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Carlos Amorales

May 5, 2016, 12:16 pm
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 Carlos Amorales

Cd. de México, México, 1970

Carlos Amorales estudió en Gerrit Rietveld Academie, después de asistir a Rijksakademie van Beeldende Kunsten (1996–97). Ha hecho residencias en Atelier Calder, en Sache, Francia (2012); Mac/Val, en Valle del Marne, Francia (2011); y la Smithsonian Artists Research Fellowship, en Washington, D. C., Estados Unidos (2010).
Entre sus exposiciones más importantes se encuentran Germinal, Museo Tamayo, México (2013); Supprimer, modifier et préserver, Mac/Val, en Vitry-sur-seine, Francia (2011); Discarded Spider, Cornerhouse, Reino Unido (2010); Working Class Today… Mañana Nuevos Ricos!, Kunsthalle Fridericianum, Alemania (2009).
Su obra también ha sido incluida en exposiciones colectivas en instituciones como Phoenix Art Museum, Estados Unidos (2013); Centre Georges Pompidou, Francia (2013); Werke aus der Sammlung Migros Museum für Gegenwartskunst, Migros Museum für Gegenwartskunst, Suiza (2012); Museum of Contemporary Art San Diego, Estados Unidos y The Museum of Latin American Art, Estados Unidos (2011), entre otras
Su obra ha sido incluida en bienales como la 2ª y 8ª Bienal de Berlín, Alemania (2001 y 2014); Bienal de Sharjah, Emiratos Árabes Unidos (2013); la X Bienal de La Habana, Cuba (2009); la 5ª Bienal Internacional de Arte de Seúl, Corea (2008); la 2ª Bienal de Moscú, Rusia (2007).

 Museo de Arte
Carrillo Gil
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Matthias Weischer

May 10, 2016, 12:10 pm
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 El tiempo parece haber llegado a un punto muerto dentro de los interiores vacíos, austeros, a veces claustrofóbicos de las pinturas de Matthias Weischer. Weischer utiliza diferentes medios visuales para lograr unos efectos perturbadores en su visión de los espacios. 

 Este pintor, nacido en 1973 en Rheine, Alemania, miembro de la nueva Escuela de Leipzig

Comenzó su educación artística de pintura y grabado en la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig como alumno  de Sighard Gille. Junto con otros once artistas, entre ellos Tom Fabritius, Tim Eitel, David Schnell y Christoph Ruckhaberle, estableció la galería Liga en Berlín. El grupo de artistas que se conoce como movimiento de la "Neue Leipziger Schule '. Desde 2001, sus obras forman parte de exposiciones internacionales. Las colecciones del Museo de Arte Moderno de Frankfurt am Main, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Colección Miami Rubell Family poseen obras suyas.  Le han concedido una serie de premios, por ejemplo, la beca de la Junge Kunst de la Kunsthaus Essen, el August-Macke- y el Premio de  la August-Macke-Foundation

El artista trabaja actualmente en su propio estudio en Leipzig.

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ANTONIO BERNI

May 11, 2016, 12:22 pm
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Antonio Berni nació en Rosario en 1905 y murió en Buenos Aires en 1981. Durante sesenta años se dedicó a la pintura convirtiéndose en uno de los artistas más importantes de la Argentina y de América latina. Fue pintor, grabador, dibujante, muralista, ilustrador, realizó objetos e instalaciones.



Sus padres eran de origen italiano y habían llegado a la Argentina junto con otros miles de inmigrantes. Berni fue un niño prodigio que a los catorce años presentó su primera exposición. Dedicado a pintar paisajes y retratos, realiza tres exposiciones consecutivas y la crítica escribe con entusiasmo sobre sus trabajos. En 1923 expone por primera vez en Buenos Aires y en 1924 comienza sus envíos de obras al Salón Nacional de Bellas Artes que era entonces el concurso público más importante que había en el país para pintores y escultores. Para los artistas argentinos, desde fines del siglo XIX, era fundamental, después de estudiar en la Argentina, perfeccionar el oficio viviendo durante algún tiempo en París o Roma. Se trataba de completar lo aprendido en nuestro país y establecer contacto con lo que pasaba en otras partes del mundo.



En 1925, el Jockey Club de Rosario le otorgó al joven Berni una beca para estudiar en Europa. Se instaló en París y algunos viajes por España, Italia, Holanda y Bélgica le permitieron conocer museos, artistas y obras de la historia del arte que van influenciando sus trabajos. Por ejemplo, en Italia estudia a los maestros del Renacimiento del siglo XV y viaja por ciudades como Florencia visitando sus iglesias, palacios y museos.

Berni inquieto va encontrando constantemente estímulos para sus propias obras. Durante los cinco años que vive en París frecuenta la bohemia intelectual de la ciudad y conoce escritores, poetas, cineastas, políticos, filósofos y artistas de diferentes países que coinciden en la capital francesa. Eran años de fuertes transformaciones culturales después de la Ptimera Guerra Mundial; de la revolución Rusa, de la difusión del socialismo; había aparecido el psicoanálisis y en el campo de la ciencia se presentaban nuevas teorías. Los artistas desde la primera década del siglo,. habían revolucionado el campo del arte con propuestas que se alejaban de la pintura tradicional preocupada por representar la realidad tal cual la vemos con nuestros ojos. Nuevos grupos y movimientos que reciben el nombre de vanguardias, proponen lenguajes diferentes. El mundo cambia y la función y los problemas del arte también. Bemi asistía a todo aquello atento, junto con otros artistas argentinos que vivían entonces en Europa como Raquel Fomer, Alfredo Bigatti, Horacio Butler y Lino Enea Spilimbergo, uno de sus amigos más cercanos.



El principal descubrimiehto para Berni en esos años fue la relación entre el arte y la política, el rol del artista como hombre de su tiempo y como actor social. Berni se acerca al comunismo y desde su interés por la política asume el compromiso de reflejar en sus cuadros la realidad del mundo que le toca vivir. Desde entonces, para él, la pintura será su manera de reflexionar sobre la realidad y de intentar transformar el mundo marginal de los trabajadores.

Al mismo tiempo, conoce una de las vanguardias artísticas más importantes de aquel momento: el surrealismo, y adhiere durante algunos años a sus postulados. Los surrealistas buscan liberar la imaginación y las fuerzas del inconsciente como en los sueños; tratan de expresar la vida interior del artista sin que intervenga la razón y sus imágenes, en lugar de ser similares a la realidad, son lo más inconexas posibles entre sí. Ellos reúnen imágenes imposibles de ver juntas en la realidad y alteran los tamaños de los objetos y los ponen en escenarios en los que nosotros, espectadores, no podemos encontrar explicaciones racionales. Por ejemplo, en elóleo de Berni "La puerta abierta", el muro, la puerta, la llave y el alfiler de ganchos gigantescos, los cubos de colores, la cerradura fuera de lugar, el timbre y la letra "T", todas son piezas de un rompecabezas misterioso para inventar historias.



En 1930, Berni regresa a Rosario, junto con su mujer, la artista francesa Paule Cazenave y su hija Lilí. Sigue pintando, exponiendo y participando de los salones de bellas artes y trabaja como empleado en la municipalidad.
Son años muy difíciles en el mundo después de la caída del sistema financiero, conocido como la crack de 1929, y en la Argentina el golpe militar de 1930 había derrocado el gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen. Las.huelgas, la creación de la Central Obrera, la desocupación, el fraude electoral, el avance del fascismo y las persecuciones políticas marcaron el contexto en el que la pintura de Berni se transforma. Su imagen surrealista cambia en cuadros de grandes dimensiones con multitudes de obreros y campesinos, extremadamente realistas en sus descripciones. Berni está utilizando la fotografía como documento para tomar las poses y los retratos de sus personajes. Berni escribe sobre el Nuevo Realismo, una pintura que debe reinterpretar la realidad social, política y económica de nuestro tiempo. En 1934 pinta sobre arpillera y con témpera "Desocupación" y "Manifestación".


Esta responsabilidad del artista como protagonista de su época es una posición que Berni comparte con otros artistas de Latinoamérica, especialmente con los famosos muralistas mexicanos. Precisamente, en 1933 llega de visita a la Argentina uno de ellos, David Alfaro Siqueiros, con quien Berni trabaja y discute sobre la función del arte en la revolución de las clases populares.



Desde 1936, el artista vive en Buenos Aires y, en los próximos años, obtiene algunos de los ptincipales premios de su carrera, como el Premio Adquisición en el Salón Nacional de Bellas Artes de 1943. Al mismo tiempo está dando clases en la Escuela Preparatoria de Bellas Artes, realiza exposiciones, participa de muestras argentinas en el exterior, da conferencias y escribe artículos, recorre el país y viaja por América latina, pinta murales en el Teatro del Pueblo, la Sociedad Hebraica Argentina y la conocida cúpula de las Galerías Pacífico.

En esos años trabaja con temas populares como el "Mercado de Jujuy", el equipo de fútbol del barrio en el "Club Atlético Nueva Chicago" y la orquesta de tango en "Orquesta típica". Berni construye escenas características de las diferentes regiones y culturas de la Argentina. La vida en las ciudades y la vida en el campo, los barrios de Buenos Aires y la realidad de las provincias. Su compromiso político se manifiesta también en las pinturas realizadas en Santiago del Estero y el Chaco, sobre los obrajes, los peones industriales y los cosecheros golondrinas.


 En 1950, Bemi se separa de Paule y se casa con Nélida Gerino y en 1952 nace su segundo hijo José Antonio.
Desde principios de los años sesenta, Antonio Bemi trabaja en una serie nueva. Las obras dedicadas a Juanito L.aguna y Ramona Montiel, dos personajes inventados por él para utilizarlos como símbolos de la niñez explotada en América latina, especialmente en las grandes ciudades como Buenos Aires, Lima, Río de Janeiro y México.


Se trata de dos habitantes de las villas miserias, esos asentamientos suburbanos surgidos alrededor de los centros industriales en los países en desarrollo, con sus casas precarias y sus habitantes sumergidos en la pobreza y el desamparo.

Juanito Laguna es un niño que vive en una de esas villas miserias y Berni pinta su vida cotidiana, sus juegos, su familia: Juanito mirando la televisión, Juanito remontando su barrilete, Juanito en la laguna, Juanito en navidad, Juanito yendo a la ciudad, Juanito llevándole la comida a su padre obrero metalúrgico. Ramona Montiel es la chica de la villa miseria convertida en prostituta para poder sobrevivir; Ramona aparece rodeada de los hombres que la explotan, Ramona como costurera, Ramona trabajando en el cabaret, Ramona y la adivina, Ramona y su casamiento,. Ramona esperando en la Panamericana.

Para estas obras Berni utiliza una técnica inventada a principios de siglo: el collage, el agregado a la pintura de materiales reales que son pegados sobre el cuadro. El artista utiliza un abundante collage transformando sus imágenes en superficies cargadas de elementos como latas, plásticos, hierros, maderas, telas, zapatos, juguetes, papeles, señales de tránsito, etc. La idea es incorporar los desechos que el artista recolecta en los barrios marginales de Buenos Aires donde podrían vivir Juanito y Ramona. Los cuadros y sus personajes están construídos con los mismos materiales reales que se encuentran en las villas. Para Bemi la pintura al óleo no es suficiente para expresar su crítica frente a la sociedad de consumo, es necesario utilizar los objetos reales de la vida de Juanito y de Ramona, llevándolos al ámbito del arte y transformando lo culto y exclusivo del arte en algo cotidiano y popular.

Con su ciclo de Juanito Laguna y Ramona Montiel, Antonio Bemi desarrolló hasta los años ochenta, uno de los capítulos más originales de la historia del arte argentino y concluyó su tarea como uno de los artistas claves de la cultura argentina.

Información- Agencia el vigía
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Othon Friesz

May 11, 2016, 2:22 pm
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 Pintor francés que empezó pintando en estilo impresionista antes  de cambiar al fauvismo, durante la década de  1900 para acabar pintando en un estilo tradicional.  Su obra más innovadora fue creada durante su participación con los fauvistas.Más adelante se convirtió en  profesor de arte académico.  Además de pintor, tambien es conocido como ilustrador.



Nacido en Le Havre, se educó en el Liceo y asistía a clases nocturnas en la escuela de arte municipal, donde conoció a Raoul Dufy que se convertiría en un amigo para toda la vida. Juntos fueron a la Escuela de Bellas Artes de Le Havre con el profesor Charles Lhuillier. Despues recibió una beca para estudiar en París y allí,  en  1899, entró en la Escuela de Bellas Artes donde trabajó hasta 1904. 

Su primera exposición individual se celebró en 1904, en la Galerie des Collectionneurs, en París. Tambien expuso en Salon des independants y en el Salon des Independants


En 1905, despues de varios viajes al sur de Francia, cayó bajo la influencia de Matisse y se dedicó al estudio del color puro. Comenzó a usar colores más fuertes y pinceladas más amplias. En 1906 estuvo con Dufy en FAlaise y con Braque en Amberes. En París conoció a otros pintores fauvistas como Derain, Vlaminck, Kees van Dongen, Rouault y  Albert Marquet. Expuso con el grupo en  1906 y 1907 y durante ese periodo compartió estudio con Dufy en Montmartre y creó su mejor obra, llena de color y lineas imaginativas. 

En 1907, la emoción del fauvismo se disipó, Friesz y otros fauvistas cambiaron de rumbo y él, bajo la influencia de Cézanne, que acababa de morir y su obra había sido objeto de una gran exposición en el Saon de Otoño, comenzó a dar mayor prioridad a la composición. En 1908 abandonó París y regresó a Le Havre. En 1909 se trasladó a Munich con Dufy, donde pintó vistas urbanas ya distanciandose del uso de pigmentos de color puros

En 1911, despues de un viaje a Portugal, se asentó en un método más tradicional. En 1912 abrió su propio estudio donde dio clases hsta el estallido de la guerra de 1914. Despues de servir en el ejercito, regresó a París. A partir de 1929 ejerció como profesor en la Academie Scandinave en París y a principio de la década de 1940 en la Academie de la Grande Chaumiere

En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros eran exhibidos ampliamente en galerías y museos de todo el mundo. Durante sus últimos años de vida, produjo una serie de ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Murió en Paris, un mes antes de cumplir 70 años


 
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Zeng Fanzhi

May 13, 2016, 2:14 pm
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 Muchos artistas chinos abrazaron  la cultura pop americana y la fusionaron con el  realismo social para desarrollar su propio estilo artístico sumando comentarios de los rápidos cambios sociales y políticos que están ocurriendo en China. Sin embargo Zeng Franzhi  destaca por el carácter introspectivo de su obra, que a menudo refleja su vida personal y emociones


A partir de lospañuelos rojos-unsímbolo de los logrosen la China comunista,  -a susfamososretratos"máscara",su opinión sobrela sociedad china  de mediados de losaños 90, la obra deZengsiempre haretratadosuspropiossentimientos.

 


 Este artista, nacido en Wuhan, China, en 1964 y que vive en Beijing declaró en una entrevista que creció durante la Revolución Cultural, pero que cuando pinta solo quiere retratar sus propios sentimientos y las personas que le rodean y que no pretende convertir su arte en símbolo de ideas políticas

 Estudió expresionismo alemán cuando estudiaba en la Escuela de Bellas Artes de Hubei  y esto tendría una gran influencia en su obra.

Sobre su serie "hospital" dice que vivía cerca de un hospital y como en su casa no había baño tenía que usar los del hospital todos los días y lo que vio allí le  marcó para toda la vida



 La serie "Carne" se la inspiró una carnicería por la que pasaba todos los días y veía como los trabajadores dormían encima de la carne congelada en los calurosos veranos. Tenía sentimientos encontrados, por una parte de hambre, porque  tenía hambre en aquellos tiempos, y por otra sentía horror  por la sangre que manchaba la ropa de los obreros
Cuando llegó a la capital china, debido a su caracter introvertido, le costó hacer amigos y las sensaciones de soledad y aislamiento que sentía   los reflejó en su serie Mask. Una población urbanita, bien vestida, con mascarillas blancas. Los funcionarios comenzaron a utilizar cobarta, todo el mundo quería tener buen aspecto. Para el pintor le parecía todo muy falso, como si todo transcurriera sobre un escenario

Despues de su interés por el expresionismo alemán, ha vuelto a interesarse por el arte chino

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CUI RUZHUO

May 16, 2016, 12:16 pm
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 CuiRuzhuo nació en Beijingen 1944,nacionalizado enlos EstadosUnidos en 1981;  profesor enla Academia Central deArtes,OficiosyBellasArtes;obtuvo el grado de doctor honorario  en bellas artes de la Universidadde Nueva YorkDewey. Regresó aChina en 1996,vive en Pekín y ahoraes tutor de doctorado en el Instituto de Bellas Artes de  China.

Cui es famoso por revivir la pintura tradicional china con la técnica de usar los dedos en  vez de brochas, mencionada por primera vez durante la dinastía Tang. 




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Antonio Mancini

May 18, 2016, 1:08 pm
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El pintor italiano Antonio Mancini nació en 1852 y murió en 1930. Hijo de un sastre, nació con un don especial para el dibujo, y fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Nápoles a los doce años. 

Su obra revela tres constantes; un interés casi exclusivo por el retrato, vulnerabilidad  y una preferencia por una configuración un poco extraña al colocar objetos que frustran una interpretación.

Mancini vendió obra, ganó premios y recibió muchos encargos. Expuso en la Salón de París de 1872 y visitó esa ciudad dos veces  en la década de  1870. Conoció a Degas y a Manet. Era tímido e introvertido, el bienestar económico y la nostalgia lo llevó a una crisis nerviosa en 1880 y estuvo internado en un hospital psiquiátrico en Nápoles, durante cuatro meses. Durante su ingreso pinta compulsivamente, sobre todo autorretratos. Su esquizofrenia se manifiesta y más adelante tiene que volver a ser ingresado, esta vez durante cuatro años. Vuelve a París y tambien viaja a Londres
 



Hasta despues de la Primera Guerra Mundial vivió con frecuencia, casi en la miseria. Un cliente dijo que lo visitó en Roma en el invierno de  1893, a donde se había trasladado  una década antes  y se horrorizó al encontrarlo en un estudio frío, casi vacío, iba vestido con una camisa de franela sin botones y llevaba puestos seis pares de pantalones sostenidos con una cuerda, varios chalecos y un abrigo grasiento. Despues de vivir en Roma durante 20 años, se trasladó a Frascati, donde vivió hasta 1918. Despues de la guerra se estabilizó y consiguió serenidad en su obra. Murió en Roma en 1930.






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Robert Ryman

May 19, 2016, 12:00 pm
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 Cuenta Stefan Sulzer en un libro, la historia de la madre de Ryman el día que fue a ver las pinturas de su hijo. Al principio se sintió ofendida por la elegancia y simplicidad de los cuadros, pero poco a poco dejo deslizar la mano por una de las pinturas


La posibilidad de una pintura realista donde no hay mito ni ilusionismo, sino pintura asumida como contenido y medio, constituye el presupuesto práctico del trabajo de Robert Ryman (Nashville, Tennessee, 1930). De formación autodidacta, su primer y decisivo contacto con el arte del siglo XX se produce durante los años en los que trabaja como vigilante en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1953-1960). De todo lo que allí ve, Rothko le aporta la lección definitiva acerca de la consideración del cuadro como una entidad integrada. “Lo radical de Rothko -afirma el artista en 1986- era que no hubiera alusión a ninguna influencia representacional. Había color, había forma, había estructura, la superficie, la luz -desnudez sin más”. 


Ryman irrumpe con una obra fundamentada en el color blanco en el panorama artístico norteamericano en la segunda mitad de los años cincuenta. En seguida queda definida su deriva pictórica como una forma estricta de realismo, alejándose del radicalismo analítico de los artistas Minimal, rechazando cualquier contenido simbólico o metafórico en sus cuadros y centrándose en las cuestiones matéricas relativas a la pintura y la superficie pictórica. Esta línea de investigación perdura en su obra más reciente, 


como ejemplifica la serie Versions (1991-1992), en la que emplea un color de interferencia que es opalescente y varía según la luz.



Ryman reconoce 1965 como el año en el que alcanza la madurez como pintor. A partir de esa fecha su trabajo se estructura en series: Winsor (1967), Standards (1967), Classico 5 (1968), General (1970); las cuales manifiestan la voluntad experimental del artista ya no sólo con la naturaleza del pigmento (y su disposición componiendo bandas), sino que su investigación se amplía a los medios y los soportes (láminas de acero, cinta de pintor, esmalte, acrílico, tiza, enamelac, cobre, plexiglás, fibra de vidrio y acrylivin) y a la noción de agrupación y dibujo, visible en Lugano (1968).

La serie Surface Veil (1970) significa el inicio de la revisión crítica de la relación plano pictórico y muro, al incluir la cinta adhesiva como elemento de fijación. El siguiente paso a este respecto lo supone la inclusión de pernos en las esquinas, insistiendo en la visibilidad del sistema de sujeción como parte consustancial de la obra: Embassy I (1976), Phoenix (1979), Access 1983) o Range (1983). Cotas máximas de esta crisis de la pintura como objeto son Pace (1984), en el que coloca una plancha de madera en el plano perpendicular a la pared (contraste entre el canto y las superficies inferior y superior pintadas) y Expander (1985), cuyo pernos asoman en el interior en la pintura.

 Museo Reina Sofía
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Pierre Soulages

May 20, 2016, 12:04 pm
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Pierre Soulages, pintor, grabador y escultor francés, lider del expresionismo abstracto europeo. Empezó su carrera inspirado por pintores como Picasso y Cézanne

Nació en 1919 en Rodez, Francia y viajó a París cuando tenía 18 años. Visitó la Escuela de Bellas Artes de Montpellier mientras cumplía el servicio militar en esa ciudad. Despues de la Segunda Guerra Mundial volvió a París y ya se dedicó por completo a la pintura.

Crea composiciones en negro, con fondos blancos, influenciado por la caligrafía asiatica, que aprendió en un viaje a Japón. Su obra tambien tiene influencias de los monumentos celtas de su región.  En 1979 empezó sus  pinturas monocromáticas, en negro

Ha expuesto en los certamenes de documenta en Kassel, Alemania, desde la década de 1950 y le han hecho varias retrospectivas en toda Europa. En 1994 le concedieron el Praemium Imperiale en Japón

El primer pintor que ha viajado "más allá del negro"

El negro sugiere oscuridad y muerte, pero Soulages utiliza el negro como un medio de crear luz. A menudo se le denomina el "pintor del negro" porque ha trabajado obsesivamente en ese color, pero esta obra le ha dado fama mundial como uno de los primeros pintores en desarrollar una nueva abstracción de posguerra. No le gusta que le etiqueten en movimientos concretos como abstracto o tachista, el sigue investigando en la  profundidad y la luz. En 2014 han abierto el Museo Soulages en Rodez, Francia 

Si quieres saber más sobre este pintor, dejo aqui un enlace de un artículo publicado en EL PAIS
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/07/24/babelia/1406210162_670901.html 
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Stanislaw Zoladz

May 23, 2016, 11:50 am
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Acuarelista polaco, nacido en 1952. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Cracovia y ahora esta viviendo en Estocolmo, Suecia

Su obra, muy refinada, está impregnada de luz, puede considerarse hiperrealista, pero está sacada del natural, pinta al aire libre, por eso puede considerarse una obra  muy fresca.
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RAFAEL ALVARADO

May 24, 2016, 12:07 pm
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Artista plástico y pintor malagueño, ha desarrollado distintas actividades relacionadas con la educación, el arte y la cultura.
Profesor en "El Estudio" academia de artes plásticas en Madrid.
Asesor invitado en el proyecto "El pintor en el aula"(conserjería de Cultura de la Junta de Andalucía).
Talleres de pintura (Diputación provincial de Málaga).
Comisario entre otras exposiciones "Fuegos de San Telmo"(Ateneo de Málaga).
Promotor de la Asociación Centro de Arte Contemporáneo y Facultad de BB.AA, para Málaga.
Galardonado con la lV Beca Picasso (1991).
 
Su obra se ha expuesto en Madrid, EE.UU(Whashington), Sevilla, Granada, Alemania (Dresde) , Italia.
Ha realizado el proyecto monumental en memoria de los fallecidos en Mathausen, en el Centro Cívico (Diputación Provincial de Málaga).
Entre sus últimos trabajos destacar la serie "Papeles para todos" de un expresionismo vital y un compromiso social, y "Espacios transitados" donde se narra la soledad del hombre moderno.
La obra de Alvarado se caracteriza por una profunda tensión expresiva desprovista de adornos.
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Antón Goyanes

May 25, 2016, 1:48 pm
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Antón Goyanes Fernández nace en Monforte de Lemos (Lugo) en 1935. Sus estudios de arte los realizó Antonio Goyanes Fernandez en la Escuela de Artes y Oficios de Orense. Más tarde se trasladó a Vigo, donde trabajó en actividades no estrictamente plásticas y comenzó a dibujar y a pintar.
Su personalidad concentrada, casi ensimismada, ajena a todo exhibicionismo, se manifestó en sus primeros trabajos, de carácter figurativo, basados en estructuras rítmicas y geométricas, con temas del mar.
Se dio a conocer en los finales de los sesenta, con exposiciones individuales y presencia en colectivas populares, que llamaron la atención de la crítica, puesto que se presentía un pintor sensible, personal, de carácter intimista, de elaboración simplificada, casi exquisita. Cuando aportó su obra a la primera edición de "Atlántica", en Bayona, se había producido ya una evolución en su pintura, hacia el informalismo, que ha llegado a ser absoluto en su quehacer.
Está representado en los Museos de Galicia, y en colecciones de instituciones públicas. Tiene obra mural, de su primera época en la Estación Marítima de Ría, en Vigo.
Goyanes es, fundamentalmente, un lírico. Sus amplias manchas, de materia delgadísima, en acrílicos muy bien trabajados, están dichas en rosas, oros, ocres desvaídos. Un ritmo interno muy meditado sostiene sus cuadros, de una simplicidad final absoluta. Las recientes series, en azules suaves, con zonas amarillas y blancas, son de una belleza difícilmente expresable con palabras. Frente a modos en uso de expresionismo abstracto, Goyanes es la delicadeza, el encanto, el goce de lo sencillo.

(Información obtenida de Wikipedia)
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GALA LA MUSA SURREALISTA

May 26, 2016, 1:30 pm
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Helena Ivanovna Diakonova, GALA- asi la bautizó su primer marido, el poeta francés Paul Eluard. Abandona su tierra natal, Rusia, a los 19 años debido a una enfermedad.  


En Suiza conoce a Paul Eluard y se casan en  1917 en París. Al año siguiente nace su hija Cécile, a quien Gala dejará  al cuidado de su suegra y no mostrará interés por ella el resto de su vida. La pareja tiene una vida intensa en París, viven el nacimiento del dadaismo y Eluard, dunto a André Bretón, Louis Aragon y Max Ernst, crean el grupo surrealista

En 1922 Ernst deja a su mujer y a su hijo en Colonia y se fue a vivir con el matrimonio Gala Elouard. Paul vive sin querer ver, el romance se su mujer con Ernst
En 1929 Salvador Dali viaja a París para la presentación de la película "un perro andaluz", de su amigo Luis Buñuel, y alli conoce a Paul Eluard y lo invita a visitar Cadaqués. Ese mismo año Gala viaja con su marido, Magritte y Buñuel a Cadaqués. Gala tiene 35 años y Dali 25, el se enamora inmediatamente de ella, escribe "estaba destinada a ser mi Gradiva, la que avanza, mi victoria, mi esposa" y en ese momento comienza el mito Gala

El padre de Dali no acepta la relación de su hijo con una  mujer rusa y separada. En 1958 se casan y el pintor le compra a su mujer un castillo en el pequeño pueblo de Púbol, en el que no podrá entrar sin el permiso expreso de Gala. Gala muere en  1982 y es enterrada en el castillo. Desde 1996 está abierto al público  como CASA MUSEO CASTILLO GALA DALÍ DE PÚBOL


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Théo Tobiasse

May 27, 2016, 2:47 pm
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Théo Tobiasse nació en 1927. Originario de Lituania, su familia se trasladó a Israel esperando encontrar la tierra prometida.  Por esa razón la obra de este artista está impregnada del  exilio, de la mujer como madre y amante de las reminiscencias de su infancia en Lituania, ya que sus padres tuvieron que volver allí. La datcha en el medio del campo verde de Kaletova, las luces de los barcos de vapor adornados con las banderas de colores bajando el Niemen, los trineos por las calles cubiertas de nieve de Kovno y tambien las teteras redondas y los samovares barrigones, todo ello símbolo del calor del hogar familiar..Despues de cruzar a través de Alemania, tobiasse llega a París en  1931, donde es recibido por una triste estación de ferrocarril. Despues siguen los oscuros años de la ocupación nazi, durante la cual, la familia, aunque permaneces escondidos, es diezmada. 


Despues de la liberación, el artista solo sueña con la luz de sol y un cielo enorme. Se queda en Niza, despues en Saint-Paul de Vence, donde hace el fascinante descubrimiento del paisaje lunar de Saint-Barnabé plateau, en Col de Vence que se convertirá en su primer cuadro. Celebra su primera exposición en el Palais de le Mediterranee en 1961 donde le dieron un premio, lo que le ayudó a decidir dedicarse completamente al arte.  A partir de 1980 viajó mucho a los Estados Unidos. Visitó Méjico, donde quedó fascinado por la cultura azteca. Fascinado por Nueva York, decidió vivir parte del año allí.

Este pintor, diseñador y escultor, de nacionalidad francesa, falleció en 2012 en Cagnes-sur-Mer, Francia




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Eugène Leroy

May 29, 2016, 3:40 pm
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 1910-2000
Nació en Tourcoing, Francia, cerca de la frontera con Bélgica. Aunque fue un artista que gozó de reputación, vivió siempre en una humilde oscuridad. A partir de  1940 expuso con regularidad, sobre todo en  Francia y Bélgica. A partir de 1963 renunció a su trabajo como maestro de escuela y a partir de 1983 comenzó a exponer con la galería Michael Werner de Colonia. A partir de ese momento su pintura comenzó a recibir atención fuera de Francia y Belgica, comenzó a ser admirada por neo-expresionistas como Baselitz y Lupertz y desde 1985 tambien se conoció en los Estados Unidos.

Leroy comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Lille en 1931 y despues fue a clase de dibujo a la Grande Chaumiére en París. En 1935 se estableció cerca de Roubaix donde ejerció como profesor de Latín y griego. En 1936 descubrió la pintura de Rambrant en el Rijkamuseum en Amsterdam, pero tambien le gustaba la pintura abstracta, en particular la de Mondrian. 

Fascinado por los grandes maesaros, viaja a Alemania, España e Italia.  En 1977 presenta su obra en la Escuela de Bellas Artes de Lille y en 1979 se hace una presentacion de su pintura en la FIAC  en París y una retrospectiva de su obra gráfica se lleva a cabo en Gravelines. En 1988 el Museo de Arte Moderno de París organizó una retrospectiva, en colaboración con el Museo de Eindhoven
 En 1992, participóen la DocumentaIXde Kassel, Alemania,y en 1995fue invitado ala Bienal de Venecia.En 1996 recibióel Gran PremioNacional de Pintura.
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Květa Pacovská

June 2, 2016, 12:00 pm
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 Nació en Praga en 1928, es pintora, escultora e lustradora.
  Sus pinturas y esculturas recorren museos y galerías de todo el mundo. Sus libros han sido publicados en 20 países diferentes, entre ellos, EE.UU., Japón, Corea y China.


 Inició su carrera artística en los años 50. En la Universidad de Artes Aplicadas, en Praga, fue alumna del destacado pintor checo Emil Filla, conocido por ser un apasionado seguidor del cubismo de Pablo Picasso. 




 La obra de Květa Pacovská es muy variada. La autora primero se dedicó a la pintura y la ilustración editorial, posteriormente empezó a crear objetos tridimensionales, y ahora se ocupa de hacer libros experimentales infantiles, que destacan por sus imágenes simples y comprensibles para niños de cualquier edad


 En la República Checa, la pintora es conocida especialmente por ilustrar numerosos libros infantiles, entre ellos, los cuentos de hadas de los hermanos Grimm, y la novela fantástica Momo, de Michael Ende.


Los llamados libros de autor o libros experimentales son un género especial de la literatura. Prescinden de texto, aprovechan sólo la fuerza comunicativa de las imágenes y los materiales, y así desarrollan la fantasía y la imaginación infantil. Según Květa Pacovská, sus libros se leen con los cinco sentidos.


A lo largo de su vida, Květa Pacovská recibió varios galardones internacionales. En 1992, obtuvo el premio al mejor libro del mundo, Goldene Letter, por el título Papier Paradise. Posteriormente, fue galardonada con el Premio Hans Christian Andersen, que se otorga a los mejores autores de la literatura infantil. 

Información- Radio Praga
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Maqbool Fida Husain

June 5, 2016, 12:06 pm
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 Conocido como el Picasso de la India, Maqbool Fida Husain, nació en 1915 en  Pandharpur en Maharashtra.Estudió en Indore Art College antes de mudarse a Bombay. En 1947 fue uno de los miembros fundadores del grupo de "artistas progresistas" con F.N. Souza, Khrishna Hawlaji Ara, Sayed Haider Raza y Sadanand K. Bakre. Participó en muchas exposiciones por todo el  mundo, incluyendo la biena del Sao Paulo de 1971, la exposición de arte contemporaneo indio  de la Real Academia en Londres, en el MOMA etc.

Un maestro del color, de  composiciones figurativas, a menudo con  caballoso  mujeres, tenía clara influencia de artistas como Chagall y Kandinsky, pero combinaba la modernidad occidental con las tradiciones del arte popularde la India. En la India no menos de cuatro museos están dedicados a su trabajo y, aunque menos conocido fuera de la India, desde la década de 1950 su obra fue ampliamente expuesta en Europa y América.  


Se trasladó a Dubai en 2006 después de recibir amenazas de muerte por pintar  imágenes desnudas  de diosas hindúes.
La pintura más controvertida muestra a una mujer desnuda de rodillas, creando la forma de las fronteras geográficas de la India, a menudodescrita como"Madre India" en las artes populares .



 Se provocó un escándaloentre losgrupos hindúes de línea dura indicando  que la asociación de la Indiacon la desnudezerauna falta de respeto.
 Hussain se trasladó a Dubai en 2006 después de recibir amenazas de muerte. Le concedieron la ciudadanía en el estado de Qatar pero el siempre habló de su deseo de volver a su tierra,  la India. Murió en Londres en 2011
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Syed Haider Raza

June 6, 2016, 11:43 am
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Sayed Haider Raza  nació en  1922 en Madhya Pradesh y estudió pintura en   Nagpur School of Art  y en Sir J.J.School of Art. Miembro fundador del grupo de artistas progresistas, participó en las actividades del grupo. En 1950 viajó a París con una beca del gobierno francés. En París estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes


En 1956 le dieron el premio de la crística en París. Realizó numerosas exposiciones en La India y fuera. Partició en las bienales de Sao Paulo y Menton. 


 En 1997 se ofreció una retrospectiva en Munbai, Bhopal y Nueva Delhi. La Universidad de California lo invitó a dar una conferencia en el departamento de arte de Berkeley en 1962.




La coloristapintura deRazamuestraloscolores apasionadosdela Indiacon todo suvalor simbólicoy emotivo.Muestra los recuerdos de la infanciapasados enlosbosques pero también hasido inspirado porel pensamiento metafísicoindio.Muchas de sus pinturastienenun punto focalcircularoscuro que denominael Bindu, según éles la fuente deenergía yla creatividad. Loscoloresfuertesy formasgeométricas enlas pinturas dela Razaen ocasionesse han confundido conel arte neo-Tantrik  pero de acuerdo conel artistano tiene ningunaafiliación conesa escuela. Razavive y trabaja enParís yenGorbioen el sur deFrancia.
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Felix Albrecht Harta

June 8, 2016, 12:29 pm
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 Féliz Harta nació en 1884 en Budapest, Hungría. Estudió en la Universidad Técnica de Arquitectura de Viena y en  1905 se trasladó a Munich para dedicarse a la pintura. Estudió en la Academia con Hugo von Habermann. En 1908 viajó a París, donde expuso en al Salón de Otoño. Tambien recorrió Bretaña, España, Belgica e Italia.


 En  viena participó como voluntario en la Primera Guerra Mundial incluído como artista de guera en la oficina de prensa de guerra imperial. En 1917 los miembros del grupo de arte fueron hasta el frente ruso.


Despues de la guerra permaneció en Salzburgo hata 1923. En 1919 fundó con Anton Faistaner la asociación Wassermann y tambien participo en la fundación del Festival de Salzburgo.  En 1926 viaja de nuevo a París y fue galardonado con el diploma de Honor de la Exposición Internacional de Burdeos. Desde 1939 hasta 1950 se exilió en Inglaterra, donde dio clases en una universidad.



 Félix Albrecht Harta se relacionó con Oskar Kokoschka (quien le hizo un retrato) Egon Schiele y Albert Paris Gütersloh. Murió en
Salzburgo  en 1967.

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Gaston La Touche

June 8, 2016, 12:56 pm
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(Saint-Cloud, Francia, 1854-París, 1913). Pintor, escultor y grabador francés. De formación autodidacta, sus primeras obras datan de la década de 1880, con escenas domésticas al estilo de la pintura holandesa del siglo XVII. Más tarde, adoptó el estilo dieciochesco de pintores como Hubert Robert y Jean-Honoré Fragonard. Fue galardonado en los Salones de París de 1884 y 1888, y en las Exposiciones Universales de París de 1889 y 1900. Fue nombrado oficial y caballero de la Legión de Honor en 1900 y 1909 respectivamente, recibió numerosos encargos para decorar diferentes salas del Palacio del Elíseo, del Ministerio de Agricultura y del Ministerio de la Justicia de París. En 1908 expuso más de trescientas obras en la galería de Georges Petit de París.

Museo Nacional del Prado
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