Kuniyoshi nació en 1889 en Okayama , Japón. Emigró a los Estados Unidos en 1906, originalmente tenía la intención de estudiar inglés y regresar a Japón para trabajar como traductor. Pasó algún tiempo en Seattle, antes de matricularse en la  ESCUELA DE ARTE Y DISEÑO DE Los Angeles

Pasó tres años en Los Ángeles, descubriendo su amor por las artes. Luego se mudó a la ciudad de Nueva York para seguir una carrera artística. Kuniyoshi estudió brevemente en la Academia Nacional y en la Escuela Independiente de la ciudad de Nueva York, y luego estudió con Kenneth Hayes Miller en la Art Students League de Nueva York.. 

Aunque se lo veía como un inmigrante, Kuniyoshi era muy patriota pero nunca recibió la ciudadanía estadounidense

En 1935, Kuniyoshi recibió la Beca Guggenheim . También fue miembro honorario del Instituto Nacional de Artes y Letras y primer presidente de la Artists Equity Association.

En 1952, Kuniyoshi también expuso en la Bienal de Venecia. 

A principios de la década de 1950 enfermó de cáncer. ^] Murió el 14 de mayo de 1953. 

 Lucien Coutaud nació el 13 de diciembre de 1904 en Meynes en el Gard y asistió a la Escuela de Bellas Artes de Nîmes desde los 16 años. Luego tuvo la revelación de la pintura moderna al interesarse por las obras de Cézanne, van Gogh, Matisse y Dufy. Llegado a París a los 20 años, asistió a los talleres de Montparnasse. En este momento, descubrió a los primitivos del Louvre, Chirico, Marx Ernst y Klee, que lo conmovieron más que Braque y Picasso. Los años 1926-1928 fechan los decorados y vestuario de Los pájaros de Aristófanes, que fueron encargados por Charles Dullin.

Franco Gentilini (1909-1981)

(1808 Paris, Francia - 1885 Paris, Francia) Pintor francés. Realizó retratos y frescos de tema religioso para varias iglesias parisinas. El pintor Eugène Emmanuel Amaury Pineu Duval, que eligió presentarse bajo el nombre de Amaury-Duval a partir de 1833, se destaca entre los más famosos alumnos y más próximos seguidores de Ingres. 

No obstante, su actividad no se reduce en captar los rasgos de sus más ilustres contemporáneos, y conocemos, de su mano, varias composiciones destinadas a capillas o a iglesias. Tal era probablemente el destino de El saludo angélico, también llamado La Anunciación, uno de los escasos grandes cuadros religiosos de caballete del artista, encargado por el Estado en 1856 y entregado en 1861. Preocupado por asociar el color conforme a la línea preconizada por Ingres, Amaury-Duval realiza una pintura de delicado cromatismo. 

La composición simple, estructurada por las columnas de una pérgola en el fondo, seduce de inmediato los cronistas que vieron combinarse la influencia de Rafael junto con los pintores alemanes contemporáneos, conocidos bajo el nombre de Nazarenos. 

Sensible a la simplificación monumental de las figuras y a la voluntaria actualización del decorado, el conservador del Museo del Luxemburgo se hace atribuir El Saludo angélico en cuanto fue entregado, con el fin de que su autor fuese dignamente representado en el seno de las colecciones nacionales.

Pruna Ocerans, Pere. Barcelona, 1904 –1977. Pintor.

Pere Pruna Ocerans nació en Barcelona. Muy pronto sus padres se percataron del talento a la pintura de Pere. Con sólo trece años participó en una exposición en las Galerías Areñas de Barcelona, muestra presentada por Jaume Brossa y Joseph Maria Junoy. Su aprendizaje como pintor fue lento, pero marcado por su decisión de convertirse en un reconocido artista. En sus inicios, trabajó en el taller de joyería de Manuel Valentí, y acudía a las clases que impartía el pintor Francesc Labarta en la Escuela Municipal de Arte. A la vez, era habitual encontrarlo en talleres de artistas reconocidos, como Ricard Canals y Sebastià Junyer

En esta primera etapa parisina, su obra refleja la gran influencia que Picasso ejercía en Pruna, tanto en el estilo de sus cuadros como en la temática de los mismos. De este momento, sobresalen cuadros como Composición con figuras (1921), Mujer con mantilla (1924) o El Arlequín (1926).

Fue entonces cuando recibió el encargo del bailarín ruso Serge de Diaghilev para que diseñara el decorado y el vestuario de sus espectáculos, al igual que años antes habían hecho Picasso y Sert. Entre las escenografías firmadas por Pruna se encuentra Les matelots, La Pastoral, Pucinella, Maximiliano o Danseur. Esta colaboración teatral, que continuó hasta 1940, hizo que su obra tuviera mayor repercusión, y se convirtió en un artista muy apreciado por coleccionistas de Inglaterra, Italia y Estados Unidos.

A finales de la década de 1920, Pruna necesitaba cambiar de orientación. A partir de 1930, la obra de Pruna se fue labrando un sólido prestigio entre la burguesía catalana. Frecuentó cada vez más Barcelona y expuso con regularidad en galerías de la ciudad. El estallido de la Guerra Civil le sorprendió en Barcelona, donde estaba con su familia. En 1937, decidió volver a España, y se unió a las fuerzas franquistas. Cuando terminó la guerra, alternó las estancias en Sitges con las que hacía en Montserrat, núcleos que estuvieron totalmente vinculados a su personalidad artística y que le llevaron a reafirmar su magisterio.

Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, Pruna intentó volver a París, ciudad que entonces le recibió con mucha frialdad, especialmente por parte de sus compañeros, quienes, como Picasso, eran artistas a favor de la República y se habían sentido traicionados por Pruna, que se alineó con el bando franquista.

Rafael Estrany y Ros ( Mataró , Barcelona , 14 de octubre de 1884 - Barcelona , 17 de enero de 1958 ) De fuerte personalidad, por su carácter inquieto y vital. Fue un artista polifacético con una obra muy vasta de variadas técnicas, integrada por aguafuertes , oleos, acuarelas , y dibujos .

Los primeros estudios artísticos de Estrany fueron en la escuela de Artes y Oficios de Mataró con Josep Vinardell , los continuó en la Academia Baixas de Barcelona , donde conoce a Torres García y a Ismael Smith ; los continúa en la Academia Julien de París y Bélgica donde conoce a James Ensor de quien recibe provechosas enseñanzas.

Rafael Estrany, en su actividad artística, presentó más de 60 exposiciones individuales, participó en colectivas nacionales e internacionales en México , Panamá ,, (Salon d'Automne) , Roma e itinerantes en museos de Estados Unidos , Roma , Berlín , Viena , Londres , Venecia , Madrid .

Galardonado en numerosas exposiciones nacionales de Madrid y Cataluña , en la Real Academia de San Jordi de Cataluña , Agrupación de Acuarela. listas de Catalunya e internacionales de México y Panamá . En 1915 obtiene una beca de la Dirección General de Bellas Artes del Estado.

En su actividad docente procuró orientar al alumno según la tendencia y personalidad del propio alumno.

Durante la Guerra Civil realizó, junto con Francesc Bas y Félix Clariana, una ingente tarea de salvamento del patrimonio artístico, con un total de más de 11 mil objetos en Mataró y en 14 poblaciones del Maresme . 

Concretamente en Llavaneres en febrero de 1937 , tras una discusión con el Comité revolucionario, salvaron 14 pinturas de un retablo de la Iglesia del Ayuntamiento, un cuadro de Lluís Masriera titulado `` Regina Pacis''. En diciembre de 1937, del Ayuntamiento salva una cruz gótica de plata y diversos objetos religiosos de orfebrería. De Can Catà, diversos objetos.

Fue director de la Escuela Municipal de Artes y oficios y presidió diversas entidades mataronenses, como la Sociedad Artístico y Literaria , Asociación de la Música , Orfeón Mataroní , realizando una importante labor como agente cultural.

Víctima de un accidente de tráfico, atropellado por una moto ante la estación de Francia (Barcelona), murió en Barcelona en 1958 .

Su extensa trayectoria artística se inició en 1925 al ingresar a la Academia de San Alejandro en La Habana. En 1932 viajó a Europa donde continuó sus estudios de Artes Gráficas en la Escuela San Fernando, en Madrid. El estallido de la guerra civil lo obligó a salir de España y continuar sus estudios en México, atraído por el arte muralista que allí se estaba desarrollando.

Vivió en Francia, Estados Unidos y Cuba, lugares en los que conoció el éxito y la consagración artística como pintor al óleo, muralista, dibujante, grabador y también académico de importantes instituciones. Sin embargo, este período de su vida estuvo fuertemente marcado por los diferentes conflictos bélicos de los que fue testigo en Europa y Latinoamérica.

En 1948 viajó por primera vez a Chile invitado a exponer en la Sala del Pacífico, su relación con nuestro país se inició por su antigua amistad con el poeta Pablo Neruda y su matrimonio con la pintora chilena María Luisa Bermúdez.

En 1956 recibió una invitación de la Universidad de Chile para ofrecer el curso "Evolución del Arte Actual". Finalmente, se radicó en Chile en 1958. En 1964 se casó con la pintora Ida González. Desde ese periodo destacó como artista, profesor y personaje público nacional.

Entre las diversas actividades docentes realizadas en Chile, fundó la Escuela de Arte de la Universidad Católica en 1959, junto a Nemesio Antúnez y otros artistas y arquitectos. Ejerció como profesor de los Talleres de Pintura hasta el año 1969, fecha en que fue nombrado Subdirector de dicha Escuela.

En 1982, convertido en uno de los pintores más representativos de Chile y ampliamente reconocido en los circuitos de arte extranjeros, Mario Carreño fue galardonado con el Premio Nacional de Arte.

El 2013 se creó la Fundación Mario Carreño, liderada por sus hijas Mariana y Andrea Carreño, fue presentada durante el Homenaje a 100 años de su Natalicio, que se realizó en el Museo Nacional de Bellas Artes. La Fundación busca organizar, conservar y preservar sus archivos para finalmente difundir la obra del artista.

MNBA

Emil Carlsen nació en Copenhague el 19 de octubre de 1853. Estudió arquitectura en la Real Academia Danesa entre 1868 y 1872. Emigró a América en 1872, se instaló en Chicago y encontró trabajo como asistente de un arquitecto local. Durante un tiempo también trabajó para un compañero danés, el pintor Lauritis Bernhard Holst (1848-1934). 

Cuando Holst regresó a Dinamarca en 1874, entregó su estudio a Carlsen, quien en ese momento había decidido convertirse en pintor a tiempo completo. Por recomendación del escultor de Chicago Leonard Wells Volk (1828-1895), Carlsen fue nombrado primer instructor en la recién formada escuela del Art Institute.

En 1875 Carlsen regresó brevemente a Dinamarca y luego se fue a París, donde permaneció durante seis meses. Mientras estuvo allí, estudió cuidadosamente las obras del pintor del siglo XVIII Jean Siméon Chardin (1699-1779). 

Al regresar a Nueva York en 1875, el artista montó su propio estudio, pero tuvo que complementar sus ingresos  trabajando como grabador y diseñador. En 1879 las dificultades económicas le obligaron a realizar una subasta de treinta de sus obras, pero la recaudación ni siquiera cubrió los gastos de venta.

 Estamos en la frontera entre Marche y Romagna, en la provincia de Pesaro y Urbino, vemos una colina a lo lejos. Está dominado por una fortaleza medieval, rodeada por una doble muralla y por un pequeño y majestuoso pueblo medieval. Estamos en Gradara.

Este espléndido pueblo toma su nombre de “Grata Aura” (aire agradecido), ya que es testimonio de siglos de historia; fundada en la antigüedad, su aura mágica continúa flotando en los miembros del visitante moderno, que se siente invadido constantemente por la atmósfera sugerente.

El legendario castillo destaca contra el cielo azul, los claros frescos, el horizonte marino y el verde paisaje que lo rodea. Fue uno de los principales teatros de los enfrentamientos entre las milicias del Papado y las familias de las Marcas y Romaña. Recientemente ha sido restaurado y es propiedad del Estado italiano, uno de los monumentos más visitados de la región, lugar de eventos musicales, museísticos y artísticos. Albergó a las grandes familias de la Edad Media y del Renacimiento: los Sforza, los Borgia, los Della Rovere y, por supuesto, los Malatesta.

La bella Francesca era hija de Guido Minore, señor de Ravenna y Cervia, quien decidió, en 1275, darle la mano de la niña a Giovanni Malatesta, conocido como Giangiotto, porque era feo, jorobado, cojo, ciego y viejo.

                                     Eugène Deully

Para evitar la posible negativa de la joven, enviaron a Paolo il Bello, hermano del prometido a Rávena, para que la casara artificialmente, en nombre y por cuenta del novio, haciéndole creer que él era el propio novio. Francesca, al notar apenas la mañana siguiente a la noche de bodas del engaño al que había sido sometida, tuvo que resignarse al matrimonio concertado, con el que tuvo una hija, Concordia. El guapo Paolo, que tenía posesiones cerca del pueblo y lamentaba a menudo el fraude al que se había prestado, iba a menudo a visitar a su triste cuñada.

Sucedió un día que los dos, leyendo el Galeotto, un libro sobre el amor de Lancelot y Ginebra, intercambiaron un "casto beso" (así nos cuenta la propia Francesca en el quinto canto del Infierno de la Divina Comedia de Alighieri).

Francesca, al ver a su esposo decidido a asestar un golpe fatal a su amante, atrapado en la trampa secreta a través de la cual él intentaba escapar, arrojó sus miembros para proteger su amado corazón. Así murieron, atravesados ​​por la misma hoja.

La artista tuvo que defender su obra contra Ingres, que sólo creía que la mujer podía pintar flores, y su marido, el pintor Félix Bracquemond, que la oprimió hasta hacerla abandonar el arte en 1890

Sin embargo, Marie pronto vio que el maestro trataba de forma diferente a hombres y mujeres y que su apoyo no era más que condescendencia y divertimento. No sólo eso, sino que existía un resentimiento a su figura. Aún así, todavía la ayuda, pero como si la menosprecie al mismo tiempo. Al final la recomienda al Louvre para que copie sus obras maestras, como si ella, una mujer joven, no pudiese servir para otra cosa. 

Ingres e tonces tiene 76 años  y un corte severo en su juicio. No es amigo demedias tintas y sus opiniones sobre arte son rígidas. Bracquemond no encontrará salvo un muro infranqueable donde debatir sus propias ideas. Aún así, aprenderá mucho gracias al genuino genio del francés. La pintora querrá tanto su aprobación que le molestará más si cabe su prejuiciada opinión sobre sus capacidades. Otra vez, Ingres puede admirar el talento que puede contener, pero cuando Marie busca su propio espacio, cuando le demuestra que una mujer puede pintar lo mismo que un hombre, Ingres se aparta y desprecia sus ideas como si fueran simple frivolidad femenina. “Mi trabajo es la pintura, no dibujar y colorear unas flores, sino expresar los sentimientos que e arte me provoca”, dirá Bracquemond.

La vida es a veces irónica. Marie abandonará las clases de Ingres y se centrará en su trabajo de copiadora en el Louvre, mientras realiza sus primeras obras propias atraída por los nuevos tiempos del impresionismo. Allí conocerá a otro pintor y grabador, Félix Bracquemond, que la apoyará en un principio a no mirar atrás y centrarse en su arte. Se casarán en 1869 como pareja moderna de artistas, donde cada uno sirve de inspiración y apoyo al otro. Incluso pintan muchas veces juntos en su estudio. Sin embargo, cuando ella decide que el estudio la constriñe, que necesita la luz y el color vibrante del exterior para pintar como sus amigos impresionistas, él empezará a cuestionar todas las decisiones personales y artísticas de Marie.

La pintora busca liberar su pincel y dejar que su capacidad académica, perfeccionista y nítida aprendida con Ingres se abra y consigue vibraciones como la luz y el color como sus admirados Degas, Gaugin y Monet. Gauguin, buen amigo de su marido, vivirá una temporada con ellos, y será testigo de la disputa entre los dos. Lo que era una diferencia estilística se convertirá en un drama familiar. De nuevo, Marie Bacquerant verá cómo su talento pasará de amante y aplaudido a odiado y reprobado. “Era un terrible maestro, tiránico y sin argumentos, incapaz de escuchar a nadie. Su carácter acabó por afectar de forma desproporcionada en Marie. Cada vez que ella intentaba calmarle, él le contestaba: tu ternura me crucifica”, explica Gustave Geffroy, un crítico de arte amigo de la pareja. le sirva para liberar su pincel.

En 1890 Marie ya no pinta. Se rinde. Él ha ganado. Lleva demasiado años luchando con un desprecio soterrado que deriva estúpidamente de su condición de mujer y está harta de luchar. “A pesar de su talento, a pesar de sus deseos, a pesar de su entusiasmo, llegó el día en que, con un oscuro sentimiento de pérdida, tuvo que confesar que la habían derrotado”, escribirá su hijo Pierre.

Su nombre se oscurece. Nadie la recuerda. Y su marido parece cerrar la puerta de casa y confinarla dentro sólo para él. “Ninguno de sus sueños y esperanzas se realizaron nunca. A partir de ese día siempre había una decepción y un ahogo en su mirada, pues se sentía víctima de una injusticia. Y no, su desesperación no le trajo nada”, recordó su hijo. Marie muere en 1916, así que pasa sus últimos 26 años sin coger un pincel. A veces piensa en huir, en pintar ni que sea a escondidas, incluso realiza pequeñas obras privadas, pero su decisión es firme y obstinada, como si no pintar no fuese sólo un castigo para ella, sino para todo el mundo.

En 1919 París acoge una gran retrospectiva de su obra compuesta por 90 obras, la mayoría, estudios preparatorios, acuarelas o grabados. Hay una sensación de pérdida en la exposición. La nombrarán con Berthe Morisot y Mary Casset como las tres grandes pintoras del impresionismo, pero reducirán a Marie a la anécdota, a la historia triste, y los grandes museos arrinconarán sus obras. Solo ahora, cuando el relato de la historia del arte se reescribe lejos de leyendas patriarcales, su nombre vuelve a brillar. Es triste, pero su obra hoy nos sorprende como si todavía fuese esa niña de dieciséis años.

Lisboa , 1899 – Lisboa , 1983 Pintora e ilustradora portuguesa, su vida y obra están asociadas a la de su marido, José de Almada Negreiros. Pasa su juventud en Minho, un contexto que la inspira a los temas y artes populares que cultivará en su obra.

Se fue a París en 1924, tras finalizar sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa, donde fue alumna de Columbano Bordalo Pinheiro.En la capital francesa expone en el Salon d’Automne, siendo recibida con éxito. Entre 1928 y 1929 trabajó en el estudio de una modista, realizando bocetos de moda. Esta experiencia continuará en Portugal, donde realizará diseños de moda para varias revistas. En 1930 participó en el primer Salón de Artistas Independientes. Integrada en el ambiente artístico portugués, se convirtió en una de las primeras mujeres en asistir a los encuentros cafeteros de A Brasileira do Chiado.

A los 35 se casó con Almada Negreiros. En 1939 expuso sus obras individualmente y al año siguiente participó en la Exposición Universal de Portugal. Recibió el premio Amadeo de Souza-Cardoso en 1944 y, en 1953, formó parte de la delegación portuguesa en la Bienal de São Paulo. Pintora muy activa, presentó retrospectivas de su obra en 1953, 1962, 1975 y 1980. Su obra se distingue por la atención prestada a las costumbres populares, fiestas y tradiciones portuguesas, en composiciones de tonos alegres y dulces, marcados por la alianza. entre un componente erudito de su formación como pintora y un claro gusto por el lenguaje ingenuo inspirado en el arte popular.

Rafael Botí Gaitán (Córdoba, 8 de agosto de 1900 - Madrid, 4 de enero de 1995) fue un músico y pintor español.

Desde 1909 hasta 1916 estudia dibujo con Julio Romero de Torres e Historia del Arte en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Estudia música en el Conservatorio de Córdoba.

A los 17 años se traslada a Madrid ingresando en el conservatorio madrileño para seguir sus estudios musicales. En 1919 ingresó, mediante oposición, en la Orquesta Filarmónica de Madrid como profesor de viola, y en 1930 de la Orquesta Nacional de España. En 1929 y 1931 viajó a París para ampliar estudios de pintura, pensionado por la Diputación de Córdoba. En 1931 fundó, junto a otros artistas, la «Agrupación Gremial de Artistas Plásticos» lanzando un manifiesto vanguardista (29 de abril de 1931) dirigido a la renovación de la vida artística española. La Guerra Civil interrumpió la obra de Rafael Botí, el cual dejó de pintar hasta 1947.

En 1979 el Ayuntamiento de Córdoba le nombró Hijo Predilecto de la Ciudad y le concedió la Medalla de Oro de Córdoba, y la Real Academia de Córdoba le nombro académico correspondiente. En 1980 el Ministerio de Cultura le concedió la Medalla de Plata al Mérito en las Bellas Artes.

Tras su muerte, en 1998, la Diputación de Córdoba constituyó la Fundación Provincial Artes Plásticas Rafael Botí.

Poseen obras suyas los Museos de Bellas Artes de Córdoba, Sevilla y Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Real Academia de Córdoba, la Alcaldía y la Diputación de Córdoba, y el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid.

(Información obtenida de Wikipedia)

El hombre que no puede visualizar un caballo al galope sobre un tomate es un idiota.

 

Breton

Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». Nace así el surrealismo que según su líder «se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida».

En principio, esta vanguardia, aún viva hoy en día, quería incorporar los conceptos psicoanalíticos de Sigmund Freud a la mentalidad Dadá.

De Freud interesaba sobre todo su investigación sobre el importante papel del subconsciente en el comportamiento humano, y por tanto en su faceta creativa.

Por ello los surrealistas empezaron a dejar al subconsciente trabajar, ya fuera mediante escritura o pintura automática, por plasmar sueños, por regresar a la infancia… en definitiva por ser libre y espontáneo.

Acceder al subconsciente significaba mostrar pensamientos y deseos indecorosos, plasmar imágenes chocantes para exponer la depravación del ser humano, disfrazado de civilizado por la sociedad burguesa.

El surrealismo en el arte

En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine…).

Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un «estilo surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas generales dos formas de arte surrealista:

• Una automática, espontánea y fluída, con universos figurativos propios.
• Una naturalista, que muestra con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente.

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo es surrealista o no.

Con el movimiento ya establecido en los años 30, y con los más extraordinarios artistas apoyándolo, Breton se convirtió en una especie de papa. Tan celoso era de la pureza de su teoría que realizaría purgas a todo aquel que cuestionara sus postulados.

Serían expulsados del movimiento figuras tan brillantes como Dalí o Artaud.

historia del arte.com/movimientos/surrealismo

Manuel Rendón Seminario nació en Paris en 1894. De padres ecuatorianos se mudó a Ecuador por primera vez a la edad de veinticuatro años. En 1917 estudió en la Academie de la Grande Chaumière en Paris. Rendón es considerado uno de los artistas que transportó el Movimiento Constructivista a Ecuador y a Latinamérica. 

Exhibió frecuentemente en los salones parisinos incluyendo Automne, Nationale, des Tuilleries y en L’effort Moderne con Leger. Rendón vivía y viajaba entre Paris y Ecuador. Sus obras fueron incluidas en la exposición de la UNESCO en 1946 y han sido exhibidas en São Paulo, Quito, Caracas, Washington D.C. y Madrid. 

Algunas obras de Rendón son conocidas por su calidez y tonos sepia, mientras que sus obras abstractas reflejan los luminosos efectos que dan los vitrales. Sus obras son modernas y abstractas. Rendón influenció a varias generaciones de artistas en Latinamérica y en Europa. Murió en Portugal en 1982.

Nació en Piedras Blancas Asturias en 1973, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Obtuvo becas del Ministerio de Cultura, en París, y del Parlamento Europeo en Austria; cursó la beca Erasmus en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Álava se dio a conocer a través de la Muestra de Artes Plásticas de Asturias. En 2008 obtuvo el premio de Pintura de la Junta General del Principado de Asturias, también fue premiada en el Certamen Nacional de pintura de Luarca. Su carrera profesional comienza con una exposición de 1994, desde esa primera muestra ha intervenido en más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas en distintas capitales de Europa.

 http://www.chechualava.com/

"Escuela de París", nombre inventado por el crítico de arte André Warnod para designar este grupo juntando artistas esencialmente extranjeros, atraidos por la intensa actividad intelectual y artistica en el París de esta época.

Aunque la concurrencia de artistas Judíos en París y las influencias extranjeras que comenzaron a trabajar en París en 1925, al principio, causaron un profundo resentimiento y actitudes nacionalistas en defensa de los artistas nacidos en Francia como André Derain o André Dunoyer de Segonzac, considerados como mantenedores de la pureza y continuidad de la tradición francesa, despues de la Segunda Guerra Mundial estas actitudes fueron consideradas antisemitas y el término ESCUELA DE PARIS, incluía artistas extranjeros y franceses que trabajaban en París

Este grupo de artistas trabajaron en París en el período de entreguerras, vinculados a diversos estilos artísticos como el posimpresionismo, expresionismo y el surrealismo. Artistas que dieron origen a diversos movimientos de vanguardia como el fauvismo y el cubismo.

La contribución de los Nabis a las artes decorativas, aunque esencial, aún es poco conocida. La cuestión de lo decorativo como principio fundamental de la unidad de la creación se impuso en el momento de la formación del grupo a finales de la década de 1880 entre estos artistas que querían borrar la frontera entre las bellas artes y las artes aplicadas.

 El arte decorativo de los Nabis no responde a ninguna doctrina estética preexistente, sino que expresa la fantasía imaginativa de los artistas y la audacia de su investigación formal. Esta experiencia artística total se basa en la liberación de las técnicas y la influencia de Japón. Fascinados por los grabados japoneses descubiertos durante una exposición en la Escuela de Bellas Artes de París en 1890, los Nabis se inspiran en estas imágenes planas para interpretar la realidad. Al proscribir la imitación ilusionista y afirmar la bidimensionalidad natural del soporte, desarrollan un arte ornamental con formas simplificadas, líneas flexibles y motivos sin patrón que saturan el espacio. Sus composiciones se caracterizan por el uso de colores brillantes, líneas onduladas, una perspectiva sin profundidad, y formas subrayadas por un borde, para diferenciarlas aún más del fondo. Los Nabis recibieron varios encargos para decorados privados o para la galería de Art Nouveau

Nacido en Les Useres (Castellón), el 13 de junio de 1922. La familia se trasladó a Castellón.

Creó el Complejo Turístico Cultural Torreón Bernad, en Benicásim. En 1971 creó el Certamen de Pintura Nocturna, que tuvo su continuidad durante varios años. Y también lo que vino en llamarse Gran Fiesta de los Pinceles, certamen de pintura.