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  • 03/31/16--12:13: Jan Sluyters



  • Johannes Bernardus Carolus Sluyters nació el 17 de diciembre 1881 en Hertogenbosch, Holanda.  En 1895 la familia se trasladó a Amsterdam, Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes. En 1904, viajó con el pintor Leo Gestel, a París.  Fue a  Amberes, Bruselas, Brujas y Gante a ver la pintura de los primitivos flamencos. En 1904 ganó el Premio de Roma. Con Bertha Horst Langer con quien se casó en 1904 viaja a Italia. En 1906 realiza un viaje de estudios a España. Regresa a París y pinta bajo la influencia del fauvismo.


     En 1911 se traslada a Amsterdam y en 1912 expone en la Sala Meylinck y en  1913 realiza una exposición de 44 pinturas y 25 dibujos en la galería Schüller.


     Despues de la Primera Guerra Mundial  su pintura se volvió más realista. Se colgaron varias obras suyas en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales en París en 1925. En 1931, 1941 y 1951 se celebraros exposiciones retrospectivas en la Museo Stedelijk de Amsterdam


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  • 04/01/16--13:11: Gustave De Smet
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    (1877-1943)Pintor belga, nacido en Gante y fallecido en Deurle.

     Se formó en la Academia de Gante.  Junto a Van den Berghe, Servaes, Permeke y su hermano León, formaron el segundo grupo  de Saint Martens-Latern.  Durante la Primera Guerra Mundial estuvo en Los Países Bajos y allí conoció a Sluyters, Gestel, los hermanos Wegeman y a Le fauconnier. A su regreso a Flandes en 1922 cambió a un estilo expresionista, que muestra un cierto parentesco con el expresionismo alemán.

    En el período de 1926-1928 manifiesta un tendencia hacia la geometría, en línea con una tendencia general en Europa, con la influencia de Fernand Léger y André Lhte.

    Con Permeke, Van den Berghe, Smet ha tenido una influencia decisiva en la pintura belga en el período de entreguerras




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  • 04/05/16--11:51: Hans Tyderle







  • Hans Tyderle (nacido el 15 de diciembre de 1926 en Svitavy, la República Checa; su verdadero nombre es Johannes Tyderle)  dibujante y pintor alemán que lleva décadas dedicándose al arte del encausto, una vieja técnica de pintar con cera. La obra de Tyderle se relaciona tanto con el expresionismo como con el arte abstracto. Los temas que trata son el retrato, bodegones, arte religioso, desnudos y  erotismo, pocos paisajes. El artista firma sus obras con la abreviatura 'Ha Ty'.

     
    Wikimedia Foundation

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  • 04/06/16--11:52: Hendrik Nicolaas Werkman





  • Hendrik Nicolaas Werkman (Leens, 29 de abril de 1882 - Bakkeveen, 10 de abril de 1945) fue un pintor y tipógrafoholandés, adscrito al expresionismo.
    Nació en Leens, en la provincia neerlandesa de Groninga. En 1908 fundó una imprenta y una casa editorial en Groningen. Reveses financieros obligaron a su cierre en 1923, tras lo cual comenzó de nuevo con un pequeño taller en el ático de un almacén. Werkman era miembro del grupo de artistas De Ploeg ('El Arado'), para la que imprimió carteles, invitaciones y catálogos. De 1923 a 1926 produjo su propia revista, la vanguardista The Next Call, que, como otras obras de la época, incluía collages, experimentando con diversos tipos de letra y materiales de impresión.
    En mayo de 1940, poco después de la invasión alemana de los Países Bajos, Werkman, junto con su amigo August Henkels y otros, comenzó a publicar una serie de historias jasídicas de la leyenda del Baal Shem Tov a través de su editorial clandestina De Blauwe Schuit ('El barco azul'). El 13 de marzo de 1945, la Gestapo arrestó a Werkman, y lo ejecutó por fusilamiento junto con otros nueve prisioneros, cerca de la aldea de Bakkeveen el 10 de abril, tres días antes de ser liberada Groninga. Sus pinturas y grabados, que la Gestapo había confiscado, se perdieron en el incendio que estalló durante  la batalla entre las fuerzas alemanas y canadienses.

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  • 04/06/16--13:01: Jan Wiegers
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    (1893-1959)

    Estudió en la Academia de Bellas Artes Minerva,  de Groningen. Quería ser escultor pero debido a su mala salud tuvo que dedicarse a pintar. Despues de su formación, en 1911, se fue a Alemania y en 1912 visitó la exposición Sonderbund de Colonia, una gran exposición internacional. En 1914 regresó a los Países Bajos y continuó estudiando, por lo que  se matriculó  en las academias de Rotterdam y La Haya

     

     En 1918 fundó, junto a Altink, Johan Dijkstra y otros, el grupo De Ploeg (el arado), por la insatisfacción que sentían por   las opiniones conservadoras en la vida artística y la moral burguesa imperante. 

     
     

    En 1920 viajó a Davos, Suiza, para tratar su tuberculosis, desde 1920 hasta 1922. La estancia allí fue decísiva para su desarrollo artístico. Allí conoció  a Ernst Ludwig Kirchener y su teoría del color e introdujo en De Ploeg su estilo expresionista.  Wiegers pintó retratos, desnudos, bodegones y paisajes. Tambien hizo dibujos, grabados y litografías.  En 1922  recibió invitaciones para exponer en París y Amberes. En 1933 expuso en Budapest. En 1934 se trasladó a Amsterdam, donde se convierte en un artista respetado y es considerado como el portador de la antorcha de la modernidad. Sigue exponiendo con De Ploeg despues de la Segunda Guerra Mundial hasta 1948

     

     En la década de 1950 es nombrado porfesor de la Academia Estatal de Bellas Artes de Amsterdam




    Ene Wiegers (Kommerzijl 31 de julio de 1893 - Ámsterdam 30 de noviembre de 1959) fue un pintor expresionista holandés. Fue el líder del equipo en Groningen. Wiegers estudió en la Academia Minerva en Groningen, pero también visitó la Academia de Rotterdam y La Haya. Durante una estancia en Davos, Suiza, en 1920, se hizo amigo del expresionista alemán Ernst Ludwig Kirchner por quien fue fuertemente influenciado en su arte. Cuando ya tenía, en 1917, el movimiento de los artistas Groningen 'pelotón lanzado. A diferencia de los expresionistas de la Escuela de Bergen tomó Wiegers y los labradores, siguiendo el ejemplo del expresionismo alemán, golpeando violentamente agitada paleta de colores. Hasta ese grupo pertenecía Johan Dijkstra, Jan van der Zee, Hendrik Werkman, George Martens, Jacob Hansen Gerard, Jan Altink, JG y Jordens Ekke Abel Kleima. En 1934 se fue Groningen y se fue a Amsterdam para vivir y trabajar allí.Él estaba allí en 1953, profesor de la Academia Nacional, y allí murió a la edad de 66. - See more at: https://translate.googleusercontent.com/translate_c?depth=1&hl=es&prev=search&rurl=translate.google.es&sl=nl&u=http://www.akd-art.nl/portfolio/jan-wiegers/&usg=ALkJrhgqBVI26D5QOFJfX4VFIzjxuSpfUw#sthash.ASoJPhVB.dpu

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  • 04/07/16--13:57: Gustave Van de Woestijne


  • Gustave Van de Woestyne (1881-1947) Admirador del arte medieval y primitivo, parte del simbolismo en sus primeras obras. Este pintor belga nació en Gante y murió en Uccle. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Gante

     Debido a su frágil salud, tuvo que trasladarse al campo muy joven. Desde 1899, establece su residencia en Laethem Saint Martin, un pequeño pueblo a las orillas del Lys, en compañía de su hermano, el poeta flamenco Karel van de Woestijne, hizo numerosas visitas a la famosa Feria de Brujas de 1902 dedicado a los primitivos flamencos: que han influido fuertemente en su estilo. La influencia de los viejos maestros es especialmente evidente en sus retratos.
    Se juntan George Minne, Valérius de Saedeler, Albert Servaes; entre todos forman el primer grupo artístico de Laethem Saint Martin. El segundo sería constituido por Permeke, van den Berghe y de Smet. No les une sino una admiración común por los primitivos flamencos y por Fra Angelico. Para ellos, se trata sobre todo de ir más allá del impresionismo para reencontrarse con la realidad cotidiana. Como casi todos los nuevos movimientos –en pintura u otra cosa-, este se inicia como reacción contra la delicadeza de los impresionismos tardíos, quizás también contra la postura impresionista hacia la realidad, que pone en duda confrontándola continuamente con sus reflejos y sus brumas. En consecuencia, es también un movimiento realista. La segunda generación de Laethem Saint Martin va más allá de este estado del realismo, llegando a lo que se llamó el «Expresionismo belga».
    En los primeros años, van de Woestijne pintó sobre todo pequeños retratos, de expresión soñadora, con una técnica minuciosa inspirada en los pintores flamencos y que nos recuerdan el espíritu de los prerrafaelitas ingleses. Otros de estos pequeños retratos son campesinos cuya expresión se obtiene mediante un dibujo agudo, directamente inspirado en Brueghel.
    Una segunda fase de su obra está consagrada a composiciones religiosas, tratadas al modo simbólico de Maurice Denis, representando paisajes campestres bajo una luz idílica, como Dimanche après-midi (1914), actualmente en Bruselas.
    Durante la Primera Guerra Mundial, se refugia en Inglaterra, donde se encuentra con Tytgat, Daeye y, más tarde, Permeke. Algunos se han quedado en Bruselas, otros en Amberes; van den Berghe y de Smet están en Ámsterdam.
    Así, las dos generaciones de Laethem Saint Martin fueron dispersadas por la guerra y, sin embargo, cuando se reúnen se dan cuenta que a pesar de haber trabajado cada uno por su lado, todos habían evolucionado hacia una pintura más dura, más cercana a la realidad de la tierra y de los hombres. Acogidas por la galería «Sélection», las dos generaciones reagruparon su visión común bajo el tema genérico «Expresionismo Nacional», lo que los diferenciaba del expresionismo que se había manifestado impetuosamente en el Múnich de los años 1910.
    Aristócrata de gustos y de naturaleza, van de Woestijne realizaba una pintura de una sobria distinción. Sin embargo, en los años 20, su dibujo se endureció, se geometrizó; el color se hizo más insistente y la expresión general más dramática. En su pintura religiosa, desistió de la elegía en favor de la expresión del sufrimiento físico y de la soledad moral, traduciéndolo en emotivos rostros de Cristo.
    De 1925 a 1928 fue director de la Academia de Bellas Artes de Malinas, teniendo entre sus alumnos a su hijo Maximilien. También fue profesor en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes, y más tarde en el Instituto Superior de Artes Decorativas de Bruselas.

    Fuente-- wikipedia

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  • 04/11/16--11:45: ESPERANZA ZABALA


  • Esperanza Zabala (Éibar, Guipúzcoa, 1974) es una artista española que desarrolla un trabajo interdisciplinar, abarcando su obra pintura, obra gráfica, escultura e instalaciones. Se inició en los fundamentos del arte en el Liceo Di Brera de Milán. Tras estudiar diseño gráfico en San Sebastián, se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Esperanza Zabala ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. La pintura de Esperanza Zabala se puede enmarcar dentro del neoexpresionismo, siendo su estilo cercano al de José Luis Zumeta, los expresionistas alemanes, el grupo CoBrA o Jean-Michel Basquiat. Sus pinturas, a primera vista semi-abstractas, esconden motivos figurativos. Utiliza colores vivos y de gran intensidad, mezclando en sus cuadros óleo, acrílico y otras técnicas. A veces, en lugar del clásico lienzo, utiliza como soporte sábanas bordadas. En escultura trata temas tales como el feminismo, el cuerpo, el sexo, la religión, la muerte o la moda. Ha seguido para ello tres líneas principales. Por una parte, trabajos basados en objetos, juguetes, imágenes religiosas o elementos cotidianos. Mediante estos trabajos invita al análisis social, a la crítica y a la reflexión de lo cotidiano -moda, consumo, etc.-. Otra línea es la que forman sus esculturas de espuma de poliuretano, siguiendo la técnica que aprendió de Enrique Marty. Compuesta por esculturas de personas en tamaño real -algunas fragmentadas- y piezas antropomórficas de texturas orgánicas, trata temas tales como el proceso de construcción-deconstrucción del cuerpo, el cuerpo defragmentado, la piel, etc. Algunos de estos trabajos se pueden relacionar con los realizados por Damien Hirst o Gunther von Hagens. A partir de 2014 comienza a combinar esculturas con tecnologías Wi-Fi y streaming. Mediante estos trabajos conceptuales, además de tratar la propia red como obra de arte, llama a la reflexión sobre la consciencia del cuerpo. Entre los trabajos de Esperanza Zabala se pueden hallar una serie de instalaciones o performances de action painting en los que usa su propio cuerpo como herramienta. En ellos estampa sobre papel su cuerpo previamente embadurnado de pintura roja, siguiendo líneas de trabajo como las de Ana Mendieta o Yves Klein. Además de ello, la artista también ha realizado libros de artista y serigrafías.

    Fuente-wikipedia

    NOTA- Tengo problemas con la publicación de esta entrada. Dejo aqui el enlace para ver mejor la biografía

    https://es.wikipedia.org/wiki/Esperanza_Zabala

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  • 04/14/16--03:50: Equipo Crónica




  •  Rafael Solbes, 1940, 1981. Manolo Valdés 1942 y Juan Antonio Toledo, 1940, 1995, todos ellos nacidos en Valencia, España, fundaron el EQUIPO CRONICA en 1965. Toledo abandonó el grupo despues de su primera exposición.


    Solbes y Valdés firmaron un manifiesto en 1965 que establecía los objetivos del grupo, adoptar un estilo que evidenciase la vida cotidiana. Entre las series que critican el academicismo español están  "Guernica 69, en referencia a la obra de Picasso, y Policía y Cultura de 1971, una representación de la policía como símbolo de la opresión que se sufría en tiempos de Franco. Junto a otros artistas como Eduardo Arroyo y el Equipo Realidad se enfrentan a la cultura oficial del régimen franquista.


    Concentración o la cantidad de la Calidad, pertenece a una serie de las primeras obras del grupo, que manipula fotografías de la prensa, imágenes en blanco y negro de multitudes, que se presentan en nueve lienzos. 

    El realismo socialista y el Pop Art en el campo de batalla, de 1969, refleja una nueva fase en la obra del Equipo Crónica que cuestiona la identidad española como producto estéril de una larga "edad de oro". El cuadro, un acrílico brillante se representa con la iconografía de los cómics, muestra al pintor Velázquez con un bocadillo que contiene imágenes tan dispares como latas de sopa Campbell de Andy Warhol y trabajadores revolucionarios de la China   maoísta. Oscilando entre la iconografía del realismo socialista y el Pop americano, la obra abarca el debate mundial sobre la figuración durante la Guerra Fría


     





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  • 04/14/16--11:51: Equipo Realidad







  • El Equipo Realidad, formado por Joan Cardells y Jorge Ballester, nació en Valencia en 1966, en el contexto del desarrollismo franquista, y se disuelve voluntariamente diez años más tarde cuando, con el nuevo escenario de la transición democrática, sus integrantes consideran la necesidad de cancelar su proyecto. Equipo Realidad se une así a la figuración crítica, que desarrolla una pintura con un fuerte carácter político y de apropiación de imágenes procedentes de la realidad cotidiana y de la historia del arte. A través de temáticas seriadas, el Equipo analiza la transformación social de los años sesenta, marcada por la tecnificación, consumismo y despegue de los medios de masas. Su toma de posición crítica, desmitificadora de la sociedad de consumo, subyace en el tratamiento iconográfico de los símbolos a través de los valores que presentan siempre una doble e irónica lectura evidenciada en 86 misses en traje de baño. Se trata de una obra que aborda el acceso de España a los rituales de la sociedad del espectáculo, materializada en eventos internacionales de la baja cultura como los certámenes de Miss España y Miss Universo y otros eventos análogos de la cultura de masas como el Festival de Eurovisión. El tríptico plantea así la cosificación del cuerpo femenino, al presentar un friso de mujeres en idéntica postura, y desvela las contradicciones del franquismo en un momento en el que el ascenso de la televisión hace relajar la censura moral e impone un nuevo canon de costumbres en la sociedad española.
     Logotipo del Museo Reina Sofía

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  • 04/15/16--11:18: GRUPO EL PASO



  • El Paso (1950-1960) es el nombre de un grupo fundado por Antonio Saura, Manolo Millares, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Canogar, Luis Feito, Juana Francés y Antonio Suárez, con los críticos Manuel Conde y José Ayllón. Más tarde se incorporaron Manuel Viola (1916-1987) y Martín Chirino. El Paso se dio a conocer públicamente en febrero de 1951, a la manera vanguardista, con Boletín, declaración de principios, etc. La vida del grupo fue breve, tres años, pero muy productiva. Su objetivo era sacar al país de la atonía artística en que estaba inmerso, de la atmósfera plásticamente superada, y vigorizar el arte contemporáneo español, consiguiendo un mercado para los artistas galerías, marchantes, críticos, revistas...), que no existía; todo ello sin marcar tendencias, admitiendo todas las manifestaciones artísticas.Los medios eran los propios de la vanguardia: exposiciones, un boletín, conferencias... y el nombre tiene ecos de otro grupo vanguardista histórico, El Puente, constituido en Dresde en 1905.Nacidos todos del surrealismo, como los expresionistas abstractos norteamericanos, los informalistas españoles hacen una pintura en la cual la figuración está casi ausente (y esto hay que matizarlo más adelante), con una gama limitada de colores -blanco y negro sobre todo-, en la que el gesto es el protagonista. Sin unas directrices plásticas definidas, todos acabaron haciendo informalismo, unos porque ya lo hacían antes (como Saura) y otros porque dentro del grupo encontraron un modo de hacer. Canogar hacía una pintura gestual; Feito, que trabajaba en París, era considerado, sin embargo, el epítome de lo español, y Rivera utilizaba telas metálicas en una obra muy personal.Activos desde 1957, expusieron en diversas ciudades españolas y consiguieron un buen número de éxitos internacionales en las bienales de Sao Paulo y Venecia, en París, Roma y Nueva York, tanto en galerías como en museos, y un prestigio superior al que disfrutaban en su propio país. En mayo de 1960 se disolvieron, cumplidos ya los propósitos iniciales, según manifestaban en su última declaración pública. La utilización política que se hizo de ellos, los intereses encontrados de los artistas, los problemas de personalismo y el cansancio acabaron con el grupo más importante del arte español después de la guerra, el que lo dio a conocer en Europa y América y el primero que articuló una plástica coherente y a tono con lo que se hacía en el resto del mundo occidental.Las dos figuras principales del grupo son Antonio Saura y Manuel Millares, representantes respectivamente de la vertiente gestual y matérica del informalismo.

    REf. Arte-historia

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  • 04/19/16--11:56: Juan de Echevarría



  •  Bilbao 14-04-1875 - Madrid 8-07-1931
    Procedente de una familia industrial vasca, recibió una cosmopolita educación, estudiando ingeniería en Francia, Alemania y Bélgica. La muerte de su madre en 1902 le sume en una profunda crisis y abandona la industria familiar para iniciar su carrera como pintor. Comparte estudio con Manuel Losada y al año siguiente se traslada a París, frecuentando la Academia Julian, donde coincide con artistas franceses como Degas, Henri Rousseau o Vuillard, y españoles (Picasso, Zuloaga). El año 1907 lo dedicó a viajar, recorriendo Londres, Italia, el norte de Europa y Rusia, regresando a París al año siguiente, instalándose en un estudio cercano a Montmartre. En 1914 volvió a España, en un primer lugar a Granada, para después montar su estudio definitivamente en Madrid. Sus obras se caracterizan por su cercanía al fauvismo, elaborando una serie de magníficos bodegones, a partir de jarrones de flores, cestos de frutas, manteles..., en una iconografía reducida que utilizaba como soporte de un juego colorístico de gran complejidad.

    Ref- Arte Historia

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  • 04/20/16--12:35: Enrique Albizu


  • (Valencia, 1926 -  Fuenterrabía, 2014) 
     Enrique Albizu nace circunstancialmente en Valencia, el 15 de julio de 1926.
    Finalizada la Guerra Civil, en 1939, la familia Albizu se instala en Irun, donde
    estudia en la Academia Municipal de Dibujo hasta 1944, siendo su profesor Gaspar
    Montes Iturrioz.
     En 1944 ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Este año se
    presenta por primera vez al Certamen de Artistas Noveles, celebrado en San Sebastián y
    organizado por la Diputación de Guipúzcoa, obteniendo el primer premio.
    Dos años después, en 1946, concurre a la VII Exposición de Arte Universitario de
    Valencia, donde le conceden una mención de honor.
     


     En 1947 logra cierto reconocimiento artístico, al obtener de nuevo el primer premio
    en el XIV Certamen de Artistas Noveles guipuzcoanos. Es ahora cuando decide
    matricularse en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid para
    completar su formación artística. Durante su estancia en Madrid es premiado por las
    Fundaciones Carmen del Río y Molina Higueras.
     


    En 1951 y una vez licenciado en Bellas Artes, la Diputación de Guipúzcoa le concede
    una beca para ampliar sus estudios en Roma.
    A su regreso de Italia en 1952, continúa presentándose a certámenes como el Concurso
    Nacional de Pintura celebrado en Alicante en 1954, en el que obtiene medalla de plata,
    y realizando exposiciones en Barcelona, Madrid, Bilbao o San Sebastián.
    En 1954, el Instituto Francés le concede una nueva pensión para ampliar sus estudios
    de pintura en París y, dos años más tarde, traslada su residencia a Caracas, donde
    rápidamente adquiere gran relevancia. Durante la época venezolana pintó a numerosas
    personalidades ilustres como el Retrato de José Antonio de Aguirre, colocado
    en los salones del Centro Vasco de Caracas.
     En 1960 retorna a Fuenterrabia y a partir de este momento, expone de forma individual
    y participa junto a otros artistas, en numerosas muestras celebradas tanto en San
    Sebastián, como en el resto de Gipuzkoa. Esta etapa se corresponde con su momento de
    mayor esplendor artístico.
    En 1982, como premio a su merecido reconocimiento, la Real Sociedad Bascongada de
    Amigos del País, le nombra Miembro de Número. Tras su ingreso y como muestra de su
    trayectoria, se inaugura en el Museo San Telmo una exposición antológica que reúne sus
    obras más significativas.
    En 1994 se publica la primera monografía sobre este artista, editada por la Fundación
    Social y Cultural Kutxa, con motivo de la exposición que se celebra en dicha entidad.
    En 1995 realiza el Retrato de Julio Caro Baroja a petición del Ateneo de
    Madrid.
     
     

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  • 04/21/16--11:41: ESTHER FERRER







  •  ESTHER FERRER, San Sebastián (España) 1937
                                      ESTHER FERRER realiza acciones desde medidados de los años 60 bien individualmente  o formando parte del grupo  ZAJ, creado por Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo (disuelto en 1996)



    A principios de la década de los  6O creó junto con el pintor Jose Antonio Sistiaga, el primer Taller de Libre Expresión (germen de muchas otras actividades paralelas, entre ellas una Escuela  experimental en Elorrio (Vizcaya)
    A partir de mediados  de los años 7O, recomienza  su actividad plástica  con fotografías trabajadas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi,   objetos etc.



    En 1999 fue uno de los dos artistas que representaron España en la Bienal de Venecia, en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas,  en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, en 2014 el premio MAV (Mujeres en las artes visuales), el  Premio Marie Claire pour l’Art Contemporaine  y el premio Velazquez.
    En su larga carrera como artista de performances ha participado en  Festivales tanto  en  España como en el extranjero ( Alemania, Italia, Suiza, Bélgica , Francia,  Dinamarca, Noruega,  Inglaterra,  Bélgica, Holanda , Polonia, Eslovaquia,  Republica Checa,  Hungría, Bulgaria,   Inglaterra, Estados Unidos, Canadá,  México, Cuba, Brasil, Tailandia,  Japón, Corea,  Palestina,  etc.).

    Ha expuesto su  trabajo plástico en : Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España),  Galerie Donguy , Galerie Lara Vinci, (España) -  Galerie Satelite (Paris) – Galeria Trayecto (España) Statsgalerie, Stuttgart (Alemania)  - Koldo Mitxelena San Sebastián (España) - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (España) - Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde (Musee for Samtidskunst) Dinamarca -  Circulo de Bellas Artes - Madrid (España) - MOCARoma - México CF (México) - Museo de Bellas Artes - Río de Janeiro (Brasil), ARTIUM (Vitoria), Els Baluard (Palma de Mallorca), Centro Cultural G. Pompidou (París (Francia), CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo (España),  MAC/VAL (Vitry –sur-Seine - France),  etc. 

    Ha dado numerosos cursillos en Universidades y Escuelas de Bellas Artes en  Canada, Francia, Italia , México y Suiza además de España.
       Obras radiofónicas: Al ritmo del tiempo  y TA TE TI TO TU o la agricultura en la Edad Media.





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  • 04/21/16--11:52: Darío Urzay



  • Nace en Bilbao el 13 de diciembre de 1958.
    Estudia Bellas Artes en la Universidad del Pais Vasco. Consigue la licenciatura en 1982. Desde 1983 a 1987 imparte la enseñanza como profesor en la misma universidad.
    En 1987 reside un año en Londres invitado por la Fundación Delfina Studios. Viajará posteriormente a Nueva York ciudad en la que durante nueve años, alternará su actividad con Bilbao.

    En 1983 obtiene el premio Gure Artea, En el 2005 su trabajo es reconocido con el Premio Nacional de Arte Gráfico y el Excellence Work Award en la Bienal de Beijing.
    Importantes colecciones cuentan con obras de Urzay en sus fondos. Cabría destacar el Museo Guggenheim Bilbao, el Centro Nacional Museo Reina Sofía en Madrid, La Deutsche Bank Collection de Londres, el Museo Patio Herreriano de Valladolid o el museo ARTIUM entre otras.

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  • 04/26/16--15:27: Willy Stöwer






  • Ya hace más de cien años de la tragedia del TITANIC. El barco hacía su viaje inaugural de Southampton a Nueva York cuando chocó contra un iceberg la noche del 14 de abril de 1912, hundiendose en las primeras horas de la madrugada. El trasantlántico se suponía que iba a marcar un hito por su lujo y eficiencia. Stöwer, un famoso artista alemán, fue un superviviente de la tragedia. Poco despues pintó la escena del hundimiento y dedicó su carrera artística a escenas marítimas
     Willy Stöwer 1864-1931 pintó la escena de forma muy realista, en blanco y negro, como queriendo resaltar el dolor. Murieron en este desastre 1.517 personas y la tragedia no solo causó conmocion por las muertes sino tambien que puso en evidencia las limitaciones de la tecnología y que el hombre no es infalible


     Stower, hijo de un capitán de barco, nació en Wolgast, el la costa bática de  Alemania. Trabajó como técnico en varios astilleros alemanes. Trabajaba como delineante, ilustrador y pintor.  En 1892 se casó con una rica heredera lo que le permitió dedicarse exclusivamente a pintar.

    El Kaiser Guillermo II se convirtió en un entusiasta mecenas del artista y  el artista acompañaba al emperador en muchos viajes. Cuando el Kaiser abdicó empezó a recibir menos encargos y murió en un relativo olvido





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  • 04/28/16--13:37: Angelo Morbelli


  •  Italia
    Alessandria 1853 - Milán 1919

    Los primeros pasos artísticos de Angelo Morbelli se desarrollaron en la Academia Brera de Milán con G. Bertini. Ya en esta época inicial se advierte una importante vinculación con los ideales socialistas y realistas añadiéndose más adelante una significativa atracción hacia las atmósferas, inspirándose en el Impresionismo. Hacia 1890 Morbelli contactó con el Divisionismo, reforzando su temática social y distinguiéndose por el rigor técnico. En sus últimos años sintió una especial admiración hacia el paisaje, interesado por aspectos lumínicos tomados directamente del natural.

    Ref- Arte Historia

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  • 04/30/16--13:26: Santiago Ydáñez




  • Santiago Ydáñez (Puente de Génave, Jaén, 1969) es un pintor español.

     Estudió Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha realizado talleres entre otros con Juan Genovés. Obtuvo entre otros el Premio de Pintura ABC en 2002 y Premio de Pintura Generación 2002 de Caja Madrid, la Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura en 2001 y la Beca de la Fundación Marcelino Botín en 1998. Junto con otros cuatro artistas originarios de la península Ibérica como el fotógrafo Sergio Belinchón (Valencia, 1971), ha autogestionado una iniciativa para mostrar sus últimos trabajos en Berlín. El espacio se denomina Invaliden1 Galerie y encuentra ubicado en el centro de la ciudad en el distrito de Mitte. Santiago Ydáñez vive y trabaja entre Berlín (Alemania) y Granada (España).



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  • 05/02/16--13:14: Hermann Fenner-Behmer





  • Hermann Fenner-Behmer ( 1866 –  1913) artista alemán, nacido en Berlin- Estudió en la Real Academia de Bellas Artes y despues viajó a París, donde estudió con Gustave Boulanger y Jules  Joseph Lefrebvre. Recorrió Italia, Bélgica y los Países Bajos. En la exposición de Berlín de 1908  fue uno de los ganadores de las seis medallas de oro de la Real Academia de Bellas Artes y obtuvo otra en la exposición de 1912


    Se especializó en retratos de damas elegantes  y en escenas eróticas.

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  • 05/03/16--11:41: Umberto Boccioni


  • Reggio di Calabria, 1882-Sorte di Verona, 1916 

    Umberto Boccioni representó un papel fundamental en la difusión del movimiento futurista italiano en el campo de las artes plásticas, tanto a través de sus obras como de sus escritos teóricos. Creció en diferentes ciudades italianas y plasmó su afición por la literatura en una novela que no fue publicada. En 1900 se instaló en Roma, donde conoció a Gino Severini, con el que comenzó a visitar el estudio de Giacomo Balla. De la mano de Balla, aprendieron la técnica divisionista y el uso de colores complementarios. En 1906 realizó un viaje a París que continuó con una visita a Rusia
    A. finales de 1909 conoció al poeta Filippo Tommaso Marinetti que acababa de proclamar el nacimiento del futurismo literario. Pocos meses después, en 1910, Boccioni publicó el Manifesto dei pittori futuristi y con posterioridad La pittura futurista –Manifesto técnico, que firmó conjuntamente con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini y Giacomo Balla. En él se criticaba el arte antiguo y se consignaban las premisas para un nuevo arte que debía responder al dinamismo característico de la edad contemporánea. Su primera exposición como grupo se celebró en Milán en 1911.
    Desde 1912 experimentó con la escultura y publicó un manifiesto titulado La scultura futurista, en el que defendía el dinamismo y la simultaneidad de las formas. En las esculturas de Boccioni, así como en el resto de sus obras, es evidente su conocimiento de las teorías cubistas.
    En torno a 1913 Boccioni fue implicándose cada vez más en cuestiones políticas, de manera que su interés por la creación artística disminuyó en favor de la idea de unir nacionalismo y tecnología. En 1914 participó en las manifestaciones que promovían la participación de Italia en la Primera Guerra Mundial y fue encarcelado junto a Marinetti por quemar una bandera austriaca. Sin embargo, poco después del comienzo de la guerra, cambió de opinión respecto a las supuestas ventajas de la contienda, lo que le enfrentó a gran parte de sus amigos. Murió en el frente al caerse de un caballo. 

     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 05/04/16--13:56: Nicole Eisenman
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    Nicole Eisenman (1965)-nació en Verdun, Francia, vive y trabaja en Nueva York.

    Al principio de su carrera en Nueva York, en la década de 1990, se interesó por la pintura de George Baselitz, abandonando el minimalismo y el arte conceptual, posicionandose al márgen de la moda artística de aquel momento. 

    Sus dibujos y pinturas grotescas, dramáticas y violentas, forman parte de series que toman préstamos de Rubens y R. Crumb. Reinterpreta el género clásico y las pinturas históricas, re- explora la historia del arte desde Tiziano hasta Picasso, pasando por Hogarth, ofreciendonos sus propias versiones mediante la cultura popular, desde el folk, tebeos, películas de horror y porno. 


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