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  • 10/11/14--12:56: VICTOR PEDRA




  • Víctor Pedra (Barcelona, 1955). Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde tambien hizo algunos cursos de cerámica y artes gráficas.  El pintor afirma que lo que quiere es transmitir la realidad, sin olvidar el sueño de un mundo ideal. Su temática principal son las mujeres pero tambien nos presenta escenas de circo, de la ciudad, casas y bodegones, todo rodeado de un mundo creativo.

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  • 10/12/14--13:01: JUAN GARCIA RIPOLLES





  • Juan García Ripollés, de Castellón nacido en Alzira (Valencia, España) en 1932, la muerte de su madre en el parto le llevó hasta la capital de La Plana.
    El comienzo de su vida no fue fácil: recogió boñigas de caballo, fue chatarrero y pintor de brocha gorda, hasta que se marchó a París en 1954.
    Quería ser pintor. Y allí fue donde lo logró.
    Cuatro años después de su llegada, colgó sus cuadros en la prestigiosa galería Drouand David, la misma que había expuesto a Picasso y Chagall.
    Desde su regreso a España, en los años sesenta, su taller es la naturaleza.
    Hoy en día, a sus 80 años, aún es así: pinta en la huerta de su casona en la pequeña pedanía de Mas de Flors, en Castellón.
    Durante las últimas cinco décadas, sus lienzos y grabados se han mostrado en las mejores galerías y museos de Ámsterdam, Nueva York, Tokio o Beijing.
    Sus esculturas de gran formato han sido instaladas en los parques y en las principales calles y plazas de Madrid, Sevilla, Valencia, Lisboa, Venecia, Verona, Hertogenbosch o Beijing.
    Me gusta el pan y mi cielo es la vida. Hablo claro.
    Tú eres tú. Mi dolor, mi sed, mi mirada, mi amor, mi palabra. Tú eres tú.
    Para mí el arte es el reflejo de lo real, una emoción de lo vivo.
    Cambio palabras enteras por medias palabras. ¿Quién me cambiará risas por lágrimas?
    Hoy quería decir algo, algo así como no sé qué. Pero nada, no he podido decir nada.
    Juán Ripollés

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  • 10/13/14--03:30: Miquel Navarro


  • Nace en Mislata (Valencia) en 1945. Estudia en la Escuela Superior de Bellaas Artes de San Carlos de Valencia. Comienza su carrera como pintor y desde 1972 se dedica casi exclusivamente a la escultura. Vive en Mislata. 

     Premios. Premo Nacional de Artes Plásticas 1986
    Premio Alfons Poig (Diputación de Valencia) 1987
    Premio C.E.O.E. de las Artes 1990
    Premio Nacional de la Asociación de Críticos de Arte (AECA) ARCO 95
    Premio Valencianos para el siglo XXI (Las Provincias 2001)
    Distinción de la Generalidad Valenciana al mérito cultural 2002. 
     Premio de Artes Plásticas valencianos del mundo (otorgado por la Generalitat valenciana y el periodico el Mundo)
     
    VII premio internacional Julio Gonzales 2008

     Académico de la Real Academia BBAA de San Fernando

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  • 10/14/14--15:57: Max Walter Svanberg



  • Max Walter Svanberg : 1912-1994
    Empezó a trabajar en la escuela técnica en el departamento de decoración, en 1929. Comenzó a estudiar en la Art School en 1931. 

    En 1935 realiza su primera exposición. En 1942 forma el grupo Minotaur con Hulten y Osterlin. En 1946 crea la expresión "Imaginism" y la mayoría del grupo Minotaur sigue esta tendencia.  En 1949 Jorn les habla sobre Cobra y el grupo reconoce que tienen mucho en común,  asi que los Imaginisterne se convierten en la rama sueca de Cobra.   Svanberb participa en pocas exposiciones, pero despues de la experiencia con el grupo se orienta cada vez mas hacia el surrealismo. En 1953  fue invitado a unirse al grupo de surrealistas de París, liderados por André Breton.  Expuso en la Galeria  de l´Etoile Scellee en 1955 e ilustró una edición de Arthur Rimbaud ILUMINATIONS, en 1958                                            

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  • 10/16/14--12:47: Johan Hendrik Weissenbruch




  • Jan Hendrik Weissenbruch, cuyo nombre de pila era Hendrik Johannes, nació en el seno de una familia de artistas de la que él y su primo Jan (1822-1880) fueron los principales representantes. Para distinguirle de su primo, que tenía casi la misma edad y pintaba con técnica lisa y colores brillantes -sobre todo paisajes de ciudades-, a Jan Hendrik también se le conocía como «de vrolijke Weiss» (juego de palabras que significa «la melodía alegre»). Al principio de su carrera, Weissenbruch recibió clases de dibujo de Johannes Löw durante tres años. Después fue discípulo del pintor de decorados Bart van Hove (1790-1880) y asistió a clases nocturnas en la Academia de La Haya. En 1849, dos años después de que el pintor celebrara su primera exposición, el Teylers Museum de Haarlem adquirió uno de sus paisajes panorámicos. Sin embargo, aquel éxito temprano no duró mucho tiempo. A pesar del prestigio logrado entre sus colegas, no consiguió el reconocimiento público hasta finales de la década de 1880. Durante ese período intermedio, Weissenbruch pasó de ser un pintor característico del Romanticismo holandés a ser uno de los mejores representantes de la Escuela de La Haya. Sus vivos paisajes de dunas dieron paso a unas impresiones atmosféricas de los pólderes holandeses en los que el artista prestaba especial atención a la representación de los cielos nublados y las masas de agua. Los hermosos paisajes al óleo y acuarela fueron pintados, casi sin excepción, con pincelada suelta y tenue paleta


    El. artista encontraba su inspiración en los alrededores de la ciudad en la que residía, La Haya, y en Haarlem. Con el paso de los años fue ampliando su campo de trabajo a Gouda, Boskoop, Delft y Schiedam. A partir de 1875, Weissenbruch volvió con regularidad a los húmedos parajes de los alrededores de Nieuwkoop y Noorden. Tan sólo viajó al extranjero una vez. En compañía de su amigo, el marchante J. Slagmulder, visitó la Exposition Universelle de París en el año 1900 y realizó una excursión a Barbizon, donde pintó, entre otras cosas, la casa de MilletWeissenbruch. dio clases a Theophile de Bock (1851-1904), Victor Bauffe (1849-1921) y Jan Heppener (1826-1898)
     Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 10/16/14--13:50: Jan Hendrik Weissenbruch





  • Jan Hendrik Weissenbruch




    La Haya, 1824-1903

    Jan Hendrik Weissenbruch, cuyo nombre de pila era Hendrik Johannes, nació en el seno de una familia de artistas de la que él y su primo Jan (1822-1880) fueron los principales representantes. Para distinguirle de su primo, que tenía casi la misma edad y pintaba con técnica lisa y colores brillantes -sobre todo paisajes de ciudades-, a Jan Hendrik también se le conocía como «de vrolijke Weiss» (juego de palabras que significa «la melodía alegre»). Al principio de su carrera, Weissenbruch recibió clases de dibujo de Johannes Löw durante tres años. Después fue discípulo del pintor de decorados Bart van Hove (1790-1880) y asistió a clases nocturnas en la Academia de La Haya. En 1849, dos años después de que el pintor celebrara su primera exposición, el Teylers Museum de Haarlem adquirió uno de sus paisajes panorámicos. Sin embargo, aquel éxito temprano no duró mucho tiempo. A pesar del prestigio logrado entre sus colegas, no consiguió el reconocimiento público hasta finales de la década de 1880. Durante ese período intermedio, Weissenbruch pasó de ser un pintor característico del Romanticismo holandés a ser uno de los mejores representantes de la Escuela de La Haya. Sus vivos paisajes de dunas dieron paso a unas impresiones atmosféricas de los pólderes holandeses en los que el artista prestaba especial atención a la representación de los cielos nublados y las masas de agua. Los hermosos paisajes al óleo y acuarela fueron pintados, casi sin excepción, con pincelada suelta y tenue paleta

    El. artista encontraba su inspiración en los alrededores de la ciudad en la que residía, La Haya, y en Haarlem. Con el paso de los años fue ampliando su campo de trabajo a Gouda, Boskoop, Delft y Schiedam. A partir de 1875, Weissenbruch volvió con regularidad a los húmedos parajes de los alrededores de Nieuwkoop y Noorden. Tan sólo viajó al extranjero una vez. En compañía de su amigo, el marchante J. Slagmulder, visitó la Exposition Universelle de París en el año 1900 y realizó una excursión a Barbizon, donde pintó, entre otras cosas, la casa de MilletWeissenbruch. dio clases a Theophile de Bock (1851-1904), Victor Bauffe (1849-1921) y Jan Heppener (1826-1898)
     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 10/17/14--13:45: Stanisław Wyspiański




  •  Cracovia. 1869-1907- Pintor y escritor polaco. Residió en París, donde se dedicó  a la pintura y escribió libretos de ópera. Cuando volvió a Polonia desarrolló una intentsa carrera como pintor, ilustrador, músico, director de teatro y dramaturgo.
    Alergico al óleo, se vió obligado a buscar otros medios para realizar sus retratos y paisajes. Optó por el pastel y sus experimentos resultaron muy expresivos. 

    Su éxito en la plástica pueden considerarse a la par con sus aportaciones al mundo literario.
    Estudió en Cracovia y en París. Fue uno de los artistas invitados a unirse a la Secesión de Viena en 1897, cuando solo le quedaban diez años de vida, pero en esa década creó la obra mas admirada por los polacos, como artista, escritor, diseñador de vidrieras, de muebles y coreografo- un hombre del renacimiento. 

    Su obra maestra es la Comedia de Bodas, una feroz crítica de las costumbres  de la sociedad polaca contemporánea. 

    En sus últimos años de vida estuvo muy enfermo, se cree que se contagió de sífiles en su época de estudiante en Francia, pero continuó trabajando hasta su muerte en 1907

     


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  • 10/23/14--13:54: Modest Urgell Inglada


  • Modest Urgell i Inglada (Barcelona, 1839 - ídem, 1919) fue  pintor y comediógrafo.

    Estudió en la Escuela de la Llotja, donde fue discípulo de Ramón Martí i Alsina. Pasó una temporada en París, donde trató a Gustave Courbet, y se adscribió al realismo. Los años 1860 sus obras fueron rechazadas por muy avanzadas en las exposiciones organizadas en la Llotja, y también expuso sin éxito en Madrid. En 1870 fue a Olot, donde se relacionó con Joaquim Vayreda, creador de una escuela paisajista en la ciudad de la Garrotxa, que influyó en Urgell, dedicándose desde entonces principalmente al paisaje.
    Expuso habitualmente en la Sala Parés desde su fundación en 1877, y obtuvo éxitos en las exposiciones nacionales de Madrid de 1876, 1892 y 1895, donde obtuvo la primera medalla con El Pedregal, pueblo civilizado; también ganó las máximas condecoraciones en las exposiciones de Barcelona de 1894, 1896 y 1898, y participó en exposiciones de Filadelfia y Múnich. Fundador de la Sociedad Artística y Literaria de Cataluña, desde 1894 fue profesor de paisaje de la Llotja.



     
    Su obra se centra principalmente en paisajes y marinas solitarios, con un ambiente triste y misterioso, a menudo con localizaciones en cementirios y ermitas, en un estilo a veces comparado con el de Arnold Böcklin. Obtuvo bastante éxito en su tiempo, con obra en el MNAC, en los museos provinciales de Gerona, Palma de Mallorca y Lugo, en la Kunsthalle de Hamburgo, etc. Reunió reproducciones de buena parte de su obra en el álbum Cataluña (1905).
    Como escritor, publicó diversas obras de teatro: Lluny dels ulls (1898), Un terròs de sucre (1898), Añoranza! (1899), Por (1901), Valor (1907); también escribió su autobiografía: El murciélago. Memorias de una patum (1913).
    En 1902 fue nombrado académico de Bellas Artes de Barcelona.
    Su hijo Ricard Urgell también fue pintor.


    Obtenido de http://es.wikipedia.org/wiki/Modest_Urgell
      

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    Walter Frederick Roofe Tyndale in Brujas, Belgica, 1855. Estudió en la  Academia de Bellas Artes de Brujas antes de morir su padre en  1868.  Volvió a Inglaterra con su familia y se quedaron en Bath durante varios años.  Más adelante volvió a Bélgica para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Amberes, antes de irse a París para estudiar con Leon Bonnat y Jan Van Beers-

    Pintò retratos y paisajes hasata  1890 hasta que se trasladó a Surrey y allí empezó a pintar acuarelas. Vivió durante algún tiempo en Venecia, antes de trasladarse a Londres.


    Tyndale viajó mucho por toda Europa pintando lo que le sirvió para hacer un libro de viajes. Escribió tambien varios libros como "un artista en Italia", "Japon y los japoneses", "Un artista en Egipto", "Un artista en la Riviera",  etc. Tambien ilustró varios libros. 

    Fue miembro del Royal Institute of Painters in Watercolours y miembro fundador de Haslemere Art Society. Expuso en la Royal Academy, the RI gallery, The Grosvenor Galleries y en las Dowdeswell Galleries en Londres.

    Murió en Kensington en 1943.

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  • 10/31/14--13:21: Max Peiffer Watenphul



  • Nace en 1896 en Weferlingen. Su padre muere en 1903 y en 1906 su madre se vuelve a casar. En 1911 la familia se traslada a Hattingen. En 1914 ingresa en la universidad de Abitur. Despues de comenzar la carrera de medicina en Bonn decide estudiar derecho en Strasburgo, Frankfurt  y Munich. Cuando estaba en Munich se hizo amigo de Paul Klee. Acaba la carrera en  1918 y  ejerce  pero poco despues decide dejar todo y convertirse en artista.


    Entre 1919-22 estudia en la Bauhaus y se hace amigo de Oskar Schlemmer, Josef Albers, Kandisky, Schwitters y de Johannes Itten. En 1920 se une al grupo Das Junge Rheinland y se hace amigo de Otto Dix, Werner Gilles y de Otto Pankok. En 1921 expone en el museo Stadtisches, en Essen y en el otoño viaja a Italia

    En 1924 viaja a Mejico y se queda alli hasta 1925. Entre 1925-26 viaja a Dalmatia, sur de Francia, París, Florencia y Roma


    Entre 1927-31 da clases en Folkwngschule  en Essen y hace muchos viajes a Paris

    Recibe el premio de Roma en 1931 y permacece becado en Villa Massimo durante  nueve meses.  En 1933 le conceden el premio Carnegie

    Durante el periodo 1933-37, reside en la casa de sus padres en Hattingen, aunque pasa algún tiempo en Italia

    En  1937 su obra es confiscada de los museos por ser considerada "arte degenerado" y se traslada a Italia


    En Ischia, con los pintores Werner Gilles, Rudolf Levy, Hans Purrmann, Karli Sohn-Rethel y Eduard Bargheer, el compositor Gottfried von Einemm y otros, permanecen desde 1937 hasta 1941

    A partir de ese año da clases en Höhere Fachschule für textile Flächenkunst. En 1943  su estudio es destruido. En 1946, despues de acabar la guerra, se le niega la residencia en Austria y se escapa a Venecia, donde vive con su hermana Grace hasta 1958. (Despues se irá a Roma ). Se hace amigo de Filippo De Pissis, Zoran Music y de Peggy Guggenheim


    En 1950 se exponen cuatro obras suyas en la Bienal de Venecia y en 1951 viaja a Salzburgo, expone en Zurich en 1952 y en 1956 viaja a España y a Marruecos.  En 1961 viaja a Grecia

    A partir de 1964 comienza sus estacias anuales en la isla de Corfu. Es nombrado académico de la Academia de Bellas Artes de Salzburgo y miembro de la Academia de Bellas Artes de Baviera.

    Muere en 1976 en Roma


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  • 11/01/14--13:22: Ramon Sanvisens Marfull







  • (Barcelona, 1917 – 1987)


    Ramon Sanvisens Marfull nació en Barcelona el 18 de marzo de 1917. En 1933 ingresó en la Escuela de Artes y Oficios del Clot donde fue discípulo de Domènec Soler. Dos años después ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de «Llotja», donde fue discípulo de Lluís Muntané. Con el estallido de la Guerra Civil fue movilizado a ir al frente. Posteriormente, se matriculó de nuevo a la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, donde fue discípulo de Monreal y Tejada, Miquel Farré, Emest Santasusagna, Pérez Dolz, Francesc Labarta y Enric Monjo.



    En 1944 realizó su primera exposición individual en las Galerías Españolas de Barcelona y en 1945 residió en París, donde estudió las obras de Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Bonnard. En 1946 obtuvo la pensión El Paular y vivió en Holanda, donde estudió Rembrandt, Vermeer y Franz Hals. El 1957 fue nombrado Profesor Interino de Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi; en 1965 ganó por oposiciones la plaza de Profesor Auxiliar Numerario de la misma institución y, en 1971, fue nombrado su Secretario. En 1975 cesó de todos sus cargos al agudizarse una enfermedad al ojo izquierdo y en producirse los primeros síntomas de una insuficiencia respiratoria crónica. En 1986 se celebró la última exposición en vida del pintor, organizada por la Fundación de la Caixa de Barcelona, muestra que se trasladó después a Madrid. La madrugada del día 1 de marzo de 1987 murió en la Clínica Sant Josep de Barcelona. Durante el mes siguiente le fue dedicado un homenaje al Cercle Artístic de Sant Lluc.

    Página referencial del pintor Ramon Sanvisens Marfull

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  • 11/03/14--13:49: Connie Dillman




  • Aunque la acuarela, normalmente se asocia  con colores e imágenes delicadas, en el caso de esta artista esta premisa no se cumple. Ella explica su preferencia por los colores fuertes "la vida es como un caleidoscopio, lo que tus ojos perciben es una fiesta de imágenes sensuales que constantemente juegan con la luz y objetos. Esta es la esencia de mis pinturas" y añade "Esto requiere color y formas fuertes para expresar la amplia gama de emociones que intento transmitir"

    Le gusta la figura femenina y frecuentemente elige temas de madres y niños o mujeres conversando. Aunque sus imágenes son muy femeninas las retrata evocando un sentimiento cariñoso, sin caer en el sentimentalismo. Debido a que sus temas tienen fuerza, prefiere el formato grande.








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  • 11/03/14--15:36: ALEX POWERS



  • Artista norteamericano nacido en 1940-  Empezó a pintar desde la escuela primaria.  Estudió matemáticas y empezó a trabajar en informática pero decidió que ese no era su mundo y optó por las humanidades. Se inscribió en clases de cerámica, dibujo y pintura en varias escuelas de arte, en Florida, Nueva York, Massachusetts, Connecticut. Abrio su propio taller de arte y empezó a dar clases.

    El artista asegura que sus mayores alegrías son-
     El autoempleo, educarse a si mismo, pintar lo que aprendió, la filosofía que le ofrece la vida y no ser un paleto cultural. Es aficionado al  beisbol.

    Recientemente ha dejado de pintar. Ahora utiliza carboncillo y pastel. Dibuja caras y figuras que le gustan. Opina que quizás necesitaba un descanso de sus trabajos sociales y políticos que ha realizado durante las dos últimas décadas. Cree que esto le su sucedido a causa del cansancio de ver las noticias en la TV, que necesita un descanso, especialmente de la política  (¿Quien no?)


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  • 11/04/14--11:26: Aleksander Gierymski

  • Aleksander Gierymski (1850-1901) 

    Pintor polaco nacido en Varsovia, considerado uno de los mayores representantes de la pintura polaca y  precursor del impresionismo en Polonia. 

    Nos muestra el entorno metropolitano con su amplia representación de la sociedad, centrándose principalmente en la vida cotidiana, principalmente de los pobres de la zona ribereña de Varsovia. 

    Estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Entre 1973-74 residió en Roma, donde regresaría en 1875, quedandose cuatro años, dedicando la mayor parte de su tiempo al estudio del arte italiano. 

    Cuando regresó a Varsovia se unió a un grupo de escritores y pintores.  Viajó a Alemania y a Francia. Regresó a Polonia en 1893 y se quedó hasta  1895 para conseguir un puestro en la Academia de Bellas Artes en Cracovia.  Pasó la última parte de su  vida en Italia. Murió en un hospital mental en Roma, en 1901

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  • 11/05/14--10:40: Franciszek Zmurko


  • Pintor polaco 1859-1910. Empezó a pintar desde niño bajo la tutela de Franciszek Tepa. De adolescente se fue a Cracovia para estudiar en la Academia de Bellas Artes y en 1877 se trasladó a Viena donde fue admitido en la Academia de Viena pero pronto abandonó para estudiar con Aleksander Wagner en Munich.  En 1880 volvió a Cracovia pero dos años despues se fue a Varsovia donde se quedó hasta su muerte


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  • 11/06/14--10:50: William Merritt Chase

  • William Merritt Chase
    Williamsburg, 1849-Nueva York, 1916

    Hijo de un comerciante, William Merritt Chase estaba destinado a heredar el negocio familiar. Sin embargo, su interés por el arte le hizo alzarse contra la voluntad paterna y convertirse en un pintor relevante en el panorama artístico estadounidense por su intensa labor docente y su participación en numerosas iniciativas innovadoras
    En. 1867 comenzó su formación pictórica junto a Barton S. Hays y dos años más tarde continuó en la National Academy of Design con Lemuel PWilmarth. Cuando en 1871 se trasladó a San Luis, su fama como pintor de bodegones llamó la atención de algunos mecenas locales que le ofrecieron su apoyo financiero para completar su formación en Europa. Su destino fue la Königliche Kunstakademie de Múnich, donde coincidió con un amplio grupo de artistas americanos. Junto a dos de ellos, Frank Duveneck y John Twachtman, realizó un viaje de nueve meses

    Tras. su regreso a Nueva York en 1878, Chase comenzó a dar clases en la Art Students League. Algo más tarde también colaboraría como profesor en la Brooklyn Art Association, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts y la New York School of Art, de la que fue fundador. Su fama creció entre los estudiantes y llegó a convertirse en el profesor más aclamado de su tiempo. Paralelamente, Chase continuó activo como pintor. Participó en la formación de la Society of American Artists, que se alzó contra la rígida autoridad de la National Academy of Design, y se convirtió en su presidente en 1880.

    En 1886 se casó con Alice Gerson. El nacimiento de sus nueve hijos haría que, poco a poco, sus temas fuesen variando hacia escenas domésticas, con representaciones de su propia familia o de los parques cercanos a Nueva YorkA. pesar de que en estas escenas se observaba ya un interés creciente por los efectos lumínicos, fue en la década de 1890 cuando su vinculación con la estética impresionista francesa se hizo más evidente. En esos años Chase creó la Shinnecock Summer School of Art. En esta localidad costera del estado de Nueva York Chase comenzaría a pintar del natural cada vez con más frecuencia.
     Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 11/07/14--10:56: JAUME CARBONELL
  • CARBONELL

    Hace unos días una persona muy cercana, después una larga conversación, me deslizó al oído una mala noticia. No sé si decírtelo, ¿sabes quién se ha muerto? Jaume Carbonell. Te lo digo porque sé que le habías dedicado un relato. Tiene buena memoria. En el ya lejano 1989 publiqué, dentro del libro de relatos La lanzadora de cuchillos y otros relatos eróticos (Icaria), que Manolo Vázquez Montalbán tuvo la generosidad de prologar, un relato titulado La mujer cíclica que dediqué a quien ahora mismo no sé dónde está y me deja un vacío.
    A mí Jaume Carbonell, tipo tranquilo y de apariencia plácida, siempre me pareció, por su físico, un pintor impresionista francés. Quizá fuera una reencarnación de Renoir. Suavemente grueso, con panza de quién disfruta de los placeres del yantar y del buen beber, lucía siempre una enmarañada barba y ocultaba ojos muy vivos tras los cristales de sus gafas. Durante años coincidimos en las páginas delButlletí, la revista mensual de la Asociación de Empleados de la Caixa en la que publico reseñas cinematográficas desde hace veinticinco años. Muchas de las portadas de la revista, en uno de sus periodos, salieron de los pinceles de Jaume. Sus cuadros eran un canto a la vida, llenos de luz mediterránea y coloridos, hermosos, decididamente naifs y fue siempre fiel a su estilo, algo que es poco habitual en un pintor.
    Qué mejor homenaje que el relato que aquí ofrezco, La mujer cíclica, una pieza curiosa que bascula entre realidad y ficción, recorrida por erotismo desbordante, en el territorio de la duermevela, con un escritor que encuentra las notas perdidas de un pintor en el cajón de una cómoda de la casa que alquila. Y para paliar la oscuridad del relato lo ilumino con reproducciones de ese amigo que se ha ido y engrosa la cada vez más larga lista de los ausentes en la que acabaré figurando.

    PUBLICADO POR José Luis Muñoz en mayo 2010

    http://lasoledaddelcorredordefondo.blogspot.com.es/2010/05/el-largo-adios.html




    Jaume Carbonell es, en determinados aspectos plásticos, uno de esos herederos actuales menos retóricos de la perenne cultura mediterránea, la cual, en tierras catalanas, no deja nunca de rebrotar y actualizarse, porque constituye un substrato que aglutina formas de expresión que surgen a la superficie con formulaciones a menudo muy diversas. En el caso de este pintor hay, por sentimiento y formación, unas raíces profundas que tienden a poner de manifiesto en los seres humanos y en el paisaje unos elementos de permanencia que podríamos calificar de humanísticos. Esto no quiere decir, sin embargo, que nos encontremos frente a una obra de contenido más o menos neoclásico, pero sí delante de una realización totalmente e imparablemente antinaturalista, de la cual rezuman esencias de fondo subrepticiamente mitológico. Unas vivencias de intemporalidad, en efecto, que huyen de toda representación individualizadora  y se acercan a transposiciones genéricas y categóricas. 

    Todo esto sin olvidar la asimilación debida de las aportaciones inescamoteables de nuestro siglo, con el fauvismo y el cubismo en primer lugar, que contribuyen, junto con la intuición y la especulación conducidas por el pintor, a hacer vigente y significativa su visión singular. Tanto en sus figuras femeninas como en sus paisajes, la imposición de la volumetría más estricta, dentro de la libertad de plasmación, y la utilización de un cromatismo exaltado y metafórico son parámetros que transmiten a su obra una configuración de turgencia y robustez. Y, a la vez, remarcan la compenetración con la realidad vital de la tierra y con la interpretación casi mitificada pero sin dejar de ser nunca vitalista del cuerpo de la mujer, que son factores que acercan esta obra, en cierto modo y al margen de cualquier imitación estilística, al espíritu ejemplar e independiente de unos maestros del arte  catalán moderno como Joaquim Sunyer i Manolo Hugué, que integraron en su momento (1910-1913) aquella famosa Escuela de Ceret que tan fundamental fue para el desarrollo de las tendencias puede que más prestigiosas de la creatividad artística contemporánea. 




    Jaume Carbonell, valor joven pero provisto de madurez espiritual, ha llegado ya, en su línea llena de resonancias insignes, a unos resultados plausibles y reveladores de la certeza de su autenticidad incuestionable.


    Jordi Benet
    Historiador y crítico de Arte
    http://www.oocities.org/jaumecarbonell/

    Página del pintor

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  • 11/10/14--11:53: George Wesley Bellows






  • George Wesley Bellows (1882-1925) fue un líder  entre los pintores americanos que se acercaron a la representación de la escena americana de manera realista.
    George Bellows nació en Columbus, Ohio, el 19 de agosto de 1882. En la Universidad Estatal de Ohio (1901-1904) se distinguió como atleta, pero decidió ser artista y se fue a la ciudad de Nueva York en 1904. Durante un tiempo él se  mantuvo como atleta profesional. Estudió en la Escuela de Arte de Nueva York con  Robert Henri, quien se convirtió en amigo para toda la  vida.

    Sus primeras  pinturas son estudios rápidos y vivos, de tonalidad sombría. Su desarrollo fue muy rápido, a partir de 1906 sus obras fueron aceptadas en exposiciones nacionales. Estaba fascinado con el espectáculo de la gran ciudad: sus edificios, multitudes, sus gentes y ríos. A pesar de que fue denunciado por los críticos conservadores como uno de los "apóstoles de la fealdad", su brillantez técnica  fue aceptado como uno de los mejores pintores en su estilo.. Se convirtió en socio de  la Academia Nacional de Diseño a la edad de 27 años y fue elegido académico  4 años más tarde. Su obra se caracteriza por la exuberancia, la variedad de la materia, el humor y vitalidad, siempre representado con gusto.
    En 1907 Bellows produjo la primera de varias pinturas de boxeadores en acción en el ring. Se casó en 1910, reconstruyó una antigua casa en la calle 19, y comenzó su carrera docente en la Art Students League. . Pasó varios veranos en Maine, donde pintó paisajes azotados por el viento y  escenas del mar. En el verano de 1912 visitó  California y Nuevo México-su única excursión al Lejano Oeste. Nunca fue a Europa.
    Bellows estuvo bien representadoen el Armory Show  de 1913. Los nuevos movimientos europeos expuestos pudieron haber tenido influencia en él como en otros pintores norteamericanos. En 1916    volvió a la litografía (en este momento rara vez utilizada por los artistas serios) porque su inmediatez le atraía, Sus cerca de 200 litografías ocupan una amplia variedad de temas, pinturas de género, desnudos, retratos, paisajes, ilustraciones literarias y humorísticas p escemas satíricas . Estaba profundamente y emocionalmente afectado  por la Primera Guerra Mundial y grabó sus reacciones en una serie de impresiones poderosas y dolorosas que se han comparado con los de Goya. En 1918 se interesó por la teoría de Jay Hambidge de simetría dinámica, que proporciona un sistema geométrico de la composición para el control de la obra del artista. Hambidge (y Bellows) creían que había sido   seguido por muchos de los grandes artistas de la antigüedad.
    Enseñó en el Instituto de Arte de Chicago en 1919; su estancia allí fue recordada como un torbellino de entusiasmo y actividad. Sus ilustraciones para novelas de Don Byrne y HG Wells (1921-1923) son ricas en acción,  caracterización, e imaginación. 
    Un ataque de apendicitis descuidado causó la muerte de Bellows el 8 de enero de 1925, en Nueva York.

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  • 11/11/14--12:21: Peder Mørk Mønsted




  • 1859- 1947 - Peder Mork Monsted nació en Dinamarca en 1859. Estudió en la Academia de  Copenhaguen. Recibió mucha influencia de su profesor Andries Fritz, un pintor de la corte. Tambien estudió con Julius Exner y Niels Simonsen.

    Su estilo se desarrolló en el estudio de Peder Severin Kroyer y en un breve periodo de tiempo con William Adolphe Bouguereau. Aunque se estableció en Copenhaguen, viajo mucho por Europa, Norte de Africa y Oriente Medio. Expuso frecuentemente en Charlottenborg y en los salones de Munich y París. Es muy conocido por sus paisajes luminosos, casi fotográficos, realizados con una técnica exquisita. 

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  • 11/12/14--13:49: LUIS PEREZ



  • 1978
    Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid, Luis Pérez es un joven pero ya experimentado pintor que ha expuesto en cerca de 50 grandes exposiciones, no sólo en España sino también en otros países europeos, en Estados Unidos, e incluso en Asia (Japón) o África (Sudáfrica). El arte del hiperrealismo, que el trabaja a la perfección, trata de reproducir la realidad que podríamos ver en una fotografía, pero con muchos más matices, detalles y profundidad, y ese toque de imaginación e ingenio que pone el artista.

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