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  • 10/03/18--13:40: Jean-Marie Poumeyrol


  • Poumeyrol nació en 1946 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Burdeos.Después de graduarse comenzó su  carrera como profesor de dibujo.
     
    Afortunadamente, esta ocupación fue interrumpida cuando fue liberado del sistema educativo al suspender su examen como profesor de arte.  Al mismo tiempo las obras eróticas de Poumeyrol se vieron por primera vez y fueron buscadas con avidez por los coleccionistas

    En sus primeras obras, Jean-Marie Poumeyrol fue reconocido como un maestro de la erótica, combinando imágenes alucinógenas y macabras de una manera incomparable. Pero, en su madurez, el artista ha mostrado una marcada fascinación por los paisajes, en particular los espacios cerrados de alcantarillas, residuos industriales y plantas de eliminación. Sin embargo, la asombrosa precisión y delicadeza de la interpretación que animó sus primeros trabajos no lo ha abandonado y, en todo caso, solo ha aumentado con la edad.
     "A través de interiores misteriosos, logré emerger en el mundo exterior. Una vez más, un rico flujo de recuerdos me reveló nuevas pinturas. Redescubrí en mi mente aquellos espacios que antes me habían fascinado".- escribió

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  • 10/04/18--13:43: André Masson


  • André Masson nacido 1896 - 1987

    Pintor, esculor, ilustrador, diseñador y escritor francés, nacido en Balagny (Oise). Pasó la mayor parte de su juventud en Bruselas, donde trabajó como dibujante de patrones en un estudio de bordado y estudió a tiempo parcial en la Académie des Beaux-Arts. Luego se mudó a París y estudió en la Escuela de Bellas Artes. Sirvió en el ejército francés y resultó gravemente herido. Vivió entre 1919 y 222 en el sur de Francia, luego regresó a París donde conoció a Gris, Derain y luego a Miró y Breton. Primera exposición individual en la Galerie Simon, París, 1923.


      Pinturas de bosques, jugadores de cartas y bodegones, seguido de experimentos con dibujoautomático. Participó desde 1924-9 en el movimiento surrealista. Realizó otros trabajos que exploran los efectos del azar, incluidas las pinturas de arena, así como pinturas de metamorfosis de formas animales y humanas, temas de germinación, combates y masacres, con énfasis en la violencia y el erotismo.  


    Vivió 1934-6 en España; pinturas de corridas de toros, mitos españoles, etc. Se refugió en 1941-5 en los Estados Unidos, donde vivió en New Preston, Connecticut, y realizó obras inspiradas en las fuerzas elementales de la naturaleza. Regresó a Francia en 1945 y se estableció en 1947 en Aix-en-Provence. Temas de paisajes pintados, como montañas y cascadas durante varios años, seguidos de algunas imágenes casi completamente abstractos . 


     Sus obras también incluyen conjuntos y trajes para el teatro, ilustraciones de libros y varias esculturas pequeñas; ha escrito varios libros, incluyendo Mythologie d'André Masson 1971.

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  • 10/05/18--14:26: Robert Gober


  • Robert Gober nació en Meriden, Connecticut, y creció en la cercana ciudad de Wallingford.  Los miembros de la familia de Gober eran católicos estrictos, y Gober sirvió de monaguillo en una iglesia cuando era niño. El catolicismo de su familia y sus experiencias dentro de la iglesia sirvieron para darle forma a su vida y obras de arte. 


     Él ha dicho: "Creo que el beneficio de una infancia católica es su creencia en los símbolos visuales como transmisores de información y pistas sobre la vida, ya sea el misterio de la vida o la vida en general".Desde principios de la década de 1980, Robert Gober ha producido esculturas paradójicas que parecen encarnar cualidades de objetos hechos a mano y de máquina al mismo tiempo.Sus obras a menudo son réplicas de artículos que se encuentran en la vida cotidiana: bolsas de arena para gatos, latas de pintura, fregaderos de cocina, urinarios, pero sus técnicas de fabricación deliberadas transforman estas cosas mundanas en obras de arte.





     En 1999, Gober recibió la Medalla Skowhegan de escultura de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan de Maine. Participó en la Bienal de Venecia de 2001 y fue objeto de una retrospectiva en 2007 en el Museo Schaulager en Basilea, Suiza. En 2014, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una importante encuesta de su obra, la primera de su tipo en los Estados Unidos.

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  • 10/08/18--14:13: Jaume Queralt



  • Nació en Tarragona en 1949.
    Se formó artísticamente en la Escuela de La Massana de Barcelona.




    Se sintió atraído desde niño por la pintura, arte que pudo desarrollar gracias al aliento de los hermanos de La Salle. Fueron ellos quienes convencieron a su padre para que facilitara su vocación, y desde ese momento, además de padre, se convirtió en su aliado más fiel. 

    Empieza profesionalmente a pintar a los 23 años, pero tanto antes, en su periodo de formación en la Escuela Taller de Arte de Tarragona, la Escuela Massana o el Cercle de Sant Lluc, como ahora, cuando su voz tiene un sitio asignado en el mundo del arte, Jaume se ha considerado siempre un artista muy disciplinado. 
     Su interés por el pasado, por el universo de los recuerdos, lo plasmó en una etapa de su vida cuando en Olot, en un entorno volcánico, de paisaje sufrido, que llamaría la atención a cualquier artista, prefirió pintar interiores de anticuario. Allí descubrió las muñecas, muñecas antiguas, el principal tema por el que se le conoce: “he encontrado en las muñecas otra dimensión”. Es una dimensión casi mágica, que hace cobrar vida a un objeto en la pantalla sin horizonte de un cuadro

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  • 10/09/18--14:08: George Grosz

  •  Grosz, Berlín, 1893-1959 el artista-revolucionario durante el inestable período que precedió al golpe nazi en 1933. 
    George Grosz planteó problemas tanto  en sus dibujos como en sus escritos, que no pueden limitarse a Alemania en la década de 1920

     Con la muerte de su padre en 1900, George Grosz se crió en la sección proletaria de Berlín, donde sufrió  pobreza . Más tarde, su madre consiguió un trabajo doméstico en el Club de Oficiales del Húsar, donde el joven Grosz observó de cerca a la clase militar, que más tarde satirizaría en gran parte de su trabajo. Como soldado en la Primera Guerra Mundial, al igual que miles de otros hombres, tomó una postura agresiva antimilitar. Oficialmente, su baja del ejército se debió a una condición de sinusitis severa, pero en realidad  con una carpeta de  sus dibujos convenció a las autoridades de su "locura", y se encontró que era "persistentemente inadecuado para la guerra".

    Su amistad con Wieland Herzfelde y su hermano John Heartfield, comenzó en 1915  y fue decisiva para Grosz el artista y revolucionario. En 1919, los tres profundizaron su compromiso con el arte revolucionario, especialmente después de que las tropas militares dispararon sin querer a un cuadro de Reubens en la galería del centro de Zwinge"en lugar de" disparar contra trabajadores en huelga.  
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    Oskar Kokoschka, un artista e intelectual muy respetado en esa época, "hace un llamamiento a los habitantes de Dresde pidiéndoles que resuelvan sus problemas en algún lugar distinto al de Zwinger, donde las  obras  de arte podrían sufrir daños. En respuesta, Grosz y Heartfield publicaron su manifiesto, "The Artist as Scab":

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    Damos la bienvenida a la noticia de que las balas se dispararon en museos y palacios, en las obras de Rubens, en lugar de en las casas de los pobres en los barrios obreros!
    Le damos la bienvenida cuando la lucha abierta entre capital y trabajo tiene lugar donde la cultura y el arte se sienten como en casa. El arte y la cultura que amordazan a los pobres, que deleitan a los burgueses el domingo y se acomodan a la opresión del lunes.
    ¡Toda expresión de indiferencia artística es contrarrevolucionaria! 
    Parte de la prensa publicó: "usan el arte como arma contra la clase dominante"

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     Grosz, Heartfield y Herzfelde pertenecían al Movimiento de la Joven Alemania, una organización comunista formada durante la Revolución de 1848, su arte fue informado como "arte tendencioso",  "expresa deliberadamente opiniones políticas y presuposiciones ideológicas. . está comprometido políticamente ... es una herramienta en la guerra de clases y ... es propaganda" 


    A pesar de sus polémicas, Grosz obtuvo un éxito crítico incluso con críticos burgueses, que duraron hasta el golpe nazi de 1933, cuando Hitler comenzó a "purificar" el arte de manera sistemática, culminando con The Degenerate Art Exhibit, 1973, que enfocó su invectiva contra Grosz. Otto Dix, Max Beckmann y Marc Chagall. Para estas fechas, Grosz estaba en el exilio en los Estados Unidos.

    La segunda batalla de George Grosz

    En enero de 1933, pocas horas después de que Hitler llegara al poder, una escuadra de asalto (SA) nazi irrumpió en el estudio berlinés del pintor George Grosz, destruyendo y saqueando todo lo que encontró en el lugar. La propia escena fue como un cuadro de Grosz. Si el pintor salió con vida fue sólo porque, viéndoselas venir, había emigrado a Estados Unidos, entonces país de libertad y refugio, el año anterior. 


    Grosz idealizó a América desde su infancia cuando leyó sobre Karl May, el "vaquero" alemán, que glorificó el viejo oeste en varias novelas. De hecho, cuando un periódico local en 1930 le pidió que ubicara "el paraíso", Grosz respondió que estaba en algún lugar de las Montañas Rocosas.  Al igual que otros utopistas, Grosz estaba severamente decepcionado en los Estados Unidos, En 1959 regresó a Alemania para siempre. Seis semanas después murió despues de una noche de copas. Los trabajadores lo encontraron encorvado en un sótano por la mañana, casi muerto.

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  • 10/15/18--12:54: Carlos Prieto

  • Carlos Prieto nace en Palma de Mallorca el dia 3 de noviembre 1987. De padre canario y madre madrileña, arranca en Mallorca con fuerza pese a su corta edad. Tras sus 3 exposiciones en la isla balear y su debut en Murcia, decide alojarse en los frios suelos de París.Tan solo 8 meses de estancia en Francia son suficientes para una abrumadora inspiración. El 8 de junio de 2007, expone en el Casal Balaguer, Circulo de Bellas Artes, la colección de obras titulada “París”

    Poco después viaja a Nueva York para trabajar en sus temas predilectos, la noche y sus innumerables callejones, la depravación, el alcohol que empaña los ambientes más decadentes, Harlem, sin ir más lejos, donde el pintor experimenta incansablemente hasta llevar su técnica un paso más allá con nuevos matices hasta ahora desconocidos. Nueve meses de inspiración que Carlos Prieto aprovecha al máximo sin olvidar sus raíces mediterráneas y su pasión por el arte verdadero, reflejado en las calles de la Gran Manzana y su amalgama de culturas, sus museos, su incipiente cultura y sus pintorescos recovecos, siempre dispuestos para un artista hambriento de experiencias y sensaciones que nutren la obra más actual de este artista insaciable. Los ecos de París continúan reverberando en el interior del artista, aunque es en Nueva York donde Carlos Prieto halla su Dorado particular, en sus bares, bajo sus inmensas colmenas de cemento y cristal, entre sus artistas, callejeros o reconocidos, y entre sus mitos, siempre vigentes en la cultura del joven milenio.


     Siguiendo los rastros de Sargent, Ingres, Bacon y otros grandes, Carlos Prieto indaga en las profundidades del arte más próximo a su propia obra para en noviembre de 2009 exponer en su tierra natal, más concretamente, en la inolvidable y celebérrima Granja de Esporlas, donde deslumbra con su latente evolución. Mario Conde es el encargado de presentar los cuadros que tanto le recuerdan a su padre, también pintor, y que manifiestan el personalísimo cosmos interior de un artista que tiene mucho que dar. Prueba de ello es que Pere A. Serra, uno de los coleccionistas de arte más importantes de España, adquirió una obra para el fondo del Museo de Arte Contemporáneo de C’an Prunera, y que uno de sus murales más emblemáticos fue adquirido por la princesa Diana de Francia, en cuyo palacio, Althausen, se encuentra ahora para deleite de sus visitantes. Sin prisa pero sin pausa, en 2010 se le encarga un mural para el Palacio de Yves Sant Laurant, en Deauville, una de sus piezas predilectas y más trabajadas, homenaje a Hemingway y estandarte de una época definitiva.



    El 11-11-2011 realiza la  exposición “días de vino y rosas”, donde consigue atraer a la inauguración un millar de personas en la calle C’an  Danús de Palma de Mallorca. Un  mes después etiqueta  para las bodegas Macià Batle como pintor revelación .  Poco después a la botella se lo otorgó la Medalla de Oro Americano (Canadá) como mejor vino y etiqueta.




    A principios del año 2012,  Carlos Prieto realiza una performance en el Auditorium de Palma de Mallorca , con la colaboración del director de cine Martín Garrido , que recrearon escenas con ambiente parisino bohemio del 1900 , donde Carlos Prieto pintó un cuadro en directo de  8 m2 en 20 minutos.  Meses después, el Casino Mallorca  le encarga a Prieto un mural de 4 metros de largo por 2 de ancho para su sala de juegos.




    El 19 de Septiembre de 2012 más de 1.000 visitantes acudieron a la exhibición titulada “l’amour est mort” durante la Nit d’Art en la nueva tienda Spazio Scena en Palma de Mallorca,  todos sus obras de esta exclusiva selección se agotaron durante la misma noche, mostrando su potencial y la popularidad que tiene con los amantes del arte

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  • 10/19/18--13:44: Alphonse Osbert


  • París,  1857; París, 1939.Pintor francés Estudió en la Escuela de Bellas Artes  y en los estudios de Henri Lehmann, Fernand Cormon y Léon Bonnat. Su entrada al Salón en 1880, Retrato de M. O. (sin rastro), reflejó su temprana atracción por la tradición realista de la pintura española del siglo XVII.


     El impacto del impresionismo lo animó a aligerar su paleta y pintar paisajes al aire libre. A finales de la década de 1880, había cultivado la amistad de varios poetas simbolistas y el pintor Puvis de Chavannes, lo que le hizo abandonar su enfoque naturalista y adoptar el idealismo estético de la pintura poética.


     Abandonando temas extraídos de la vida cotidiana, Osbert se propuso transmitir visiones internas y desarrolló un conjunto de símbolos pictóricos. Inspirado por Puvis, simplificó las formas de paisaje, que sirvieron como fondos para figuras estáticas y aisladas disueltas en luz misteriosa. 


     Una técnica puntillista, tomada de Seurat, un amigo del estudio de Lehmann, desmaterializa formas y agrega luminosidad. Sin embargo, Osbert evitó la gama completa de matices de los Divisionistas en su elección de azules, violetas, amarillos y verde plateado. 


     El misticismo de Osbert se ve en su gran visión de la pintura. El ideal rosacruciano de "arte como evocación de misterio, como oración" no encuentra mejor expresión que la figura virginal de la Fe, a menudo interpretada como San Geneviève o Santa Juana, situada en un prado con un cordero y envuelta en un resplandor sobrenatural.  


    Tales obras fueron elogiadas por los escritores simbolistas que las consideraban contrapartes visuales de la poesía de Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé y Maurice Maeterlinck. Osbert fue llamado "pintor de las noches", "artista del alma" y "poeta del silencio" por su evocación de un ambiente de misterio y ensueño.

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  • 10/23/18--14:18: Henri Lebasque

  • Henri Lebasque (francés, 1865–1937) fue un artista postimpresionista, conocido como el "pintor de la alegría y la luz". Nacido en Champigné, Francia, en 1885, viajó a París para estudiar en la Escuela de Bellas Artes. Durante este tiempo, Lebasque comenzó a participar en las exposiciones anuales de la sociedad de arte y en los Salones de París. Sus obras estuvieron marcadas por su contacto con pintores más jóvenes, entre ellos Edouard Vuillard  y Pierre Bonnard , miembros de los influyentes grupos Nabis e Intimista.
    En 1903, él y Henri Matisse fundaron el Salon d'Automne. En 1912, el salón exhibió obras de un grupo de artistas que se conocieron como "Les Fauves", y cuyo estilo adoptaría más tarde Lebasque. Aunque la sencillez de la forma y el color tuvo un efecto más sutil en la obra de Lebasque que en las obras de otros artistas fauvistas, fue criticado por los críticos por la intimidad de sus temas y la alegría en sus formas.
    En 1924, se trasladó a Le Cannet en la Riviera francesa, donde vivió hasta su muerte en 1937.
    Las obras de Lebasque se pueden encontrar en muchas instituciones públicas y privadas importantes de todo el mundo, como el Museo Thyssen-Bornemisza en España, el Museo Nacional de Arte Occidental de Japón y el Museo de Arte de la Universidad de Harvard.

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  • 10/29/18--04:47: Arthur Langhammer
  • 1854 - 1901 Estudió en la Academia de Bellas Artes de Leipzig y despues en Munich.

    Al principio se ganó la vida como inlustrador, intentando conseguir vivir en el campo y vivir de la pintura.
    Despues de pasar algún tiempo en París con su amigo Adolf Hölzel, visitó Dachau y se quedaban allí durante semanas.
    En 1897, Hölzel, Langhammer y Ludwid Dill fundaron la "escuela de arte New Dachau", que se convirtió en la clave de la Colonia de Arte Dachau. 
    En 1898, la nueva colonia consiguió un reconocimiento nacional cuando  Hölzel, Dill, y Langhammer  hicieron una exposición en Berlin con el título  "The Dachauer". Langhammer  se trasladó a  Dachau permanentemente en  1900.  
     Alli pintó el paisaje, integrando figuras de los aldeanos, que para él representaban la naturaleza. 



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  • 10/30/18--14:14: Eugène Laermans

  • Pintor belga (Molenbeek-Saint-Jean 1864 - Bruselas 1940).
    Estudió en la Academia de Bellas Artes de  Bruselas. Manifestó tempranamente un realismo vigoroso, tendencias sociales y humanitarias, en composiciones con muchos personajes y en general de gran formato. Sus composiciones representan la vida de campesinos, trabajadores, pobres  emigrantes... En 1894, participó en la primera exposición de Free Aesthetics, donde sería 
    invitado muchas veces después. Este estilo monumental, en el que los tonos fuertemente contrastantes enfatizan un diseño sintético, gana en sobriedad expresiva en los primeros años del siglo, notablemente bajo la influencia de Bruegel, y de ese modo anuncia el expresionismo flamenco. Continuó su trabajo desarrollando temas llenos de mayor alegría  hasta que se quedó ciego y  dejó de pintar en 1924.  El Museo Charlier de Bruselas, los museos de Ixelles ,Mons  y Amberes  tienen obra suya.

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  • 11/02/18--14:08: David Lynch

  • David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.

    Su amor por el dadaísmo queda demostrado en sus inquietantes películas, cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzo intelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio Web, de pago.

    Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks (film) o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks (film) o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

    Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.

    Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla.

    Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes.

     Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.
    Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

    En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

    (Información obtenida de Wikipedia)

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  • 11/05/18--12:55: Ángel Larroque

  • Nace en 1874 en Bilbao dentro de una familia de artistas. 
    Su abuelo, su tío y su padre eran pintores por lo que Ángel
     Larroque recibe una atenta educación artística.
    Sus magníficas dotes para el dibujo le permiten ingresar en
    la Escuela de Artes y Oficios sin cursar los estudios de 
    Bachillerato. Anselmo Guinea es su maestro.
    En 1893, con una pensión de la Diputación Provincial de 
    Vizcaya, se traslada a París para continuar su formación 
    asistiendo a la academia Julien y recibiendo clases de 
    Eugène Carrière, uno de los precursores de la pintura 
    simbolista. Junto a su gran amigo Nemesio Mogrobejo
    viaja hasta Stuttgart y en 1899 se instala en Madrid donde
     frecuenta el Museo del Prado y realiza decoraciones para el
     teatro.
    De nuevo, en 1902, la Diputación Provincial de Vizcaya le 
    concede una beca con la que viaja hasta Italia, visitando 
    Florencia y Roma, y posteriormente a Munich. A su regreso a
     España y asesorado por Ignacio Zuloaga, se establece en 
    Ledesma (Salamanca).
    Allí contrae matrimonio y su pintura, de marcada virtuosidad
     técnica y armonía compositiva, se decanta hacia escenas de
     género entroncadas con la tradición española.
    Sigue viajando por Europa, ya que la Diputación mantiene su
     pensión, hasta que en 1908, con el nacimiento de su primer 
    hijo, se instala definitivamente en Bilbao. En este momento 
    se centra en la realización de retratos y temáticas vascas.
    Participa en algunas de las Exposiciones Nacionales de Bellas
     Artes recibiendo la Medalla de Tercera Clase en la de 1917
     con su obra Recolección de manzanas.
    Cuando en 1911 se crea la Asociación de Artistas Vascos,
    Ángel Larroque forma parte de la primera junta directiva y 
    participa también en la primera exposición del grupo.
    En 1924 es nombrado profesor de copia del natural en la
    Escuela de Artes y Oficios de Bilbao.
    Dedicado exclusivamente a esta nueva actividad abandona,
     casi por completo, la actividad pictórica. No será hasta
     los años 30 cuando retome su participación social y 
    artística en las exposiciones de la Asociación de 
    Artistas Vascos y en la junta directiva fundacional del
     Museo de Reproducciones Artísticas, en 1927.
    Durante la Guerra Civil forma parte del grupo de artistas
     encargados de la decoración de la Casa del Huérfano del 
    Miliciano, en el convento de las Carmelitas Descalzas de 
    Santutxu. Esta situación bélica provoca un giro en su 
    repertorio temático con escenas de brujas, bandoleros y
    sátiros.
    Los años 40 y 50 suponen un momento de intensa actividad
     expositiva, premios y reconocimientos. El Museo de Bellas
     de Bilbao adquiere obra suya y en 1951 la Diputación
    Provincial de Vizcaya le concede la Gran Cruz de Alfonso X
     el Sabio. Es ahora cuando realiza sus famosos retratos 
    infantiles. Jubilado en la Escuela de Artes y Oficios, 
    se dedicará a sus ya habituales aficiones culturales hasta 
    el momento de su fallecimiento en 1961.
    
    




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  • 11/06/18--13:58: Jean-André Rixens

  • Jean-André Rixens nació en Saint-Gaudens (Haute-Garonne) en 1846, Rixens asistió a la universidad de Saint-Gaudens y, en 1860, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. Comenzó a pintar carteles comerciales y copias de pinturas para financiar sus estudios. 

    En 1866 ganó el segundo gran premio de la ciudad de Toulouse, una beca que le permitió continuar durante tres años su aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. París, donde su maestro fue  el pintor YVON, especialista en pintura de historia militar.

     Resultado de imagen de Jean Andre Rixens
    En 1867 fue admitido en el estudio de GEROME, representante del arte oficial donde completó  su educación artística. Se hizo amigo del pintor ROLL (1846-1919), otra figura importante del medio artístico en la Tercera República. Su objetivo en este momento era ganar el Premio de Roma, cuyo prestigio era  muy  alto entre los jóvenes artistas de la época.

    En 1870, se presentó por primera vez al precio de Roma con la muerte de Mesalina. Su intento fue inútil. En 1873, ganó el segundo gran premio con Super Flumina Babylonis, que el estado compró y envió a Saint-Gaudens a petición del MP LASSUS.
    El artista entonces aseguró su reconocimiento con pinturas de historia:
     
    Realiza el viaje a Italia (Florencia y Roma).
    En la década de 1880, la situación material de  Rixens mejora y su notoriedad se afirma.
    Participa en exposiciones privadas organizadas por el Círculo Artístico y Literario de Volney Street.
    Periódicos de gran circulación como Ilustración popularizan sus obras: los encargos  son más numerosos y se especializa en el retrato
    Entre 1886 y 1887 participa con MEISSONIERS, PUVIS DE CHAVANNES  y  RODIN  en la exposición para
    la fundación de la Sociedad Nacional de Bellas Artes

    Republicano convencido, participó en la decoración de monumentos públicos lanzados por la Tercera República.


    Durante la guerra de 1914-1918, se refugió en Saint-Bertrand de Comminges, donde restauró el  antiguo
    palacio episcopal. A partir de este momento, se dedicó sobre todo a la pintura de paisajes e hizo algunas pinturas impresionistas.
    En 1925, murió en París. 

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  • 11/07/18--13:32: Agustín Lhardy

  • (Madrid, 1847-1918). Pintor, escultor y grabador español. Inició su formación en Francia, y la continuó en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue discípulo de Carlos de Haes. Muy pronto comenzó a concurrir a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, y logró tercera medalla en 1878 con el cuadro Paisaje de los Pirineos y en 1890 por Pinos de la costa de Asturias. En 1895 fue condecorado por un paisaje y en 1901 obtuvo segunda medalla por el cuadro titulado Primavera. Todos estos galardones corresponden a la sección de pintura. En 1904 ganó una segunda medalla, esta vez por grabado, con Aguafuerte de un cuadro de Haes y en 1912, primera medalla por un conjunto de obras. También participó en las exposiciones organizadas por el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en la Internacional de Panamá de 1916, en la que obtuvo medalla de oro. Como ilustrador, participó con sus grabados en Blanco y Negro o La Ilustración Española y Americana y está representado en la Calcografía Nacional.

    Museo del Prado


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  • 11/09/18--14:19: Bertha Wegmann
  • A wet nurse's visit, 1878Interior from a bedroom with a view through the...

    Nació en 1846 en Soglio, Suiza. Se mudó con su familia a Dinamarca en 1851. Mostró habilidades artísticas desde niña. Empezó a recibir formación artística a los 19 años con Frederik Ferdinand Helsted,  Heinrich Buntzen y Frederik Christin lund.

    Despues viajó a Munich y se quedó allí hasta 1881 pero siguió su conexión con Dinamarca y obtuvo la ciudadanía danesa en 1883.
     Pintó flores y paisajes pero lo que le dio fama fueron los retratos. Entabló amistad con la pintora sueca Jeanna Bauck, con la que realizó un viaje de estudios a Italia y despues, ambas, se mudaron a París.


     De regreso en Copenhague, expuso en el Palacio  de Charlottenborg donde un retrato de su hermana recibió la medalla Thorvaldesen en 1883 y en 1889 recibiría una medalla de plata en la Exposición Mundial de París.
     En 1887 se convirtió en la primera mujer en tener un puesto en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y hasta 1907 fue miembro de la Escuela Industrial de Dibujo y Arte para Mujeres. Representó a Dinamarca  en varias ferias mundiales como la Exposicion Universal de Chicago de 1993. Murió en Copenhague en 1926.

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  • 11/14/18--13:12: HA Brendekilde
  • HA Brendekilde 1883-1889

    De origen de una humilde familia rural, en el sur de Sjælland (Zelanda),  cerca de Odense en la isla central de Fyn (Funen). Brendkilde trabajó como ayudante de un granjero local antes de ser contratado como aprendiz de escultor en Odense, después de la edad de 12 años. Consiguió estudiar en la Real Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague, donde estudió escultura.
    En 1877. conoció a Laurits Andersen Ring y su  amistad  hizo que Brendekilde pasara de la escultura a la pintura en 1881, ambos influidos por PS Krøyer. Ambos tuvieron una lucha para lograr el reconocimiento, y en esta etapa, Ring estuvo a punto de abandonar el arte. 
    Brendekilde inicialmente trabajó en un estilo realista social que representaba la difícil situación del campesinado rural. Más tarde recurrió a motivos religiosos y, finalmente, describió la vida idílica de la aldea.


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  • 11/27/18--13:44: Roberto Fabelo
  • Nació en Guáimaro, Camagüey, el 28 de enero de 1950. Su padre fue entre otras cosas carbonero y cortador de caña. Vivió en esa provincia hasta los 7 años en que vino por primera vez a La Habana, parte de su familia materna vive aquí. Su madre venía de una familia comunista que estaba muy metida en las tareas insurreccionales. El único que tenía un trabajo fijo era su abuelo, padre de su mamá que ocupaba una plaza en el hotel Deauville. Su padre encontraba trabajos temporales de albañil. Vivían 14 en un apartamento en Centro Habana, en un edificio que ya era para entonces inhabitable. Trabajo fijo halló su padre solo después del Triunfo de la Revolución en un grupo técnico del Ejército Rebelde en obras de construcción. Por esta razón retornan a Guáimaro ya que a su padre le asignaron la reconstrucción de Levisa, un pueblo que había quemado Sosa Blanco, uno de los más sanguinarios oficiales de Batista. Allí permanecieron en los años 1960 – 1963, cuando viajan de regreso y definitivamente para La Habana, su padre estaba enfermo del corazón. Eran una familia muy humilde y vivían de lo que fuera apareciendo.
    Siempre tuvo inclinación por el dibujo, pintaba con tiza en la pizarra de la escuela, sus compañeros se amontonaban para verlo, sobre todo pintaba los héroes recién llegados. En 1960 (en Guáimaro) hubo una gran feria en el Parque Central con el objetivo de recaudar fondos para la Reforma Agraria, él estaba allí, por primera vez tuvo en sus manos una caja de lápices de colores, dibujaba a la gente y estos pagaban el dibujito ese dinero era para el fondo de la Reforma Agraria, Tenía solamente 10 años. Sus padres siempre le alentaban, cosa que ayudó mucho en su vocación. Aun bien pequeño, la cera de los panales modelaba lagartijas, ranas, alacranes y otros bichos del monte para su abuela que les tenía miedo. Cuando estuvieron en Levisa, dibujaba sobre las losas pulidas y las paredes, con un lápiz puntigordo de carpintero.

    Al regresar a La Habana en 1963 venía interesado en estudiar pintura. Para entonces vivía en casa de una tía en la calle Reina. Frente a ella existía transitoriamente un aula de San Alejandro, en Reina 315 y veía allí a personas pintando. A los trece años en el Palacio de Pioneros, se inscribió en el círculo de dibujo y modelado, donde les orientaba una profesora que había sido alumna de [[Romañach].
    Al ingresar a la secundaria, hizo amistad con el grupo en el que estaba Choco, Rafael Paneca, René García el caricaturista, a los que le preguntó cómo se entraba en la Escuela Nacional de Arte. Cuando salió la convocatoria se presentó, fue entrevistado por Enrique Moret. Después de graduado, matriculó en el Instituto Superior de Arte, en el curso de trabajadores.
    Cuando se graduó de la Escuela Nacional de Arte fue a cumplir el servicio social a Matanzas. Al término del servicio social entró a formar parte del claustro de la Academia de Bellas Artes San Alejandro. Ocupó responsabilidades en la Unión de Jóvenes Comunistas, estudiaba en el Instituto Superior de Arte, era dirigente de la Brigada Hermanos Saiz de jóvenes escritores y artistas y también hacia sus obras, todo esto al mismo tiempo. Fue vicepresidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba. Impartió clases en tres niveles de educación en Cuba. Fue parte del tribunal en diversos concursos nacionales e internacionales, y es meritorio su trabajo como ilustrador de libros. Por su destacada trayectoria artística el estado cubano le ha concedido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier.
    Tiene medio centenar de exposiciones personales y participaciones en unas quinientas colectivas en más de veinte países. Fue reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas en el 2004.

    EcuRed

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    ´Las Villas, Cuba, 1862 - La Habana, 1951.
    Nació el 7 de octubre de 1862, en el poblado de Sierra Morena (Corralillo), provincia de Villa Clara, Cuba. Fueron sus padres Baudilio Romañach, catalán, e Isabel Guillén, de nacionalidad cubana.
    Cuando a los cinco años quedó huérfano de madre, Leopoldo y sus hermanos fueron enviados a la casa de su tía paterna en la Costa Brava, muy cerca de la frontera entre España y Francia, y luego vivió en varios sitios de la península ibérica. Cursó la primera enseñanza en Gerona y estudios de alto comercio en Barcelona.
    Leopoldo Romañach, Marina
     De regreso a Cuba trabaja en la actividad comercial de la familia y también estudia pintura en Santa Clara, donde obtiene una beca en la Escuela San Alejandro. Posteriormente amplía sus conocimientos en Europa, en la Escuela Libre de Pintura en 1890.
    Por ser hijo de cubana, quizá su ascendencia criolla le hizo amar los exuberantes paisajes de la isla y desde pequeño tratar de dejarlos plasmados, mientras que su padre, el comerciante de origen catalán Braudilio Romañach, insistía en que se dedicara a las relaciones económicas. Cuando el futuro artista volvió a Cuba, con sólo 14 años, trabajó en una tienda mixta propiedad de su padre, establecida en Vega de Palma, término de Camajuaní. Poco después su padre lo envió a Nueva York para estudiar Inglés y adentrarse en la actividad comercial, sin obtener grandes logros en ese campo, pues la pintura era su verdadera afición.
    Tras breve estancia en Nueva York se instala definitivamente en Cuba, aunque sus viajes al viejo continente fueron muy frecuentes. En la Isla ocupa cátedra en San Alejandro, donde forma varias generaciones de creadores.
    Leopoldo Romañach, Retrato de Rita, 1912
    Al cumplir 50 años de labor docente es nombrado Profesor Honoris Causa y Profesor Emeritus de la Cátedra de Colorido.
    Su extensa obra se expresa a través de corrientes artísticas diversas: desde el tenebrismo italiano finisecular –en el que se formó–; el realismo, el simbolismo, hasta el iluminismo, que con fuerte influencia del impresionismo español, se hace patente en las variadas vistas de la costa norte y central de Cuba, ejemplos de su excelente sentido de la composición y del dibujo.

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  • 11/30/18--14:26: MARIANO RODRÍGUEZ

  • La Habana, Cuba, 1912 - 1990.
    En 1936 viaja a México donde estudia con el pintor Manuel Rodríguez Lozano y con el grupo de ayudantes de Diego Rivera la técnica de la pintura al fresco. En 1937 regresa a Cuba y participa como instructor en el Estudio Libre para Pintores y Escultores.
    Un año después obtiene tercer premio con el óleo Unidad en la II Exposición Nacional de Pintura y Escultura. En 1939 es cofundador de la revista artística y literaria
    Espuela de Plata y en 1944 forma parte del comité editor de la revista cultural Orígenes. Por estos años comienza a trabajar los temas que más tarde caracterizarán su pintura, entre ellos, los gallos.
    En 1950 comienza a hacer cerámica en el Taller experimental de Santiago de Las Vegas y un año después realiza su importante mural El dolor humano en el edificio Retiro Odontológico en el Vedado, La Habana. Entre 1960 y 1961 permanece en la India en labores diplomáticas. A su regreso a Cuba es fundador y preside la sección de artes plásticas de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y en 1962 dirige igual departamento en Casa de las Américas, la cual presidirá desde 1980 hasta 1982. A partir de este año se dedica exclusivamente a la pintura. En 1975 el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba presenta una extensa exposición retrospectiva y en 1981 se realiza una muestra de obras escogidas en el Museo de Arte Moderno de México.
    Realiza numerosas muestras individuales y participa en más de doscientas muestras colectivas, tanto en Cuba como en el extranjero. Presidie el jurado internacional de la I Bienal de La Habana en 1984 y expone fuera de concurso. En 1986 es invitado de honor a la II Bienal de La Habana. Viaja a las Islas Canarias en 1988 con motivo de una exposición retrospectiva. Recibe en 1981 la Orden Félix Varela de primer grado, en 1989 la Medalla Haydée Santamaría y el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de La Habana.


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  • 12/02/18--03:14: Cundo Bermúdez

  • Cundo Bermúdez nació el 3 de septiembre de 1914, en La Habana, en el seno de una familia de clase media alta. A los 13 años inició sus estudios de bachillerato y poco después entró a la Academia de Bellas Artes. El mismo pintor contó en una ocasión: "Un familiar mío se fijó en mis dibujos y me llevó a la academia de San Alejandro para que yo aprendiera a pintar. Pero me fui de allí enseguida. No me gustó la enseñanza (...) Las huelgas universitarias del 33, cuando cayó Machado, y después las protestas estudiantiles contra Batista, alargaron mis años de bachillerato".
    En 1938, Bermúdez viajó a México para estudiar dibujo. Allí quedó impresionado por la pintura mexicana y los temas de sus murales, que imprimirían a su obra un sentido monumentalista que pronto se nutrió de la luz cubana.
    Su primera exposición individual fue en el Lyceum de La Habana, en 1942. Entonces, se sentía "muy influido por los grandes pintores cubanos de la generación anterior: Amelia Peláez, Carlos Enríquez y otros", según reconoció tiempo después.
    En 1943, a raíz de la exposición de Pintura y Escultura Moderna Cubanas, realizada en La Habana, David Alfaro Siqueiros escribió: "Cundo Bermúdez representa audacia en las artes plásticas. Él sabe cómo construir de una manera sincronizada. Él construye y organiza a veces de manera milagrosa". En 1944, su obra formó parte de la Exposición de Pintura Cubana en Nueva York y su nombre empezó a despertar atención internacional. Es el momento de sus colaboraciones gráficas para Orígenes, entre 1944 y 1956, la revista literaria fundada por el escritor José Lezama Lima.
    El éxito lo llevó a exponer en varias galerías y museos de Estados Unidos y América Latina. En 1951 exhibió en el Museo de Arte Moderno de París y descubrió Europa. "En los años cincuenta fui a Europa a ver los museos. Pasé nueve meses en España, Italia y Francia. Yo ya estaba influenciado por lo moderno, pero allí me impresionaron los maestros españoles, y Velázquez sobre todo".
    En los años cincuenta su lenguaje visual adquirió mayor abstracción y se entregó de lleno al tema de la música popular, uno de los grandes leitmotivs de su obra. Uno de los cuadros emblemáticos de esta etapa, Trío, de 1960, es señalado como un hito dentro de su pintura. Tras el triunfo de la revolución, en 1967 abandonó Cuba y se afincó en Puerto Rico, donde vivió cerca de 30 años. En 1996 se instaló en Miami.
    Algunas de sus obras importantes se encuentran en exhibición permanente en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, otras en el MOMA y en importantes museos de todo el mundo. En la capital cubana todavía se conserva un soberbio mural en el bar que se encuentra en la cúpula del Hotel Riviera, pero tras su salida de Cuba desapareció el que durante años engalanó las paredes exteriores del Habana Libre. Otros murales se conservan en San Juan, en la sede de la OEA en Washington y en el Edificio Bacardí de Miami.

    Murió en Miami a la edad de 94 años

    EL PAÍS

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  • 12/03/18--13:31: Servando CABRERA MORENO

  • Servando Cabrera Moreno nace en La Habana el 28 de mayo de 1923. Realiza estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes “San Alejandro”, donde se gradúa en 1942 con el primer lugar en los exámenes de grado. En 1941 cursó estudios en Filosofía y Letras,  Arquitectura y Pedagogía, en la Universidad de La Habana, obteniendo título en la primera de estas carreras; las dos últimas las dejó inconclusas para dedicarse a la pintura.
    Su primera muestra personal, Retratos al carbón, se realiza en el Lyceum de La Habana en septiembre de 1943. En los años siguientes expone obras relacionadas a su experiencia académica, en los salones anuales del Círculo de Bellas Artes y en otras instituciones. Por esta época también se vincula al teatro y diseña vestuario y escenografía. En 1946 viaja por los Estados Unidos y toma un curso en el “Art Students´s League” de Nueva York. Allí descubre, entre otros artistas, a Picasso, a quien reconocería como la mayor influencia en su obra.
    Viaja a Europa en 1949, donde recorre numerosos museos y asiste a la “Grande Chaumière” de París. Se produce entonces su primera ruptura, con óleos que hace entre 1950 y 1951, en los que una geometrización de referencia cubista lo aproxima a la abstracción. Después, la influencia de Miró y Klee, principalmente, domina su breve pero intensa experiencia abstracta (1951-54), cuyos resultados expone en España y Francia. El rechazo a los mecanismos del mercado del arte, que conoció en su exposición parisina de enero de 1954, provoca un vuelco súbito en su pintura. En España realiza una importante serie de dibujos realistas al carbón, con personajes de pueblo, que continúa ese mismo año en Cuba y culmina en el óleo Los carboneros del Mégano.
    De nuevo viaja por Europa a España, Italia, Grecia y visita por primera vez México y América Central. El arte popular, del que se convierte un entusiasta coleccionista, influye poderosamente en la configuración de su nuevo estilo, en el que se integran elementos de la ornamentación arquitectónica colonial y hallazgos de la pintura moderna: Matisse, Léger y el Picasso cubista. 
    Al triunfo de la Revolución, Cabrera Moreno posee ya una vasta experiencia formal y es dueño de su instrumento de expresión. Los temas revolucionarios entran en su pintura en el propio año 1959, pero su estilo se adecua plenamente a la nueva realidad en 1961. A finales de ese año expone en el Palacio de Bellas Artes obras del primer momento de su gran ciclo de pintura épica, que culmina con la serie de Héroes, jinetes y parejas mostrada en la Galería de La Habana en 1964.
    Desde el año 1962 hasta 1965 ejerce como profesor de pintura en la “Escuela Nacional de Arte” de Cubanacán, donde forma numerosas generaciones de artistas. En 1965 viaja de nuevo a Europa y conoce la pintura de Willem de Kooning, quien influiría notablemente en su obra, sobre todo desde el punto de vista técnico. En este momento retoma algunas de las preocupaciones que venían manifestándose aisladamente en su pintura e inicia un período expresionista. Hacia 1970 el expresionismo violento desaparece, y la figuración grotesca cede paso a la estilización de torsos, fragmentos humanos, parejas acopladas, que se inscriben dentro del ciclo de pintura erótica en que trabajara desde entonces. 
    Dos años después surgen los rostros guerrilleros y poco después comienza la abundante serie de Guajiros, caras jóvenes con sombreros de guano y las cabezas femeninas, un conjunto exhibida en la Galería de La Habana en 1975, como “Habanera Tú”; ella marca el inicio de la serie conocida como Habaneras.
    Recibió varias distinciones y premios, entre los que destacan la Primera Mención en el VIII Premio Internacional de Dibujo Joan Miró, en 1969. Exhibió más de 40 muestras personales en Cuba y en el mundo. Participó en más de un centenar de exposiciones colectivas en nuestro país y en el extranjero, y en eventos de gran importancia en el ámbito artístico internacional, como las Bienales de Venecia ´52, México ´58 y ´60, Sao Paulo ´57, ´59, ´60, ´61, y ´63.
    Servando Cabrera fallece de un infarto masivo, en su casa el 30 de septiembre de 1981.

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  • 12/04/18--04:00: VICTOR MANUEL

  • Víctor Manuel García Valdéz (1897-1969) fue discípulo de Leopoldo Romañach en la Academia San Alejandro, pero se levanta contra estos mismos preceptos aprendidos en la academia y marcha a París en 1925 en busca de las técnicas y la información desconocidas en su isla. Allí comprende que pese a la necesidad de lo novedoso, los temas de su país, su paisaje, y su gente común son dignos de ser llevados al lienzo.

    El post impresionismo marca su obra en la que son evidentes las influencias. En París crea una colección de paisajes y cabezas de mulatas en las que la cubanía radica en la intimidad llena de optimismo con que trabaja sus temas. Su visión de Cuba pasa por el exotismo de París y el indigenismo en ascenso en Latinoamérica.
    En 1926 regresa a Cuba, participa de la exposición de arte nuevo e impacta su forma de hacer, regresando a Francia tras comprender el ahogo en que viven las artes plásticas cubanas. Será en París donde pinte su cuadro definitorio, “Gitana Tropical”.


    La “”Gitana Tropical” es una pequeña pintura (46 x 38 cm) pintada sobre madera y premiada en el Salón de Pintores y Escultores de 1929. Representa a una muchacha mestiza, más cercana al tipo mexicana que a la cubana característica teniendo como fondo un paisaje.

    Aparece en aquel Salón del 29 en el momento en que decae el primer impulso del “arte nuevo” en Cuba frente a la “(…) anemia de lo imitativo, en ausencia de la maduración de lo verdadero autóctono, que no puede entenderse como deslavado reflejo del paisaje con palma, o de un folklorismo superficial para el consumo del turismo tonto”

    Víctor Manuel fue inaugurador de lo moderno en la pintura cubana, marcado por la sencillez de su obra, casi monotemática, una gitana multiplicada en otros cuadros y sus dormidos paisajes. Su pintura parece detenerse en esos logros, como si se hubiese agotado a sí mismo, pero la brecha que el abre da paso a otros jóvenes artistas cubanos que incluso superan su propia obra. 
    La “”Gitana Tropical” es una pequeña pintura (46 x 38 cm) pintada sobre madera y premiada en el Salón de Pintores y Escultores de 1929. Representa a una muchacha mestiza, más cercana al tipo mexicana que a la cubana característica teniendo como fondo un paisaje.Aparece en aquel Salón del 29 en el momento en que decae el primer impulso del “arte nuevo” en Cuba frente a la “(…) anemia de lo imitativo, en ausencia de la maduración de lo verdadero autóctono, que no puede entenderse como deslavado reflejo del paisaje con palma, o de un folklorismo superficial para el consumo del turismo tonto”Víctor Manuel fue inaugurador de lo moderno en la pintura cubana, marcado por la sencillez de su obra, casi monotemática, una gitana multiplicada en otros cuadros y sus dormidos paisajes. Su pintura parece detenerse en esos logros, como si se hubiese agotado a sí mismo, pero la brecha que el abre da paso a otros jóvenes artistas cubanos que incluso superan su propia obra. 

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  • 12/04/18--14:33: JORGE ARCHE


  • JORGE ARCHE (Santo Domingo, Las Villas, 1905-
    Cádiz, España, 1956).
    Su aprendizaje formal transcurrió en dos academias habaneras: la Fundación Villate (hacia 1918) y la Escuela San Alejandro (muy irregular, desde 1921, donde se gradúa más tarde). Su verdadera formación como artista moderno es prácticamente autodidacta, a través de la amistad y el trato con otros colegas. Se le considera discípulo informal de Víctor Manuel. Amigo cercano de Arístides Fernández, frecuenta las tertulias de Emilio Rodríguez Correa, en donde coincide con Ponce, Mariano, Portocarrero y otros. Se da a conocer en 1935, con uno de los premios de la primera Exposición Nacional de Pintura y Escultura por La carta; en la segunda, es premiado su retrato Mi mujer y yo. 

    En 1937 realizó un mural en la Escuela Normal para Maestros de Santa Clara. En ese año colabora en el Estudio Libre para Pintores y Escultores, animado por Abela. Hace varios viajes a México, donde realiza obras de tema mexicano, incluyendo paisajes. Organiza con otros graduados de San Alejandro la Escuela de Artes Plásticas de Camagüey.



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  • 12/10/18--13:43: Manuel Alfredo Sosabravo


  • Manuel Alfredo Sosabravo (Sagua la Grande25 de octubre de 1930). Pintordibujantegrabador
     ceramista, considerado como uno de los artistas cubanos más importantes de las artes visuales y el diseño. Su constante afán de perfeccionamiento y el riguroso trabajo desarrollado se ha convertido en uno de lo más originales artífices de las expresiones bidimensionales de la plástica cubana.Alfredo Sosabravo, Regresando de Indochina
    En los años 50, el contacto con la obra de Wifredo Lam, expuesta en el Parque Central de la capital cubana, le abre las puertas del arte moderno y comienza a pintar de manera intuitiva. Para la medianía de la década ingresa en la Escuela Elemental de Artes Plásticas Aplicadas, anexa a la Academia San Alejandro. Estos cursos serían el único entrenamiento académico del artista, a la par de su relación con el artista Ángel Acosta León. Pocos años más tarde realiza su primera exposición personal en la Sala Atelier, que le abre las puertas a múltiples exhibiciones nacionales y colectivas, incluyendo el Salón Anual del Museo de Bellas Artes.



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  • 12/11/18--12:34: Marcelo Pogolotti


  • (La Habana, 1902-1988)
    De madre norteamericana y padre italiano, su infancia transcurre entre Cuba y Europa, principalmente Italia. En 1919 comienza estudios de ingeniería en el Rensselaer Polytechnic Institute de Troy, que abandona para dedicarse por completo al arte y matricula en The Art Students League de Nueva York. Después de un breve viaje por Europa regresa a la Isla y se dedica a diversas actividades, sin abandonar la pintura. Por entonces se afana por “redescubrir Cuba” en una pintura que oscila entre el impresionismo y el fauvismo. Participa en la Exposición de Arte Nuevo. Ansioso de nuevos recursos, reembarca a Europa en 1928 y se establece en París. Primeramente le atrae el surrealismo y después de conocer al pintor Fillia, se incorpora al movimiento futurista; Marinetti lo incluye en uno de sus manifiestos; expone en Turín, Savona, Cuneo y otras ciudades. 
    En 1932 integra un grupo de pintores futuristas que exponen en la galería Laxer-Normand de París. Por esta época comienza a alejarse del “maquinismo” y a experimentar con formas abstractas, en tanto realiza imultáneamente la serie de dibujos Nuestro Tiempo, que inicia su nueva orientación pictórica, dentro de la que producirá obras antológicas de la pintura social cubana. Entre 1934 y 1935 expone con la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios (AEAR) en París, junto a Léger, Pignon, Lipchitz, Masereel, Jean Lurçat, Ozenfant, Delaunay, Lhote y otros. Colabora en la revista Commune. La galería Carrefour le organiza en 1938 una exposición personal presentada por Jean Cassou. En ese año pierde por completo la visión. De regreso a Cuba participa en importantes exposiciones personales y colectivas. A partir de entonces comienza una importante labor como ensayista y novelista.