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El constructivismo ruso

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                                                 El Lissitzky

 El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. ... Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.

                                              Liubov Popova

 El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.

    

                                                  Tatlin

Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.

                        Alexander Rodchenko

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…




Escuela Ashcan

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                                                      George Luks



 Alrededor de 1900, un grupo de artistas realistas se diferenció y desafió a los impresionistas y académicos estadounidenses. El miembro más capacitado de este grupo fue Robert Henri, que había estudiado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania  con Thomas Anshutz. Después de pasar los años de 1888 a 1891 trabajando en la Académie Julian de París, Henri enseñó en la Escuela de Diseño para Mujeres en Filadelfia y dio clases privadas de arte en esa ciudad y sus alrededores y, durante sus visitas de regreso a Francia, en París y sus alrededores. A partir de 1892, Henri también se convirtió en mentor de cuatro ilustradores de Filadelfia : William James Glackens, George Luks, Everett Shinn  y John Sloan, quienes trabajaron juntos en varios periódicos locales y se reunían para estudiar, compartir estudios y viajar. Entre fines de 1896 y 1904, todos se mudaron a Nueva York, donde el propio Henri se instaló en 1900.

                                              French Sloan

             Henri y sus antiguos socios de Filadelfia formaron la primera generación de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. Una segunda generación estuvo formada por los estudiantes de Henri en Nueva York, de los cuales George Bellows fue el más devoto. El término Ashcan School fue sugerido por un dibujo de Bellows titulado Disappointments of the Ash Can , que apareció en el Philadelphia Record en abril de 1915; fue invocado por el dibujante Art Young en una crítica despectiva que apareció en el New York Sun en abril de 1916Aunque los artistas de Ashcan no eran una "escuela" organizada y defendían estilos y temas algo variados, todos eran realistas urbanos que apoyaban el credo de Henri: "el arte por el bien de la vida", en lugar del "arte por el arte". También presentaron sus obras en varias exposiciones importantes de principios del siglo XX en Nueva York, incluida una exposición colectiva en el National Arts Club en 1904; la muestra histórica de The Eight en Macbeth Galleries en febrero de 1908, que incluyó a los cinco pintores principales de Ashcan School junto con Ernest Lawson, Maurice Prendergast  y Arthur B. Davies 

                         Robert Henri          

Tanto en sus pinturas como en sus ilustraciones, grabados y litografías , Henri y sus compañeros artistas de Ashcan se concentraron en retratar la vitalidad de Nueva York y registrar su lado sórdido, manteniendo un ojo atento a los acontecimientos actuales y la retórica social y política de su época. Estilísticamente, dependían de la paleta oscura y la pincelada gestual de Diego Velázquez , Frans Hals , Francisco de Goya , Honoré Daumier y realistas recientes como Wilhelm Leibl, Édouard Manet y Edgar Degas .. Preferían formas amplias y caligráficas, que podían reproducir "sobre la marcha" o de memoria, y así incorporar habilidades que la mayoría de ellos habían cultivado como ilustradores de periódicos. Aunque los artistas de Ashcan abogaban por la inmersión en la actualidad moderna, no eran ni críticos sociales ni reformadores y no pintaban propaganda radical. Si bien se identificaron con la vitalidad de las clases bajas y resolvieron registrar los aspectos funestos de la existencia urbana, ellos mismos llevaban vidas agradables de clase media, disfrutaban de los restaurantes y bares de Nueva York, su teatro y vodevil, y sus populares centros turísticos cercanos como Coney Island. Debido a que evitaron los disturbios civiles, las tensiones de clase y la arena de las calles, sus obras nunca son tan directas o inquietantes como las de sus contrapartes europeas o las imágenes reformistas de fotógrafos estadounidenses como Jacob Riis.

                                            George Wesley Bellows            

Los artistas de Ashcan documentaron selectivamente una época inquietante y de transición en la cultura estadounidense que estuvo marcada por la confianza y la duda, la emoción y la inquietud. Ignorando o registrando solo las nuevas y duras realidades, como los problemas de la inmigración y la pobreza urbana, arrojaron una luz positiva sobre su época. Junto con los impresionistas estadounidenses, los artistas de Ashcan definieron la vanguardia en los Estados Unidos hasta que el Armory Show de 1913 presentó al público estadounidense las obras de los verdaderos modernistas Henri Matisse , Pablo Picasso , Marcel Duchamp ., y otros. Henri y la mayoría de sus colegas de Ashcan continuaron pintando, incluso en la década de 1940, en el caso de Sloan y Shinn. Aunque su creatividad decayó y su carácter pionero se desvaneció, infundieron algunos de sus últimos lienzos con su vigor anterior.

Isabel McLaughlin

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Isabel McLaughlin, pintora ( Oshawa, Ontario, 10 de octubre de 1903;  Toronto, 26 de noviembre de 2002). Importante artista  modernista  Canadiense preocupada por el diseño, el color brillante y el estudio del espacio tangible. 

Estudió en el Ontario College of Art y en París en 1929 y Viena en 1930, y dos veces con Hans Hofmann en el período 1947-52. Su desarrollo se caracterizó por una constante renovación de sí misma y por la conciencia de sus propias raíces. 

En 1939, McLaughlin fue elegida presidenta del Grupo Canadiense de Pintores, la primera mujer en encabezar una importante sociedad de arte canadiense. Fue galardonada con la Orden de Ontario en 1993.

Después de su muerte, sus archivos  fueron donados a la Universidad de Queen´s




MUJERES Y ARTE ABSTRACTO

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 En las primeras décadas del siglo XX existía un argumento entre pintores, de excluir a la mujer en todo lo relacionado con el arte en general pero principalmente lo tocante con el arte moderno, por lo tanto, en artículos y trabajos sobre arte, no se mencionaba a la mujer, actitud que se relacionaba con algunas explicaciones y especificaciones de los principios y orígenes en la abstracción en la pintura.

                                         Perle Fine

Las artistas que pintaban abstracto se encontraban con el problema de trabajar en un lenguaje que rechazaba lo femenino, lo cual las llevaba a grandes problemas para crear su arte, poderse desenvolver a su agrado y en muchos casos optaban por una retirada a las artes aplicadas, lo que ocasiona que su aportación fuese minusvalorada.

                                             Natalia Goncharova

“Es tan bueno que nunca sabrías que lo ha pintado una mujer” o "que bueno, esta nujer parece que tiene mano de hombre"- son expresiones que todavía podemos oir hoy

                                                     ’Lucy’ Mary Abbott

Como muchas otras cosas, el arte ha sido cosa de hombres para la historia oficial. Como muestra de ello, suele ubicarse el inicio de la abstracción moderna a principios de la segunda década del siglo XX, ligada a nombres masculinos como KandinskyMondrian o Malévich. Cuando lo cierto es que 50 años antes Georgiana Houghton, británica nacida en Las Palmas de Gran Canaria, ya realizaba sus chocantes dibujos compuestos por trazos de colores a lápiz y acuarela. Quizá porque era la única coartada posible entonces para una forma de expresión tan radical, ella aseguraba haberlos realizado durante un trance místico, guiada por los espíritus del Más Allá con los que solía contactar. 

Lo mismo ocurriò con la sueca Hilma Af Klint, autora a principios del XX de unos dibujos y pinturas de abstracción geométrica avant la lettre  a las que ella vinculaba con un discurso esotérico y teosófico. 


Antonina Rzhevskaya

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Artista rusa-1861 - 1934

Nació en  una familia de terratenientes venida a menos. Despues de realizar varios trabajos para ayudar a la familia despues de la muerte de su padre, en 1880 comenzó a asistir a clase en la Escuela de Pintura y Arquitectura de Moscú bajo la dirección de Vladimir Makovsky. También recibió clases privadas de Nikolai Avenirovich Martynov

Montó un estudio en una pequeña calle en 1890 y tres años más tarde tuvo una gran exposición.

En 1897 expuso con los Peredvizhniki en su vigésimo quinta exposición y su pintura. Fue la segunda mujer aceptada como integrante del Peredvizhniki (“Los Itinerantes”); la primera fue Emily Shanks. Sin embargo, más tarde renunció debido a desacuerdos con su programa.

Se casó  con Nikolai Fyodorovich Rzhevsky, quien enseñaba en una escuela privada para niñas y era miembro de la "Sociedad Técnica Imperial Rusa".  

Durante la Primera guerra mundial se trasladó a Tarusa, donde vivió pintando hasta el final de su vida-

Peter Vilhelm Ilsted

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 (1861 - 1933) Nacido el 14 de febrero de 1861, Peter Vilhelm Ilsted fue uno de los pintores daneses nacidos en unos pocos años que alcanzarían renombre internacional, entre ellos Carl Vilhelm Holsøe (1863-1935), Paul Fischer (1860-1934) , Vilhelm Hammershøi (1864-1916) y Peder Mørk Mønsted (1859-1941).

En sus primeros trabajos, Ilsted fue un pintor de género y retratos, sin embargo, como su hermana se había casado con Vilhelm Hammershøi, estuvo bajo la influencia tanto de su cuñado como de su amigo cercano Carl Holsøe. Como resultado de esto, él también sería ampliamente conocido por sus escenas de interior. Usando el interior de su casa y miembros de su familia como modelos, los temas de Ilsted serían escenas ambientadas en la cocina preparando la comida, o en un comedor o salón con o sin figuras, pero siempre con énfasis en la luz y su interacción con las superficies. .

Como tantos de sus contemporáneos daneses, Ilsted viajó mucho, a Italia, Grecia, Oriente Medio, España y Francia en 1886, regresó a Italia y Francia en 1891 y a Italia nuevamente en 1894 y 1905, y a Inglaterra en 1913. Ilsted fue ampliamente conocido en toda Europa, expuso en el Salón de París en 1889, recibiendo una mención de honor y nuevamente en 1890 siendo galardonado con una medalla, y también en 1900; expuso en Copenhague 1891-99, Budapest 1906-7, Munich 1909 y 1913, Berlín 1910-11, Malmo 1914 y Estocolmo 1924. Más lejos, Ilsted expuso en Chicago en 1893. Un artista muy respetado en Escandinavia, Ilsted fue reconocido como un artista de talla y popularidad internacional.

Sus obras se pueden encontrar en museos en: Aalborg; Århus; Copenhague; Krefeld; París, Museo de Orsay y Randers.

Michael Peter Ancher

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Pintor danés, parte de una familia de pintores, esposo de Anna Kirstine Ancher. Estudió en la Academia Kongelige, Copenhague (1871-75), donde sus maestros fueron  Wilhelm Marstrand y Frederik Vermehren. Uno de sus compañeros de estudios fue Karl Madsen  quien lo invitó a viajar a Skagen, un pequeño pueblo de pescadores en el extremo norte de Jutlandia, donde confluyen el Mar Báltico y el Mar del Norte. Desde mediados de la década de 1870, él y Madsen se convirtieron en miembros clave de un grupo de artistas que se reunían allí cada verano, conocidos como los Pintores de Skagen.

Después de que Ancher visitara Skagen por primera vez en 1874, se instaló allí y se unió a la creciente sociedad de artistas. La colonia de pintores se reunía periódicamente en el Hotel Brøndums de Skagen para intercambiar ideas. En 1880, Ancher se casó con su colega pintora y nativa de Skagen, Anna Brøndum. En los primeros años de su matrimonio, la pareja tenía una casa y un estudio en la "Casa del Jardín", que ahora se encuentra en el jardín del Museo Skagens.  Después del nacimiento de su hija Helga, en 1883 la familia se trasladó a Markve en Skagen.

Michael Ancher influenciado por las reglas estrictas de la Real Academia de Bellas Artes le era dificial adaptarse a la pintura moderna escandinava, la "Escuela de Skagen" pero su matrimonio con Anna Ancher le aportó el concepto naturalista de la realidad sin adornos y colores. Mediante la combinación de la composición pictórica de su juventud con las enseñanzas del naturalismo, Michael Ancher creó lo que se llama arte figurativo moderno monumental.


 Se nota un cambio en su uso del color en las obras producidas después de una influyente visita a Viena en 1882; quedó profundamente impresionado por los viejos maestros holandeses del Kunsthistorisches Museum, especialmente los Vermeers. Su efecto en su pintura se puede ver en La niña enferma (1883), un tema que repitió tres veces (Museo Skagens, Skagen).

Logró su gran avance artístico con la pintura Vil han klare pynten; Statens Museum for Kunst, Copenhague). En él, varios pescadores se paran en la orilla, evidentemente observando la llegada de un bote. La composición, manejada con firmeza, se enfoca en el grupo de hombres (el bote mismo es invisible); cada figura es un retrato individual que captura una respuesta al momento.

Carlos Bunga

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 Carlos Bunga (Oporto, 1976) inicia su carrera vinculado a la pintura, aunque pronto expande sus intereses hacia experimentaciones con la tridimensionalidad que le permiten explorar las interrelaciones entre los cuerpos y los espacios. Buena parte de su obra impugna la concepción de la arquitectura como lenguaje del poder, cuestionando inercias arraigadas como orden, solidez o eternidad. Bunga prescinde voluntariamente de la grandilocuencia de los materiales tradicionales y apuesta, en cambio, por la precariedad de unas estructuras compuestas tan solo por planchas de cartón y cinta adhesiva.

Sus instalaciones —que con frecuencia se antojan maquetas fuera de escala— apelan a la multiplicidad de posibilidades de una arquitectura en plena potencia. Suelos, techos, paredes y pilares provisionales introducen la temporalidad en las formas constructivas, pues en el montaje de la instalación ya viene implícito su propio desmontaje. La documentación gráfica del proceso resulta la única “ruina”, el único recuerdo, de una arquitectura que alguna vez existió. Modos de hacer, y de deshacer, que subrayan tanto la mutabilidad constante del proceso artístico como el carácter performativo de su interacción social.

Como construcciones efímeras, sujetas a la circunstancialidad de tiempo y de lugar, las intervenciones de Carlos Bunga tienen, además, la capacidad de deconstruir los espacios en los que se insertan coyunturalmente para resignificarlos. Así ocurrió, por ejemplo, con los compartimentos que adosó en el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián para Manifesta 5 (2004), con la instalación en el patio central de la Pinacoteca do Estado de Sao Paulo (2012), con las naves que dispuso en La Capella del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA, 2015), o con el laberinto que articuló en el Museum of Contemporary Art Detroit (MOCAD, 2018). Edificio dentro del edificio, continente a la vez que contenido, Bunga redimensiona la experiencia de un espectador que no solo contempla la obra, sino que, al hacerlo, también se integra con ella y la transforma.

Este proyecto para el Palacio de Cristal es una continuación de dichas investigaciones previas con las que incorpora nuevas capas de lectura a una ubicación ya de por sí connotada. Los ciclos de la naturaleza que circundan el Palacio, así como el contexto en el que fue originariamente construido el edificio constituyen algunas de las claves para su nueva instalación, que engarza la dialéctica entre el adentro y el afuera de los discursos.

La obra de Carlos Bunga ha sido expuesta en museos y centros de arte internacionales tan relevantes como el Museu de Serralves en Oporto (2012), el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC-UNAM de México D.F. (2013), la Whitechapel Gallery de Londres (2020) o la Secession de Viena (2021), entre otros. Este proyecto para el Museo Reina Sofía constituye su mayor intervención en Madrid hasta la fecha.


MUSEO REINA SOFÍA


Francis Augustus Silva

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 Nueva York, 1835-1886

A pesar de que su bisabuelo, François Joseph de Lapierre, se había dedicado a la pintura, los progenitores del artista luminista norteamericano Francis Augustus Silva no quisieron que su hijo siguiese el ejemplo de su antecesor. Fue aprendiz de diferentes oficios, hasta que finalmente comenzó a trabajar como pintor de carteles publicitarios. Sin embargo, su incipiente carrera autodidacta se vio truncada en 1861 al alistarse como voluntario en el Séptimo Regimiento de Infantería. 

Tras el fin de la guerra civil, montó un estudio en Nueva York en 1867 para dedicarse por completo a la pintura y en 1868 se casó con Margaret Watts. Algo más tarde, en 1869, debutaría en la exposición anual de la National Academy of Design, y desde 1872 fue miembro de la American Water-Color Society.

Sus excursiones veraniegas a zonas cercanas a Nueva York, como el río Hudson, Nueva Jersey, Massachusetts o Rhode Island, fueron la base para sus paisajes, enmarcados dentro de la corriente luminista. Sus marinas, unas imágenes tranquilas y luminosas llenas de sutiles gradaciones de la luz y de la atmósfera, son las composiciones más valoradas de toda su producción artística.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

William Kentridge

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 Tras concluir su licenciatura en Políticas y Estudios Africanos en la Universidad de Witwatersrand de Johannesburgo, William Kentridge (Johannesburgo, 1955) se traslada durante un año a París para cursar estudios de teatro y mimo. A su regreso a Sudáfrica, en 1982, continúa su trabajo en teatro y en la industria del cine, pero son las artes plásticas las que a principios de los años noventa le otorgan un reconocimiento internacional tras su participación en la primera Bienal de Johannesburgo (1995). A partir de ese momento, el artista ha desarrollado siempre su trabajo escénico y plástico de manera paralela y simultánea: ambos lenguajes se retroalimentan, complementándose, e incluso solapándose, hasta el punto de que no se entiende el uno  sin el otro.

La exposición William Kentridge. Basta y sobra se centra en su producción escénica, que incluye teatro, ópera y performance, y se acerca también a sus proyectos plásticos desde esta perspectiva. El eje vertebral de la muestra son las obras de teatro Woyzeck on the Highveld [Woyzeck en el Alto Veld, 1992], Faustus in Africa! [¡Fausto en África!, 1995] y Ubu and the Truth Commission [Ubú y la Comisión para la Verdad, 1997], y las óperas Il ritorno d’Ulisse [El retorno de Ulises, 1998], The Nose [La nariz, 2010], Lulu [Lulú, 2015] y Wozzeck (2017). Esta selección permite un recorrido transversal que evidencia ciertas constantes de la trayectoria artística de Kentridge. Todas ellas son historias de un solo protagonista que sirven para entretejer diversas situaciones y suscitar realidades más complejas. Se trata de dramas donde, con frecuencia, lo absurdo se convierte en aliado para desnudar y desenmarañar eficazmente circunstancias y contextos concretos. Los personajes de Woyzeck, Ubú, Lulú, Ulises, Fausto, e incluso la Nariz, son víctimas o verdugos de unas estructuras encorsetadas que ponen de manifiesto, en el ámbito público y doméstico, las lacras de la tiranía, el autoritarismo, la mezquindad y la corrupción.

La importancia otorgada al proceso creativo es otro de los aspectos claves de la producción de Kentridge. Durante la concepción de las piezas mencionadas, se intercalan dibujos, grabados y películas que sirven de punto de partida, son resultado de las mismas o fueron producidas de forma simultánea y complementaria. La muestra reúne una amplia selección de materiales y medios que dan cuenta de estas sinergias entre la obra plástica y escénica del artista, así como de los distintos enfoques y formalizaciones que plantea para cada proyecto.


Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Kerry James Marshall

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 Nacido en 1955 en Birmingham, Alabama, Marshall absorbió la historia desde muy joven. La era de los derechos civiles definió su infancia; después de mudarse con su familia a Los Ángeles, fue testigo de los disturbios de Watts con solo nueve años. Marshall también supo desde el principio que quería ser artista. Leyó mucho sobre historia del arte y se educó con  los maestros europeos, como Goya e Ingres, y los gigantes estadounidenses de la abstracción de mediados de siglo. Aunque Marshall quería hacer obras al mismo nivel que estos artistas blancos, no quería adaptarse a sus formas. En cambio, fijó su mirada en hacer un trabajo que, por derecho propio, tuvieran la misma fuerza.

A partir de la década de 1980, Marshall comenzó a pintar figuras que eran, literalmente, tan negras como la noche. De sujetos apenas distinguibles por sus fondos oscuros, Marshall pasó a retratar figuras de color negro azabache dentro de espacios vibrantes, como casas, parques y salones de belleza. Superpuso cada obra con símbolos de la experiencia afroamericana cotidiana y de imágenes y eventos históricos. Recordó momentos de la historia negra, desde la colonización holandesa de Sudáfrica hasta el saludo con guantes de cuero de los atletas negros durante los Juegos Olímpicos de verano de 1968. Insertó objetos de la diáspora africana (las conchas de cauri de la moneda africana, las portadas de revistas de ébano), los roció con brillo y luego entretejió pancartas de partituras de Motown. Eliminó escenarios de pinturas canónicas: el barco de esclavos de Turner, lugares de picnic impresionistas. 

Autor de una obra figurativa de relieve, el trabajo de Kerry James Marshall versa sobre la identidad-nacional, de género y, sobre todo, racial-, y responde a una investigación con el objetivo de contextualizar la experiencia afro-americana en la situación socio-política actual. Si bien evidencia el que el artista llama "vacío en el banco de imágenes", y el cuestionamiento de los sistemas de legitimación existentes, su pintura va más allá de la denuncia. Técnicamente compleja, y arriesgada en la invención de nuevas imágenes que contribuyen a llenar ese vacío, se inspira tanto en la cultura popular-el cine y, de manera especial, el cómic-como en el arte.


 


Zdzisław Beksiński

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 Polonia, 1929–2005


Más que sueños, pesadillas es lo que representaba este fascinante artista polaco cuya vida acabó de forma trágica y probablemente tan terrorífica como una de sus obras. Fue representante de lo que se dio en llamar Realismo fantástico.

Autodidacta, Beksínski estudió arquitectura en Cracovia, pero antes del arte se dedicó a otros oficios con los que no fue del todo feliz. Empezó con la fotografía y se fue introduciendo en la pintura abstracta que poco a poco se volvió figurativa.

En los años 60 y tras una exitosa exposición, de un día para otro el artista se convirtió en la figura líder del arte contemporáneo polaco. Sus imágenes perturbadoras eran hipnóticas, terroríficas, aterradoras. Un universo de pesadilla entre lo fantástico y lo post-apocalíptico, pero con un tono real, verosímil si queremos llamarlo así.

Tocando como tema principal el de la muerte, el detallismo que ponía el autor convertían a la pintura en una especie de realismo delirante y terrorífico, con atmósferas opresivas y enfermizas, un arte no muy lejano de HR Giger. Además el significado de sus cuadros era aún más indescifrable al no ponerle nunca títulos a sus pinturas y dibujos.

Beksínski es perfecto para ilustrar cualquier portada de disco de trash metal, aunque al parecer esa no era su música preferida. Como influencia principal para su arte, el propio artista decía que tenía a la música. Al parecer, Beksínski escuchaba música clásica mientras pintaba, ya que el silencio le molestaba.

Su vida personal fue pesadillesca al final. Tras la muerte trágica de su esposa, su hijo se suicidó (el propio Beksínski descubrió el cuerpo) y al cabo de unos años fue hallado muerto en su apartamento tras ser asesinado por un vecino por no prestarle dinero.


LUIS RICARDO FALERO

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 España, 1851–1896  Luis Ricardo Falero fue un pintor romántico español. De gran talento, siguió a los clásicos, pero tamizado con las temáticas mitológicas, literarias y orientalizantes propias del romanticismo.


Nacido en Granada, en una familia muy pudiente, pudo estudiar desde los 7 años en Richmond (Gran Bretaña), París y finalmente España, donde complementó su aprendizaje artístico con el militar.
Estudió además química e ingeniería industrial, probablemente inspirado por Nicola Tesla y sus asombrosos descubrimientos, pero por lo visto sus experimentos resultaron tan peligrosos que decidió dedicarse exclusivamente al arte en Londres.
Sus temáticas más utilizadas fueron los desnudos femeninos, muy orientalizados, como marcaban los cánones del romanticismo que ya arrasaba Europa. Se interesó también por asuntos astronómicos y mágicos, mostrando las supersticiones de gran riqueza de todos los países que había visitado.

Sus últimos años de vida los pasó en Londres, donde gozó de bastante éxito.

Su obra se reparte entre museos como el Metropolitan de NYC y apenas unos pocos cuadros en su tierra natal, como los de la Casa museo Ajsaris. Por ello quizás Falero sea uno de los grandes pintores españoles menos conocidos en España.


Historia Arte (HA!)

Jozef Israëls

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Groningen, 1824-Scheveningen, 1911

Jozef Israëls nació el 27 de enero de 1824 en Groningen (Países Bajos). Se formó en la Akademie Minerva de Groningen, prosiguiendo su aprendizaje artístico en Amsterdam con J. A. Kruseman, famoso retratista, y J. Pieneman, pintor de batallas. En 1845 viajó a París, ingresando primero como aprendiz en el taller de Picot y trabajando luego bajo la dirección de Ary Scheffer, famoso artista de la corte de Luis Felipe. 

Tras regresar a Holanda, Jozef Israëls amplió su formación en la escuela de arte de Düsseldorf, donde se familiarizó con los temas de pesca a través de las obras de Rudolf Jordan. Una visita a Barbizon y el contacto con los óleos y los dibujos de Jean François Millet convencieron a Jozef Israëls para inclinarse hacia los géneros realistas, eligiendo como tema principal de sus obras la vida de los campesinos y pescadores.

En 1875 se le consideraba como uno de los principales artistas de la Escuela de La Haya. La crítica francesa alabó sus obras, de las que dijo que estaban pintadas con «sombras y sentimiento». También Vincent van Gogh admiró sus cuadros. Jozef Israëls fue un hombre de una gran cultura, muy interesado por el arte y la literatura de su época. Hizo muchos viajes e incluso escribió un libro sobre su periplo por España.

Su hijo Isaac Israëls también fue pintor por derecho propio. Jozef Israëls vivió en La Haya desde 1872 hasta su muerte, acaecida en 1911. Presidió la asociación artística de La Haya, Pulchri Studio, y fue miembro fundador de la Sociedad Holandesa de Acuarelas, en 1876.
A su muerte, en 1911, se celebró en su honor una exposición individual en la Bienal de Venecia, y se presentaron sus obras en el The Toledo Museum of Art, Ohio.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Ivan Marchuk

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DENIS SARAZHIN

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 Denis Sarazhin nació en Nikopol, Ucrania en 1982. Asistió a la Academia de Arte y Diseño de Jarkov, graduándose en 2008. Se especializó en pintura y fue alumno de Ganozkiy VL, Chaus VN y Vintayev VN. Sarazhin fue galardonado con el Premio de Diploma de 1er Grado a la Excelencia en Pintura de la Academia de Arte de Ucrania . Desde 2007 es miembro de la sección de Jarkov de la asociación de la Alianza de Artistas de Ucrania.

Félix Cuadrado Lomas

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 (ValladolidEspaña4 de diciembre de 1930-Valladolid, 17 de noviembre de 2021)

Cuadrado Lomas fue galardonado con el Premio Castilla y León de las Artes 2017, y durante su carrera destacó por su trabajo vinculado con los paisajes de la tierra. 

El pintor renunció al galardón concedido en 2017 después de que se lo otorgara por unanimidad el jurado encargado de decidir la distinción.

Por "su capacidad de unir tradición y vanguardia, por su dominio de formas y colores y por haber sabido captar de manera magistral los campos y gentes de Castilla y León con un estilo propio y una visión esencial", resumió el jurado al argumentar la concesión del premio hace cuatro años.

Referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX

Último superviviente hasta hoy del conjunto de artistas denominado Grupo de Simancas, Cuadrado Lomas, a pesar de la renuncia al galardón de 2017 mientras este premio no recuperara la dotación económica que en ese año no existía, agradeció no obstante el interés que hacia su persona mostró el jurado y las entidades que le propusieron para este reconocimiento.

Durante su carrera el artista fue un referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX. Además, destacó por su interpretación del sistema castellano basado en la severa geometría y cromatismo que reflejan sus cuadros. 

rtve.es/noticias/20211117/fallece-pintor-felix-cuadrado-lomas

Georges D'Espagnat

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 Melun, 1870-París, 1950

Georges d’Espagnat, pintor, ilustrador y escenógrafo, se trasladó a París en 1888 justo después de haber concluido sus estudios de enseñanza secundaria. Poco tiempo después, el artista se matriculó en la Académie des Beaux Arts y en la Académie Colarossi, pero su temperamento impaciente le indujo a terminar su formación de manera autónoma, aunque bajo la tutela ocasional de los pintores Gustave-Claude-Etienne Courtois y Jean-André Rixens. 

En 1891, d’Espagnat expuso por primera vez en el Salon des Refusés (Palais des Arts Décoratifs) y, a partir de 1892, sus obras figuraron con regularidad en el Salon des Indépendants. Además, en 1905 el pintor colaboró en la creación del Salon d’Automne, en el que posteriormente desempeñaría el cargo de vicepresidente (1935). 

Desde el punto de vista estilístico, d’Espagnat está profundamente en deuda con Sisley y con Renoir. La gran amistad que lo unía a este último ha quedado patente en las frecuentes visitas que d’Espagnat hizo a Renoir en la Costa Azul entre 1899 y 1904. A Georges d’Espagnat, junto con Bonnard, Vuillard, Maufra y Albert André, entre otros, se le considera hoy como uno de los exponentes del Postimpresionismo más significativos.

El artista mantuvo también una estrecha relación con varios escritores y músicos, entre los que cabe citar a Valéry, Gide y Roussel. Como ilustrador d’Espagnat llevó a cabo varios proyectos, tales como el Almanach de L’Ymagier (1897), publicación editada por el escritor francés Rémy de Gourmont, y la edición de 1930 de L’Immortel de Daudet. Entre los encargos que le hicieron para instituciones públicas, destacan la decoración del Ayuntamiento de Vincennes (1936) y el Salón Victor Hugo del Palais du Luxembourg de París (1939). Los temas que trata preferentemente d’Espagnat en sus composiciones son la naturaleza y las mujeres, representadas en ambientes líricos que ponen de manifiesto la gran sensibilidad del pintor ante la luz.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Fortunato Depero

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 Fondo, 1892-Rovereto, 1960

Relacionado con el movimiento futurista italiano, Fortunato Depero fue aprendiz de decorador durante la Esposizione Internationale de Turín en 1910 y un año más tarde decidió convertirse en pintor. Sus primeras obras se relacionaban estilísticamente con el simbolismo y trataban temas sociales. Tras publicar en 1913 Spezzature-Impressioni: Segni e ritmi, una recopilación de su prosa y poesía acompañada de ilustraciones, se trasladó a Roma donde conoció a Filippo Tommaso Marinetti, poeta ideólogo del futurismo. A través de Marinetti, Depero trató con los pintores futuristas, que le influyeron en su interés por el estudio del dinamismo y con los que expuso en la Galleria Permanente Futurista de Roma en el verano de 1914.

En 1915 firmó con Giacomo Balla el manifiesto Riconstruzione futurista dell’universo y poco después fue llamado a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Su débil salud provocó que poco tiempo después fuese licenciado del ejército y pudiese dedicarse de nuevo al arte. A partir de 1916 sus composiciones adquirieron un carácter mecánico que se reflejó también en las escenografías que realizó desde 1916, cuando Serguéi Diághilev le encargó la puesta en escena de Le Chant du rossignol de Igor Stravinsky, que finalmente no llegó a ser representada, y que continuó en 1918 con las grandes marionetas de Balli Plastici en el Teatro dei Piccoli de Roma.

En 1919 fundó la Casa d’Arte Depero y, desde entonces, él y su mujer diseñaron paneles publicitarios y diferentes utensilios para el hogar. Entre 1928 y 1930 residió en Estados Unidos, donde aumentó su dedicación al arte gráfico y la publicidad. A su regreso publicó en 1932 el Manifesto dell’arte publicitaria futurista. Paralelamente continuó cultivando su interés por la pintura y en 1929 firmó el Manifesto dell’Aeropittura con Balla, Marinetti, Benedetta Capa y otros. A partir de entonces su pintura se centró en la importancia del color, pero perdió parte de su originalidad.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Artur Bianchini

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 Artur Bianchini (18 de octubre de 1869 - 16 de febrero de 1955) fue un artista sueco que estudió en la Académie Julien de París de 1889 a 1890 y con Richard Bergh en Estocolmo en 1891 y en Tenerife en 1895. 

Fue un pintor que utilizó colores fuertes para producir paisajes muy atmosféricos. En su mayoría adquirió sus motivos del área de Estocolmo y principalmente del archipiélago. Le atraían especialmente los motivos grandiosos. 

Fue miembro de De Frie a principios del siglo XX. Artur Bianchini estuvo casado con la pintora de miniaturas Lisa Wadström (1867–1943) y fue el padre de la bibliotecaria de la ciudad Bianca Bianchini (1905–1984). Bianchini está representada en el Museo Nacional y en el Moderna Museet de Estocolmo.

Fauvismo, la borrachera de color que abrió paso a las vanguardias del XX

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                                               Henri Matisse. Woman with a Hat, 1905. San Francisco Museum of Modern Art

 1905–1908

La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe: «Donatello parmi les Fauves» (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón de Otoño de 1905.

                                      Maurice de Vlaminck, La chica de Rat Mort

Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos… Era gente inconformista, que como todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica.

                                                     André Derain, Puente sobre el Riou

El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.


historia-arte.com

Se trató de un movimiento vanguardista, que pretendió ir más allá de lo logrado por los métodos tradicionales de expresión en la pintura, por lo que a menudo echó mano a técnicas de movimientos plásticos vecinos.

                                              Raoul Dufy, Bañistas

Entre sus principales exponentes se menciona usualmente a Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, quienes lo habrían “inventado”. El movimiento desaparecería una vez que estos pintores separaran sus caminos y tendencias, pero tendría una marcada influencia en las vanguardias y en el expresionismo.



Fuente: https://www.caracteristicas.co/fauvismo/#ixzz7YSxWKggH


Pasquale Celommi

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 Pasquale Celommi nació el 6 de enero 1851 en el pequeño pueblo de Montepagano, hoy una fracción de Roseto degli Abruzzi,

en la provincia de Teramo.

Después de algún tiempo los padres se mudaron a la costa para administrar una posada y el pequeño Pasquale se puso a dibujar, con carbóncillo los costados de los barcos.

Su vocación por el dibujo fue inmediatamente valorado por el maestro Camillo Mezzoprete, pintor local y coleccionista, quien también lo ayudó económicamente en el inicio de sus estudios.

En 1873 ganó un concurso artístico y una  pension organizada por la Administración Provinciale di Teramo, título que le permitió asistir a la “Escuela libre de desnudo "en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Aquí, junto con otros jóvenes talentos, fue alumno del maestro tesino Antonio Ciseri, que ya había sido Maestro de Silvestro Lega.

Durante su estancia en la Toscana conoció y se casó con la sobrina del poeta Giuseppe Giusti, Giuseppina, con quien tuvo, en 1881, el primogénito Raphael.

Las obras de gusto académico-clasicista y de inspiración exótica y morelliana como Odalisca al Bagno, las presentó en la Exposición Nacional del 78 junto a Tarantella e Il Vecchio Abruzos.

También podemos suponer que en el mismo período Pasquale Celommi tenía también  contactos con los Macchiaioli, aunque no hay pruebas pero la maduración artística, sin embargo, coincidió con el regreso a Roseto, donde se trasladó definitivamente en 1881 y donde descubrió los temas que inspirarían su pintura, los temas que le congenian con  sus medios de expresión:  sus gentes, escenas relacionadas con la vida marinera, marinas con ambientes suaves sumergidos en la transparencia de una luz dorada... Pero también fue el intérprete del trabajo y el cansancio de pescadores, agricultores y trabajadores.

Murió el 9 de agosto de 1928, a raíz de las complicaciones de una nefritis


John George Brown

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John George Brown nació en Durham, Inglaterra, el 11 de noviembre de 1831. Sus padres le enseñaron la carrera de vidriero a la edad de catorce años en un intento de disuadirlo de dedicarse a la pintura.  Estudió por las noches en la Escuela de Diseño en Newcastle-on-Tyne mientras trabajaba como cortador de vidrio allí entre 1849 y 1852 y por las noches en la Academia Trustees en Edimburgo mientras trabajaba en Holyrood Glass Works entre 1852 y 1853.  Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1853, estudió con Thomas Seir Cummings en la Academia Nacional de Diseño, donde fue elegido Académico Nacional.en 1861. Brown fue vicepresidente de la Academia de 1899 a 1904. 

Alrededor de 1855, trabajó para el propietario de Brooklyn Glass Company como soplador de vidrio y luego se casó con la hija de su empleador. Su suegro fomentó sus habilidades artísticas, apoyándolo económicamente, permitiendo que Brown se dedicara a pintar a tiempo completo.  Estableció un estudio en 1860 y, en 1866, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Water-Color Society, de la que fue presidente de 1887 a 1904. Brown se hizo famoso por sus representaciones idealizadas de pilluelos callejeros en New York ( limpiabotas , músicos callejeros, vendedores de ramilletes, vendedores de periódicos , etc.). 

Su Passing Show (París, Salón, 1877) y Street Boys at Play (Exposición de París, 1900) son buenos ejemplos de su talento popular. El arte de Brown se caracteriza mejor como pinturas de género británico adaptadas a temas estadounidenses. Esencialmente literarias, las pinturas de Brown están ejecutadas con detalles precisos, pero de color pobre y más populares entre el público en general que entre los conocedores. Sus pinturas fueron bastante populares entre los coleccionistas adinerados. Muchas de las pinturas de Brown se reprodujeron como litografías y se distribuyeron ampliamente con tés empaquetados. También pintó algunos paisajes, solo por placer.

Murió en su casa en la ciudad de Nueva York el 8 de febrero de 1913. 

Anthony Thieme

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Rotterdam, 1888-Greenwich, 1954.  Nacido en Róterdam el 20 de febrero de 1888, Thieme estudió en la Academia de Bellas Artes de Róterdam durante dos años y luego, brevemente, en la Real Academia de La Haya. Viajó mucho por Europa y con frecuencia encontró trabajo como escenógrafo.

Viajó a los Estados Unidos a la edad de 22 años. Rápidamente encontró trabajo como escenógrafo en el Century Theatre de Nueva York, diseñando decorados para la bailarina rusa Anna Pavlova. Cuando finalizó el encargo, viajó a Sudamérica, principalmente a Brasil y Argentina. El trabajo escénico nuevamente le proporcionó su sustento. Un regreso a Europa siguió con más trabajo en Inglaterra, Francia e Italia.

Al regresar a los Estados Unidos con un contrato para trabajar en el escenario adicional,  se encontró en Boston. Dejó de trabajar en los escenarios en 1928 y desde entonces se ganó la vida con las ventas de sus pinturas y grabados. Se casó con Lillian Beckett en 1929 y se mudó a Rockport, MA.  Expuso su obra con frecuencia en las Grand Central Art Galleries de Nueva York.

Continuó viajando mucho; México, Guatemala, Florida y Francia fueron los principales destinos, siempre pintando al aire libre.


Se suicidó el 6 de diciembre de 1954 en Greenwich, CT. Las circunstancias de su muerte no se entienden completamente. Ha habido historias de depresión profunda o enfermedad grave, pero no ha surgido ninguna razón definitiva para su suicidio.

Anthony Thieme fue miembro de pleno derecho de la Sociedad Estadounidense de Acuarela, Art Alliance of America, Salmagundi Club, Boston Art Club, North Shore Art Association, Rockport Art Association, New York Water Color Club, Art Alliance of Philadelphia y National Arts Club. .



JUAN LUIS, EL PINTOR.

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Juan Luis López García, pintor gallego conocido como “Juan Luis”, nació en Santiago de Compostela el 21 de junio de 1894 y falleció en Santiago de Compostela el 24 de enero de 1984.

Comenzó su actividad pictórica en el taller de su padre. Se formó en las aulas de Mariano Tito Vázquez y en la Escuela de Artes y Oficios. Con una bolsa de estudios del ayuntamiento de Santiago de Compostela viajó a Madrid y allí conoció, por mediación de Asorey, a artistas de la época como Manuel Bujados o Julio Romero de Torres.

A su regreso ya contaba con cierto prestigio. Participa en la Exposición Regional de A Coruña en  1917, y consigue grandes alabanzas  de los críticos de la época. Se le encarga la restauración del retableo de la iglesia de Arcos de Furcos en Cuntis y allí conoció a Xosefa Carballo, con la que se casó en  1918 y tuvo un hijo, Francisco Luis. Participó en varias edicciones de la Exposición Nacional de Bellas Artes que se celebraba en Madrid.

En1928 viaja a París, con una beca,  y alló conoce a Carlos Maside, que lo introduce en las tertulias artísticas de los cafés de Montmartre y Montparnasse,  y en 1930 se desplaza de nuevo, con una beca de la Diputación de A Coruña, para visitar museos y galerías de Italia, Suiza y Francia. Despues de la guerra civil ingresa como catedrático en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona.

Su  pintura es basicamente costumbrista, especialmente campesina. Habría que  incluirlo  en la misma generación de Castelao, Xesús Corredoira o en la de sus grandes amigos Felipe  Bello Piñeiro y Francisco Asorey





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