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  • 09/22/14--10:29: Abel Manta


  •  1888 —  1982
     Abel Manta nació en   1888 en   Lisboa.  Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa. Recibió el premio de la Sociedad  Nacional de Bellas Artes
     En el año  1935, expone en el primer Salon de Arte Moderno de Lisboa, en la primera y segunda exposición de Artes Plásticas de la Fundación Calouste Gulbenkian ganando el primer premio de pintura y dibujo.  En 1958, recibe la condecoración de la Orden de Santiago y Espada. Se abre un museo con su nombre- Museu Municipal de Arte Moderna Abel Manta´en la ciudad de Gouvela en Portugal -
    Su arte se caracteriza por su densidad expresiva, sutileza y cromatismo

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  • 09/23/14--10:57: Amadeo de Souza-Cardoso
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    Amadeo de Souza-Cardoso

     

     

    (1887 , Manhufe - 1918 , Espinho )

     

    Nacido en el seno de una familia rica, por presión familiar comenzó a estudiar Derecho en la Universidad de Coímbra. Sin embargo, pronto abandonó la carrera y se cambió a un curso de Arquitectura en la Academia de Bellas Artes deLisboa en 1905. Sin embargo, su inquietud creativo lo llevó a viajar a París en 1906, donde se instaló enMontparnasse con la intención de continuar estudiando. Sus primeras experiencias artísticas conocidas fueron diseños y caricaturas. Posteriormente se dedicó a la pintura. Puede decirse que en su estilo alternó el impresionismo,expresionismo, cubismo, futurismo pero siempre rechazó cualquier etiqueta estilística. A pesar de las muchas influencias artísticas en su obra siempre procuró buscar originalidad y creatividad. En 1908 se instaló en el número cartorce de la Cité de Falguière. Frecuentó talleres preparatorios para la Academia de las "Beaux-Arts" y la "Academia Viti" del pintor catalán Anglada Camarasa, pero nunca llegó a ser admitido. En 1910 pasó algunos meses en Bruselas y en 1911 expuso sus trabajos en el Salon des Indépendants en París, aproximándose progresivamente a las vanguardias y artistas como Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi, Alexander Archipenko, Juan Gris yRobert Delaunay. En 1912 publicó un álbum con veinte diseños y enseguida copió el cuento de Gustave Flaubert "La Légende de Saint Julien l'Hospitalier", trabajos ignorados por los marchantes de arte.
    Después de participar con ocho trabajos en una exposición realizada en 1913 en el Armory Show (Estados Unidos), regresó a Portugal, donde realizó dos exposiciones en Oporto y Lisboa. En ese mismo año también participó en el Herbstsalon de la galería Der Sturm en Berlín. En1914 se encontraba en Barcelona con Antoni Gaudí y marchó a Madrid, donde lo sorprendió el inicio de la Primera Guerra Mundial. Regresó entonces a Portugal,donde se casó con Lucía Peretto e inició una meteórica carrera en la experimentación de nuevas formas de expresión, pintando con gran constancia hasta el punto de que en 1916 expuso en Oporto, bajo el título de "Abstraccionismo", 114 obras, que también fueron expuestas en Lisboa donde fueron recibidas con novedad y cierto escándalo por su estilo atrevido.
    Durante esta época el estilo cubista fue una influencia decisiva en su cubismo analítico. También exploró el expresionismo, y en sus últimos trabajos experimentó con nuevas formas y técnicas como el collage y otras formas de expresión plástica.
    El 25 de octubre de 1918, a los 30 años, murió prematuramente en Espinho, víctima de la llamada gripe española que había llegado a la península ibérica.

     Wikimedia Foundation

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  • 09/23/14--12:07: José de Almada Negreiros




  • José de Almada Negreiros

    José Sobral de Almada Negreiros nació en Santo Tomé y Príncipe, (entonces colonia portuguesa), el 7 de abril de 1893.
    Poeta y pintor, está considerado una de las figuras fundamentales del movimiento modernista en Portugal.
    Fue influenciado por el cubismo, pero sobre todo por el .
    Aunque realizó varios trabajos de propaganda durante la dictadura de Oliveira Salazar, en sus trabajos abordó de forma constante la crítica a la sociedad de aquellos años.
    Comenzó a trabajar como humorista y dibujante hasta su primera exposición individual en 1913, en la Escuela Internacional de Lisboa, en la que presentó noventa dibujos.
    En 1915 comenzó a publicar su poesía en la revista Orpheu.
    En los primeros años de su carrera, fue muy prolífico, realizando además de una gran cantidad de cuadros, caricaturas, grabados, vidrieras, murales, diseño de tapices, de escenografías teatrales, coreografías de ballet, portadas para revistas e ilustraciones para distintas publicaciones.
      Realizó un viaje de estudios a París y Munich.
    Sumándose a los movimientos de la vanguardia europea en los inicios del siglo XX, en 1915, fundó junto a, entre otros, los escritores Fernando Pessoa y Mário de Sá-Carneiro, y los pintores Amadeo de Souza-Cardoso y Santa Rita Pintor, el grupo “La generación de Orpheu”, que pretendía agitar, subvertir y escandalizar a la burguesía conservadora y convencional de todas las clases sociales portuguesas, mediante de la publicación de una revista: “Orpheu”, de contenido literario y pictórico.
     Con esta publicación perseguían el objetivo de lograr un cambio en la mente de la sociedad, en sus miras de futuro y la fe en su propia capacidad.
    El grupo estuvo fuertemente influenciado por el futurismo, sobre a raíz de la publicación del manifiesto ruso “Una bofetada en la cara de gusto del público”, en 1913.
     Ese mismo año Almada escribió uno de sus textos más conocidos, un texto satírico: “Manifiesto contra Dantas e porción extensor”, en la que criticó ferozmente de forma humorística a Julio Dantas, intelectual que defendió los patrones tradicionales, oponiéndose tenazmente a los movimientos vanguardistas.
     En el transcurso de la Primera Guerra Mundial, Robert Delaunay y su esposa Sonia, ambos pioneros del orfismo, se refugiaron en Portugal, donde contaron con el apoyo de Almada, entablando una gran amistad que duraría toda la vida.
    De 1918 a 1920, el pintor vivió en París, donde incluso trabajó como bailarina para ganarse la vida.
     En la década de 1920 publicó varias obras literarias, escribió numerosos artículos y dibujos para portadas de diversas revistas y periódico.
    Se unió a la “Exposición de la Cinco Independientes en 1923 y participó en el Salón de Otoño en 1925 y 1926.
    De 1927 a 1932 vivió en Madrid.
     Políticamente mantuvo una postura ambigua durante la dictadura de su país, por un lado, como decíamos produjo numerosos carteles de propaganda y murales para lugares públicos, y por otro lado, fue un supuesto provocador de la intolerancia conservadora de aquellos años.
    Murió en Lisboa, Portugal, el 15 de julio de 1970.
    Referencia trianarts

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  • 09/24/14--14:12: Graça Morais


  • "Pintar é um exercício de grande verdade comigo mesma e com o mundo"



    "A minha aldeia está presente em tudo o que faço"



    "Não abri as portas docemente, tive que as empurrar"

     


    Nace en  1948 en Vieiro, Tras-os-Montes, en el nordeste de Portugal. En 1957-58 vive en Mozambique. Regresa  a vieiro al año siguiente. En 1961 ingresa en el colegio Vila Flor y comienza a pintar.  En 1967 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de Oporto. En 1970 viaja a Londres, Amsterdam, Roterdam y París y queda deslumbrada por Rembrant, Van Gogh y descubre la obra de Francis Bacon. 

     

    En 1971 se casa con el pintor Jaime Silva y comienza a dar clases de pintura en la Escuela de Artes Decorativas Soares dos Reis en  Oporto. Desde 1972  hasta 1974 reside en Guimaraes, donde da clases de Educación visual y realiza su primera exposición en  el Museo Alberto Sampaio.  En 1975 participa en la II encuentros internacionales de Arte en Viana do Castelo. 

     

     Entre 1976-78, funda con otros ocho artistas el Grupo Puzzle, con el cual, durante ocho años, presenta numerosas exposiciones  dentro y fuera de Portugal.  En 1977 viaja a París con una beca de la fundación Calouste Gulbenkian. Conoce a Arroyo y a Rancillac y profundiza en el estudio de la obra de  Picasso, Matisse y Cezanne.  Al año  siguiente hace una exposición individual "A Caça" en el centro Cultural Portugués en París. Regresa a Portugal en  1979 y se establece en Lisboa. En 1981 regresa a Vieiro acompañada de su hija Joana y durante dos años pinta y dibuja intensamente.  

     

    En  1982 visita Westkunst, Kassel y la Bienal de Venecia y participa en la exposición "Dessin Contemporain Portugais" en Bona,  Osnabruck y Lausanne.  Al año siguiente regresa a Vieiro y comienza una relación profesional con Manuel Brito, realizando una exposicion en la Galería 111 de Lisboa .  En 1984, en un taller improvisado, en Lisboa, realiza 20 0bras sobre lienzo que serían  expuestas en el Museo de Arte Moderno de S. Paulo en Brasil y al año siguiente  expone "Mapas  e o Espirito da Oliveira" en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.

     

    Se separa de Jaime Silva en 1985 y expone "erotismo e Morte" en la Universidad de Granada. Participa en  "Feminie 85", expone en la casa de la UNESCO en París  y expone en el World Trade Center en Nueva York. Al año siguiente  visita Italia y  participa en las exposiciones  "Kunstler aus Nordportugal" en Alemania y en Luxemburgo, en Arco, en la XII Bienal de Pontevedra y expone en  Southampton.

    En 1987 ilustra un libro de José Saramago y expone en Portugal, Francia, Brasil y Estados Unidos

     

    En 1988 se va a Cabo Verde. Expone en 1990 en Macau y participa en la exposición  "A survey of Portuguese Art" en Nueva York-

    En 1991 recibe el premio SOCTIP  y al año siguiente expone en Washington y visita Japón...

      Hasta el momento- porque la biografía se va a hacer muy larga-  ha expuesto en todo el mundo, es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes,  de diversas fundaciones culturales y ha recibido numerosos premios












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  • 09/25/14--14:32: David de Almeida


  •  Nació en 1945 en S. Pedro do Sul. Asistió a la escuela Antonio Arroio donde hizo un curso de grabador y litógrafo e hizo un curso de grabado en metal en la cooperativa de grabadores portugueses. Becado por la fundación Calouste Gulbenkian vivió en Francia.  Realizó un curso de holografía en el Goldsmith College, en la universidad de Londres. Becado de nuevo por la Fundación Calouste Gulbenkian estuvo en París con Stanley Hayter

     Ha participado en numerosas exposiciones como en la Artexpo de Nueva York y Los Angeles, Estampa en Arco, Madrid, en Frankfurt y en las bienales internacionales de Sao Paulo, Cracovia, París, San Francisco, etc.

    Ha recibido numerosos premios y medallas a lo largo de su carrera artística

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  • 09/26/14--11:21: António Dacosta




  • Poeta y pintor portugués. Dacosta nació en Angra do Heroísmo en 1914. Se trasladó a Lisboa en 1935, donde estudió bellas artes. Tambien estudió en París, ciudad en la que se instaló definitivamente en 1947.

    Su pintura se instala en el estilo surrealista. Participó en la exposición surrealista de París en 1949.

    Para este pintor, la poesía representaba un complemento para el arte y la utilizaba como catalizador en su proceso creativo. 
                     

    Murió en París en 1990

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  • 09/29/14--13:03: Columbano Bordalo Pinheiro

  • Columbano Bordalo Pinheiro (Lisboa, 21 de noviembre de 18576 de noviembre de 1929) fue un pintornaturalista y realistaportugués.


    Hijo del también pintor y escultorManuel Maria Bordalo Pinheiro, inició su formación en la Academia de Bellas Artes de Lisboa, donde fue alumno de Simões de Almeida, un afamado escultor del romanticismo portugués.


    Para compeltar su formación, marchó a París, gracias a una beca de estudios costeada por el rey consorte Fernando II de Portugal, por aquel entonces ya viudo de la reina María II de Portugal. Allí recibió la influencia de pintores como Édouard Manet o Edgar Degas, que se manifestaron posteriormente en su obra. También en París tuvo lugar, en 1882, una grande exposición de su obra en el famoso Salón de París. En dicha exposición se presentó al público su obra Soirée chez Lui, que fue sorprendentemente bien acogido por la siempre exigente crítica artística parisiense.

    De regreso a Portugal, se unió al "Grupo do Leão", que pretendía renovar la estética artística del país. De este período son sus célebres retratos de Ramalho Ortigão, Teófilo Braga, Eça de Queirós o Antero de Quental. También en esta época Columbano ilustró mediante frescos (los conocidos como Painéis dos Passos Perdidos) la sala de recepciones del Palácio de São Bento, en Lisboa.


    En 1901, se convirtió en profesor de pintura histórica en la Academia de Bellas Artes de Lisboa, donde se había formado, y en 1914 fue nombrado director del Museo de Chiado (el Museo Nacional de Arte Contemporáneo) por el nuevo régimen republicano recién instaurado, sucediendo así en el cargo a Carlos Reis.



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  • 09/29/14--13:54: Júlio Pomar
  • Júlio Pomar- nació en Lisboa en 1926. Pintor y escultor portugués. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Lisboa y Oporto. Realizó exposiciones en Lisboa y París.

     Hizo su primera exposición individual en Oporto. Comenzó siendo influenciado por los grandes muralistas mejicanos como Orozco y Rivera, pero no tardó en absorber distintas tendencias. Fue el principal representante del neo-realismo en la pintura portuguesa en el periodo 1945-1957, pero siguio otros caminos en épocas posteriores.  






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  • 09/30/14--12:48: António Carneiro

  • (1872 Amarante - 1930, Porto)

    António Teixeira Carneiro Jr. nació en Amarante. Es uno de los grandes nombres de la pintura y el dibujo en Portugal, en la transición desde el fin del arte en  decadencia del siglo de experimentación modernista. La creación frenética de paisajes y autorretratos, escenarios históricos y religiosos, en cientos de óleos, acuarelas y sanguinas,  que reaccionan con el naturalismo, un acercamiento inusual a la cultura simbolista. Defendiendo el arte como la adoración de lo espiritual y lo bello, pone estos valores en su centro de trabajo de  artista plástico y poético, dos vertientes que articuló  en el movimiento literario d 'El Águila y el Renacimiento portugués. Cultivando  un personaje profético, empeñado religiosamente  en el cometido del  arte, su creciente interés en la idea de interioridad e idiosincrasia lo lleva a gestos líricos, abstractos y expresionistas. Su extensa obra ha sido galardonada fuera de sus fronteras, con éxito en Brasil, y es objeto de homenajes oficiales en Portugal, lo que entra en la historia como uno de los bateadores de la modernidad artística lusitana.

    António Carneiro murió en Oporto. La Casa-Taller António Carneiro fue abierta al público (1973) y ademas  su obra se encuentra en los principales museos nacionales que le  dedicaron espacios permanentes en diversas instituciones culturales.

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  • 10/01/14--12:22: ALBA ROQUETA




  • Nació en 1962 en Artés (Barcelona) y desde 1986 vive en Castell d ' aro, que reconoce es donde se despierta  todo su  interés por el arte y donde continúa haciendo gran parte de su obra, rodeada por las sensaciones que ofrece l´Emporda.. Ha realizado cursos en diferentes centros artísticos. Ha expuesto  en Girona con el artista Domènech hito, en 1996 en la Escola Massana de Barcelona, en el Centro Cultural de la misericordia de Girona y  con el artista Avallone, en el Cercle Artístic de Sant Lluc, Barcelona.

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  • 10/02/14--13:19: Juan Navarro Baldeweg




  • "Arquitecto, pintor y escultor. Es autor del complejo arquitectónico del Museo de las Cuevas de Altamira."
     Nace en Santander, en 1939, donde estudia dibujo y pintura. En la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid se forma en grabado a partir de 1959. Al año siguiente realiza su primera exposición pictórica en la Galería Fernando Fe, también en la capital de España. En 1974, una beca de la Fundación Juan March le permite viajar al Centro de Experiencias Visuales Avanzadas, del Instituto de Tecnología de Massachussets, para completar y desarrollar sus investigaciones. Ha sido profesor en las universidades de Harvard, Pensilvania, Yale, y catedrático de la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid. Desde 2003 es académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.



    Información- España es cultura

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  • 10/04/14--12:50: Darío Villalba




  • Nace en San Sebastián, en 1939. Adquiere su 
    formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en el taller de André Lothe, en París, y en el Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Harvard. En 1966, comienza sus figuras en cápsulas de metacrilato y plástico, manteniendo una línea expresionista. Abandona la pintura, a partir de 1972 para utilizar fotografías en blanco y negro, ensayando procesos de descomposición y recomposición con una temática sobre la demencia, la crueldad y la violencia. En 2001 en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) realiza una exposición denominada "Documentos básicos 1957-2001", un diario en imágenes que recoge el planteamiento general de su obra.
    Premios
    Premio Internacional de Pintura de Sao Paulo (1973)
    Premio Internacional del Jurado, XIII Bienal de Arte Gráfico, Ljubliana (1979)
    Gran Premio en la VIII Bienal Internacional del Deporte en las Bellas Artes (1982)
    Premio Nacional de Pintura (1983)
    Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2002)
    información España es cultura

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  • 10/05/14--12:47: Ellis Jacobson


  • Ellis Jacobson (San Diego, 1925 - Palma de Mallorca, 23 de agosto de 2013) fue un caricaturista y pintor estadounidense que vivió la mayor parte de su vida enPalma de Mallorca (España), donde desarrolló su obra.


    Estudio en el The Art Institute de La Jolla y en el Chouinard Art Institute en Los Ángeles. Muy atraído por el mundo del cómic, se inició como dibujante haciendo caricaturas de los actores y actrices de Hollywood. Después viajó a Europa para recalar en París, donde estudio en la Académie de la Grande Chaumièr y pudo conocer a Picasso. Siguió formándose en Roma en el Studio Hinna, y al inicio de la década de 1960 visitó España y se quedó a vivir en Palma de Mallorca.
    Hombre de carácter tozudo y enérgico, siempre quiso estar alejado de la parte que de mercado tiene el arte; «es imprescindible hablar mal de los galeristas. Y con razón», decía. Esta compleja relación de un artista que vivía de su obra, le llevó a negar la venta a quien le caía mal. En Mallorca trabó amistad con otros anglosajones allí afincados, como el escritor Robert Graves, y con artistas españoles como Joan Miró.3 Gran dibujante, dedicó una parte de su obra a plasmar en el retrato el paso del tiempo y el sufrimiento. Sobre ello ha señalado Joan Carles Gomis, «Ellis decidió hace tiempo que su pintura está del lado de los que sufren y de los perdedores». Inquieto, trabajó tanto la pintura figurativa, como el expresionismo abstracto. Mantuvo en su vida la pasión por ambas técnicas pictóricas y, además, desarrolló cada una metódicamente en estudios separados. Ha sido reconocido por su gran conocimiento del dibujo y el color en todas sus manifestaciones y utilizó todo tipo técnicas como de materiales, sintiendo predilección, con el paso de los años, por el papel. Su obra está expuesta en diferentes museos y ha recorrido distintos países como Alemania, Reino Unido o Italia, además de Estados Unidos y España.


    Su presencia en Mallorca fue parte importante en el renacer cultural de la isla en el tardofranquismo. Su actividad no se limitaba a la creación, sino que fue un activo formador de otros artistas y supo transmitirles con generosidad los conocimientos y técnicas que dominaba. También donó 150 obras a las instituciones de Baleares. Fue parte del llamado Grup Dimecres (Grupo Miércoles), en el que un conjunto de artistas e intelectuales heterogéneo se reunían un miércoles de cada mes para intercambiar sus trabajos, ideas y opiniones y donde se encontraban, entre otros, Steve Afif, Rafael Amengual, Miquel Brunet, Jim Bird, Ritch Miller y John Ulbricht. Tres días antes de fallecer se inauguró una exposición retrospectiva sobre sus 50 años en España.
    Wikimedia Foundation

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  • 10/06/14--12:32: Wolf Vostell



  •  «TV Burying», 1963

    "Miss America" (1968)



     «Electronic Dé-coll/age, Happening Room», 1968



    (1932, Leverkusen, Alemania -1998, Berlín, Alemania). Entre 1950 y 1953 realiza sus primeros estudios de Arte, así como trabajos de pintura, fotografía y litografía en Colonia y Wuppertal. En 1954 viaja a París y acuña el término "Dé-coll/age", que aplicaría a obras sonoras, visuales y acciones. Entre 1955 y 1956 completa sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de París y, en 1957, en la Academia de Artes de Düsseldorf. Al año siguiente comienza a incorporar receptores de TV a sus obras visuales, en lo que puede señalarse como pionero. Creador delHappening, en 1962 coordina con Nam June Paik el primer Festival Fluxus en el Museo de Wiesbaden. 



    De su ingente y multidisciplinar labor artística destaquemosP.C. Petite ceinture (1963, París), suhappening En Ulm, dentro de Ulm y alrededor de Ulm (1964), el happeningradiofónico Hören und Spielen (1969, WDR de Colonia), el hormigonado de automóviles en Colonia y Chicago, el Fuxus Zug -un tren de 125 m. de longitud formado por 9 contenedores con 7 ambientes del autor (1981), la ópera El Jardín de las Delicias(1982) en el Festival Pro Musica Nova de Bremen, su participación en la Documenta 6de Kassel o su última exposición individual en España, Sarajevo, en la Fundació Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca (1994). Habiendo compaginado desde los años 70 su residencia entre Berlín y Malpartida de Cáceres, en esta localidad funda en 1976 el MVM (Museo Vostell Malpartida), al que dedica desde entonces y hasta su muerte un esfuerzo continuado y entusiasta.



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  • 10/07/14--11:34: Anselmo Miguel Nieto



  • Anselmo Miguel Nieto (Valladolid, 1881 - 1964). Destaco como pintor de retratos, en especial
     femeninos, donde seguía los pasos de Zurbarán o el mismo Romero de Torres, con una obra dotada de gran sensualidad. Evolucionó desde el realismo expresionista al modernismo, y se reconoce la influencia de la pintura de Joaquín Sorolla en la luminosidad.

    Hijo de una familia modesta, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Valladolid, entonces dirigida por el artista José Martí y Monsó. Marchó a Madrid en 1900 para continuar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en compañía de quien sería su inseparable amigo de por vida, el pintor bilbaino Aurelio Arteta.


    En esa época conoció a grandes artistas, entre otros a Pablo Picasso. Becado, viajó a completar su formación a Roma y París, para instalarse definitivamente en la capital de España en 1906. Es el momento en que despegó su reconocimiento, participando en las exposiciones internacionales de Buenos Aires y Múnich.

    En 1922 se marchó durante siete años a Argentina y Chile, junto a su también amigo, Julio Romero de Torres.


    Regresó a España en 1946, recién finalizada la Segunda Guerra Mundial. A partir de ese momento, como ocurrió con otros artistas de la época, su fama quedó en el olvido. Fue nombrado académico de la Academia de San Fernando.

    También fue un gran amigo de las tertulias madrileñas, donde se le podía ver junto a Jacinto Benavente.

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  • 10/08/14--03:05: EDUARDO ÚRCULO





  • Eduardo Úrculo, pintor y escultor,
    nació el 21 de septiembre de 1938.
    Murió el 31 de marzo de 2003.

    Nacido en la ciudad costera vasca de Santurtzi y criado en Asturias, Úrculo dejó la escuela a los catorce años y su formación artística fue básicamente autodidacta, después de un acceso de tuberculosis que lo mantuvo en cama durante meses. En 1958 consiguió una beca para estudiar en Madrid y pronto obtuvo varios éxitos, en sus exposiciones en la capital, en Oviedo y en París, donde pasó gran parte del siguiente año pintando vistas del paisaje urbano. Un áspero realismo social alternaba con el surrealismo y la abstracción en su trabajo hasta mediados los sesenta, en que se fue a Ibiza y empezó a investigar en nuevas direcciones.


    Úrculo viajó mucho y tomó contacto con el movimiento Pop Art en el norte de Europa. El cuerpo femenino, el erotismo, la fecundidad (simbolizada en sus trabajos por las vacas) y las ideas de distancia y desarraigo pasaron al primer plano. Durante esa década pintó casi siempre con pistola de aire. También hizo serigrafías, se aventuró en la escenografía, y exploró las naturalezas muertas. Los sombreros cobraron importancia, representando la presencia implícita del observador: el propio artista figura en muchos de sus cuadros como un hombre con sombrero, visto de espaldas.



    Los colores primarios e intensos destacan con fuerza en sus pinturas, despojadas de detalles superfluos. Su maestría técnica como dibujante era superlativa. Uno de sus acrílicos, “El Beso”, es una vista de una pareja que se abraza: sólo se ve la parte de atrás del sombrero de paja de ella y la copa del sombrero de él, pero la imagen es tan evocadora y emocionante como “Le Baiser” de Rodin, mucho más explícita.



    En otros trabajos posteriores, Úrculo vierte su fascinación por la vida de las ciudades, y por Nueva York en particular. Nuevos motivos fueron emergiendo: aviones y, más tarde, geishas. Sus esculturas de bronce son hitos urbanos en varias ciudades. Últimamente, estaba redescubriendo elementos del cubismo.



    (The Times, 5 de abril de 2003)



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  • 10/08/14--10:43: JOSÉ LUIS VERDES DE LA RIVA


  •  El pintor José Luis Verdes (Madrid, 1933) falleció el 30 de marzo de 2001 en Madrid, a los 67 años



    Nace en Madrid en 1933. Realiza sus primeros estudios en esta misma ciudad, con D. Manuel Gutiérrez Navas entre los años 1953 a 1957. En este último año conoce a Rafael Canogar, con quien a partir de ese momento le unirá en gran amistad.
    En el año 1958 traslada su residencia a Quesada, donde Rafael Zabaleta orienta su vida artística a través de su amistad, que duraría hasta la muerte del gran pintor de Quesada.
    Durante los años 1958 al 1968, en los que reside en nuestro pueblo, recibe la visita de numerosos artistas entre los que cabe destacar a Manuel Millares, Rafael Canogar, Randi Palucci, Antonio Cumellas, etc. que le animan en su trabajo y aislamiento.
    Esporádicamente viaja a Madrid y al extranjero para realizar sus primeras exposiciones individuales.
    Se casa con Mª Teresa Vallejo Rico en el año 1961.
    Traslada su residencia a Madrid en 1969, donde vive actualmente aunque su contacto con Quesada es muy frecuente, dados los numerosos amigos e intérpretes personales que tiene en este pueblo.
    Anualmente, en el mes de Agosto, y con motivo de las ferias y fiestas locales, patrocina el concurso de pintura infantil y dibujo, que lleva su nombre con el fin de alentar el interés por el arte, descubrir y promocionar a los jóvenes con inquietudes pictóricas.
    Es gran aficionado a la música, al cine y a la arqueología.
    Son muy numerosas e importantes las exposiciones que ha realizado, tantas nacionales como internacionales. A modo de ejemplo citamos algunas ciudades en las que ha expuesto sus obras:
    • Madrid, Barcelona, Baracaldo, Palma de Mallorca, San Diego y San Luis (EE.UU.), Puerto Rico y Santo Domingo, Alejandría, Medellín, Milán, Kunstforeningen, Copenhague, Varsovia, Damasco, El Cairo, Sao Paulo, Laussane, etc.
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    Su arte ha sido reconocido y valorado dentro y fuera de nuestras fronteras, habiendo sido galardonado entre otras, con las siguientes distinciones y premios:
    • Medalla del Salón de Otoño, en 1957.
    • Medalla de Oro, Dibujo, San Raimundo Peñafort, 1958.
    • Gran Premio de la Bienal de Alejandría en 1972.
    • Primer Premio de Pintura en la XIII Bienal de Sao Paulo en 1975.
    Con motivo de la inauguración de su exposición el 7-XII-1977 en la Galería Iguanzo de Madrid, José Luis Verdes dice de su trabajo:
    "Hay una constante que define mi obra: el deseo de dar testimónio de la personalización y masificación del hombre en el siglo XX, como una de las características más comunes. A través del año, fuimos cambiando de símbolo; primero usé elementos fragmentados del hombre - pié, manos, brazos- después el negativo fotográfico y a partir del 1975 con mi obra ambiente El mito de la Caverna comencé a utilizar la sombra.
    El hombre ya no es sino una sombra fragmentada. Por otra parte, es mayor la posibilidad de participación del espectador, que colabora recreando el cuadro en las partes que faltan.
    La división del plano continuo de soporte, en distintos planos, no es producto del capricho ni del escepticismo puro, he realizado con la valiosa ayuda de algunas publicaciones y personas más conocedores del tema que yo. La materia que empleo, arenas en su color natural, tal vez extrañe a quien conoce otras mías anteriores, por la forma agresíva con que empleaba. Esta agresividad era necesaria como contrapunto a la red geométrica que forma la composición de los cuadros, de modo que la práctica contrarreste la frialdad de la matemática."

     .juntadeandalucia.es


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  • 10/08/14--12:47: Giangiacomo Spadari





  • Nace en  1938 en la Republica de San Marino.  En 1961 se traslada de Roma a Milán, donde comienza su actividad artística. En aquel momento Tino Vaglieri, Giuseppe Guerreschi y Bepi Romagnoni son exponentes del Realismo Existencial, figuras de referencia para jóvenes como Spadari, al menos en lo que se refiere al arte de recuperación de la imagen, pero el clima político de protesta estudiantil y de luchas obreras dirige la pintura a un simbolismo existencialista, a un compromiso político. Spadai reflexiona sobre la imagen, sobre el lenguaje de los medios de comunicación y la función social del arte.

    En la década de 1970 coopera, estrecha y duraderamente con otros pintores como Paolo Baratella, Fernando De Filippi y Umberto Mariani. Su trayectoria artística continúa con un deseo constante de investigación, coherencia y un ideal poético, hasta su muerte en 1997.

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  • 10/09/14--12:40: Manuel Alcorlo


  • Madrid, 1935
    Artista español, Academico de la Real Academia de Bellas Artes desde 1998.
    Se forma academicamente en la Escuela de Artes y Oficios y la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.
    Entre los PREMIOS Y MENCIONES que ha recibido durante su carrera destacan: - 1957: Tercera medalla de Pintura y Dibujo, Exposicion Nacional de Bellas Artes - 1959: Premio Alcantara -Circulo de Bellas Artes de Madrid - 1959: Premio "Rodriguez Acosta" Granada - 1961: II Premio Ayuntamiento de Madrid; XXI salon del Grabado - 1963: ll Medalla en el XXII Salon de Grabadores - 1963: Premio "Concurso internacional de pintura Maggio Engubbino, en Gubio, Italia
    Su obra se puede encontrar en los siguientes MUSEOS y COLECCIONES PÃ?BLICAS: - Congreso de los Diputados - Ministerio de Asuntos Exteriores - Museo del Dibujo de Huesca - Museo de Arte Contemporaneo de Madrid - Museo de Arte Contemporaneo de Toledo - Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid - Biblioteca Nacional, Madrid - Ermita de San Nicasio, Leganes, Madrid -

    información- Picasso Mio

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  • 10/10/14--12:19: VICTOR MIRA




  •  VICTOR MIRA
    (1949-2003) era como una casa con fantasmas. Había un momento, una estación o un golpe de viento que los agitaba todos en su interior, y Víctor pasaba de la calma del místico –“Me arrodillo y espero hasta que siento que puedo pintar como un ángel”, dijo. “Para mí el pintor es como un santo, comparte los mismos problemas, la perfección”, declaró-, del tormento interior al insulto, al exabrupto, a la teatralización de su espanto, al rechazo del mundo. Entonces, entendía que la distancia exacta ente los otros y su angustia, y el único bálsamo de su inmenso dolor también, eran la brocha, el lápiz, el bolígrafo, la cámara fotográfica, sus propias manos. El silencio. Incluso en esos estados de creación, que estaban próximos al éxtasis, parecía infeliz, herido en algún cuarto de la sangre por exceso de sensibilidad. O porque era su mejor amigo, era el otro y él mismo simultáneamente, y a la vez su propio lancero homicida. Padeció el drama de la insatisfacción radical.        



    Se sentía perseguido y se convertía en un perseguidor. Y al revés: cualquier detalle exterior minaba su fuerza y su entereza, a pesar de que podía ser sarcástico, hiriente, provocador o de una lucidez apabullante, amasada con razones y erudición. Ha sido un rebelde ilustrado –le estimulaba la música, la literatura, el teatro, la poesía, la filosofía…, y de todo ha dejado abundantes huellas- que rara vez podía huir del desarraigo, de la incertidumbre, de la urgencia de trascender y, en el fondo, de la imperiosa necesidad de ser querido. En esa casa con fantasmas que era Víctor Mira, ese árbol humano desmelenado por el vendaval, se aliaban la materia, la materialidad avasalladora, y la creación, la ira con el lirismo más excelso, y el desgarro aparecía una y otra vez entre sombras. Como una mancha de destrucción que se expande. Como una tupida textura de tenebrismo que avanza. Una de esas sombras era la incansable vecindad de la muerte, su demonio particular: quería “ser un artista capaz de soportar el espectro, la metáfora de la muerte”.          


     Se entregó a combatirla en una batalla interior, desabrida, que le hacía sentirse víctima y verdugo. Que no le dio un instante de sosiego.  En la muerte estaba casi todo: su propio envés, que era la energía misma de la vida, el sexo, la soledad, la inspiración, el arte, el amor y el desamor, la política, la invención… Víctor Mira fue una ardiente paradoja. Como Goya. Pasión y nieve de llanto sobrehumano. Pese a vivir siempre al límite, en una suerte de exilio buscado, desarrolló una obra rica en hallazgos expresivos, vías de comunicación, experiencias simbólicas y hondura. Mezcló, y modernizó a su manera, la gran tradición del Barroco español (Zurbarán, Valdés Leal, Velázquez); frecuentó la naturaleza muerta con ecos españoles y de los interiores holandeses; asumió una línea mística en la que podía sentirse santo, mártir y hereje, de ahí esas cruces constantes, esa  obsesión por el predicador en el desierto, que es el estilita, altivo y solitario, de ahí esa insistencia en el “pájaro solitario”; conectó con las pinturas negras de Goya, con George Baselitz, con Joseph Beuys, con Otto Dix, con Vincent Van Gogh, con Andy Warhol, con Salvador Dalí, con Antoni Tàpies y Antonio Saura. 


    E incluso halló otro término en el que se reconocía muy bien: la figura del caminante, ese viajero constante, mental y físico, que desea saciarse de paisajes, de travesías, de laberintos, de un celaje idóneo para el sueño. De ahí que otro cuadro con el que se sentía identificado fuese “Monje junto al mar”, y también con “El viajero contemplando un mar de nubes”, de Caspar David Friedrich, un pintor que fue calificado como “el místico con pincel”, frase que no resultaría inexacta como epíteto de Víctor Mira. Este artista, igual que su interés hacia la poesía de Novalis, lo emparienta con el romanticismo alemán. La suya es una pintura cósmica, matérica y rotunda, llena de expresividad y de convicción.           


    En los últimos años realizó numerosos dibujos y tintas donde anunciaba constantes y turbios diálogos consigo mismo ante el espejo, la muerte se mira al espejo, dijo alguna vez, e incluso señaló la senda fatal que iba a tomar. Vivir para él (vivir, amar, pintar: respirar día a día, levantarse de un sueño de espectros) era casi una tarea del héroe de la pintura que no se soporta a sí mismo ni se acomoda, ni halla vericuetos para estar en paz o un camino hacia la felicidad y hacia la risa. Mira fue héroe y antihéroe. Escribió: “El héroe enfatiza la fuerza; el antihéroe personifica la poesía”. Ésa es una de las sensaciones más nítidas que nos invade al enfrentarnos a su arte, a sus diarios, a sus confesiones, a su teatro. Sin embargo, de cerca, era divertido, risueño, cariñoso, apasionado. Vulnerable como un niño, proclive al asombro o al candor. Alocado como la sinrazón y el deseo. 


    Tenía algo de animal extraviado y a la intemperie, acosado por otras alimañas, que se adentra en el infinito bosque de la noche.          De golpe, reflexionaba y sentía que tenía raíces. Bajo la estampa del cielo azul de Zaragoza, elogiaba el Juslibol de su infancia, el río Ebro, Zaragoza, la ciudad donde dijo haber nacido en 1949. La ciudad donde quiso que se iniciase su biografía. En uno de sus espléndidos libros: “En España no se puede dormir”, había anticipado su destino: “Niego que en mí exista vida alguna y me horroriza no estar muerto y tener que sentir la repugnante vida latir como un animal antiguo”. 


    En otras prosas, de manera aún más explícita, dijo: “Lo intenté varias veces [el suicidio], la más serie de las veces fue en Madrid. Pero también en Zaragoza, donde un día, con toda la desolación de la necesidad, puse mi cabeza sobre los raíles y esperé, todo envuelto en adioses, la llegada de un tren”. Víctor Mira, como Francisco de Goya, a quien pintó como el perro con sombrero de su propio cuadro, sucumbía a su aniquiladora cabeza y resucitaba desde ella con toda la lucidez del delirio. Era una cabeza que, tal como señaló el propio artista, se alimentaba de escalofríos. 


    Antón Castro

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    El 21 NOV 2003 el diario EL PAIS publicaba su necrológica

    La muerte planeaba siempre sobre su vida y su obra. Y la muerte se lo ha llevado antes de hora. El artista zaragozano Víctor Mira (1949), cuyo trabajo y vida basculaban entre Barcelona y la pequeña población alemana de Breitbrunn am Ammersee, cercana a Múnich, fue un artista de tormentosa agitación existencial,lo que dio a sus pinturas una gran intensidad. La muerte se produjo el martes, cuando el artista se lanzó a la vía de un tren de cercanías. 


    Víctor Mira será enterrado en Montjuïc, mirando al mar


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