rectangulares.

    Al igual que los americanos Rauschenberg y Johns, Rueda introdujo en su arte elementos autobiográficos, como fotografías, invitaciones y recuerdos personales, pero los despojó de todo carácterespecífico, convirtiéndolos en elementos de composiciones puramente formales. Aunque había empezado como pintor figurativo, muy pronto creó un estilo abstracto que llevó a sus primeras abstracciones cubistas de edificios a constituir un arte no objetivo, basado en la organización intelectual de formas geométricas y no en la observación de la naturaleza.
    La situación del arte abstracto en España en la década de los sesenta era particularmente difícil, ya que, si bien la abstracción no estaba proscrita ni censurada bajo la dictadura, tampoco se alentaba. Para remediar esta situación, Gerardo Rueda, Fernando Zóbel y Gustavo Torner fundan en 1966 el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, ciudad donde también otros artistas -Mompó, Sempere, Guerrero y Millares- tenían casas y estudios; entre todos ellos hubo una gran amistad. Muy pronto, el museo se convirtió en imán para los amantes del arte del mundo entero. Durante una visita a la nueva institución, Alfred J. Barr, el legendario fundador del Museum of Modern Art de Nueva York, hizo alusión a la calidad del gran díptico monocromo blanco de Rueda Gran pintura blanca, de 1966, una de las obras maestras del museo. Compartía esta opinión Margérie, que fue director general de Museos en Francia y embajador en España, y que llegó a decir que había que poner una banqueta delante del cuadro para meditar, pues aquel ámbito semejaba una capilla blanca. Hoy día, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, que ha acogido recientemente una exposición de pinturas, dibujos y collages de tema arquitectónico, tiene en sus fondos 28 obras de Rueda.
    Cuenca siempre recordará a Rueda porque también diseñó las nuevas vidrieras de la nave central de la catedral gótica de la ciudad. Este verano, los bellos y luminosos dibujos geométricos para los vitrales concebidos originariamente por él serán expuestos en la catedral de Burgos, que está realizando una serie de vidrieras sobre los proyectos originales del artista.

    Rueda fue uno de los fundadores de la Asociación de Amigos del Museo del Prado en 1980. Su amor por la arquitectura y el montaje de exposiciones era muy apreciado entre los coleccionistas y conservadores de museos, y se le encargó la instalación de importantes colecciones en el Museo del Prado, entre ellas la exposición Goya en las colecciones madrileñas.
    Era también un exquisito coleccionista de objetos de las numerosas culturas cuyos países visitaba y del arte de sus amigos; reunía piezas de cerámica, cristal antiguo de La Granja, alfombras y sobre todos marcos históricos, en los cuales era muy entendido. Convirtió sus casas de Madrid y Cuenca en meta de peregrinación de numerosos patronos de museos que acudían a visitar estas singulares colecciones, como los de la National Gallery de Washington, el MOMA de San Francisco, Los Angeles County Museum, Corcoran Gallery de Washington, Dallas Museum of Art, el MoMA de Nueva York…
    A la calidad humana de Gerardo Rueda se sumó, de este modo, la pasión por el arte para procurarle un extenso y variado círculo de amigos, entre los cuales estaban artistas como Fernando Zóbel, Carmen Laffón, Gustavo Torner y Ossorio, quien reunió una impresionante colección de arte abstracto americano (Kooning, Rothko, Pollock…) y del propio Rueda.
    Le encantaba viajar y tenía una inmensa curiosidad por otras civilizaciones y por las culturas exóticas. Visitó los grandes monumentos de Europa, Oriente Próximo y Asia, y después los principales museos del Nuevo Mundo, donde emigraron muchos de sus tesoros. Amaba en particular Italia, el Renacimiento y las villas clásicas de Paladio, que fotografió en detalle y que inspiran diversos elementos arquitectónicos de sus montajes y esculturas.


    En 1992, Rueda ganó el concurso restringido para la realización de las puertas del pabellón español que formaría parte de la Expo 92. Este encargo le dio la oportunidad de crear una gran obra pública en forma de unas enormes puertas de bronce fundido con un dibujo geométrico relacionado con sus pinturas en relieve. Posteriormente trabajó con la fundición Capa de Arganda del Rey -a las afueras de Madrid-, una empresa familiar dirigida por el patriarcal Eduardo Capa, amigo de Rueda. Alentado por aquella atmósfera experimental continuó su trayectoria como escultor, haciendo maquetas de madera destinadas a ser ejecutadas como obras de carácter público a gran escala. En su mayor parte debían ser realizadas para un futuro parque-museo de esculturas. Empezó a rebuscar en depósitos de chatarra y a recoger diferentes clases de desechos de metal que Fernando Capa le ayudó a soldar para componer un relieve monumental. Capa recuerda la excitación de Rueda durante aquellas expediciones y su intención de seguir haciendo montajes escultóricos
    Fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1995, pero, lamentablemente, no vivió lo suficiente para pronunciar su discurso de entrada oficial sobre El arte y la cultura de las referencias.

    Tal vez Rueda quiso captar el espíritu de la contemplación y de la meditación que hallaba en los jardines zen de Japón que visitó con Fernando Zóbel en los comienzos de su carrera. La producción de Gerardo Rueda no revela más de su vida cotidiana de lo que podemos saber acerca de Piero della Francesca o de Paolo Uccello, dos de sus maestros antiguos favoritos, a través de sus respectivas obras. Como ellos, Rueda deseaba trascender lo efímero, lo anecdótico y lo individual para crear un arte de sosiego espiritual que nos ofrece un oasis de paz y estabilidad en un mundo agitado e imprevisible.

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  • 12/19/13--13:01: ANTONIO SAURA




  • Antonio Saura (Huesca, 1930-Cuenca, 1998) forma parte de la historia del arte de la segunda mitad del siglo pasado por muchas cosas. Fundador del grupo El Paso (junto a Rafael Canogar, Manolo Millares o Martín Chirino entre otros), Saura se inició en el Surrealismo pero hizo suya la abstracción expresiva y de manera especial su vertiente manchista. Los brochazos negros y grises sobre blanco le venían muy bien para volcar su amargura y su rotundo descontento político y social. Sus disecciones de desnudos, autorretratos, crucifixiones, curas, multitudes o sus reinterpretaciones de obras maestras de sus admirados Goya o Velázquez, protagonizan la mayor parte de una extensa obra representada en los grandes museos europeos de arte contemporáneo.

    El País

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  • 01/03/14--12:09: Fred Price
  • Picture of Fred Price


    Nací y me crie´en Youngstown, Ohio, entre molinos de acero y tierras de cultivo. Todo el mundo trabajaba en los molinos y el abuelo Nemeth tambien tenía una granja.  Trabajaba en los molinos por la noche y en la granja durante el día.

    Acabé mis estudios secundarios en  1955 e ingresé en el ejército ese mismo año, aunque era un humilde soldado me licencié honorablemente en  1958. Cuando estaba en el ejército me enviaron a Alemania y  me convertí en un fan del Jazz y debido a eso quería ir  a Nueva York. Estaba en Youngstown cuando Lester Young murió en  1959 y estaba en Nueva York cuando Billie Holiday murió en 1959- Trabajé brevemente en los molinos para conseguir dinero para irme a Nueva York

    Todo lo que sabía cuando llegué a Nueva York era:  1.- Yo no quería estar en el ejército, y  2- No quería trabajar en los molinos.

    Un trabajo en una oficina me parecía el paraíso

    Era la época de los beatniks, y yo tenía una habitación en la calle East 6th entre C y D. Mas adelante conocida como la ciudad del alfabeto. Mis vecinos eran poetas, musicos de jazz, de molesta musica folk y artistas de arte basura.

    Yo estaba en el importante Cafe East que se hizo famoso por los titulares en el Daily News cuando Ronnie "Mau Mau" Jackson fue arrestado por tenencia de marihuana y con una copia de  "On the Road" de Jack KIerouac  en el bolsillo trasero

    Un colega, que conocí por casualidad, Michael Chassid, un fotografo, me preguntó en que trabajaba. Le dije que era un lacayo de Wall Street. Me preguntó si me gustaba mi trabajo y le conteste que lo odiaba. Me ofreció trabajar en fotografía. Aunque mi hermano y yo teníamos un cuarto oscuro en lo que había sido la carbonera le dije que no tenía ni idea de fotografía. Revelador, breve parada y fijador era todo lo que yo sabía. Me dijo que era suficiente, habia un tipo en su edificio que era fotografo comercial y tenía un ayudante tan tonto que Michael dijo que podría conseguir cualquiera de la calle que sería mejor. E.B. White dijo "no vayas a Nueva York a menos que no estés dispuesto a tener suerte". Yo nunca había oido hablar de White y lo averigué años despues.

    Conocí a Dave Sussman y me contrató. Estuve con el siete años. Dave era  y es un excelente fotógrafo- Me enseñó todo sobre técnica y un poco sobre  el tema artístico.  No conocía a mucha gente en Nueva York, así que entre las cosas que podía hacer era asistir a clases nocturnas. Stuyvesant High School. Washington Irving High School, Cooper Union, the New School. Todas  a corta distancia caminando desde el trabajo y el apartamento.

    Tambien fui a clases de saxofón con el gran Lee Konitz  y asistí a Michael Carver School of Art.  Fui a muchos clubs de Jazz y pertenecí al Marshall Chess club

    Me casé- Juntos fotografiamos e imprimimos, nos convertimos en trotamundos, dimos la vuelta al mundo, como viajeros con bajo presupuesto- Trabajos de panaderos, agricultores y encargados de posadas.

    Despues del viaje abandonamos Manhattan y nos trasladamos a Sullivan County Catskills. Nos convertimos en avicultores y abrimos un Bed and Breakfast donde yo tenía una galería.  Yo estaba en la radio local donde hacía  a veces de entrevistador y otras era disc jockey de jazz


    Nuestro Bed and Breakfast fue llamado el Molino de Arte, un viejo molino convertido en casa y tienda. La galería tenía el mismo nombre y en la última exposicion, antes de que se inundara, estaba Caron Smith y el hijo menor de Ralston Crawfor, muy buen escultor

    John y yo hemos sido amigos desde que el tenía 13 o 14 años. Soy amigo de Neelon y de Bob tambien, pero mas de Peggy  Ella ha dicho que nadie sabe mas de la obra de Ralston que yo. Despues de las inundaciones, ahora estamos en la región de Finger Lakes en Nueva York y ya no tenemos Bed and Breakfast ni galería... y tampoco radio

    He realizado exposiciones desde 1972 hasta ahora, a veces en galerías de Nueva York y otras donde vivo.

    Hago fotografía analógica y alguna digital

    Información -pagina del artista


    Fred Price
    i worked for ralston for several years as his darkroom man. i have a website where i talk of him, http://fredpricephotography.com/ you might find it of interest, i am also on Facebook.









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  • 01/05/14--15:50: Erik Schmidt

  • Nació en Herford, Alemania. Actualmente vive en Berlin. Es un artista multifacético. Trabaja en cine, fotografía y pintura.  Dedica la mayoría de su creación a la exploración de diversas culturas, su ambiente y rituales sociales.  Su obra HUNTING GROUNDS está inspirada en las tradiciones aristocráticas alemanas de la caza como una actividad de prestigio. Es su obra hace un estudio social y de las vidas interiores de las personas.  En sus películas y pinturas se revela como un narrador de historias, con una narrativa calmada, intentando capturar pequeños gestos, miradas... Su trabajo abarca desde descripciones de emigrantes trabajando la tierra a destallados estudios de olivares, plantas, etc, pero siempre con su propio estilo de formas y colores con grandes zonas en blanco. Muestra una gran sensibilidad impresionista que no se encuentra a menudo en la pintura contemporanea
     
    ves Vitasse Thank for your help

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  • 01/06/14--13:51: CARL MOLL





  • Carl Julius Rudolf Moll (1861 –  1945)
    Carl Moll es visto como una figura clave de la pintura vienesa de principios del siglo XX .   Además de sus logros como pintor , fue también un defensor del arte moderno con una  mente abierta a los nuevos cambios.
    A partir de 1880 , estudió en la Academia de Viena- Discipulo de  Emil Jakob Schindler se convirtió en su mejor amigo, casándose con su viuda después de su muerte , convirtiéndose asi en padrastro de Alma Mahler.
    Estuvo en el comité de la  Viena Künstlerhaus  en 1894. Insatisfecho con enfoque artístico de esta, fundó la Secesión de Viena en 1897 con Gustav Klimt, Wilhelm Bernatzik , Josef Engelhart , Kolo Moser y otros, siendo    su presidente en 1900-1901 .  En 1900 , participó en la Exposición Universal de París. De 1904 a 1912, se hizo cargo de la gestión de la Galería Miethke , organizando exposiciones de Monet , Manet , Van Gogh , Gauguin, Daumier y otros. Después de los llamados ocho años de oro , Moll y el grupo de Klimt dejaron la secesión de Viena en 1905 y ayudó a organizar el legendario Kunstschau , en 1908 y 1909.
    Con unos  orígenes en la pintura atmosférica , la paleta del Moll fue poco a poco mostrando  un brillo impresionista, con interiores como un motivo de creciente importancia. Después de 1912 , se centró más  en la pintura de paisaje. El color se hizo cada vez más intenso, y sus pinceladas más amplias . Sus obras posteriores se mueven en la dirección de la expresión del color . "El arte es la encarnación del espíritu humano ; . Un símbolo global de este espíritu , la forma, sólo puede provenir de la naturaleza, sólo puede llegar a ser comprensible para el espectador a través de la naturaleza" Carl Moll 1933


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  • 01/07/14--11:00: Wilhelm Bernatzik
  • Wilhelm Bernatzik  pintor austriaco nacido en Mistelbach en 1853, muerto en Hinterbrühl Mödling en 1906
     Estudió en  la Academia de Viena, terminó su formación en Paris. Miembro desde 1880 de la Künstlenhaus de Viena.  Desde 1897 fue uno de los miembros fundadores de la Secesión de Viena, de la que fue presidente de 1902 a 1903. Junto con el grupo de Gustav Klimt abandonó la Secesión en 1905

     Fue sobre todo un pintor de paisajes pero tambien creó escenas de género, como procesiones e imagenes simbólicas



    Motiv aus Weissenkirchen a. d. Donau von Wilhelm Bernatzik

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  • 01/07/14--12:19: Josef Engelhart





  • Josef Anton Engelhart (n. Viena; 19 de agosto de 1864 - f. íb.; 19 de diciembre de 1941) fue un pintor y escultor austriaco.


    Engelhart estudió en las academias de arte de Viena y Múnich, así como en París, España, Italia, Grecia y Egipto. Fue uno de los miembros fundadores de la Secesión vienesa (el movimiento modernista austriaco), de la que fue presidente en los años1899-1900 y 1910-1911, y que abandonó en 1939.
    En 1992 la biblioteca municipal y nacional de Viena organizó una exposición sobre este artista.


     Wikimedia Foundation

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  • 01/08/14--13:28: Koloman Moser



  •  A diferencia de los impresionistas y fauvistas que fueron vistos con temor y cierta repugnancia por los espectadores y medios de comunicación, la Secesión de Viena de 1897, separatistas en contra del conservadurismo provincial de Viena, fue calurosamente acogida por críticos, mecenas y público en general. Tomando su liderazgo del movimiento Arts an Crafts británico y el estilo Art Nouveau francés, previeron el arte como una obra total, integrando arquitectura, pintura, escultura y artes decorativas como un conjunto equilibrado, sumamente elegante y espiritualmente elevado-

    Koloman o Kolo Moser (1868-1918) fue un arquitecto, diseñador y pintor austriaco.

    Estudió en la Academia de Viena y despues en la School of Arts and Crafts donde despues sería profesor desde 1900 hasta  1918.

    En esa época conoció a Joseph Maria Olbrich  y a K.Joffmann, ambos miembros del Siebener Club, y en 1897 fue uno de los miembros fundadores de la Viena Secessionan Association. Con Hoffman y F. Waerndorfer comenzaron  la Wiener Werkstätte en 1903-

    Viajó a París, Belgica, Paises Bajos, Hamburgo y Berna y partició en la construcción del Palais Stoclet en Bruselas. 

    Abandonó la Sezession al mismo tiempo que Gustav Klimt y en  1907 la Wiener Werkstätte.

    Durante su vida se dedicó a varios campos en el arte, desde las artes aplicadas,  diseño de muebles, vidrieras
    , metal, joyería, posters, juguetes hasta el interiorismo.

    Siempre buscaba combinar las características predominantemente geométicas con su entorno en la creación de un espacio ritmico de formas cúbicas y contraste de colores. Fue uno de los pocos artistas en diseñar sellos en estilo Jugendstill
     

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  • 01/09/14--04:10: Franz Matsch
  • Matsch, Franz von

     Austria
    1861 - 1942 
    Inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de Viena donde compartió aprendizaje con Gustav y Ernst Klimt. Sus buenas maneras le permitieron recibir pronto encargos, compartidos con los hermanos Klimt. La facilidad con el dibujo le llevó a presentarse a las oposiciones para el cuerpo de profesores de enseñanza secundaria pero el historiador de arte Rudolf Eiteberg von Edelberg le convenció para que continuase su formación como pintor. 
    Ahora será Ferdinand Laufberger su profesor, trabajando en un estilo historicista tomado de Hans Makart, cuyo estudio Mastch visitó en varias ocasiones. 

    En 1881 los hermanos Klimt y Matsch fundaban la Compañía de Artistas. Franz era el jefe de la empresa al dedicarse a las cuentas y la organización. Pronto empiezan a llover encargos para las decoraciones de importantes edificios: el palacio Sturany de Viena, el balneario Carlsbad, la villa Hermes. El éxito alcanzado permitirá a la Compañía trabajar en la capital del Imperio al recibir dos importantes encargos: las decoraciones del Burg Teather y del Kunshistorisches Museum, obteniendo la Medalla de Oro al Mérito y el Premio Imperial de manos del propio Francisco José I



    La muerte de Ernst Klimt en 1892 supondrá el primer golpe para la Compañía. Dos años después, Franz y Gustav reciben uno de sus encargos más importantes pero que a la postre supondrá la separación del grupo: la decoración del techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Matsch era responsable del lienzo central, la Teología y seis pinturas para las enjutas y la bóveda. Gustav Klimt sería responsable del resto del encargo. La polémica surgida con la presentación en sociedad de las obras de Klimt -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- y el rechazo por parte de la comisión de los bocetos de Matsch llevaría al pago por parte de la Universidad de una compensación a Mastch en 1910.
    Matsch se mantuvo al margen de la Secession ya que, aunque consideraba que los objetivos del grupo eran aceptables, no quiso dar el paso para convertirse en un pintor libre y continuó trabajando en un estilo decorativista, alejado de todos los movimientos de vanguardia, hasta su fallecimiento en 1942.


    ARTEHISTORIA V2



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    Broncia Koller



    Elena Luksch- Makowsky

    Broncia Koller, Elena Luksch- Makowsky, Helene Funke, Tina Blau y Teresa Ries, mujeres artistas de fin de siglo en  Viena. Muchas de ellas judías, trabajando bajo restricciones misóginas, sin  embargo consiguieron  llevar a cabo sus carreras y celebrar exposiciones espectaculares-  Sus obras fueron adquiridas por el emperador y coleccionistas privados, expusieron en la Kunstlerhaus, en la Seccession y en galerías comerciales.
    Helene Funke, In the Loge,  Kunstmuseum)


    A Teresa Ries le pidió Klimt que expusiera con la Secesion, fue invitada por Rusia y Austria a la Feria Mundial de Roma de 1911, pero fue completamente ignorada despues de la guerra. Tina Blau fue una pintora de mucho éxito que fue animada  por el ministro francés Antonin Proust para que expusiera en el Salón, pero en 1938 todos sus cuadros fueron retirados de las colecciones públicas y su nombre fue borrado de las calles- era judia
    Elena Luksch-Makowsky

    Elena Luksch- Makowshy  nació en San Petersburgo en 1878, murió en Hamburgo en  1967Hija del pintor Vladimir Makovskii.  A mediados de la década de 1890 estudió en el estudio Tenisheva en San Petersburgo y luego en la Academis de las Artes, discipula de Repin y Vladimir Beklemishev. En 1898 viajó a Munich para estudiar en el taller de Anton Azbe. Se casó con el escultor austríacao Richard Luksch y se trasladó a Viena con él.Se  convirtió en la primera mujer miembro de la Secesión de Viena y participante en la cooperativa de diseño Wiener Kunst im Hause.  Entre 1901 y 1912 participó en numerosas exposiciones en Viena y en San Petersburgo. En 1907 se trasladó permanentemente a Hamburgo donde enseño en la Escuela de Artes

    Broncia Koller

    Broncia Koller-Pinell (1863-1934). En momentos en que las mujeres no se les permitía asistir a las academias de pintura, ya había aparecido en exposiciones con el círculo

    de Klimt. También fue  promotora y mecenas de las artes. Su salón en Viena y su residencia en Oberwaltersdorf eran lugares de reunión para Klimt, Hoffmann, Moser, Schiele y élite del panorama artístico austriaco.

    Broncia Koller

     Consiguió una posición importante en los círculos artísticos de su época en Viena. Reconocida por la crítica, por sus compañeros artistas, pero cayó en el olvido

    Un  ejemplo sorprendente de como la historia del arte tiende a descuidar a la mujeres.

    Su familia se trasladó a Viena en 1870. Su padre apoyó su talento artístico y comenzó a formarse en clases privadas. Entre 1885-1887 estudió en la  " Damenakademie des Münchner Künstlervereins " .

    Broncia Koller

    Hizo muchos viajes en Europa, especialmente a París y estudió todas las tendencias artísticas internacionales de su época . Fue la primera en llevar los atributos de Impresionismo francés ala pintura austriaca , y toda su vida se mantuvo en contacto con las nuevas tendencias y movimientos en la pintura .
    Su primera aparición pública tuvo lugar en 1888 en la Exposición Internacional de Arte de Viena, su primer éxito en 1892 en el Künstlerhaus de Viena.

    Broncia Koller

    Se asoció al grupo de  Klimt, Sezession , Wiener Werkstätten . En 1896 se casó con Hugo Koller , un médico católico y físico . Losl Kollers se  convirtieron  en mecenas influyentes . Además de los artistas , su salón era frecuentado por músicos , estudiosos , filósofos , etc , incluso Siegmund Freud. Su hijo Rupert se 
    casó con Anna Mahler 

    Broncia Koller

    Sus contemporáneos la describen como una mujer distinguida, temperamental, siempre animada. Amaba las discusiones de cualquier tipo y puntos de vista controvertidos .


    Helene Funke

    Helene Funke nació en 1869  en la ciudad alemana de Chemnitz. En 1899 abandonó su casa de clase media alta  para continuar sus estudios en Munich, en la Academia de Arte .Ladies Art Academy of the Munich Künstlerinnenverein.
    Helene Funke

    De 1906 a 1913 pintó en París, en el sur de Francia y en la Bretaña, donde conoció  el impresionismo y el fauvismo. En esos años participó en el Salon d'Automne y el Salon los Independientes en París y expuso sus pinturas junto a  artistas como Matisse, Braque y Vlaminck.



    Helene Funke

    Desde 1911  hasta su muerte en1957,vivió  en Viena. A pesar de toda la crítica hostil por parte de la escena cultural dominada  por   hombres, Funke se estableció como artista de  pleno  derecho. En 1928 recibió el premio estatal de Austria y su trabajo fue presentado con regularidad en las exposiciones de importantes asociaciones de artistas locales, así como en la Secesión de Munich, Berlín, Dresde y Chemnitz.


    El Nacionalsocialismo desterró  todo el arte moderno y en esos años de trabajo Helene Funke `s cayó en el olvido. Después de la Segunda Guerra Mundial Funke fue recompensada con el título honorífico de profesora 



    Tina Blau

    Tina Regina-Leopoldine Blau (1845, Viena-1916, Viena) hija de un dentista de Praga, tuvo muchos obstáculos a los largo de su vida para conseguir un reconocimiento artístico debido a su condición de judía

    Tina Blau

    Su primer profesor fue Antal Hanely, seguido por el paisajista August Schaffer y despues fue a la drawing school of joseph Aigner. Hizo su debut artístico en  la Osterreichischen Kunstverein.  Estando visitando Munich durante la Primera Exposición Internacional de 1879 descubrió  las pinturas de la Escuela de Barbizon que influirían sus obras posteriores.  Viajó por Italia, Paises Bajos y Francia y pasó los veranos de 1873-74 en  la colonia hungara de artistas Szolnolnok.

    Tina Blau

    En 1875 participó en  Exposición Universal de Viena con la Munich Kunstschule fuer Maedchen y abrió un estudio en la casa de su profesor Wilhelm Lindenschmitt.  En 1882 participó en  la prestigiosa exposición Kunsterlhaus. En 1884 volvió a Munich y se convirtió al protestantismo para casarse con el pintor Heinrich Lang.  Celebró su primera exposición individual en 1890 en la Munich Kunstverein



     Teresa Ries fue una pintora y escultora que procedía de una rica familia judía rusa.  Estudió en la Academia de Moscú pero abandonó por cuestionar la enseñanza en la misma. Se fue a Viena para estudiar con Edmund Heller.- Los nazis la obligaron a abandonar su estudio en 1938 y escapó a Lugano, Suiza, en  1942. La mayoría de su obra se ha perdido

    Teresa Ries con Mark Twain


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  • 01/12/14--11:19: Article 0


  • 1886, Pöchlarn , Austria ; 1980 , Montreux , Suiza

    Oskar Kokoschka nació 01 de marzo 1886 , en la localidad austriaca de Pöchlarn . Pasó la mayor parte de su juventud en Viena, donde ingresó en la Escuela de Artes en 1904 o 1905. Cuando todavía era estudiante , pintó  abanicos  y postales para la Wiener Werkstätte , que publicó su primer libro de poesía en 1908. Ese mismo año , Kokoschka fue ferozmente criticado por las obras que expuso en el Viena Kunstschau y en consecuencia fue expulsado de la Escuela de Artes . En este momento , atrajo la atención del arquitecto Adolf Loos , quien se convirtió en su defensor más vigoroso. En este primer período , Kokoschka escribió obras de teatro que se consideran uno de los primeros ejemplos del drama expresionista .

    Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galerie Paul Cassirer , Berlín, en 1910 , seguido más tarde ese año por otro en el Museo Folkwang de Essen. En 1910 , él también comenzó a contribuir a la revista Der Sturm de Herwarth Walden. Kokoschka se concentró en el retrato, dividiendo su tiempo entre Berlín y Viena desde 1910 hasta 1914 . En 1915 , poco después del estallido de la Primera Guerra Mundial, se ofreció como voluntario para servir en el frente oriental , donde fue herido de gravedad . Aún recuperándose en 1917 , se instaló en Dresde y en 1919 aceptó una cátedra en la Akademie allí. En 1918, se publicó la monografía completa de Paul Westheim sobre el artista .

    Kokoschka viajó mucho durante los años 1920 y 1930 en Europa , África del Norte y el Medio Oriente. En 1931 , regresó a Viena, pero , como consecuencia del creciente poder de los nazis , se trasladó a Praga en 1935. Adquirió la ciudadanía checoslovaca dos años más tarde . Kokoschka pintó un retrato del presidente de Checoslovaquia Thomas Garrigue Masaryk , en 1936 , y los dos se hicieron amigos. En 1937 , los nazis condenaron su trabajo como " arte degenerado " y se  quitó de la vista pública . El artista huyó a Inglaterra en 1938 , el año de su primera exposición individual en los Estados Unidos en la Galería Buchholz , en Nueva York. En 1947 , se convirtió en  ciudadano británico . Dos importantes exposiciones itinerantes de la obra de Kokoschka se originó en Boston y Munich en 1948 y 1950 , respectivamente. En 1953 , se estableció en Villeneuve, cerca de Ginebra, y comenzó a enseñar en la Internationale Akademie für Sommer Bildenden Künste , donde inició su Schule des Sehens . Obras completas de Kokoschka se publicaron en 1956 , y en todo este tiempo se involucró en la escenografía . En 1962 , fue honrado con una retrospectiva en la Tate Gallery , Londres . Kokoschka falleció el 22 de febrero de 1980, en Montreux, Suiza.




    Oskar Kokoschka y Alma Mahler, según Oskar Kokoschka


    Oskar Kokoschka (1886-1980), el pintor vienés sinónimo del expresionismo, era poco dado a los halagos. Sus modelos posaban para él encantados, pero solían rechazar el cuadro una vez terminado. Se encontraban feos, en una mala postura y demasiado envejecidos. No es que les tuviera manía o experimentara en cuerpo ajeno. Para él, lo esencial era captar la personalidad del cliente, y no le importaba que la obra pudiera desagradar. Le ocurrió al principio de su carrera, antes de la I Guerra Mundial, cuando el arquitecto austriaco Adolf Loos convenció a un grupo de amigos de que fueran “las víctimas” de su protegido. El mecenas acabó quedándose buena parte de los setenta lienzos devueltos.  Buscaba los destellos íntimos, inconscientes, que solo afloran al moverse o hablar.


     Por eso el retrato del escritor Karl Kraus tiene varios dedos en las manos. Las movía mientras posaba”. El expresionismo surgió en Alemania a principios del siglo XX y permeó también la literatura, el teatro, la danza, la música o la fotografía. Como esta última ya devolvía una realidad perfecta, los pintores expresionistas optaron la subjetividad. Por rastrear sentimientos con el pincel en lugar de captar impresiones. El nombre dado al movimiento, una de las vanguardias del arte, se deriva asimismo de la amargura de los años previos a la Gran Guerra (1914-1919).

    'El mandril', 1926. 

    Kokoschka fue voluntario a la contienda con el Ejército austriaco y resultó herido de gravedad. Sin embargo, su deseo de renovar el lenguaje artístico en busca de la realidad más descarnada no derivó solo de la experiencia bélica. Fue acompañado de un tormento emotivo interior. Se enamoró de Alma Mahler, viuda de Gustav Mahler, el compositor, y mantuvieron un apasionado romance entre 1912 y 1914. Alma era un espíritu libre. Kokoschka, un amante posesivo y celoso. “Le costó mucho olvidarla. 
    .
    'El poder de la música', 1920



    Después de la guerra, Kokoschka se afincó en Dresde (Alemania) y frecuentó a sus politizados colegas expresionistas. Para 1937, los nazis le tildaron de “pintor degenerado” y destruyeron parte de sus obras. Tras una estancia en Praga, donde conoció a su futura esposa, Olda Palkovska, huyó al Reino Unido. Allí siguió pintando y denunciando la pasividad del Gobierno británico ante la amenaza de Hitler. También favoreció causas como la protección de los niños víctimas del bombardeo de Guernica

    EL PAIS

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  • 01/13/14--10:57: Hermann Nigg

  •                           Elisabeth of Bavaria, Sissi


                     The little  Darling



    Portrait of Karl Lueger (1844-1910), Portrait of Karl Lueger (1844-1910) in historical costume and wearing the Medal of Grace.


    Alemania 1849-1928




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  • 01/13/14--11:55: Theodore Zasche
  • ZASCHE THEODORE Austria  (1862-1922

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  • 01/15/14--10:49: Max Oppenheimer




  • Max Oppenheimer (Austria 1885-1954)

    Nació en Viena. Comenzó a estudiar en la  Academia de Arte de Viena pero continuó sus estudios, a partir de  1903 en la Academia de Arte de Praga. En 1906 se unió al grupo  "OSMA" de Praga, una de las primeras asociaciones checas de artistas de vanguardia. En esa epoca estaba interesado por el impresionismo, especialmente por el de Max Liebermann.




    En  1908 volvió a Viena, uniendose al circulo de  Oskar Kokoschka y de Egon Schiele.. La obra de Kokoschka ejerció una gran influencia en él, especialmente los retratos psicológicos.  Despues de participar en varias exposiciones del grupo, tuvo su primera exposición individual en la galería Moderne en Munich en  1911.




    Ese mismo año empezó a trabajar en el periodico "Die Alction", fundado por Franz Pfemfert en Berlin.  En 1915 se trasladó a Suiza, donde se quedaría, con interrupciones, hasta  1924. Su estilo incorporó elementos cubistas, que serían característicos en su obra.  Se introdujo en el Dada en  1916, participando en la primera exposición Dada en Zurich ese año. Sus famosas escenas de orquestas se mostraron en 1924 en la Vienna Hangehundl


    Volvió a Berlín en 1926 pero en 1931 la situación politica en Alemania era tan mala que decidió volver a Viena. Un año más tarde su obra fue confiscada por los nazis.  En 1932 participo por última vez en una exposición en la Viena Künstlerhaus antes de escapar a Suiza en 1938.  En 1939 emigró a los Estados Unidos. Antes de morir en Nueva York en 1954, estaba experimentando con el expresionismo abstracto americano

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  • 01/17/14--12:23: ANTONIO MURADO







  • Nació en Lugo en 1964, aunque vive y trabaja en Nueva York.
    A finales de los 80 y principios de los 90 abre una pequeña Galería de Arte en Lugo, llamada ZÚ, en donde exponen autores de vanguardia y artistas destacados del panorama centroeuropeo.

    La obra de Murado ha sido mostrada en salas de arte y galerías de EE.UU., Holanda, Bélgica, Australia, Canadá, Austria, Portugal y diversos países hispanoamericanos. En la actualidad vive y trabaja en Nueva York, aunque reparte su tiempo con frecuentes visitas a España.

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  • 01/20/14--10:23: Rudolf Hausner

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    (Vienna,, 1914 –  1995)
     Este pintor austriaco estudió en la Academia de Viena. Muchas de sus primeras obras fueron confiscadas por ser consideradas por los nazis como arte degenerado. Fue reclutado por el ejército alemán  y sirvió como soldado hasta el final de la guerra en 1945.  Despues de la guerra volvió a Viena y se dedicó a estudiar el mundo metafísico y el arte surrealista,  en particular el de Max Ernst.  Con Wolfgang Hutter y Anton Lehmden fundó la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico en 1947. Durante las décadas de 1950 y 1960, este movimiento se convirtió en uno de los más importantes y Hausner fue el artista más influyente. Durante esta época tambien ocupó puestos académicos en Viena y en Hamburgo.

    Ademas de pintor tambien fue litógrafo y grabador. El complejo arte de Hausner se basa en potentes imagenes simbólicas. Recurre constantemente a la imagen del primer hombre, ADAN, parte autobiográfica y parte arquetipo. Otra imagen recurrente es la de un hombre o un chico con gorra de marinero. Decía que esa imagen simboliza el mito de Ulises y sus viajes épicos por los mares. Sin embargo es representativa de su propia niñez y la integración de las relaciones entre la juventud y su propio yo


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  • 01/21/14--09:34: Wolfgang Hutter



  •  Pintor, dibujante, grabador y escenografo.  Su imaginación crea un paraiso artificial de jardines y escenas como de cuentos de hadas.

    Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con el profesor Robiin C Andersen y despues con su padre. Con Ernst Fuchs, Rudolf Hausner, Anton Lehmden y Arik  Brauer formaron el grupo de Vienna School of Fantastic Realism. Recibió el premio de la UNESCO  en la Venice Biennale de 1954. En 1966 fue nombrado profesor de la Hocschule für angewandte Kunst en Viena


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