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  • 08/29/14--14:51: Ramon Calsina



  • Ramon Calsina Baró (Barcelona, 26 de febrero de 1901 - Barcelona, 26 de noviembre de 1992). Pintor y dibujante catalán del siglo XX.

    Nacido el 26 de febrero de 1901 en Barcelona, era hijo de panaderos del Poblenou, uno de los barrios obreros de Barcelona. "Yo nací dibujando como otro nace jorobado", decía Ramon Calsina, que desde pequeño empezó a estudiar dibujo. A los 12 años comenzó sus estudios en la Academia Baixas de dibujo, hasta que a los 14 años tuvo la edad para entrar en la Escuela Llotja (Escuela de Bellas Artes). Al terminar sus estudios, después de trabajar en la panadería familiar y habiendo cumplido con el servicio militar, decidió dedicarse a la pintura profesionalmente.

    En 1929, coincidiendo con la Exposición Internacional de Barcelona, ganó el segundo premio de la Beca Nacional Amigó Cuyàs. Este premio le permitió viajar durante varios meses por España. En Granada conoció músicos como Manuel de Falla y Enrique Fernández Arbós y al poeta Federico García Lorca. En 1932, Calsina ganó el primer premio de la Beca Internacional Amigó Cuyàs, con el dinero de la cual viajó a París donde residió un año y medio. En París trabajó duramente y partició en diferentes exposiciones, entre ellas una en la Société Nationale des Beaux-Arts, el Salon des Humoristes y el Salon des Superindependents. También le publicaron dibujos en la revista alemana Der Querschnitt. A pesar del éxito cosechado en Francia, en 1933 decidió volver a España. En 1934 hizo en Barcelona su primera exposición individual en la Sala Parés.

    Hasta la llegada de la Guerra Civil Española cosechó muchos éxitos y trabajó en muchos campos. Hizo, por ejemplo, los decorados y los carteles de las obras de teatro Fam de Joan Olivé y La boda de la Xela de Xavier Benguerel. También trabajó como profesor en la Escuela de Bellas Artes (Llotja). En los últimos días de la Segunda República, Ramon Calsina huyó a Francia, aunque a los pocos días, ante el miedo de un largo exilio, decidió volver. Pasó meses en la plaza de toros de Vitoria, convertida en campo de concentración, hasta que consiguió volver a casa. Entonces comenzó una etapa muy difícil con todos sus avalistas lejos del país y en un ambiente que le era hostil. Se encerró en su estudio a trabajar preparando la exposición de cada año y manteniéndose al margen de las corrientes artísticas que se iban imponiendo. Se casó a los 44 años, con Rosa Garcés, con la que tuvo tres hijos. En colaboración con la editorial La Osa Menor editó un libro de litografías del Quijote y otro sobre el mundo de los toros observado con sarcasmo. En 1957, un grupo de amigos y de entidades culturales aprovecharon una exposición del pintor en la galería Syra para hacerle un homenaje y entre unas cuantas iniciativas se hizo una suscripción para comprar un magnífico aceite que cedieron al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

    El estilo artístico de Ramon Calsina se encuadra entre el surrealismo y el arte figurativo. Algunos críticos han catalogado su estilo de realismo mágico, aunque el propio pintor no quiso nunca enmarcarse en una determinada corriente. El grueso de su obra son oleos y dibujos, aunque también trabajó el grabado.



    En 1965 Le concedieron el prestigioso premio Ynglada-Guillot de dibujo. También hizo las vidrieras para la iglesia de Sant Esteve de Granollers y otras para el Banco Transatlántico de Barcelona. Calsina ha tenido siempre un público fiel y entusiasta, pero un escaso reconocimiento oficial. En cambio si se repasa lo que se ha escrito sobre él tiene una entidad considerable y hay una unanimidad en muchos aspectos: un oficio extraordinario, una personalidad exuberante, integridad, fiel a unas convicciones artísticas y morales. En 1984 esta admiración afloró y un numeroso grupo de poetas, escritores, artistas e intelectuales, encabezados por Avel•lí Artís Gener "Tisner", hicieron un llamamiento social al reconocimiento de Calsina. Entre los firmantes de esta carta, escrita por Pere Calders, figuraban media docena de Premios de Honor de las Letras Catalanas. Como consecuencia del manifiesto, la Caja de Ahorros de Barcelona, con la colaboración de la Generalidad de Cataluña organizó una exposición antológica. En 1990 se realizó otra gran exposición antológica en el Centro Conde Duque de Madrid, con la colabroación del Ayuntamiento. Ese mismo año le fue concedida la Creu de Sant Jordi (distinción que otoga la Generalidad de Cataluña).
    Falleció en Barcelona el 26 de noviembre de 1992.

    En febrero de 2001 se inauguró en Barcelona, en el barrio del Poblenou, una plaza que lleva su nombre. En 2009 fue creada la Fundació Ramon Calsina, impulsada por la familia del pintor.

    English
    eeIt looks like we don't have any Biography for Ramon Calsina yet.  

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  • 08/31/14--13:26: Odd Nerdrum


  • Se dice que "puede ser que sus pinturas te disgusten intensamente pero que tardarás en olvidaralas"...Estoy convencida de eso



    Odd Nerdrum Olaf nació el 8 de abril de 1944 en Hälsingborg en el sur de Suecia.Su interés por  el  arte clasico  comenzó cuando  solo tenía  11 años y vio un libro de  él Botticelli.
    - "En la infancia, tuve una fuerte sensación de que podrían deshacerse de mí, un sentimiento de no ser querido, dijo Nerdrum."
    Leyó no sólo libros de arte,  iba a menudo de visita a la Galería Nacional para  estudiar la obra de Edvard Munch.Antes de cumplir los 13 años viajó solo en  avión a Copenhague dos veces. Allí vio las colecciones  de escultura y pintura en el  Statens Museum for Kunst.


    Nerdrum cree que uno de sus momentos más fuertes en su relacion con los libros de historia del arte fue, cuando tenía 15 años de edad y vio el  Saturno de Goya
    - "Me sorprendió que fuera pintado hace tanto tiempo. Parecía más moderno que cualquier otro que había visto. Siempre he pensado que el mundo de Rembrandt es más humano que el de Picasso."
    Cuando Odd Nerdrum tenía seis años, sus padres se separaron, y la relación con su padre se volvió  aún más tensa cuando se casó de nuevo.


    Nerdrum comenzó su educación artística enun momento en que el modernismo no figurativo se había establecido  como una fuerza líder en el arte noruego. Cuando era un estudiante de  18 años, en un viaje de estudios  a Estocolmo, mientras los otros estudiantes visitaron el Museo de Arte Moderno para ver la obra de Matisse, Picasso y Warhol, Nerdrum se fue al Museo Nacional para ver la obra de Renbrandt, decidió pintar como él. 
    No podría haber elegido un camino más difícil. No había tradición  para enseñar este tipo de arte.Su profesor  en la academia, Åge Storstein, no podía entender por qué tenía que tomar  a Rembrandt como modelo para aprender a pintar. 


    Nerdrum interrumpió sus estudios en la academia, y comenzó en  la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf bajo Joseph Beuys.  En su primera exposición, a la que fue invitado con otros seis artistas,  un observador calificó su estilo como  "salsa de viejo maestro".  Cuando realiza su primera exposición individual en la Asociación de Arte de Gran Hall, con 23 años. Nerdrum fue considerado un fenómeno y tambien muy debatido. Su arte era considerado por muchos como un fenómeno noruego distintivo; una protesta-romántico realista contra el modernismo  no figurativo nunca plenamente aceptado.
    El arte noruego quedó  dividido rápidamente en dos grupos. El grupo más grande cree que el arte de Nerdrum podría ser peligroso para el desarrollo profesional  de la pintura moderna. El segundo grupo defendió su dotación barroca y habilidades figurativas.
     En 1986, Nerdrum visitó Islandia por primera vez y  encontró una fuerte afinidad con el paisaje. 

    A finales de los 90  Nerdrum   comenzó a definir su obra  como pintura kitsch, y se quejaron de que se  hubiera  llamado a sí mismo artista. En este contexto, publicó el libro ¿Qué es el kitsch?
    - "El kitsch es simplemente una comprensión pragmática de la historia.El corazón de Europa reside en kitschen, la europeer- étnica que por cierto ni siquiera se lanzó como una raza separada recae en el kitsch. Kitschen es  nuestra alma. Aunque me siento como un kitsch  profesional..."
    En 1998, se registró  una  asistencia de 50.000 visitantes en su primera gran exposición en el Museo Astrup Fearnley en Oslo.  Es uno de los pocos artistas noruegos en la coleccion del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

    Fuentes:


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  • 09/01/14--11:46: Angel Orcajo







  • Angel Orcajo, (Madrid 1934)  


    Angel Orcajo es un pintor moderno y posmoderno. ¿Puede ser? Es un pintor romántico y orgánico. Es, también, un pintor futurista, a veces, en la línea de la fascinación por el robot, o por la ciencia, o por la mega-ciudad, de Metrópolis, la película muda de Fritz Lang; y es un pintor naïf, con sus colores alegres solapados por inciertas manchas de una suerte de akelarre autodestructivo.

    Un pintor que pinta sobre tablero. Pero un pintor clásico, en donde el plano es una constante universal -punto y línea sobre el plano, en la expresión de Kandinsky-, y la ventana una forma reconocible y permanente. Y, además, también, un pintor que "recorta", como en el cómic, sus "viñetas". El espacio de representación quiere contenerse en el espacio físico, sin embargo …

    Sin embargo, su pintura tiene vocación sólida porque se inscribe en una superficie rígida y, algunas veces, se perfila en el contorno de una figura, dando formas sinusoides a unos bordes que habrían de ser rectos. Un recortable "no" es propiamente un cuadro, un cuadrado, un rectángulo, un espacio pictórico "canónico"…

    Un pintor tipo Malevitch que exalta la tecnología ¿o la critica? Quizás las dos cosas, ¿puede ser? Un pintor como Matisse que pinta superficies planas con colores planos y primarios, vivos y energéticos, por lo tanto "sensualistas". Y un pintor que "cita" siempre en vez de firmar -o a la vez que con ello firma-, a su inseparable icono de Caspar Friedrich. Su fetiche recurrente, el caminante solitario que hace cima en el acantilado y divisa el horizonte siempre de espaldas al espectador, esa fuga incierta del hombre insignificante frente a la naturaleza y frente al horizonte, esa fuga hacia adelante, que ya nos hace -a nosotros- "pasado" porque, por supuesto, estamos, estaremos, siempre detrás del "caminante". El nos guía. ¿O es que él ya no quiere saber nada de nosotros? Pero ante él, ¿qué hay? Ante él solo está el abismo.






    Información- 

    Angel Orcajo y el enigma de Caspar Friedrich.

    http://paginadigital.com.ar/articulos/2007/2007prim/literatura/orcajo-280207.asp

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  • 09/02/14--13:22: CARLOS OROZCO ROMERO









  • Nació en Guadalajara, Jalisco, el 3 de septiembre de 1898. Su padre fue Don Jesús Orozco quien le enseñó el trabajo de sastre. Ixca Farías afirma que el talento artístico de Orozco Romero se reflejó en este oficio "pues fue un cortador superior a su padre". Su primer maestro de pintura fue Luis de la Torre, integrante del Centro Bohemio en la perla tapatía que fundó José Guadalupe Zuno, al lado de Xavier Guerrero, y Carlos Sthal. 
    En 1914 Orozco Romero decide irse a vivir a la ciudad de México donde trabajó como caricaturista e ilustrador con el seudónimo de "Karikato" en los periódicos El Heraldo de México, Excélsior, El Universal Ilustrado y la Revista de Revistas. En 1920 contrajo matrimonio con María Marín. En ese mismo año el Gobierno de Jalisco le otorgó una beca para estudiar en Europa. En Madrid conoció al pintor Rafael Alberti y a los escritores mexicanos Luis G. Urbina y Alfonso Reyes. En 1922 expuso en el Salón de Otoño y al siguiente año regresó a Guadalajara en donde estudió grabado con el peruano José Sabogal.
    Orozco Romero y sus compañeros recopilaron sus trabajos de grabado en un libro titulado Los Pequeños en madera. Este mismo año de su estancia en la capital jalisciense se le encargó un mural para la Biblioteca Pública, que no llegó a terminar, pero pinta el mural Alfareros totonacas (1923), en el Museo Regional. Dio clases de pintura en la Escuela Preparatoria de Jalisco. Otros de sus murales en Guadalajara son: Aplicación de las artes a la vida (1925), en la Biblioteca y Hombre aprisionando la tierra (1926), en la Dirección General de Caminos.
    En 1928 expuso en la capital del país por primera vez en la Galería Sonora News del Palacio Iturbide. Sus biógrafos consideran que esta exposición marcó el paso de la caricatura y el dibujo a la pintura. En esta época exhibe su obra en Nueva York en "The Art Center". De 1928 a 1932 dirigió la Galería de Bellas Artes junto con Carlos Mérida, trabó amistad con Rufino Tamayo, Manuel Rodríguez Lozano y María Izquierdo. De 1930 a 1934 figura en exposiciones de grupo como: "Delphic Studios, Nueva York; "Wilmington Society of Arts", "Art Institute of Chicago; "American Federation of Art" y en las exposiciones circulantes de la "College Arts Association". 
    En 1939 la Fundación Guggenheim le dio una beca para estudiar en Nueva York. Fundador de la Escuela de Pintura y Escultura "La Esmeralda", Orozco fue de los iniciadores del "Movimiento del Taller Libre", donde fue maestro veinte años. Entre sus discípulos sobresalen Rafael y Pedro Coronel, Aceves Navarro y Orozco Rivera. De 1962 a 1964 fue director del Museo de Arte Moderno.
    Expuso en México y el extranjero, participó en las bienales XXIX de Venecia en 1958 y XV de la Acuarela Internacional de Pittsburg en 1968. Realizó sus últimas exposiciones en 1978 y 1980 en el museo de Arte Moderno de Monterrey. Recibió el premio Nacional de Artes Plásticas este último año. Trabajó como maestro de pintura y dibujo en varias escuelas de la ciudad de México y como inspector de las clases de artes plásticas de la Secretaría de Educación Pública. Entre sus obras publicadas se encuentran; Galería de Pintores Mexicanos Modernos, El Arte en México. Pintura Colonial, editadas en 1933-1935.
    José Guadalupe Zuno decía de Orozco Romero "Es uno de los maestros más competentes de las actuales generaciones". No lo considera un muralista pero si un gran retratista y paisajista. Contienen obras suyas, entre otras, las colecciones del Instituto Nacional de Bellas Artes (Retrato de mi hija, punta seca), del Banco de Comercio (Paisaje, óleo sobre tela), de Alfonso Caso (Marina de Acapulco, óleo sobre tela) y de Pascual Gutiérrez Roldán (Misterio, gouage).

    Fuente: http://jalisco.gob.mx/nuestroedo/muro/plastica.html


    English   http://www.kargesfineart.com/carlos-orozco-romero-biography.html

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  • 09/03/14--12:07: ANGEL BUSCA





  •   “Si tuviera que definir los motivos que elijo para mis cuadros diría, como expuse en el Libro REALISMOS, que de la realidad me interesan las diferentes e infinitas realidades que hay en ella aguardando a ser captadas por alguien. Creo que el oficio de pintar es como estar al acecho de esa especie de fantasmas, atraparlos y traerlos a la vida cotidiana, en este caso, el cuadro o ventana a través de la cual miramos. En mi pintura trato de mezclar esas distintas realidades” 

    De la realidad me interesan las diferentes e infinitas realidades que hay en ella aguardando a ser captadas por alguien, en mi pintura trato de mezclarlas. Creo que el oficio de pintar es como estar al acecho de esa especie de fantasmas, atraparlos y traerlos a la vida cotidiana, en este caso, el cuadro o ventana a través de la cual miramos.




    Nació en 1951 en Madrid, España
    Falleció en 2013 en España

    Se inició en la pintura en 1968 en el Taller del pintor José Méndez Ruiz, que fue su primer maestro, y  en 1974 obtuvo la licenciatura por la facultad de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Su pintura es sugerente, profunda, repleta de lirismo y serenidad.

    Busca parece captar el tiempo suspendido en el silencio, sus paisajes, elegantes y delicados, se apoyan tanto en una arquitectura decadente y romántica como en una realidad construida con recuerdos y colores vivos, con un dibujo exquisito y una linea clara que favorece la interpretación de la obra.


    Una de las principales características de su pintura son las preciosas texturas que consigue y que las trabaja de la siguiente manera:

    Estarcidos de esponjas: Me sirvo de esponjas para el hogar que he desgarrado de manera irregular y con  ella tamponeo sobre el color sólido imprimando las superficies de una serie de puntos blancos de calibre variable.

    El estampado con papel de periódico es ideal para obtener efectos más disfusos pero también otros más lineales. Arrugo el papel de periódico bien y luego lo aliso y lo aplasto sobre la pintura fresca. Después con un movimiento progresivo lo retiro levantándolo desde la parte superior y de esta manera aparecen una serie de estrías que luego puedo trabajar con pincel o rodillo dependiendo del efecto requerido, agua ondulada, soleados sobre el suelo…

    http://www.angelbusca.com/



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  • 09/04/14--13:05: Francesco Clemente
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    Francesco Clemente- 1952, Napoles, Italia


    Francesco Clemente nació en  1952 en Napoles, hijo de una familia con raices aristocráticas.   Ya desde niño pintaba y escribía poesía. Estudió  arquitectura en  la Universitá degli Studi de Roma, La Sapienza. Al acabar se dedicó al arte.

    Aunque en aquel momento estaba de moda el Arte Povera y el conceptual, Clemente  se concentró en presentar su obra en papel. Su primera exposición  tuvo lugar en la Gallería Valle Giulia en Roma en 1971. Despues de conocer a Alighiero e Boetti en Roma, en 1972 viajó con el artista a Afganistán. En 1973,  visitó por primera vez La India, un país al que volvería repetidamente, pasando a menudo los veranos allí. En 1974, conoció a  Alba Primiceri, una actriz de teatro, con quien se casaría y sería tema frecuente en su obra. En 1976 y 1977, Clemente pasó algún tiempo en la Sociedad Teosofical de Madras,  spent time at Madras’s Theosophical Society, donde buscó en su biblioteca textos para profundizar en temas religiosos y espirituales.  Su interes por la espiritualidad hindú y en otras culturas no europeas se combinó con el entusiasmo por la cultura y la artesanía local.  Empezó a colaborar con los artistas locales...


    -Continuó haciendo dibujos y otras obras en papel en la década de 1970,  buscando lo que se convertiría en su seña de identidad: la forma humana, principalmente los cuerpos femeninos, su propia imagen; sexualidad, mito y espiritualidad, no simbolos occidentales e imagenes soñadas.  Su participación en la Bienal de Venecia de 1980 le produjo fama internacional.  Inmediatamente se le vio como uno de la lideres de  "la vuelta a la figuaración"-dado a conocer como transvanguardia en Italia por el crítico de arte Achille Bonito Oliva y Neo expresionismo  en los Estados Unidos, aunque Clemente se sentía incomodo con esas etiquetas. Todos estos hechos coincidieron con su traslado a Nueva York con su familia. En 1981 estudió Sanscrito en Nueva York.



    En 1981–82, Clemente creó sus primeros grandes óleos, una serie de doce cuadros titulados "las catorce estaciones", que fueron mostrados en Whitechapel Art Gallery en Londres en 1983.  Al año siguiente colaboró con Andy Warhol y Basquiat en varias obras.  Al mismo tiempo que trabajaba en grandes obras, desrrolló varios proyectos para libros, incluyendo tres ejemplares únicos  creados con el  poeta Allen Ginsberg.   En la década de 1980 continuó viajando a la India; The following year, he collaborated with Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat on a group of works. While Clemente was working on a large scale, he simultaneously developed various book projects, including three unique works created with Beat poet Allen Ginsberg. In the 1980s, Clemente continued to travel to India; tambien vivió en America del Sur. En la década de 1990, añadió Jamaica a su lista de lugares preferidos y empezó a trabajar en un estudio en New Mexico. Empezó a utilizar un método de frescos en cera conocido como cera punica en esta época...


    Entre los trabajos poco tradicionales de Clemente, se encuentran los  murales, el realizado para el nightclub Palladium de Nueva York, ahora demolido, y  el realizado para el hotel Hudson en Nueva York, que abrió en 2000. Ademas, hizo unos doscientos trabajos para el director de cine Alfonso Cuarón, para su pelicual great expectations.  En 2008 colaboró con performances y proyectos de arte...


    Para leer más...Englishhttp://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/artists/bios/799

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  • 09/06/14--13:07: Yamandú Canosa




  • El uruguayo Yamandú Canosa (Montevideo, 1954) reside en Barcelona desde 1975, donde ha desarrollado la mayor parte de su obra y ha realizado tareas docentes en las escuelas Eina y Massana, así como en el Otis College of Art de Los Ángeles. También ha participado en la creación del proyecto barcelonés del Hangar. En Barcelona ya ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en espacios como la galería Joan Prats, el Palau Marc, el Centre d’Art Santa Mónica, La Capella y la misma Fundación Suñol, y también ha expuesto en Inicio diversos museos y galerías de Montevideo, Valencia, Salamanca, Segovia, Figueres y diversas ciudades europeas y americanas.


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     Ramon de Zubiaurre



    El extraño caso de este pintor y de su hermano Ramón. Hijos del compositor Valentín de Zubiaurre y Urinobarrenechea, los dos nacieron sordomudos, ambos se dedicaron a la pintura y los dos emplearon un personal estilo realista. 

    LA MUSICA QUE UTILIZO PARA EL VIDEO ES DEL PADRE




    Nació en Madrid, en 1879. Era hijo del compositor musical
    Valentín de Zubiaurre Urinobarrenechea (1837-1914). Era sordomudo de nacimiento, así como su hermano Ramón, con el que colaboró en muchos de sus cuadros. Inició sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1894, continuándolos posteriormente junto a los pintores Muñoz Degrain, Alejandro Ferrant y Carlos de Haes. En 1898 realizó un viaje por los Países Bajos, Francia e Italia para completar su formación. Durante un tiempo vivió en Segovia, atraído por los tipos y el paisaje castellano que tan profusamente utilizó en su pintura.  Entre 1909 y 1916, su época de mayor esplendor y trabajo, obtuvo varios premios internacionales en Munich, Buenos Aires, Barcelona, San Francisco, San Diego y Panamá, lo que le reportó numerosos encargos. En 1945 es nombrado académico de la Real Academia de BB.AA. De San Fernando de Madrid. Murió en Madrid, en 1963.



    spain is culture

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  • 09/08/14--13:10: David Burliuk




  • David Burliuk  artista, ilustrador, publicista y escritor. Nació en Lebeyn, Sumy Oblast, Ucrania
    Figura central en la historia del movimiento de vanguardia ruso. Uno de los primeros hippies del mundo, se tatuó 'I Burliuk'en la frente y se ponía en las esquinas de las calles recitando poesía.
    Estudió en  las Escuelas de Arte de Kazan y Odessa, y tambien en la Royal Academy de Munich. De caracter extrovertido, su profesor Anton Azhbe en la Academia de Munich lo llamó "un maravilloso caballo salvaje de las estepas"
    Sus primeras obras eran fauvistas y las expuso con el grupo Blue Riders en Munich
    En 1908 organizó junto a Wladimir Baranoff-Rossine, Alexander Bormazov, su hermano Volodymyr y Aleksandra Ekster,  una exposición del grupo Zveno en Kiev
    En 1911, por romper la tradición artística rusa, fue expulsado del Instituto de Moscú con otros artistas futuristas por lo que organizó una campaña en periodicos, peliculas y conferencias, todo enfocado en la crística de la locura de la vida industrial moderna
    Se trasladó con su mujer a America en 1922.  Desde 1937 hasta 1966 publicaron Color and Rhyme, dedicado principalmente. a dar publicidad a las actividades de Burliuk.  En 1945 expuso en Irving Place Theater en Nueva York
    En  1962 viajó con su mujer a Australia donde expuso en Moreton Galleries, en Brisbane. Se estableció en Long Island, donde murió en1967


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  • 09/10/14--11:37: Rico Adventura






  •   Rico  Adventura ( 1974 ) fotografo, pintor, diseñador, poeta y músico, fundador de Nusun Art School en Panamá. Sus ideas se basan en el entendimiento del propio yo al percibir lo imaginario oculto.  Sus obras se inspiran en la psicodelia, el arte folk, la meditacion y en el diseño de moda. Las fotografías son una combinación  de diferentes disciplinas artísticas.  En lugar de  experimentar con  un solo medio, se expresa en múltiples facetas.El espectador es atraído por los elementos de la escultura, el diseño, la pintura, la instalación y las máscaras. Todo combina a la perfección

    En la música está interesado en escribir canciones inspiradas en el arte.    Desea cambiar la forma en que la sociedad experimenta la música y el arte, innovar el formato Lp y Art Book, modificarlo a Album Art. 

    Rico creció en Houston, Texas y Miami, pero vivió la mayor parte de su vida adulta en Nueva York, Panamá y España. Actualmente vive en Londres
                   
    ENGLISH https://www.blogger.com/profile/13476594250561979025

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  • 09/11/14--11:59: Richard Texier




  • Nacido en 1955 y conocido como los principales artistas de su generación, Richard Texier combina su pasión por la historia y la astronomía con una cosmografía personal alimentada  por  esquemas antiguos de una  mecánica celeste, atlas del cielo, y el espacio exterior. Desde 1992, ha desarrollado un  trabajo  cultural pilotando  instrumentos y animales míticos, lo que refleja su creencia de que la  conquista del cielo y la  hibridación  son las dos intenciones principales de la humanidad. Su trabajo ha sido presentado y recogido por los principales museos de todo el mundo, y se  han hecho  películas y libros sobre  él, incluyendo una monografía de Patrick Grainville, un libro de Kenneth White, y una monografía reciente de Daniel Pennac para Flammarion.



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  • 09/14/14--13:15: Jean Michel Alberola

  • Argelia, 1953 –                                                             
    Pintor y artista gráfico francés nacido en Argelia, Alberola es considerado como uno de los renovadores de la pintura francesa de los años 80, junto con Gerard Garouste y Jean-Michel Blais.
    Alberola pinta y crea dibujos, collages, objetos y esculturas, en los que la escritura tiene a menudo un gran protagonismo. Sin embargo él se define ante todo como un pintor que intenta traducir en formas, sus ideas y sus sensaciones.
    Además de exposiciones individuales, también ha participado en exposiciones colectivas en museos de gran importancia como el Kunsthalle de Frankfurt, la Fundación Gulbekian en Lisboa, el Centro Georges Pompidou de París, El Museo de Arte Moderno de Nueva York etc., y ha sido seleccionado en diversas ocasiones para participar en la Bienal de Venecia.
     Ref-


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  • 09/15/14--12:58: Juan Alcázar Méndez



  • 1955-2013

    Alcázar nació en la ciudad de Oaxaca en 1955 y estudio  en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca.

    Fue además,  fundador  en 1974, del Taller Rufino Tamayo de Oaxaca desde donde  despegan su principales proyectos artístico, pero sobre todo de promoción y gestión en beneficio de los jóvenes en comunidades  rurales de la entidad.
    Así, fundó el Grupo Grabadores Mixtecos Unidos, que atrajo la atención de la empresa de tenis “Converse” en México para impulsar el proyecto “Pintando Pasos”  en que jóvenes ilustran con diseños propios tenis que son vendidos a nivel mundial y hacer autofinanciable este proyecto.
    El maestro Alcázar estudio las técnicas de la  mixografía y litografía  en el Taller de la Gráfica Mexicana de la ciudad de México.
    Se integra al Taller Libre de Gráfica Oaxaqueña,  donde se reúne con artistas como Francisco Toledo y Gunter Gerszo.
    También participó en la propuesta para crear el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca a  lado de Toledo y otros pintores como Luis Zárate y Rubén Leyva.
    Posteriormente, fue el principal promotor para la creación del actual Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO), el cual dirigió de manera impecable durante seis años, hasta  que inició  la administración de Gabino Cué Monteagudo.

    Juan Alcázar, luego de su salida del MUPO, dirigió toda su atención a sus proyectos en zonas marginadas del estado, principalmente para fundar centros de producción artística.

    Información-ciudadania-express.

    Juan Alcázar Mendez is Oaxaqueño. His work is sensual and deeply imaginative. He studied in Oaxaca and in Jalapa, Veracruz, during the '60s and early 70's specializing in print making. In 1973 he became a teacher of print making in the School of Fine Art at Benito Juarez Autonomous University in Oaxaca. Juan Alcázar Mendez
    Juan Alcázar Mendez's studio He studied lithography in Mexico City. In 1974, he was one of the founders of the Taller de Artes Plasticas Rufino Tamayo in Oaxaca with Rufino Tamayo, Francisco Toledo, and Roberto Donis. In 1993 he was appointed director of the Taller (workshop). Alcazar's work has been shown in a multitude of collective exhibitions in Mexico, the United States, Japan, England, Germany, Holland, and Australia from 1982 to the present. One man exhibitions have appeared throughout Mexico, and in Massachusetts and New York. 



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  • 09/16/14--13:03: Stanley Spencer





  • Sir Stanley SPENCER 1891–1959

    Nació en Cookham , Berkshire , el 30 de junio de 1891 Estudió en la Slade School of Fine Art. Con 
    el estallido de la Primera Guerra Mundial se unió a la Royal Army Medical Corps
    (RAMC).Trabajó en el  Hospital de Beaufort en Bristol  donde ayudó en la enfermería.


    En agosto de 1916 fue enviado a Salonica. En agosto de 1917 se ofreció como voluntario para infantería.  En 1918 le pidieron que pintara un  cuadro sobre sus experiencias en Salónica para la Sala del Recuerdo pero Spencer  lo pintó despues del armisticio "Travoys Arriving with Wounded at a Dressing Station at Smol, Macedonia", en Septiembre de  1916.


    Despues de la guerra le encargaron un mural sobre la vida militar durante la Primera Guerra mundial. Consta de 19 pinturas y está en el Memorial Chapel Sandham en Burghclere, Hampshire. El ciclo de escenas culmina con la resurrección de los soldados

    Despues de completar el mural se trasladó con su familia a Cookham. En 1937 se divorció y cuatro días mas tarde se casó con Patricia Preece


    Poco despues del estallido de la Segunda Guerra Mundial El War Artist´s Advisory Committee le encargó una obra que representara la construcción naval en el río Clyde. Esta obra fue elaborada a una escala épica, un friso de tres niveles de 70 pies de largo. Ocho de los trece lienzos proyectados se completaron cuando la asociación de artistas de guerra quedó disuelta. en 1946

    En Septiembre de 1945 Spencer regresó a Cookham.  En 1959 fue nombrado caballero por la Reina Isabel II.  Stanley Spencel murió en 1959




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  • 09/17/14--09:56: Joaquín Risueño




  • Salvando las distancias, se podría ubicar a Joaquín Risueño (1957) junto a artistas que, como Juan Carlos Savater, cultivan cierta figuración metafísica menos atenta al signo de los tiempos que a lo atemporal de pintura y existencia. Más que la lírica romántica del paisaje (casi siempre inclemente, algo hosco, montaraz, sin urbanizar) lo que se activa en estos óleos es una profundización en el acto de pintar lo natural que lleva a esa clase (rara, un poco al margen) de pintores españoles actuales a intentar extraer la atmósfera en cada lienzo, para así traducir un sobrecogimiento. Risueño se planta frente a una naturaleza desnuda y predecesora, ajena a la presencia humana y, sobre todo, frente a unos cielos turbulentos y vastos que ocupan gran parte de muchas obras y que bajan hasta la tierra, y se empapa de su presencia, fundiéndose con ello en poderosos óleos que podrían mostrar altanería y, sin embargo, seducen desde el silencio. En cualquier caso, frente a lo que podía verse en su última exposición madrileña, hace más de tres años, algo parece haberse desplazado en estas nuevas, extrañamente humildes a la vez que majestuosas pinturas de Risueño. Es como si una simplificación plena y precisa en temas y pincelada hiciera que sus pinturas asumieran cierta condición inesperada, sorprendente y embelesadora.


    El Cultural

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  • 09/17/14--11:41: DANIEL QUINTERO




  • Nació en Málaga en 1949, y pasó su infancia entre esta ciudad y Melilla. Actualmente está considerado un gran retratista de la alta sociedad, también don de destacar algunos paisajes y bodegones. 

    La producción artística de Daniel Quintero se ha inscrito dentro de la escuela del realismo. Sin embargo, sus últimas exposiciones en la Galería Marlborough de Madrid (1999 y 2001) “evidencian una evolución hacia una pintura menos sujeta que posibilita una nueva forma de hacer”. 

    A los 10 años se trasladó a Madrid con su familia. En 1965, ingresó en la academia Roca donde recibió clases de pintura de Amadeo Roca. Continuó su formación, en 1967, en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando y en el Círculo de  Bellas Artes de Madrid. Dos años más tarde firmó contrato con la Galería Juana Mordó de Madrid; y en 1975 con la Galería Malborough Fine Art de Londres. 

    En 1976 residió entre Cornwall y Londres, hasta que en 1978 se trasladó a Dublín. A España regresó al año siguiente, donde desde entonces reside y trabaja. De igual forma, desde 2001 alterna su trabajo entre Madrid y New York. 

    En 1970 realizó su primera exposición colectiva en la Exposición Nacional de Bellas Artes, Concursos Nacionales (ambas de Madrid) y en la Exposición Arte Contemporáneo de la Galería Arteta. 

    Su obra forma parte de colecciones públicas en España: Museo Municipal de Madrid, Museo Sefardí, Sinagoga del Tránsito (Toledo), Museo de Arte Contemporáneo (Cáceres), Colección March Art Espanyol Contemporani (Palma de Mallorca), Colección Masaveu (Madrid), Galería Retratos E.R.C.R.O.S., Museo de Arte Contemporáneo (Ciudad Real), Colección C.A.I. (Zaragoza), Banco Guipuzcuano (San Sebastián), Círculo de Bellas Artes de Madrid, Consejo Superior de Deportes (Madrid), Presidencia de Gobierno, Palacio de la Moncloa, Palacio de la Zarzuela (Madrid), Ayuntamiento de Oviedo, Fundación Teatro Lírico, Teatro Real (Madrid), Universidades de Málaga y de Navarra; Ministerios de Justicia, Hacienda, Asuntos Exteriores, Interior, Ciencia y Tecnología. 

    En Estados Unidos: Fogg Art Museum (Cambridge, Massachusetts), Achenbach Foundation for Graphic Arts at the Fine Art Museum (San Francisco) y Saint Louis University (Boston). 

    También en el Museo de Arte del Ateneo, Helsinki (Finlandia), en el Royal Bank of Scotland National Gallery of Modern Art (Edinburgo) y en el Victoria & Albert Museum (Londres), ambos de Inglaterra; en el Museo Rufino Tamayo (México) y en Japón (The Prefectural Museum -Nagasaki- y Marugame Hirai Museum -Kagawa-)...




    Portal

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  • 09/18/14--12:36: Eva Lootz


  • "Soy de las mujeres que cuando logran arreglar un enchufe o cambiar la rueda de un coche siente un subidón de logro y autoafirmación que difícilmente sería mayor si me dieran un premio importante"


    Eva Lootz (Austria, 1940) es licenciada en Dirección de Cine y Televisión. Además, en Viena recibe formación en Bellas Artes, Filosofía y Musicología. En 1965 se traslada a España, donde desarrolla la mayor parte de su trabajo artístico, que se caracteriza por una estrecha relación con la naturaleza y la utilización simbólica de los materiales en diferentes instalaciones, así como por un marcado interés por la interacción entre materia y lenguaje.
    Su labor artística ha sido reconocida en numerosas ocasiones. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Artes Plásticas (1994), el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda (2009) y el Premio MAV de Mujeres en las Artes Visuales (2010). Además, ha participado en las siguientes exposiciones: Metal (Madrid, 1983), Noche, decían (Barcelona ,1987), Alfombra escrita (Ámsterdam, 1990), A Farewell to Isaac Newton (Londres, 1994), La madre se agita(Valencia, 1997), Ich und Du (Colonia 2000), Derivas (Oporto, 2001), La lengua de los pájaros(Madrid, 2002), Mundo, Seco, Benamor, Amarga (Murcia, 2009) y Viajes de agua (Madrid, 2009).
    Información- Circulo de Bellas Artes Madrid

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  • 09/19/14--12:39: MANUEL BOIX





  • "Nace en l'Alcúdia, en la Ribera del Júcar, en 1942. Estudia en la escuela de Bellas Artes San Carlos de Valencia.
    Manuel Boix ha sido uno de los introductores del nuevo realismo en la Península, en los ya remotos 60. En la década siguiente, las series Falconeria (Cetrería) y Trama i ordit (Trama y urdimbre) profundizan en el mismo hecho de pintar, con dos obras de una gran belleza formal, como L'arc del triomf (El arco del triunfo), que cierra la primera, y El martiri de sant Sebastià (El martirio de san Sebastián), que resume la segunda. Desde que se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 1980, y particularmente después de una larga estancia en Nueva York, su trabajo se ha significado en los más diversos campos de la creación: pintura -series Acròstic (Acróstico), Frontissa, Alfabet (Alfabeto) , Escacs...-, ilustración de libros - Tirant lo Blanch, La Serp, El riu (La Serpiente, El río), Don Quixot..., obra gráfica y carteles, y últimament escultura. Els Borja, El Laberint (El Laberinto), Els equilibristes (Los equilibristas) y El punt dins el moviment combinan todos los recursos anteriores, y son tentativas que buscan la plena ocupación del espacio escenográfico.
    Últimamente nos ha descubierto la serie El rostre (El rostro) que ha estado en Valencia, Barcelona, Sevilla, Madrid y Pamplona."
    Texto extraído de la página web de Manuel Boix.

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  • 09/22/14--02:04: ABEL CARDOSO
  • ABEL-CARDOZO 1877-1964

    De su padre, pintor de retratos, recibió las primeras clases de dibujo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Oporto. Al acabar sus estudios se fue a París donde fue admitido en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

    En 1898 se fue a Brasil,  de donde volvió al año siguiente bastante enfermo. Volvió  a Guimaraes, su tierra natal, para abrir una academia de dibujo y pintura, para poder tener medios para seguir pintando. En 1904 fue admitido como profesor en la Escuela Industrial, de la cual llegaría a ser director.


    En 1931 fue nombrado profesor de la Escuela Afonso Domingues en Lisboa, donde se quedaría hasta su jubilación.

    Realizó varias exposiciones de sus obras, en 1923 en el Atrio da Misericórdia en Oporto, en 1924 en el Saon Bobone en Lisboa, en 1925, otra vez en Oporto, en 1926, en la Sociedad Martins Sarmento y en 1932 en la Sociedad Nacional de Bellas Artes en Lisboa. Esa época fue la más importante de su vida artística, llegando a ser considerado como uno de los majores paisajistas de su generación


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  • 09/22/14--04:21: Luis Pinto-Coelho



  •  1942-2001
    Nacido en Lisboa en el año 1942, cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes lisboeta y trabajó con el pintor Luis García Ochoa. Fue becado por la Fundación Calouste Gulbenkian. Su obra está presente en más de un millar de colecciones privadas y en museos como los de Arte Contemporáneo de Madrid y Lisboa, en el de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, y en el Centro de Arte Moderno de la Fundación Calouste Gulbenkian.
    Participó en numerosas exposiciones colectivas y realizó 54 individuales en importantes museos y salas de Europa y América, además de exponer en ferias como las de Arco de Madrid. Retrató a distintas personalidades europeas como el rey Juan Carlos, la cantante Amalia Rodrigues, el escritor José Saramago, el Gran Duque de Luxemburgo, el que fuera presidente de Portugal Antonio Ramalho Eanes o el príncipe Alberto de Mónaco.
    Trabajó también la cerámica, la fotografía y otras artes y realizó numerosos trabajos especiales para compañías y entidades de distintos países.-

    información EL PAIS

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