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  • 11/08/13--13:58: James Tissot




  •  James Jacques-Joseph Tissot  18361902
    Jacques-Joseph Tissot   nació el 15 de octubre de  1836 en Nantes, Francia. Pasó su juventud en la ciudad de Nantes y se cree que que el puerto inspiró algunos de sus cuadros,  Tambien la profesión de su padre en la industria de la moda se evidencia en la ropa de las mujeres en su obra.

    En 1856 se fue a París para estudiar en la Escuela de Bellas Artes y alli se hizo amigo de  James McNiell Whistler,  y de  Edgar Degas. 

    En la década de  1860 viajo a Italia y a Londres.  Expuso en la Royal Academy en  1864 y empezó a concentrarse en escenas contemporaneas.  Pronto alcanzó la fama y ganó mucho dinero pintando retratos y reflejando la vida social, su tema famorito.

     Su  vida cambió radicalmente  en 1876 cuando conoció a la joven y atractiva Kathleen Newton, divorciada de un oficicial del ejército ingles en la India.  Tuvo una relación amorosa adultera con otro hombre y volvió a casa en desgracia.  Se convirtió en la amante de Tissot y se trasladó a su casa de Londres. Este pintor, considerado un hombre atractivo, bien vestido, elegante que se movía en unos ambientes muy sofisticados, abandonó la vida social para vivir tranquilamente con Kathleen.  Ella aparece en muchas de sus pinturas y se puede considerar el amor de su vida.

    En  1882, a los 28 años, Katheleen murió de neumonía, Tissot nunca se recuperó de esta desgracia y se trasladó a París.  A partir de ese momento solo pintó escenas religiosas, para lo cual viajó dos veces a Oriente Medio para encontrar los paisajes para sus cuadros.



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  • 11/09/13--11:56: Telemaco Signorini
  • Donna di spalle by Telemaco Signorini

    Telemaco Signorini, fue un pintor  italiano, nacido en Florencia (10 de agosto de 1835) y fallecido en la misma ciudad el 10 de febrero de 1901. Comenzó su carrera artística en la "scuola Pie di San Giovanni degli Scolopi", allí conoció a Diego Martelli y Giosuè Carducci, que se convertiría en poeta. En esa época se despierta su talento literario, que lo llevaría a desarrollar, durante toda su vida, la actividad de crítico teórico de arte y poesía.
    En 1852 comienza a aprender pintura, a instancias de su padre, también pintor que se desempeñaba como "pintor de corte" del Gran Duque de Toscana. Frecuenta las clases de dibujo al desnudo. En 1853 comienza su interés por el paisajismo, a partir de 1854 pinta al aire libre con Odoardo Borrani. Frecuenta el "Café Michelangelo". En 1856 viaja a Venecia donde conoce a Abbati. En 1858 comenzó con sus primeros intentos de utilizar la técnica de manchas. En 1859 es enrolado en el servicio militar, en la Segunda Guerra de Independencia. Pasa el verano de 1860 en La Spezia, pintando al aire libre.
    En 1861 viaja a París, donde lo impresionan profundamente las obras de CorotDécampsDaubigny. Con LegaAbbatiBorrani ySernesi forma la Escuela de Piagentina en Florencia. Entre 1869 y 1892 viaja frecuentemente vasias capitales europeas, París, en varias oportunidades, Londres, Escocia. A principio de los años 1870 conoce a Degas, que influirá en su obra.

    Wikimedia Foundation

    El grupo de los Macchiaioli y su impresionismo italiano pintan el otoño en Madrid


    Los Macchiaioli en la Fundación Mapfre

    Exposición Macchiaioli. Realismo Impresionista en Italia
    hasta el l 5 de enero
    Paseo de Recoletos, 23



    macchiaioli_logopress02Años antes de que los impresionistas revolucionaran para siempre la forma de pintar y el arte, un grupo de pintores italianos sacó los caballetes al aire libre, se opuso al academicismo y experimentó con la luz. Se trata de los “macchiaioli, un grupo de artistas, poco conocido aún en España, que desarrolló uno de los primeros movimientos artísticos de la modernidad.
    Ahora, una exposición recuerda a aquellos artistas de mediados del siglo XVIII, que crearon una innovadora visión de la campiña toscana, con fuertes contrastes lumínicos captados mediante la yuxtaposición de manchas de color. Fueron conocidos como los macchiaioli (“manchistas”), un nombre en origen peyorativo en alusión a la esbozada esencialidad de sus pinturas.
    Gran impacto en la pintura española
    Sus pinturas fueron muy radicales y crearon un fuerte impacto dentro y fuera de Italia. En España, sin ir más lejos, influirían en gran medida la obra de pintores como Sorolla o Fortuny. Y es que la modernización de España se realizó mirando más a Italia que a Francia, y eso es algo que se demuestra en esta exposición.
    Entre sus principales protagonistas destacan Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati o Giovanni Boldini, todos ellos unidos en torno al crítico y mecenas Diego Martelli.
    Un centenar de pinturas La exposición reúne cerca de 100 pinturas procedentes de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas italianas, entre las que destacan la Galleria d’ Arte Moderna del Palazzo Pitti, Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, Galleria d´Arte Moderna de Milán, Fondazione Musei Civici di Venezia, Galleria Internazionale d´Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venezia, Museo Civico Giovanni Fattori, de Livorno y el Istituto Matteucci de Viareggio, entre otras.
    Se trata de la primera exposición realizada en España en torno a este movimiento, a pesar de la importancia e influencia que tuvieron los macchiaioli en la pintura española de finales del siglo XIX.







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  • 11/10/13--11:36: Henryk Siemiradzki





  • Henryk Hector Siemiradzki (1843 - 1902)
    Pintor polaco. nacido en  1843 en Siemirad, provincia de Grodno, pueblo del que toma su apellido.  Su padre lo envió a estudiar a Charkoff para  que estudiase historia Natural. Cuando completó sus estudios fue a St Petersburgo para estudiar arte en la Academia Imperial. Sus primeras obras fueron dibujos monocromáticos, en lapiz, tinta y sepia. En 1870 sus profesores reconocieron su talento por lo que le concedieron una beca para que pudiese viajar por Europa. Visitó París y se estableció en Munich, donde estudió con Piloty


    Muchas de sus obras representan escenas de la antigüedad y composiciones de las vidas de los primeros cristianos. Pintó escenas biblícas, históricas, paisajes y retratos.  Sus obras más conocidas son los paneles monumentales que están el teatro de la Opera de Lviv y en el Teatro Slowacki en Cracovia



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  • 11/11/13--12:28: Eugene Galien-Laloue












  • Eugene Galien-Laloue
    Eugene Galien-Laloue biography
    1854 - 1941
    Nació en Paris en  1854. Fue alumno de Charles Laloue  y miembro
     del Salon de Artistas Franceses de 1877- Pintó el  paisaje de
    Normandía y de Seine-et- Marne pero es más conocido por sus
     cuadros del París de la belle Epoque. Su arte se valora no solo por
    su contribución a la pintura del siglo XX sino como  documento his´-
    tórico de un época.


    Eugene Galien-Laloue biography

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  • 11/12/13--11:12: Gottfried Helnwein



  • Untitled - 1996

    TÉCNICA: técnica mixta (aceite y acrílico sobre lienzo)



     Gottfried Helnwein (nacido 1948) es un artista austro-irlandés dedicado a la pintura, la fotografía, intalaciones y performances.

    De alguna de las obras de Gottfried Helnwein se ha dicho que parece el resultado del encuentro del Pato Donald con el nazi Mengele. Sus acuarelas de niños con horribles cicatrices, dibujos sobre fotos manipuladas de menores empapados en sangre y escenas que combinan la iconografía católica con la estética nacionalsocialista no admiten jamás la distancia.

     

     Fascinado por la mutilación, las minusvalías y el horror de las guerras y la explotación, la obra de este poeta de la atrocidad ha alcanzado un alto grado de notoriedad por sus trabajos en las esferas masivas del pop desde la década de los años ochenta del siglo XX. Ha retratado, en fotos que luego manipula y retoca con pintura para darle su toque de marca —un denso y oscuro lirismo hiperrealista— a los Rolling Stones y Rammstein y colaboró con turbadores dibujos en un disco de Michael Jackson.


    En 2003 Helnwein fue el director artístico del disco y la posterior gira y espectáculo multimedia The Golden Age of Grotesque, de Marilyn Manson. Una de sus obras más duras, Epiphany, Adoration of the Magi (Epifanía, la Adoración de los Magos), que muestra a una madonna con el niño Jesús siendo visitada por oficialez nazis, ha sufrido varios ataques al ser exhibida como mural al aire libre.

     20minutos.es


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  • 11/14/13--11:06: PEDRO BUENO SALTO









  • Pedro Bueno Salto, (A Coruña, 1952), pintor figurativo, autodidacta de amplia trayectoria, avalado por numerosos premios y exposiciones. Profesor de dibujo y pintura, en los colegios Salesiano, Colegio Público Victor López Seoane y en el Instituto de Someso de Coruña y en su estudio particular.

    Realiza sus primeras exposiciones en 1978, primero en el Hogar Juvenil de Noia (A Coruña), a continuación en el Ayuntamiento de A Coruña y Club Náutico de Portosín, desde entonces cerca de cincuenta exposiciones individuales y mas de ciento diez colectivas han mostrado su obra en ciudades españolas, Coruña, Santiago, Ferrol, Vigo, Ourense, Bilbao, Madrid, Gerona, Noia, Ribeira, Portosín, Brión, Culleredo, As Pontes, Mugardos, etc., fuera de España en Oporto, París, La Haya, Brescia, Lorraine, entre otras. (ver mas información).

    En 1980 recibe el Primer Premio en la II Bienal Ciudad de Mondoñedo, en 1984 obtiene el Segundo Premio en el III Certamen de Pintura Concello de Cambre, en 1996 le otorgan el Primer premio en el VII Certamen de Pintura de Paisaje, Bello Piñeiro, en Mugardos, recibe otros premios en certámenes en Coruña, As Pontes, Madrid, Santiago... (ver mas información).

    Junto a otros artistas, Ramón Manzano, Nito Davila, Xosé Cobas, Carlos Gancedo, Vasconcellos, participa en la fundación del grupo “Desnivel”en 1984, grupo que edita la revista homónima. Participa en la fundación del grupo “Mamoa”, con los pintores José Luis López Vasconcellos y Folgueira. Con Alfonso Costa, Manuel Gandullo, Ramón Astray y Gabú, presentan un proyecto artístico que se desarrolla con la colaboración de ENDESA en 2007, cuando la mina de As Pontes toca a su fin y comienza el llenado del lago. Cuando el lago está completamente lleno se realiza una nueva exposición con obras de los mismos artistas. Pedro Bueno participa en los Encontros coa Arte, en Brión, en los Encontros coa Pintura de Mariñan y en los Certámenes de Cambre.

    En la actualidad es Presidente de ARGA, Asociación de Artistas de Galicia, grupo artístico fundado en 2001, con el que ha realizado numerosas exposiciones y diversas actividades, entre las cuales destacamos la organización del curso “Arte Gallego Contemporáneo en la Naturaleza”, curso de la UIMP, celebrado en el Pazo de Mariñán en el verano de 2012. (ver mas información).

    En 1998 realiza el mural “Adormideras”, para el Club del Mar de San Amaro, en 2005 realiza para la misma sociedad el mural “Marenostrum”, que completará en 2007 con los murales de la cafetería, realizados con la técnica del mosaico.

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  • 11/15/13--12:27: Auguste Herbin






  • Auguste Herbin




    Quiévy, 1882-París, 1960            
    Artista ligado al cubismo, el pintor francés Auguste Herbin apostó firmemente por el arte no figurativo desde 1917, lo que le convirtió en una influyente figura para los artistas franceses de la segunda mitad del siglo XX
    Entre. 1898 y 1901 estudió dibujo en la École des Beaux-Arts de Lille y posteriormente se trasladó a París en un momento en que sus obras estaban influidas por las corrientes impresionista y postimpresionista. En 1909 se instaló en el Bateau- Lavoir donde conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris, quienes le mostraron el camino hacia el lenguaje cubista que pronto adoptaría. En 1910 expuso en el Salon des Indépendants, en la misma estancia que Albert Gleizes y Fernand Léger, y su obra estuvo presente en el Salon de la Section d’Or de 1912.

     Sus primeras obras ligadas a la plena abstracción datan de 1917. Tras la Primera Guerra Mundial expuso regularmente en la Galerie de l’Effort Moderne de Léonce Rosenberg y comenzó a realizar una serie de relieves pintados en madera. Éstos recibieron tan mala crítica que su galerista le recomendó la vuelta a la figuración, consejo que siguió durante un breve periodo en la década de 1920. A pesar de que también recibió presiones del Partido Comunista, al que estaba afiliado, para que su arte se pusiese a servicio de la causa política que defendía, Herbin continuó hasta el fin de sus días apostando firmemente por el arte no figurativo. En 1931 creó junto a Georges Vantongerloo el grupo Abstraction- Création y en 1949 publicó L’Art non-figuratif, non-objectif, en el que exponía su teoría sobre el color y las correspondencias entre la escritura, la música y las artes plásticas. En los años cincuenta inició el Salon des Réalités Nouvelles, del que fue director hasta 1955

    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 11/16/13--13:36: Rainer Fetting




  •  Rainer Fetting (Wilhelmshaven, 31 de diciembre de 1949) es un pintor y escultor neoexpresionista alemán.
    Despues prepararse para ser carpintero y al mismo tiempo que construía escenarios para el teatro nacional en Baja Sajonia estudió desde 1972 hasta 1978 en  la Hocschule der Kunste en Berlin con el profesor Jaenisch. Despues de graduarse fundó con Helmut Middendorf, Salomé, Bernd Zimmer, Anne Jud y Berthold Schepers la Galería am Moritzplatz, donde el realizó sus primeras exposiciones.  El grupo se conocería como "Junge Wilde".  Además de figuras y retratos, tambien hace paisajes de Berlín.   En su primera etapa probó diferentes percepciones de imagen, en un estilo basado en el impresionismo y el expresionismo. En 1978 le concedieron una beca que le permitió ir a Nueva York. Añadió un uso dinámico de las líneas a sus obras que hasta ese momento se habían caracterizado por un enfoque plano, un acercamiento gestual y empezó a utilizar colores brillantes.  En 1981 participó en la exposición "un nuevo espiritu en la pintura" junto a Christos M. Joachimides en la Royal Academy of Arts. A continuación hizo numerosas exposiciones en Galerías de Europa y America. Desde 1984 creó obras en las que incluye trozos de madera en las telas. Las primeras obras en bronce las crea a partir de la década de 1980.  En su obra más reciente retrata los problemas de las zonas periféricas y oscuras de la ciudad de Nueva York.

    Tiene estudio en Berlin y en Nueva York

     

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  • 11/17/13--12:48: Lucien Coutaud




  •  (1904-1977)
     Pasó su juventud en Nimes y en su tiempo libre le gustaba ver corridas de toros. En 1920 se matricula en la Escuela de Bellas Artes de  Nimes.  En 1924 ilustra el libro de Fraigneau Spectacles y despues sigue una larga colaboración entre ambos.  En 1926 visita la Ecole des Arts Decoratifs en Paris. Diseña vestuario para obras de Charles Dullin. Mientras cumple su servicio militar hace el diseño para la obra  Les Oiseaux, que tiene un  gran éxito en París. Realiza sus primeras obras pictóricas. Fascinado por la obra de  Klee y De Chirico y comienza a pintar su distintivo estilo surrealista. En 1931 comienza su cooperacion con Jean Louis Barrault en el teatro. El famoso coleccionista y critico de arte René Gimpel lo  anima a seguir pintando.En  1934 conoce a Picabia y en   1935 conoce a Picasso y a Matisse, con quienes comparte pasión por las corridas de toros.  Marie Cuttoli le inspira para diseñar su primer tapiz "Paul et Virginie".  En 1937le encargan que ayude en las pinturas para el techo del restaurante en la exposición des Arts Decoratifs. Expone en la Galerie de Fleurus ese mismo año. Ilustra poemas y  gracias a Rose Adler vende obra a coleccionistas y museos en los Estados Unidos. En 1938 diseña el vestuario para dos obras y durante ese verano junto a Marie Cuttoli visitan a Picasso en Mougin y despues se va a Toscana.  En 1939 le encargan los paneles para el pabellón francés en la Exposición Universal de Nueva York.  En 1940 hace algunas ilustraciones y pasa las navidades con Picasso, Dupin, Laurens, Lazaros, Hugnet, Nush y Eluard, para este último realiza 33 guaches para ilustrar L´amour la poésie.  En junio de ese año conoce a Jean Cocteau y  participa en el Salón de otoño por primera vez. Sus encuentros con Picasso siguen siendo continuos y su estilo tiene  un cambio significativo.  Sigue haciendo diseños para obras de teatro, conoce a Jean Paul Sartre en 1944, expone en el Salon de Mayo de 1945 y en el Salon de Otoño...en la Gallery Maurs, en el Salón des Independants en el Palais des Beaux Arts en Bruselas...sigue trabajando incansablemente hasta 1950 que sufre  un serio accidente cuando estaba haciendo un decorado para una obra de teatro. En 1952 compra una casa en la costa de Villerville. En 1953 expone en Japón en el Kamakura Museum.  A partir de ese momento expone en Europa, America y Japón, aunque continua trabajando para el teatro.

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  • 11/18/13--11:24: Léon Bakst
  • Nació en el seno de una familia judía de clase media en mayo de 1866 con el nombre de Lev  Amoylovich Rosenberg.En su primera exposición (1889) tomó el nombre de Bakst del nombre de su abuela materna Baxter.
    Estudió en  San Petersburgo en la Academia de Arte. Comenzó su vida profesional como  copista e ilustrador, aunque pronto empezó a pintar retratos y a ilustrar revistas.  Como el dinero no le llegaba para vivir consiguió un empleo como profesor de los niños del Gran Duque Vladimir

    Desde 1893 hasta  1899 viajó por Europa y el norte de Africa. Estudió en París con importantes artistas como el orientalista francés Jean´-Leon Gerome en el academia Julian y desde  1893  hasta 1986 con el paisajista finlandés Albert Adelfelt.  Conoció a Aleksandr Benua y a su círculo en 1890, una amistad que amplió su visión artística


    Con Benua y Sergey Diagilev cofundaron el influyente grupo en el mundo del arte "Mir Iskusstva" en 1898

    Sus primeras influencias fueron los maestros clásicos como Rembrandt y Velazquez, pero la animada línea y las relajadas posturas de sus retratos sugieren tambien la influencia de su amigo intimo Valentin Serov


    En  1902 el Zar Nicolas II le encargó el cuadro "Carnaval en París". En 1906 dio clases en una escuela privada en San Petersburgo- uno de sus alumnos fue Mark Chagall.

    A través de Benois y su círculo se sintió atraido por el estilo orientalista y tambien lo introdujeron en en el Art Nouveau.

    En la década de  1900 hizo diseños para libros y decorados para interiores, sin embargo a finales de esta época se concentró en el teatro

    Hizo su debut teatral con los diseños para obras que se representaron en el Hermitage y en los teatros Alexandrinsky en San Petersburgo
    En 1909 colaboró con el empresario teatral Sergei Diagilev en la fundación de los Ballets Rusos. Actuó como director artístico e hizo los diseños para el escenario y pronto alcanzó fama internacional

    Sus diseños para los ballets de Fokine  y Nijinsky causaron sensación. Especialmente influenciado por una fantasia oriental SCHEHERAZADE, exhibida en París en 1910 llamaron tanto la atención que influyeron totalmente en la moda. Las mujeres adaptaron el estilo a su ropa e inspiraron lencería, cortinas, cojines etc.
    Viajó a San Petersburgo y fue elegido miembro de la Academia Rusa de las Artes, pero con el estallido de la Guerra Mundial se vio forzado a abandonar el país para siempre.

    Continuó trabajando para Diagliev pero cuando el conflicto se intensificó abandonó la compañia de ballet en 1918
    Murió en París en 1924


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  • 11/19/13--10:45: Friedl Dicker-Brandeis




  • Friedl Dicker – Brandeis, austriaca, nacida en Viena (1898), fue una artista y
    educadora muy comprometida en asuntos sociales. Su vida y obra no es muy conocida,
    aunque sus aportaciones al arte, y sobre todo a la educación artística se pueden
    considerar como un referente o punto de partida importante para el desarrollo posterior
    de estudios sobre psicología y arte en relación a las posibilidades terapéuticas de la
    expresión plástica y visual.

     Con diecisiete años empezará su formación artística con la ayuda del pintor Franz
    Cizek, uno de los promotores del “arte como expresión”; es decir, el arte considerado
    como lenguaje para la comunicación y la libre expresión de ideas, sensaciones y
    sentimientos. De esta metodología de trabajo la artista vienesa tomará muchas
    referencias didácticas en sus investigaciones posteriores.

     En 1919 ingresa en la Bauhaus de Weimar, la conocida factoría y escuela de arte y
    diseño que tenía como principios fundir las artes plásticas y las industriales. Allí tendrá
    como profesores, entre otros, a Paul Klee y Kandinsky. En esta escuela Friedl se
    impregnará de las nuevas corrientes, tendencias y conceptos en arte moderno,
    incorporando todo ello tanto a su trabajo en pintura y diseño como a su futura actividad
    docente.

     Después de la fase de aprendizaje y estudios se dedicará por su cuenta al diseño
    gráfico y textil, manteniendo al mismo tiempo una militancia política de izquierdas.
    Más adelante, en Praga, tendrá la oportunidad de trabajar como docente en talleres con
    niños refugiados. Y con esta nueva experiencia educativa empezará a interesarse por
    investigar la elaboración de los traumas desde la expresión gráfica y plástica.

     En 1942 Friedl es apresada junto a su esposo por los nazis, y conducida al campo de
    concentración de Terezín, a pocos kilómetros de la ciudad de Praga. Durante los dos
    años de su cautiverio se volcará en la enseñanza artística de los niños confinados,
    ayudándoles, a través de estrategias de expresión y desarrollo creativo, a liberar los
    temores, angustias y tensiones que estaban viviendo, pero también a recrear y sentir la
    esperanza e ilusión por una existencia y convivencia justa y respetuosa.

     El campo de concentración de Terezín era una antigua fortaleza construida en el siglo
    XVIII, convirtiéndose, durante la ocupación nazi del territorio checo, en una prisión
    para los judíos. Entre los años 1941 y 1945 la Gestapo recluirá a miles de personas de
    diferentes nacionalidades sin distinción de edad o sexo. El recinto estaba concebido
    como un lugar de espera temporal o de tránsito hacia otro destino. Este otro destino,
    generalmente, era un campo de exterminio, y la gran mayoría de los que pasaron por el
    gueto de Terezín fueron enviados a Auschwitz. Y hablar de Auschwitz es sinónimo de
    horror y dolor, un lugar extraño de humillación y destrucción, donde todos los que
    entraban estaban, de antemano, sentenciados a muerte.

     El gueto checo de Terezín se convirtió en una estrategia propagandística nazi. Éstos
    quisieron mostrar a la opinión pública mundial una imagen diferente de lo que sucedía
    realmente en ese lugar. El campo de reclusión, de esta forma, se enseñaba como un
    espacio donde se trataba bien a los judíos, se respetaban sus derechos y se les permitía
    desarrollar sus actividades culturales. Pero la auténtica realidad difería de la imagen que
    quisieron dar; las condiciones de vida eran muy duras y crueles. Carecían de libertad,
    bienes, vida familiar y de cualquier tipo de privacidad. La comida escaseaba, y la
    mayoría de los recluidos estaban forzados a trabajar durante muchas horas al día. Vivían
    hacinados en barracones y en condiciones poco higiénicas, sin tener acceso a los
    fármacos o a la atención médica. Y sobre ellos se expandía el miedo y el terror a ser
    enviados o transportados a un destino incierto, desconocido.

     A pesar de todas estas circunstancias negativas el colectivo judío se organizó para
    desarrollar una vida cultural y social que sirviese de enriquecimiento y esperanza. Se
    centraron, especialmente, en desarrollar un programa educativo y de actividades
    culturales basado en talleres. Estos talleres estaban enfocados, prioritariamente, en la
    expresión artística a través de diversas materias o disciplinas: teatro, música, poesía,
    prosa, dibujo y pintura, juegos, etc. También se impartían conferencias y existían
    bibliotecas para fomentar la lectura. Las actividades, al principio, se realizaron en la
    clandestinidad y al final del día, después de largas y duras jornadas de trabajo. Las
    condiciones no eran fáciles, ya que no se disponía de los recursos materiales más
    idóneos pero, en cambio, había mucha ilusión y entusiasmo por colaborar y participar
    tanto de los profesores, alumnos, actores o espectadores.

     Al igual que los adultos, los niños también intervenían en las actividades
    programadas. Existían profesores encargados de la formación de los menores a través de
    la escritura, la creación de poemas, el dibujo y la pintura, la interpretación teatral, etc.
    Friedl Dicker – Brandeis se encargó de las lecciones de dibujo y pintura a niñas y niños
    de edades comprendidas entre los 10 y 15 años. Su estrategia metodológica consistía en
    ofrecer a los alumnos diversas propuestas para el conocimiento y la expresión. Por un
    lado se trabajaba sobre distintos temas y conocimientos técnicos para desarrollar la
    experiencia, sensibilidad y aprendizaje artístico, y por otro se dejaba total libertad para
    la creación espontánea y libre con la intención de fomentar y propiciar la autoexpresión,
    desarrollar la fantasía y liberar tensiones y miedos.

     Los temas de representación que planteaba Friedl a sus alumnos eran bastante
    variados. Podían ser abstractos o figurativos, y dentro de éstos los chicos tenían
    opciones diversas: o bien recurrían a la imaginación o fantasía, o a imágenes alusivas a
    la realidad que conocían o estaban viviendo. Trabajaron por géneros tradicionales
    (bodegón, paisajes, figuras, etc.), y experimentaron a través de técnicas y materiales
    diferentes. Concretamente utilizaban lápices de grafito, crayolas, lápices de colores y
    acuarelas. Pero también aprendieron procesos técnicos algo más elaborados como el
    collage y los bordados sobre papel, e incluso llegaron a realizar interpretaciones de
    obras clásicas de los grandes maestros de la pintura. En muchos de los trabajos de los
    menores se observa el aprendizaje adquirido sobre cuestiones técnicas como: el uso de
    la gradación del color, el empleo de la perspectiva, el estudio compositivo cuidado, etc.,
    apreciándose en algunos de estos ejercicios una gran calidad plástica y expresiva.

     La artista y profesora austriaca prefería trabajar con grupos numerosos, y fomentar
    así la colaboración y participación entre los alumnos. Diferenciaba claramente las
    actividades propuestas para niños pequeños de las que preparaba para los más grandes o
    adolescentes; pero siempre desde la premisa de no influir o coartar la libre expresión.

     F. D. Brandeis nos demuestra en su intenso e interesante trabajo con los niños de
    Terezín su preocupación por ayudarles a aliviar la angustia y sufrimiento que estaban
    padeciendo. En este sentido era más importante la libertad de acción y ejecución en el
    proceso de desarrollo artístico que la indicación de reglas o pautas que pudieran desviar,
    limitar o frenar el libre flujo de ideas, sensaciones y/o sentimientos particulares del
    menor. Curiosamente dos de sus alumnas que sobrevivieron al holocausto, Ella
    Liebermann y Helga Weissova consiguieron insertarse en la sociedad y desarrollar una
    vida plena, ambas, profesionalmente, como artistas. Liebermann hizo una reputada
    carrera como pintora hasta su muerte en 1998, y Weissova siguió los pasos de su
    maestra Friedl, convirtiéndose en educadora artística.

     Hay que reconocer que la labor y enseñanza que ha dejado la artista y profesora
    vienesa ha tenido su repercusión posterior. Pero, si su carrera artística y como docente
    no se hubiese visto truncada al perder la vida en octubre de 1944 en el campo de
    concentración de Birkenau, habría podido desarrollar sus capacidades profesionales a un
    alto nivel, y se hubiese convertido en un referente importante en el campo de la
    educación y de las artes visuales. De todas formas podemos decir que su testigo ha sido
    recogido por otra persona. Edith Kramer, antigua alumna suya cuando trabajaba con
    niños refugiados, y considerada actualmente una de las pioneras del Arteterapia,
    reconoce la influencia de su maestra. Tanto el ánimo y entusiasmo característico de
    Brandeis como docente, como su metodología específica de indagación han marcado
    notablemente la labor investigadora de Kramer en los Estados Unidos. Principalmente
    el trabajo investigador de ésta ha tenido una perspectiva psicoanalista, considerando el
    arte como un medio para ampliar experiencias humanas que puedan conducir a resolver
    e integrar conflictos.


    EXPRESIÓN ARTÍSTICA EN SITUACIÓN EXTREMA: FRIEDL
    DICKER-BRANDEIS Y LOS NIÑOS DE TEREZÍN.

    redvisual.net

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  • 11/20/13--11:30: ALLAN R BANKS






  •  Artista norteamericano nacido en 1948

    Estudió con los artistas  Richard F. Lack y RH Ives Gammell. Pasó sus primeros años de entrenamiento  pintando de la naturaleza y estudiando a fondo  y copiando a los artistas clásicos, un proceso en la busqueda de encontrar la forma de pintar la naturaleza de una forma personal.
    Es conocido por sus pinturas al aire libre y retratos.









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  • 11/21/13--10:55: Fortunato Lacámera

  • Fortunato Lacámera nace en Buenos Aires el 5 de octubre de 1887. Trabaja en el Ferrocarril del Sur como aprendiz de telegrafista, empleo al que renuncia en 1912 para tomar lecciones vespertinas con Alfredo Lazzari en la Sociedad Unión de la Boca. Comienza así su formación artística, al tiempo que trabaja como pintor de brocha gorda y decorador de interiores.

    Desde 1919 concurre al Salón Nacional y, más adelante se presentará también en salones provinciales y municipales. En 1922 realiza su primera exposición individual en la Galería Chandler, para luego hacerlo también en la Asociación Amigos del Arte (1930); en el Salón Signo (1932), en la Galería Moody (1937), en los Salones de Arte del Banco Municipal (1940), en la Asociación Gente de Arte de Avellaneda (1942), en Impulso (1943) y en la Galería Antú (1950).

    En 1926 participa en los inicios del Ateneo Popular de La Boca. 


    En 1929 obtiene el Premio “Sociedad Estímulo de Bellas Artes”, en 1936 el Premio de Acuarelistas de la Dirección Nacional de Bellas Artes y dos años más tarde, el Premio Estímulo del Salón Nacional. En 1939, ingresa como docente en la Escuela Técnica de Oficios Nº 4.

    En 1940 funda la Agrupación de Gente de Artes y Letras Impulso, institución que presidirá hasta 1951, año de su fallecimiento. Lo acompañan en esta empresa los artistas Vicente Vento, José Luis Menghi, José Desiderio Rosso y cuenta con la temprana adhesión de Miguel Carlos Victorica. La agrupación inicia sus actividades con una gran exposición colectiva en la que presentan sus obras Quinquela Martín, Victorica, Diomede y el mismo Lacámera. Allí expusieron, entre otros artistas, Pettoruti, Centurión, Butler, Forner, Castagnino, Spilimbergo y Lucio Fontana.


    En 1950 recibe los premios "Rosa Galisteo de Rodríguez" del Salón de Santa Fe y "Eduardo Sívori" del Salón Nacional.

    El artista fallece el 26 de febrero de 1951 y, poco después, se realiza en Impulso la primera exposición póstuma de sus obras. Al año siguiente, el Teatro Iris de La Boca, coloca una placa conmemorativa.

    Su producción forma parte de importantes muestras colectivas realizadas en el país, como La pintura y escultura argentina en el siglo XX en 1952 y Ciento cincuenta años de arte argentino en 1960. Entre agosto y septiembre de 1978, se realiza en la Galería Balmaceda de Buenos Aires la exposición colectiva titulada Homenaje a Fortunato Lacámera, en la que representantes del arte contemporáneo como Luis Fernando Benedit, Víctor Grippo, Héctor Giuffré, Juan Pablo Renzi, Ileana Veggezi y Pablo Suárez, distinguen al artista a través de citaciones y recreaciones de su pintura.


    En 1987, en homenaje al centenario de su nacimiento, se realiza conjuntamente en las Galerías Kramer, Rubbers, Vermeer y Wildenstein, una muestra constituida por más de sesenta y cinco de sus obras. Entre las exposiciones más recientes dedicadas al artista cabe desatacar la retrospectiva que organizó el Centro Cultural Recoleta en el año 2000.

    Sus obras integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes; el Museo de Bellas Artes de La Boca “Benito Quinquela Martín”; el Museo Municipal de Artes Plásticas "Eduardo Sívori" y los museos municipales de Tandil, Junín, Mar del Plata, Bahía Blanca y Rosario, además del Museo “Pedro de Mendoza” en Santa Fe y el Liceo Militar "Gral. San Martín", provincia de Buenos Aires.
     buenosaires.gob.ar/areas/cultura/arteargentino/

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  • 11/21/13--13:10: Émile Jourdan

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    '''Émile Jourdan''' (1860, Vannes+ – 1931, Quimperlé+) fue un pintor francés que se convirtió en uno de los artistas que se reunieron en el pueblo de Pont-Aven, en Bretaña
    Hijo de Prosper Jourdan, un funcionario de aduanas, disfrutó de una infancia feliz en Vannes, en el sur de Bretaña. Comenzó a pintar a la edad de 16 años. En 1880, asistió a la École des Beaux-Arts  en París, donde fue instruido por William Bouguereau y Tony Robert-Fleury  hasta 1886. También estudió en la Académie Julian . Con el dinero que  recibía de  sus padres,  compartió un gran estudio con su compañero de estudios Édouard Michelin
    En el verano de 1886, llegó a Pont-Aven  donde durante su estancia en el Pension Gloanec, conoció a Paul Gauguin. También se convirtió en amigo de los otros artistas que se habían reunido allí, incluyendo Émile Bernard, Ernest de Chamaillard, Charles Laval y Henry Moret. Decidió establecerse en Pont-Aven, donde vivió hasta su muerte en 1931. Bajo la influencia de Gauguin, adoptó su estilo sintético de  pintura y se hizo conocido como'' Le peintre de la lumière'', el pintor de la luz.

    En 1891, se unió a Gauguin y sus amigos en el taller Lézaven. Conoció a Maxime Maufra en el Hotel de Bretagne en Pont-Aven, donde comenzó un romance con Catalina Guyader, una camarera de 19 años de edad. En 1992, se fueron a vivir juntos y al año siguiente nació  su hijo Yann, seguido por una hija, Renée, en 1896, y un segundo hijo, Guy, en 1901.


    Después de la muerte de su madre en 1907, empezó a sufrir carencias. Incapaz de pagar el alquiler, el propietario le expulsó y subastó sus muebles y pinturas. A partir de entonces se convirtió en un mendigo, moviéndose entre Pont-Aven, Riec-sur-Belon y Moëlan donde tuvo la suerte de ser apoyado por un tiempo por los amigos. Después de 1910, su pintura se hizo más sombría, lo que refleja su ansiedad.

    Pronto fue incapaz de mantener a su familia que lo dejó cuando vivían en un ático en Pont-Aven. En 1927, tuvo la suerte de conocer a la señora Halley, una rica  australiana, que lo ayudó durante un año, pero como no estaba dispuesto a trabajar bajo sus órdenes,  dejó de ayudarlo.

    En 1931, murió en un hospicio en Quimperlé,  alcohólico y en la miseria

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  • 11/22/13--10:24: EMILE BAES


  • 1879 o 1889 –1954
      Nació en Bruselas, estudió con Stallaert en l´Acdémie des Beaux Arts de Bruselas. Completó sus estudios con Bonnet y Cabanel en Paris

    Trabajó como pintor, ilustrados e escritor. Es conocido por sus pinturas históricas, retratos, desnudos y paisajes.  La mayoría de sus temas son de mujeres, incluyendo Salomé. Mesalina y Cleopatra. La obra de Flaubert y el estilo y composición del simbolismo influyó en el desarrollo de su obra.

    En su obra tambien se encuentran elementos compositivos orientaliestas de moda a finales del siglo XIX  y principios del XX en sus trabajos parisinos.  En 1903 y 1094 expuso en el Salón de Bruselas.  Entre 1928 y 1933 expuso en el Salón de Otoño de París y hasta 1938-39 en el Salón des Artistes Franceses y el Salón des Tulleries. Escribió Les dieux sadiques, Princesesse d´Amour-  Murió en París en  1954



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  • 11/22/13--12:40: Hans Purrmann


  • Pintor y grabador expresionista alemán. Nació en Espira en  1880 y falleció en Basilea, Suiza en 1966
    Estudió en la Academia de Artes de Munich, compañero de Paul Klee y Vassily Kandinsky

    En invierno 1904-1905, Purrmann se trasladó a Berlín y se convirtió en un miembro de la Berliner Secession, con  la recomendación de Max Liebermann. Participó regularmente en exposiciones en las exposiciones del grupo. En noviembre de 1905, Purrmann se trasladó a París, donde conoció a los   "fauves", como Matisse  y Derain . Más tarde  llevó a cabo visitas a varias ciudades alemanas con Matisse. Su matrimonio con el artista Mathilde Vollmoeller (1876 - 1943) en enero de 1912 lo llevó a Beilstein bei Heilbronn.

    Durante la guerra, perdió  su estudio y muchas de sus obras. A partir de 1915, Purrmann participó en casi todas las exposiciones del grupo Secesión de Berlín. En 1916, se trasladó definitivamente a Berlín. Entre junio y julio de 1918 celebrará su primera gran exposición individual en la galería  de arte Paul Cassirer. 

    En marzo de 1919 por sugerencia de  Liebermann y de Slevogt,  el artista se unió a la Academia Prusiana de las Artes. Compró una cabaña de pesca en Langenargen . Se quedó allí con regularidad hasta 1935. También realizó una serie de viajes a Sorrento, Ischia, Nápoles, Munich y Roma. 




    En 1925, expuso en la Galerie Pro Arte de Basilea y Kaiserslautern. Cuando cumplío  50 años, en abril de 1930, la prensa  y el Ministerio del Interior alemán, le hizo entrega de un premio. En noviembre de 1934, hizo su último viaje a París antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, donde una vez más se reunió con Matisse. En octubre de 1935 se trasladó a Italia y se convirtió en jefe de la fundación de los artistas alemanes, Villa Romana.

    Purrmann fue tildado de "artista degenerado" por los nazis. Un gran número de sus obras gráficas fueron retiradas de varios museos. Dos de las obras de Purrmann se incluyeron en la exposición "Arte degenerado".
     En marzo / abril de 1943, el artista tuvo una exposición individual en Florencia. En el mismo año, su apartamento de Berlín fue destruido por un bombardeo de los aliados. 




    Purrmann huyó de Italia a Suiza. En 1948, se le concedió un permiso de trabajo de las autoridades suizas. Se trasladó a la Casa Camuzzi  en el lago de Lugano. En 1950, expuso 64 cuadros, 27 acuarelas y 26 dibujos en el Kunstmuseum Luzern, también hizo una exposición individual en el Pfalzgalerie en Kaiserslautern, que viajó a Speyer, Mannheim, Stuttgart, Munich, Hamburgo, Bremen y Bochum. Participó en la primera "documenta" de Kassel en 1955.
    Desde abril de 1959, el artista vivió en Villa Massimo en Roma. Cayó gravemente enfermo y pasó a depender de ayudantes y de una silla de ruedas. En su 80 cumpleaños, la Kunstverein Hannover organizó la mayor exposición de sus obras. En 1962, una exposición retrospectiva de sus  viajó  por Munich, Baden-Baden, y Frankfurt am Main. Pasó los últimos meses de su vida, trabajando en numerosos retratos.
    El 17 de abril 1966, murió en un hospital de Basilea, y fue enterrado en Langenargen el 22 de abril.


    hans-purrmann.com

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  • 11/23/13--13:58: Albert Weisgerber

  • Hans Purrmann, Albert Weisgerber, Henri Matisse in München (Foto,1910)

    Albert Weisgerber   1878 Ingbert-1915 Fromelles. Pintor y artista gráfico alemán.


    Estudió en Kaiserslautern y en 1894 empezó a trabajar como pintor decorativo en Frankfurt.  En 1894 se matriculó en la Escuela de Artes Aplicadas de Munich y completó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Munich.  Desde 1897  hasta 1913 trabajó para la revista   Die Jugend-  En 1898 fundó con sus amigos Alfred Kubin, Rudolf Levy y  Alfred Lörcher el grupo Sturmfackel
    File:Pariser restaurant Albert Weisgerber.jpg
     Despues de hacer el servicio militar en  1902  hizo varios viajes, incluyendo París donde vio las obras de los impresionistas y conoció, entre otros, a Matisse.  Se sintió muy influenciado por Toulouse-Lautrec, Cézanne, Manet y el Greco, lo cual se evidencia en su estilo de pintura.  Su éxito comenzó en 1906 cuando la galería  Städtische de Frankfurt y la pinacoteca de Munich le compraron obras.

    En 1907 se casó con Margaret Pohl, hija de un banquero judío de Praga.

    File:Weisgerber, Albert - Pulakt se zlutymi kalhotami (1910).jpg
    En 1909 viajó a Florencia, donde influenciado por la pintura clásica italiana, intentó un nuevo estilo.  Le concedieron la medalla de oro  X Kunstausstellung  en Munich y ese mismo año hizo una gran exposición en Munich y otra en Dresden en  1911.  De nuevo cambió su estilo, inclinandose hacia una variedad de temas  religiosos, exponiendo en Paul Cassirer en Berlin, en Kunsthaus Zurich y en Sonderbund Colonia. Fue miembro fundador  y presidente de la Neue Münchener Secession en  1913, entre cuyos miembros se encontraban Alexej von Jawlensky, Paul Klee, Alexander Kanoldt y otros.  Weisgerber vio su primera exposicion con con el grupo Neue Münchener Secession poco tiempo antes de ser herido y morir en la guerra de 1914


    Titulo de la imágen Albert Weisgerber - Bal of 4 manner (of) III

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  • 11/24/13--12:44: Matias Quetglas







  •  Ciudatella- Baleares-1946
    El Mediterráneo es la cuna de Quetglás, su fuente de vida y de inspiración. Llegó a Madrid con diecinueve años para cumplir el servicio militar y se quedó después para estudiar en la Escuela de Bellas Artes con Antonio López, Francisco Echauz y Barjola. Allí, y en su primer año de estudios, conoció a María Antonia, estudiante de arte, con quien se casaría posteriormente y que fue su modelo durante muchos años.
    Antes de terminar sus estudios universitarios realizó su primera exposición individual en la Galería Skira de la capital, recibiendo elogios de pintores como Eusebio Sempere y la galerista Juana Mordó, que le contrató en 1970 y con la que trabajó hasta su muerte en 1985. En esta primera etapa su obra tiene un aire ritual y de celebración, entre el surrealismo y la pintura religiosa.
    Seguidamente alternó los bodegones, como el de "Ave y flores" que aportó a la colección UEE en 1986, con una larga serie de retratos de su esposa en los que primó lo sustantivo sobre lo adjetivo. Un reflejo de su concepto de la pareja y de las situaciones pasionales que se viven en la unión de dos.
    Evolucionando en su carrera, pero sin romper con el pasado, centró entonces su atención en las posibilidades narrativas de la figuración, convirtiendo a los personajes en transmisores de "lo que sucede" y no en intérpretes de sí mismos. Sin embargo, ante las dificultades para contar historias del natural, prescindió de modelos para sus creaciones desde 1985. Esa experiencia de "realismo de memoria" le llevó hacia una imagen más simplificada y esencial, más abierta en el lenguaje y a la experimentación en la que queda patente la influencia y devoción que siente por maestros como Rembrandt, Velázquez, Bacon, Picasso, etc.
    El menorquín es un artista completo, que trabaja indistintamente como pintor, grabador o escultor, con una constante inspiración basada en el sentimiento metafísico y la voluntad de comunicación afectiva.
    Violant Porcel, crítica de arte, comenta que "...cuando observamos una obra de Quetglás nos seduce su riqueza de contrastes, escenas próximas y a la vez atemporales en que las figuras se perfilan agitadas a la par que hieráticas y distantes. Encontramos en él la libertad de la abstracción combinada con el control de la figuración. La modernidad en las texturas y el clasicismo en el dibujo. Ahí reside quizá el gran encanto, el misterio de la obra de Matías Quetglás, cuya singularidad en el panorama artístico español se conjuga con la solidez con que se sitúa en esta nueva dimensión neofigurativa, imaginativa, que ha conquistado el horizonte internacional".
    Esa unión de claves creativas es la que ha hecho que su obra haya sido muy bien acogida desde que comenzara a ser mostrada hace cuarenta años en galerías, museos y exposiciones de Madrid, Barcelona, Munich, Colonia, Milán, París, Helsinki,..

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  • 11/25/13--11:06: MANOLO MOLDES

  • Nacido en Pontevedra, en 1949, Manuel Rodríguez Moldes estudia Arquitectura en Madrid, donde también aprende a trabajar el hierro forjado, en la Escuela de Artes y Oficios. Dibuja incansablemente y la pintura cada vez le absorbe más. Allí hace descubrimientos importantes y profundiza sus conocimientos en maestros de las vanguardias históricas como Picasso, Miró o Dalí, que le seducen fuertemente. Sus primeras apariciones públicas se producen en las muestras colectivas de la Plaza de la Princesa de Vigo, en la década de los setenta. Instalado definitivamente en Pontevedra, en 1976, se dedica a pintar de manera casi atormentada, en un reencuentro consigo mismo y con su ciudad natal. En 1980 participa activamente en las experiencias del colectivo Atlántica, un movimiento definido por el fervor de un grupo de artistas que, con planteamientos plásticos muy diversos, se aglutinaban por el interés común de modernizar el enquistado escenario plástico gallego. Una vez que los protagonistas de Atlántica individualizan sus trayectorias profesionales, Moldes escoge la vía más difícil, quedándose en Pontevedra, lejos de los circuitos artísticos más activos de las grandes capitales, para desarrollar su trabajo sin prisas, fortaleciéndolo constantemente en virtud a la sinceridad en sus modos de expresión. Sus inicios, en los setenta, cercanos al expresionismo abstracto de carácter gestual van evolucionando hacia una figuración, primero de carácter esquemático y, finalmente, de elementos y personajes rotundos, distorsionadamente voluminosos, en unas composiciones de acertado barroquismo en las que se dan cita la tradición y la modernidad. Hasta casi mediada la década de los noventa, sus obras son excepcionalmente matéricas, con profusas inclusiones de elementos u objetos ajenos a la práctica pictórica tradicional, frecuentemente con una temática social ó de referencias galaicas. Y ya en los últimos años, Moldes cambia sustancialmente su lenguaje plástico a favor de unas propuestas abstractivas de corte alegórico.
    LITERATURA:
    Manuel R. Moldes, Catálogo Diputación Provincial de Pontevedra, 1995


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  • 11/25/13--11:35: Alberto Quintana Salazar

  • Santurtziarra de adopción y gasteiztarra de nacimiento, nació en la primavera de 1943. Comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Sestao, donde se incorporaró a la labor docente, para marchar poco después a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Pintor y maestro de pintores, ha fundado y dirigido varias academias en Burceña, Baracaldo, y la Academia Studio de Santurtzi, donde continúa impartiendo su arte. 

    Ha expuesto, individualmente o de manera colectiva, en varias ocasiones: Itinerante Ezkerraldea Plastika 9, por los municipios de Gallarta, Sestao, Baracaldo, Muskiz, Portugalete, Santurtzi en 1998; 'Plástica industrial y urbana' en 2005, 'Sestao Metrópolis IV' en 2012, etc. 

    Su virtud artística quizás sea que cuando pinta dibuja y que cuando dibuja pinta. La limpieza con la que descansan sus pinceladas en el lienzo, la ternura con la que vibran sus colores, la intimidad ensoñada de su mirada, nos hacen advertir, desde el primer golpe de vista en cualquiera de sus obras, que aquello ante lo que estamos es colosal. 

    Su estilo ha variado en el tiempo, porque su pintura siempre ha estado viva. Polifacético en el arte de la representación bidimensional, no hay técnica en la que no haya experimentado, fabricado y amaestrado: la paleta del óleo no le guarda ningún secreto, sus dibujos son precisos sin perder la menor fuerza, sus grabados impresionan por su capacidad de proyectar cada trabajo y ejecutarlo con sus buriles con precisión de cirujano, sus pasteles precisos y directos, murales románticos y evocadores... Los temas que representa son muy variados: retratos, bodegones, paisajes, figura humana,... Y todos, sin dejar uno solo, realizados con total plenitud creadora. 

    Sin lugar a dudas, podemos decir que estamos ante uno de los Pintores contemporáneos sin los cuales no se puede escribir la historia del arte vasco.

    elcorreo.com

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