FRANK JOSEPH MALINA

May 1, 2014, 12:19 pm

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Artista estadounidense- Brenham 1912-1981. Especialista en aeronautica y en ingeniería de aviación, realizó  algunas obras basadas en los efectos estéticos del movimiento

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Otto Piene

May 1, 2014, 12:57 pm

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Pintor, escultor y artista cinético alemán- Leasphe, 1928. Estudió en la Academia de Munich y en la universidad de Colonia. En 1959comenzó a estudiar técnicas de iluminación y produjo su prime ballet de luz. En 1960 creó sus primeras "pinturas de humo" y montó su ballet mecánico.

Domenico Gnoli

May 2, 2014, 12:15 pm

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VIDEO: Rediscovered Surrealist Domenico Gnoli's Widow Tells the Stories Behind His Paintings

 Pincha aqui para ver el vídeo
 http://bcove.me/glrn0dhh

 "Nací sabiendo ya que sería ser pintor. Mi padre me presentó la pintura como la única cosa aceptable”.
 (Roma, 1933-Nueva York, 1970)
 Este artista, ahora redescubierto, pintó con una delicadeza renacentista, ajeno a las modas conceptuales de su tiempo o al arte povera de sus compañeros de generación.  Muerto prematuramente, a los 36 años, de un cáncer fulminante.

 Su padre era historiador del arte y la madre ceramista. Gnoli vivió una existencia itinerante, viajando de Roma a París, a Londres, Nueva York. Trabajó como escenógrafo e ilustrador. Finalmente se estableció en la isla de Mallorca, donde se casó con la pintora Yannick Vu.  Su obra comenzaba a llegar al gran público, con una exposición en Nueva York, en 1969, falleció al año siguiente

Raúl Anguiano

May 4, 2014, 2:43 pm

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Méjico 1915-2006

Nació en Guadalajara, Jalisco, el 26 de febrero de 1915. 

A la edad de 12 años, asistió a la Escuela Libre de pintura de Guadalajara bajo la tutela de Ixca Farías. De 1928 a 1933, estudió con el pintor  José Vizcarra, y organizó el grupo "Jóvenes Pintores de Jalisco" con otros artistas. Durante este período, Anguiano trabajó con diferentes tipos de modelos:  obreros, empleados y unos pocos intelectuales como Pita Amor.

 

En 1934 se trasladó a Ciudad de México. Comenzó a enseñar en las escuelas de primaria  como  profesor de dibujo y pintura.Se convirtió en  miembro del movimiento del renacimiento artístico mexicano que se inició en la década de 1920 por la Escuela Mexicana de Arte. 

 

Recibió el encargo de pintar su primer mural, Educación Socialista, un fresco de 70 metros ubicado en la Escuela A. Carrillo en la Ciudad de México. Otras obras siguieron, incluyendo rituales mayas (óleos sobre lienzo y madera), para la Sala Maya del Museo Nacional de Antropología, y la Trilogía de la Nacionalidad (acrílico sobre lienzo y madera), por la Oficina del Fiscal General de la Nación.

 

En 1936 cambió  a su época surrealista, que duró casi una década.  

En 1937 se unió al grupo de Escritores y Artistas Revolucionarios.Con Alfredo Zalce y Pablo O'Higgins, también fue miembro fundador del Taller de Gráfica Popular

 

Raúl Anguiano pertenece a la llamada "tercera generación" de pintores post-revolucionarios, junto con Juan O'Gorman, Jorge González Camarena, José Chávez Morado, Alfredo Zalce, Jesús Guerrero Galván y Julio Castellanos, todos ellos conocidos por ser poco ortodoxos, asociados en la política y en el arte.  La obra de Anguiano es vista como una expresión de su tiempo por su sabor indiscutiblemente mexicano, y el vínculo con su pueblo es clara, no sólo en sus murales, sino también en las telas, ​​aguafuertes, dibujos, litografías e ilustraciones, y también más recientemente en la escultura y la cerámica.

Celebró su primera exposición individual, titulada "Raúl Anguiano y Máximo Pacheco" en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, en 1935; y en 1940 participó en su primera exposición colectiva "Veinte Siglos de Arte Mexicano". Estas fueron seguidas por más de 100  en muchos países como Cuba, Chile, Colombia, Brasil, Estados Unidos, Francia, Italia, la ex Unión Soviética, Israel, Alemania y Japón. Sus exposiciones más recientes incluyen la presentación de una serie de cuatro litografías de color, que se celebró en el Salón de Artes Gráficas SAGA 88, de 1989 a 1990, en París; y la mirada retrospectiva de la obra de Anguiano en gráficos (1938-1940), que se celebró en el Museo Nacional de la Estampa en la Ciudad de México en 1990.

Desde 1982, fue miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes de la Ciudad de México, y desde 1993, también  Creador Emérito del Sistema Nacional para los Creadores de Arte.

Georges Braque

May 6, 2014, 12:42 pm

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 Picasso, su hijo Paul, Jean Cocteau, Georges Braque  y Françoise Gilot, delante del estudio de Picasso, Vallauris, 1953

 Braque y su mujer Marcelle en 1962

Georges Braque es un pintor francés. Nació en 1882 en Argenteuil y pasó su infancia en  Le Havre. En principìo pensó en seguir los pasos de su padre y convertirse en pintor de casas. Por las tardes estudiaba en la Escuela de Bellas Artes para ampliar sus estudios. Se mudó a París y trabajó como aprendiz de decorador antes de estudiar en la Académie Humbert.

Empezó su carrera como pintor impresionista y cambió al estilo fauvista cuando vió una exposición de los Fauves, un grupo que incluía a artistas tan importantes como Henri Matisse y André Derain.

Su primera exposición individual tuvo lugar en 1908 en la Galería Daniel-Henry Kahnweller.  Entre  1909 y 1914 colaboró con Picasso en el desarrollo del cubismo  y empezó a incorporar collages en su obra.

  En 1910 conoció a Marcelle  Lapré, una modelo que le presentó Picasso. Se casaron en  1912 y se fueron a vivir a un pequeño pueblo en el sur de Francia. Durante la primera guerra mundial se alistó en el ejército francés y le hirieron en 1915. Tardó dos años en recuperarse

Despues de la primera guerra mundial su arte comenzó a mostrarse menos estructurado y planificado. Consiguió un gran éxito en la exposición del Salón de Otoño de 1922.  Unos pocos años despues el famoso bailarín y coreografo Sergei Diaghilev le pidió que diseñase el decorado pra los Ballets Rusos. A finales de la década de 1920 comenzó a pintar interpretaciones de la naturaleza, más realistas, pero sin abandonar de todo el cubismo.

A partir de 1931 alcanzó fama mundial con las exposición en Junsthalle Basel y en 1937 le dieron el premio Carnegie International en Pitsburgh

Despues de la segunda guerra mundial su paleta se hizo más clara y comenzó a pintar temas de pájaros, paisajes y mar. Hizo litografías, esculturas y  vidrieras.

Durante sus últimos años de vida su salud no era buena y no podía aceptar grandes encargos. Murió en 1963 en París

ROLAND PENROSE

May 7, 2014, 12:12 pm

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Picasso y Penrose



 1900-1984
 Roland Penrose, introductor en Gran Bretaña a mediados de los años treinta de las nuevas corrientes pictóricas en auge en el continente, Biógrafo y uno de los mejores amigos de Pablo Picasso, fue el organizador de las más importantes exposiciones del propio Picasso, de Miró, y de Max Ernst en la Galería Tate de Londres.Gran conocedor del superrealismo y del cubismo, Roland Algernon Penrose nació con el siglo e hizo sus propios pinitos como pintor. Recién salido de Cambridge se trasladó a París, donde vivió 12 años -de 1.922 a 1934-, y aunque no consiguió consagrarse como pintor, se convirtió en uno de los más notables críticos y conocedores de las nuevas tendencias artísticas. Durante su época parisiense, Roland Penrose inició una colección de cuadros superrealistas y cubistas que permitirían después fundar a sus propias expensas el Instituto de Artes Contemporáneas, que tan importante papel ha desempeñado en el desarrollo de las artes plásticas en el Reino Unido.

Penrose se consideró siempre un superrealista y mantuvo una gran amistad personal con el poeta André Breton. De regreso a Londres, casado con la poetisa Valentine Boué, Roland Penrose se dedicó en cuerpo y alma a explicar en los medios artísticos británicos lo que estaba pasando en el continente. Tan sólo un año después de instalarse en el Reino Unido, organizó una gran exposición internacional superrealista que levantó un gran alboroto.

La segunda guerra mundial le sorprendió en Londres, y recién acabada la contienda fundó, junto con Herbert Read, el Instituto de Artes Contemporáneas, que presidiría hasta 1969.
Su amistad con el pintor malagueño le movió a aceptar el encargo de Víctor González de escribir una biografía definitiva sobre Picasso. El libro, titulado Picasso, su vida y su obra, apareció en 1958, pero fue revisado por el propio autor en 1980. Penrose mantuvo siempre un gran interés por los artistas españoles. Fue amigo y admirador no sólo de Picasso, sino también de Miró y de Antoni Tápies, sobre el que también escribió un libro.
El trabajo de Penrose en beneficio de las artes fue reconocido oficialmente en el año 1966, cuando se le otorgó el título de sir.

Información- EL PAIS

Henri Evenepoel

May 8, 2014, 1:20 pm

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Este pintor, aunque no vivió en el siglo XX,  lo voy a meter en este blog porque murió muy joven, con solo 27 años. 1892–1899

Aunque nació en Bélgica, desarrolló su carrera  en París, cuando esta ciudad era el centro de la actividad artística. Fue alumno de Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes y compañero  y amigo de Matisse. Ademas de pintor fue diseñador, ilustrador y grabador.

Cuando llegó a París, a los 20 años, se enamoró de Louise de Mey, una prima suya, casada y con dos niñas.  En 1894 tuvieron un hijo, Charles. 

Murió de fiebres tifoideas a los 27 años de edad. Era un gran aficionado a la fotografía y dejó un gran legado de fotos de la familia y de su  país natal, Bélgica, en un viaje realizado poco antes de su muerte

Louise en Wepion, verano de 1897

Theo Van Rysselberghe

May 9, 2014, 2:16 pm

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 (1862 – 1926)  Pintor Belga, nacido en Gante. Estudio en la Academia de Bellas Artes de Gante y Bruselas. Expuso por primera vez en en el Primer Salon en Bruselas en 1881.  Despues de conseguir gran éxito en la exposición de los expresionistas franceses en Bruselas, a principios de la década de 1880, empezó a explorar su propia técnica. En 1883 se convirtió en cofundador del grupo de vanguardia en Bruselas "Les-Vingt". En 1886 viajó con el poeta Emile Verhaeren a París, donde conoció a Seurar. Despues de los contactos con los neo-impresionistas empezó a utilizar el puntillismo, convirtiendose en el principal exponente de este estilo en Bélgica. A finales de la década de 1890 y principios de 1890 viajó a España, norte de Africa, y por Europa. A partir de 1897 vivió en París.  Despues de la muerte de Seurat, poco a poco, abandonó el puntillismo

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Jules Chéret

May 10, 2014, 1:02 pm

≫ Next: Jared Joslin

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 1836-1932
 Jules Cheret nació en Paris en 1836.   Litógrafo, diseñador de carteles y pintor. Solo pudo ir a la escuela hasta los 13 años porque su familia no tenía medios económicos. Su preparación arística se limitó a un curso en la Escuela Nacional de Diseño en Paris. Su padre, tipógrafo, lo puso a trabajar durante tres años como aprendiz de un litógrafo.

Aunque consiguió vender algunos dibujos y diseños a varios publicistas en París, no estaba satisfecho, así que abandonó la capital francesa y se fue a Londres confiando en encontrar una forma más lucrativa de ganarse la vida y empezar su carrera artística.  Despues de algún tiempo haciendo dibujos para la compañía The Maple Furniture, volvió a París frustrado.  No se rindió y continuó trabajando hasta que consiguió su primer encargo para hacer carteles. Se conoce como  el pionero y maestro del cartel

Jared Joslin

May 12, 2014, 1:01 pm

≫ Next: Victor Prouvé

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  Jared Joslin es un pintor americano, nacido en 1970 en Fort Collins-Colorado.  Estudió en la School of the Art Institute y en la Universidad de Colorado.

Es un pintor con una gran técnica, amante de la fotografía, del cine y de las ciencias. Por su obra vemos que le gustan los años 20, 30 y cuarenta y juega con una temática de seres ambiguos, sin una clara identidad sexual. El cuenta como estando con su abuela, poco antes de que esta muriese, vio unas fotos suyas. Descubrió una mujer joven, vestida al estilo de los locos años  veinte. Una chica delgada, delicada... e imaginó un nuevo mundo. Vio todas las películas de aquellos años, incluso las mudas y quedó fascinado por las escenas de circo, la naturaleza, las luces, hasta el humo del aquel Hollywood de la época. Tambien se aprecia la influencia en su obra el glamour, los cabarets, clubs, etc. de aquel Berlin de entreguerras

Victor Prouvé

May 13, 2014, 12:10 pm

≫ Next: René Piot

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Victor Prouvé (1858-1943)

Nacido en 1858 en Nancy, Victor Prouvé provenía de una familia de artesanos.  Inicia su preparación artística en  la Escuela de Dibujo Nancy  para continuar sus estudios en  la Escuela de Bellas Artes de París. Paralelamente, perfeccionó sus técnicas en el taller de Cabanel. Muy pronto demuestra su talento, no solo para la pintura, sino tambien   para la escultura, grabado y  joyería.  Aunque sus referentes  fueron Rubens, Miguel Ángel y Veronese sin embargo, no dudará en abandonar un cierto academicismo para dar paso a su propio estilo, mostrando en muchas obras huellas del simbolismo

René Piot

May 14, 2014, 10:25 am

≫ Next: Fritz von Uhde

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René Piot (1866-1934)

Próximo de los nabis y más tarde de los fauves, alumno de Pierre Andrieu (antiguo colaborador de Delacroix) y de Gustave Moreau, René Piot (1869-1934) es también un renovador del arte del fresco, director y decorador de teatro de una extraordinaria modernidad. Aunque era fundamentalmente independiente, en muchos sentidos es el compañero de ruta de las corrientes pictóricas más modernas de su tiempo.

A partir de 1910, su actividad en el ámbito teatral fue dominante. Su trabajo con Jacques Rouché en el Teatro de las Artes testimonia un dominio total de la teoría y de la práctica escenográficas. Aunque en un principio René Piot se dedicaba a crear decorados y de trajes, gracias a su impresionante cultura musical y de un sentido innato del teatro, pronto interviene en la puesta en escena e incluso en la coreografía aportando una aprehensión inmediata del espacio escénico, una inspiración en constante renovación y un tratamiento pictórico de una rara originalidad traducido por una sucesión de ritmos coloridos. Creó dos obras maestras: Los troyanos de Hector Berlioz en 1921 y Electra de Richard Strauss en 1932.

Información- 

Fritz von Uhde

May 14, 2014, 11:32 am

≫ Next: Wilhelm Trübner

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Fritz von Uhde (1848-1911)

 Nacido el 22 de mayo de 1848 en Wolkenburg (Sajonia)  - Después de un decepcionante año  de estudios en la Academia de Dresde,  se alistó en  el regimiento de la Guardia en 1867, donde fue ascendido a teniente en 1868.En 1876 dejó el servicio militar con el fin de dedicarse a la pintura.  Se trasladó a París en 1879 y trabajó en el estudio de Mihály Munkácsy. En 1880 regresó a Munich, donde tuvo un estrecho contacto con Max Liebermann bajo cuya influencia desarrolló su estilo naturalista impresionista. En 1892 fue uno de los miembros fundadores de la Secesión de Munich. Junto con Liebermann, Lovis Corinth y Max Slevogt, Uhde es considerado como uno de los más importantes impresionistas alemanes.

  Murió el 25 de febrero de 1911 en Munich.

 

 

Wilhelm Trübner

May 15, 2014, 10:38 am

≫ Next: Max Klinger

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Heidelberg, 185-Karlsruhe, 1917

Hijo de un joyero y orfebre alemán, el pintor Wilhelm Trübner comenzó sus estudios de pintura en la Kuntschule de Karlsruhe en 1867. Dos años más tarde se trasladó a Múnich, donde visitaría la Akademie der Bildenden Künste. Tras una breve estancia de estudios en Stuttgart regresó a Múnich, donde, en 1871, conoció a Wilhelm Leibl, pintor naturalista que había disfrutado de una estancia en París durante la que había conocido a Gustave Courbet y Édouard Manet, entre otrosAnimado. por Leibl, abandonó la academia al tiempo que a sus compañeros Carl Schuch y Albert Lang, con los que fue a pintar a la zona del lago Starnberg. Junto a su nuevo maestro tuvieron la oportunidad de conocer las novedades pictóricas de sus contemporáneos franceses y defendieron una pintura pura, en la que primasen las cualidades formales. Los años de pertenencia al Leibl-Kreis (Círculo Leibl) están considerados como la cumbre artística de la carrera de Trübner, si bien su interés por las cuestiones formales le alejó de crítica y público en esta época
Durante. los años siguientes vivió en Múnich, realizó numerosos viajes a otras capitales europeas y residió una temporada en Londres, en 1884-1885. Su pintura se acercó al impresionismo y a comienzos de la década de 1890 conoció a Lovis Corinth y Max Liebermann. Estuvo implicado en la creación de la Secession de Múnich en 1892, pero no tardó en separarse de ella y un año más tarde creó la Freie Vereinigung. En 1896 fue nombrado director del Städelsches Kunstinstitut de Frankfurt y poco después fundó una escuela privada de arte. En 1904 fue nombrado director de la Kunstschule de Karlsruhe. Murió en esta ciudad en 1917, antes de que pudiese ocupar un nuevo puesto de profesor en la Akademie 


Información  Museo Thyssen-Bornemisza


Iner Künste de Berlín

Max Klinger

May 16, 2014, 12:20 pm

≫ Next: Fritz Erler

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El pintor, escultor y grabador Max Klinger nace en Leipzig el 18 de febrero de 1857. Estudia con  Karl Gussow en Karlsruhe y en la Academia de Berlín.Comienza a trabajar en el estudio de Bruselas de Emile Wauters en 1879. A partir de 1888 viaja varias veces a Italia. Es co-fundador de la Berlin artist "XI" en 1892. Vive en Leipzig desde 1993 y se une a la Academia de Berlín un año después, en 1897 Klinger es nombrado profesor de la Academia de Artes Gráficas de Leipzig.  Junto a Max Liebermann, Fritz von Uhde y Harry Graf Kessler, Klinger es vicepresidente de la recién fundada "Deutscher Künstlerbund". Es nombrado presidente de la asociación Villa-Romana  en Florencia a partir de 1906.  
Referencias al simbolismo y temas mitológicos son rasgos característicos de Max Klinger.

 
Sus esculturas están orientadas a la policromía Greekp recién descubierta y el utiliza piedras de color, por ejemplo, en "Die neue Salomé" (The New Salomé)  y "Kassandra" (1886-1895). La estatua monumental de "Beethoven" (1886-1902, 

es considerado como su escultura principal. 
La parte más importante de la obra de Klinger, sin embargo, es la obra gráfica. Se cuenta entre los mayores logros en el arte gráfico de los tiempos modernos, en cuanto a su narrativa y las cualidades artísticas, así como su técnica. Max Klinger ejecuta magistralmente aguafuertes y aguatintas. 
Max Klinger muere en Großjena cerca de Naumburg, el 4 de julio de 1920.

  información-ketterer kunst

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Fritz Erler

May 19, 2014, 12:16 pm

≫ Next: ROBERTO FERRI

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Pintor y grabador alemán -1868-1940- fundador, junto con Junk, Münzer y Putz, del grupo "Die Scholle,  seguidor del Jugendstil y cuyo objetivo era atraer a Kandinski, que se encontraba en Munich desde 1896.  La obra de Erler es de alegre colorido, dentro de la línea estilizada del modernismo alemán. Uno de sus principales colaboradores  fue su hermano Erich, tambien pintor

ROBERTO FERRI

May 20, 2014, 12:07 pm

≫ Next: Afarin Sajedi

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Roberto Ferri nace en Taranto, Italia, en 1978. Profundamente inspirado por los pintores del Barroco (especialmente Caravaggio) y otros antiguos Maestros del Romanticismo, Academicismo y Simbolismo (David, Ingres, Girodet, Gericault, Gleyre, Bouguereau, Moreau, Redon, Rops, etc.). Graduado - con Honores - de la Academia de Bellas Artes en Roma. En 2003 hizo su primera demostración titulada "Roberto Ferri e il sogno del Parnaso” (Roberto Ferri y el sueño del Parnaso) en el Centro de Arte Contemporáneo en Roma. Sus trabajos están presentes actualmente en muchas colecciones privadas en Londres, París, Madrid, Barcelona, Miami, Nueva York, San Antonio, Roma, Milán, Malta, Dublin, Boston y el Castillo de Menerbes en Provenza. 

http://www.robertoferri.net

Afarin Sajedi

May 21, 2014, 1:00 pm

≫ Next: Gabriele Münter

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Nació en 1979 en Shiraz. Se trasladó a Teherán para estudiar en la Universidad Azad de Teherán, donde obtiene la licenciatura en Diseño Gráfico. La creatividad de Sajedi, su técnica y poderosa presentación  aseguran una posición elevada en el mundo del arte iraní. En todas sus obras los rostros de sus mujeres  muestran dolor o alegría así es como ella  visualiza  a las mujeres cuando salen de la seguridad de sus hogares para entrar en el mundo exterior."Las mujeres me han dicho muchas veces lo mucho que disfrutan del uso del  maquillaje, ya que les permite  otra cara." Confiesa que ha sido fuertemente influenciada por el Payaso de Heinrich Boll y de Gustav Klimt. Utiliza la profundidad del color de Klimt para vivificar el dolor de la mujer moderna en cualquier papel. El rojo desempeña un papel importante en la obra de esta pintora."Es de un color agresivo", dice Sajedi, "y me encantan los colores agresivos." Sajedi ha participado en cuatro exposiciones de grupo y en  cuatro  individuales. Actualmente vive y trabaja en Teherán.

streetanatomy.com

Gabriele Münter

May 22, 2014, 10:09 am

≫ Next: MANOLO MILLARES

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Gabriele Münter and
Wassily Kandinsky in Sèvres 1906

Gabriele Münter

Berlín, 1877-Murnau, 1962            

Gabriele Münter fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 y después, en 1901, en la escuela Phalanx, donde tuvo como maestro a Kandinsky. Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. En 1909 compró una casa en el pueblo bávaro de Murnau, que se convirtió, los veranos siguientes, en punto de encuentro con Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin. En Murnau el arte de Münter evolucionó hacia la simplificación de la forma, influida por las experiencias de sus compañeros y por el descubrimiento de las pinturas sobre cristal típicas de esa zona de Baviera
Tras. participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza y después, ya en solitario, a Copenhague.

 La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia. En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista


Museo Thyssen-Bornemisza

MANOLO MILLARES

May 23, 2014, 2:15 pm

≫ Next: Agustí Puig

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Manuel Millares Sall nace en Las Palmas de Gran Canaria el 17 de enero de 1926. Se inició en la pintura de forma autodidacta, gracias a que en las islas se había desarrollado un importante foco surrealista con Oscar Domínguez y Eduardo Westerdahl.

En la obra de Millares pueden distinguirse dos grandes épocas: la primera abarca desde el comienzo de su trabajo hasta 1955 y la segunda, se inicia ese año y concluye con su muerte. El cambio fundamental se produce en torno a la utilización de la arpillera, en 1955.
Las obras más importantes de la primera etapa son las pictografías canarias. Son el resultado de su interés por el surrealismo y por el mundo de la arqueología, por las raíces profundas de las culturas desaparecidas y por el pasado guanche de los habitantes de la isla. Se servirá de los dibujos geométricos de los aborígenes de Gran Canaria y de los signos rupestres del Barranco de Balos.

Aborigen Nº 1 (1951) evoca las manifestaciones rituales y mágicas guanches y aparecen signos esquemáticos, soles, cruces, triángulos. Constituye una reflexión por parte del artista de la civilización guanche.
Las Pictografías, óleos sobre lienzo, de 1951 y 1952, son imágenes en las que un conjunto de signos pictóricos, que recuerdan a los prehistóricos, se inscriben en una superficie cromática conformada por motivos abstractos. Son pinturas que enlazan la tradición indígena (signos que recuerdan la imagen humana esquematizada, animales esquematizados, formas de peine, puntas de flecha, etc.) con el surrealismo. Su interés por el subconsciente y lo primigenio, evocan el hallazgo de nuestro pasado, de nuestro origen. Un ejemplo es Aborigen de Balos (1952).

Un paso más da en 1953 y 1954, cuando construye los Muros. Aquí investiga el valor de la superficie, reduciendo el número de signos de sus pictografías e introduciendo nuevos materiales, como arpilleras (tejido de estopa muy basto usado para hacer sacos), tierras, pedazos de cerámica, etc. Organiza de forma más ordenada la imagen y amplía su escala.
En Collage (1954), perviven los signos, aunque a mayor escala y más esquemáticos que en las pictografías anteriores. Recurre al signo del ancla.

Millares empieza a utilizar las arpilleras, aquí son todavía un elemento que añade a la superficie del cuadro junto con otros materiales como arena, cerámica o madera. La arpillera es una evocación de las telas con las que se envolvían las momias guanches, descubiertas por el pintor en el Museo Canario.

En el año 1955, tras su establecimiento en Madrid y bajo la influencia de Burri, las arpilleras, que en principio solo ocupaban una parte de la superficie, se convertirán en soporte, en el elemento esencial. Y en 1957, funda el grupo El Paso, en el que tendrá un papel decisivo.

Cuadro Nº 48 (1957) fue realizado al poco tiempo de la fundación de El Paso. Supone un avance más en el uso de la arpillera, aquí ya no es un componente de un collage, sino que es la base material y expresiva de la obra. El pintor enfatiza el sentido destructivo de las perforaciones, desgarros y cosidos de la tela. El color se ha reducido al ocre natural de la arpillera, al blanco y al negro, aplicándolo de forma irregular, con empastes y chorros.

Millares se decanta por las superficies de arpillera que desgarra, rompe, perfora, cose y recose. Ensalza el valor de la materia como vehículo de expresión. Su paleta se reduce, es muy sobria, predominan el marrón de la arpillera, el negro, el rojo y el blanco. La abstracción se sustituye por una reconocible figuración y la obra adquiere, incluso por los materiales que incorpora a ella, un matiz social y moral. Denuncia las atrocidades y barbaridades de este mundo.

Sus Homúnculos se nos presentan directamente como objetos ellos mismos y no como representaciones dentro de un cuadro. En ellos, insinúa la figura humana, piernas, brazos, el tronco. Estas arpilleras, consiguen transmitir una sensación de angustia, de miseria y de opresión, pero también la grandeza del material humilde, del saco viejo y roto, recuperado de la basura como material artístico.

El homúnculo no es sólo la momia de los guanches exterminados por los conquistadores, sino que hacen referencia a la historia de España, a la guerra civil.
En Cuadro 122 (1962) continúa con el desarrollo de la arpillera como soporte e introduce tubos y latas. La tela se desgarra, se dobla y se anuda creando el centro de tensión en un relieve en forma de cruz. El color se reduce al blanco, al negro y al ocre de la madera del bastidor. La obra es una metáfora de la irracionalidad y crueldad de la condición humana.

En otras obras también trata motivos históricos como el Sarcófago para Felipe II, Los artefactos para la paz, que coincide con el XXV aniversario del final de la guerra civil o Mutilados de paz.
Desde su entrada en El Paso hasta la mitad de los sesenta, el negro es el color protagonista de sus obras. Se trata de un negro denso y pastoso que favorece el efecto dramático que pretende lograr. Pero a partir de 1964-1965, el blanco cobra un papel cada vez más importante, como se puede ver en las Antropofaunas y los Neandertalios, que siguen teniendo como motivo principal el ser humano.


Manolo Millares falleció en Madrid el 14 de agosto de 1972. Es uno de los artistas españoles de más renombre universal.

Fuente- arteespana