Maximilian (Max) Franz Viktor Zdenko Marie Kurzweil fue un pintor y grabador austríaco. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con Christian Griepenkerl y Leopold Carl Müller, y en la Academia Julian en París, donde expuso en el Salon de 1894. Fue cofundador de la Secesión de Viena en 1897 y editor e ilustrador de la revista Ver Sacrum. Kurzweil tambien fue profesor en la Frauenkunstschule. En 1905 le concediero un premio de la Villa Romana. Sus últimas obras muestran influencias de Edvard Munch y Ferdinand Hodler.
A consecuencia de problemas privados, agravados por su innata melancolía, se suicidó en 1916 junto a su alumna y amante Helene Heger. A pesar de su corta carrera Kurzweil forma parte de los representantes más significativos de la secesión vienesa despues de Gustav Klimt y Egon Schiele.
"Busqué una realidad que yo poseyera más que el mundo exterior, y la encontré en la carcasa corporal en la que me alojaba, la realidad más real y clara de todas», escribió Lassnig, para quien el cuerpo constituía un «estorbo» y una obstrucción para el espíritu.
Esta pintora austríaca nació en 1919 y murió en 2014.
lo largo de una notable carrera, que se extendió durante más de siete décadas (desde finales de la década de 1940 en la Academia de Bellas Artes de Viena, una ciudad en la que enseñó en la década de 1980, hasta la escena del arte de París de las décadas de 1950 y 1960, y la de Nueva York de la década de 1970), continuó creando obras de arte que exploran su propio cuerpo de una manera a la vez sensible y vulnerable.
Su trabajo se relaciona plenamente con las enseñanzas históricas del canon occidental, así como con sus contemporáneos Philip Guston, Francis Bacon y los modernistas de posguerra.
Lassnig dedicó su vida a lo que ella denominó "pintura de la conciencia del cuerpo": retratar no cómo el cuerpo se ve, sino cómo se siente estar dentro de uno. En su esfuerzo por capturar la experiencia corporal, sus defectos, funciones, gestos y estados de ánimo, a veces trabajaba acostada junto al lienzo, o apoyada contra él, incluso sentada en él. Nunca trabajó a partir de fotografías, se basó únicamente en las sensaciones internas, incluso cerrando los ojos mientras pintaba. "Lo más difícil es realmente concentrarse en el sentimiento mientras dibuja. No dibujar una parte trasera pensando en su apariencia, sino dibujando la sensación ".
No todas las figuras de Lassnig son patéticas.La mujer mayor desnuda sentada en una motocicleta tiene cierta bravuconería narcisista.
Maria Lassning es una de las artistas contemporáneas más importantes, considerada como pionera en muchas áreas del arte actual. La mayoría de su obra la basa sobre el autorretrato y la exploración corporal de sus relaciones con el animal y la máquina. La principal preocupación de Lassnig fue el auto-cuestionamiento implacable al que ella misma se sometió a lo largo de su vida; ella pintó, escribió, dibujó y grabó.
Koloman Moser(1868 – 1918) fue un artista austríaco que ejerció una considerable influencia en el arte gráfico y en los más importantes artistas de la secesión vienesa. A principios de la década de 1890 comenzó a desarrollar un estilo Art Nouveau altamente innovador e individualista, mientras trabajaba como ilustrador.
Diseñó libros, postales, sellos, viñetas para revistas, vidrieras, porcelanas, cerámica, joyería, etc.
Nació en Viena y estudió en a Academia de Viena y en la Escuela de Artes Aplicadas, donde dio clases a partir de 1899. Como cofundador de la Secesión de Viena, se unió a Gustav Klimt, Josef Hoffmann, y otros, para establecer una nueva forma de arte, apartándose de la academia. Fue editor del periódico Ver Sacrum, y diseñador gráfico durante varios años. En las páginas del periodico unió arte y literatura.
En 1905, junto al grupo de Gustav Klimt, se separó de la Secesión de Viena. El mismo año se casó con Editha Mautner von Markhof, hija de uno de los dueños de una las grandes fortunas industriales de Austria.
1925 Grodnau, Austria, Portugal 2013 Estudió en la Universidad de Viena y en la Academia de Bellas Artes.
Uno de los artistas más controvertidos de Austria, admirado y amado, pero también odiado. Junto a Hermann Nitsch y Guenter Brus, Otto Mühl, fue cofundador del movimiento de arte accionista en Viena y que ganó notoriedad por sus "actuaciones" escatológicas que involucraban a personas desnudas rodando en pintura y barro y heces.
A principios de los setenta creó un grupo llamado (Organización Acción-Analítica), cuyo programa era liberar a la sociedad de su dependencia psicológica de normas burguesas represivas y consumismo a través del amor libre. Empezaron a adherirse seguidores y pronto los trasladó a Friedrichshof, en el este de Austria, donde eventualmente construyeron un enorme complejo que albergaba docenas de niños, que dormían comunalmente en una zona, y muchas más docenas de adultos, que dormían comunalmente en otra. Trabajaban juntos, daban a luz a los niños, los educaban juntos y pasaban las noches entreteniéndose. La comuna fue disuelta, y en 1991. Las transgresiones de Muehl fueron admiradas en el plano artístico pero tambien le valieron siete años en la cárcel por pederastia.
En 1998, al salir de prisión tras cumplir íntegra su condena, Muehl se instaló en una filial de la comuna de Friedrichshof: la finca de El Cabrito, una antigua plantación de plátanos de 320 hectáreas en la isla canaria de La Gomera. Al cabo de un par de años, los antiguos acólitos de Muehl se hartaron de su arbitrario mentor y lo defenestraron. Junto a unas docenas de fieles, Muehl buscó refugio en el Algarve portugués, donde han transcurrido sus últimos lustros.
Trento 1870 – 1940 Innsbruck Artur Nikodem nació el 6 de febrero de 1870 en Trento. Asistió a la Academia de Munich con Franz von Defregger y Wilhelm Kaulbach, como profesores y a la Academia en Milán. Las estancias en el extranjero le llevaron a Florencia y París. En 1893 se trasladó a Merano, donde pasó 14 años. Allí se unió a Meraner Künstlerbund y exhibió regularmente en sus exposiciones. En 1908 Regresó con su familia a Innsbruck, donde permaneció hasta el final de su vida.
Trabajó como artista en Innsbruck y realizó numerosas exposiciones. Su obra representa una parte importante del modernismo del Tirol del período de entreguerras, que se caracteriza por la confrontación con las nuevas corrientes de la escena de Múnich y sigue la tradición de la pintura del paisaje del Tirol.
Sin embargo, las raíces de su pintura se encuentran en el arte nouveau de Viena y el secesionismo. Nikodem también trabajó como fotógrafo.
Sus fotografías han sido presentadas en exposiciones muy vistas en Nueva York, Munich, Bochum, etc. Durante el nacionalsocialismo, fue expulsado de varias asociaciones artísticas, declarando su arte "degenerado". Partes de su obra fueron destruidas en Nuremberg. Nikodem entra en una especie de "emigración interior", sólo personas muy cercanas a él tenían la posibilidad de ver sus obras.
En 1952 tuvo lugar la última gran exposición conmemorativa que se celebró en Innsbruck. No fue hasta 1990, con motivo del 50 aniversario de la muerte del artista, cuando la Galería Stadtturm de Innsbruck celebró una exposición de obras del artista. En el año 2000 el Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum Innsbruck le dedicó una amplia exposición.
Wolfgang Paalen: El artista que eligió la ciudad entre las montañas para morir
En septiembre de 1939, cuando llegó con su esposa al aeropuerto de la Ciudad de México acompañados por la fotógrafa Eva Suzler, Paalen quedó fascinado con el país que le ofrecía la posibilidad de observar de cerca el arte precolombino, que le despertaba mucho interés.
Se nacionalizó mejicanoen el año 1947. Ese mismo año se divorció de la artista Alice Rahon
Wolfgang Paalen se suicidó en 1959
Uno de los artistas más importantes y a la vez menos conocidos del siglo pasado, Wolfgang Paalen (Viena, 1905 - Taxco. Gro. 1959). Energético creador; nómada intelectual; consecuente a los desarrollos científicos y estudioso de las culturas ancestrales; Paalen fue figura pilar en el desarrollo de las ideas teóricas acerca de la creación artística, mientras que su producción es evidencia de su desplazamiento ideológico y capacidad de experimentación. Paalen alcanzó gran reconocimiento como miembro del grupo surrealista de André Breton en París. Es acreditado por inventar el fumage, técnica de pintura basada en marcar con humo de velas y lámparas el bastidor, y de esta manera captar el momento energético del acto pictórico, fuera de la conciencia e intención del artista. El “éxito” representaba, para él, un espejo de imágenes falsas, carentes de destino; lo que realmente le interesaba era el estudio de las fuerzas vitales del individuo.
Para Wolgang la realidad era una suerte de pantalla o filtro, lo que lo llevó a intentar conciliar con sus imágenes internas. Quería experimentar su fuerza vital, como creadora del mundo, y así explicar el acto artístico. “El individuo como creador del mundo, en vez del individuo que lo asume o transforma” (Eva Wilson, Espacios Implícitos, 2007). Paalen era consciente de que nuevos principios de pensamiento generan una nueva forma de hacer arte. Paalen se deslindó de Breton y el grupo surrealista para formar la revista Dyn, la que sirvió como plataforma para el desarrollo y promulgación de sus ideas. Dyn viene del concepto aristotélico kata tú dynaton, lo que potencialmente “es”, o lo posible. Para Paalen, los avances de la física y la crisis de la modernidad, significaron la posibilidad de adentrarse en un universo “de lo imaginable”, y no sólo de las tres dimensiones del mundo visible. Criticaba los conceptos del materialismo, pues concebía las cosas que lo rodeaban como partículas en constante y salvaje movimiento, que le permitían adentrarse en ellas y atravesarlas en un nivel microfísco, y así visualizar como surgen los fenómenos. Pensaba la pintura como una mera resonancia de las apariciones internas, lo pensable y lo posible. La pintura no representa, sino que mira al espectador y lo cuestiona sobre lo que él representa. En su serie Les Cosmogones, Paalen consideraba que la pintura sólo se representa a sí misma, no narra ni declara nada, aparece y desaparece como una alucinación que ayuda a alinear al espectador hacia un evento esencial que sólo el espectador puede significar. Paalen prefiguraba lo posible, veía el potencial de “un nuevo orden de las cosas”, sin referencia a lo que ya “son”. Sus ideas fueron tema constante de conversación entre los grupos de artistas de Nueva York en los años 40-50, y ayudó a fundamentar la transición del surrealismo al expresionismo abstracto. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)
Tina (Regina Leopoldine) Blau, nació en Viena en 1845, fue la única mujer judía de su generación en ser profesionalmente reconocida como artista.
Su padre, un famoso fisico de Praga, fue el que inculcó en su hija el arte y a través de ella vivio sus propios sueños artísticos.
Como otras mujeres de su generación se le denegó una educación superior así que recibió clases privadas. Su primer profesor fue el húngaro Antal Hanély, y despues le siguieron August Schäffer y Joseph Aigner. En 1869 viajó a Munich para prepararse con Wilhelm Lindenschmit.
Al acabar sus estudios viajó a Italia, Países Bajos y Francia, pasando los veranos de 1873 y 1874 en la colonia artística de Szolnok. Al regresar a Viena hizo amistad con el pintor Emil Jakob Schindler y compartió estudio con él hasta 1879. En 1883 Blau volvió a Munich y, despues de convertirse al protestantismo, se casó con el pintor Heinrich Lang. Despues de la muerte de su marido regresò a Viena, en aquel momento ya era una pintora reconocida.
Estuvo enseñando en la Academia hasta 1915, un año antes de morir, aunque nunca fue aceptada como miembro de la Wiener Kuenstlerhaus.
Alfons Walde (1891 - 1958), nació en Oberndorf. En 1892 la familia se trasladó a Kitzbuehel porque nombraron a su padre Franz Walde director de una escuela.
Walde estudió arquitectura en la escuela técnica de Viena. Al mismo tiempo continuó su formación como pintor. Se movió en los círculos artísticos de Gustav Klimt y Egon Schiele.
Utilizaba mucho las montañas que rodeaban Kitzbuehel como motivo de sus cuadros. Despues de la Primera Guerra Mundial se dedicó completamente a la pintura y aunque durante un tiempo su obra tuvo influencias de Klimt y Schiele, pronto volvió a su estilo característico- escenas de la montaña, particularmente de invierno. Fue el primer artista en presentar con éxito escenas de esquí como tema. Estas escenas deportivas, junto con sus paisajes invernales y sus imágenes agrícolas, presentadas con fuerte empaste, complementaban sus otros trabajos artisticos como arquitecto y artista gráfico
Los toques impresionistas evocados en las pinturas de Walde le dieron un lugar en la historia del arte internacional. Esto se reflejó en las muchas exposiciones de su obra y concursos de arquitectura, y los premios que recibió. Alfons Wade murió el 11 de diciembre de 1958 en Kitzbuehel. Después de la década de 1930 hasta su muerte en 1958 Alfons Walde trabajó principalmente en proyectos arquitectónicos.
(Lierre, Bélgica, 1852-1927). Pintor belga. Hijo del poeta del mismo nombre. Se formó en la Academia de Amberes y empezó pintando cuadros de historia, con un tratamiento tan realista que parecía insuflar vida y espíritu a unos personajes muertos siglos atrás, como es el caso de su conocido Carlos V de niño (1879, Koninkijk Museum voor Schone Kunste, Amberes).
Sin embargo, la temática de sus obras se volvió más coetánea cuando se trasladó a París, ciudad en la que logró el éxito entre el público más exigente, que gustaba de la minuciosidad característica de sus retratos. De esta época son sus elegantes figuras femeninas pintadas a la manera de Alfred Stevens y en las que Beers demostraba su destreza para reflejar con toda exactitud las telas y otros complementos; como ejemplo cabe citar el famoso Retrato de Sarah Bernhardt.
De hecho, la obra de Beers levantó mucha polémica entre un sector de la crítica que le acusó de utilizar positivos fotográficos como base para pintar sus obras. Progresivamente su estilo fue perdiendo el interés del público, obligándole a cambiar, una vez más, al final de su carrera, dedicándose en esta última etapa al paisaje y a reflejar sencillas escenas cotidianas, género este último que ya había practicado con anterioridad, como demuestra la pintura que conserva el Museo del Prado, donada por el propio artista en 1880.
Pol Bury nació en La Louvière, Belgica, en 1922. Despues de asistir a la Academia de Bellas Artes se unió a un grupo de poetas surrealistas entre los que se incluía Achille Chavée. En las primeras obras artística de Bury se veía la influencia de René Magritte e Yves Tanguy, y los cuadros que produjo a finales de la década de 1930 y la primera parte de la del 40 se incluyeron en la Exposición Internacional del Surrealismo que se ofreció en Bruselas-
Bury empezó a incluir motores eléctricos en muchas de sus esculturas en 1957. Los motores ocultos activan las obras, lo que provoca que los elementos giren, se inclinen o giren. Alrededor de 1964, el artista comienza a crear sus Cinetizaciones: fotografías e impresiones que representan monumentos bien conocidos, pero con la estructura arquitectónica fundamentalmente alterada.
En una Cinetización con la Torre Eiffel, la estructura de hierro parece tambalearse como si estuviera al borde del colapso. Las esculturas y Cinetizaciones de Bury demuestran momentos de contingencia física que desconocen la atracción de la gravedad. En una entrevista de 1969, el artista explicó: "Estoy buscando el punto que existe entre el movimiento y el no movimiento.
A finales de los años sesenta, Bury empezó a trabajar con acero inoxidable y acero Cor-Ten, latón pulido y cobre. En 1969 había creado su primera fuente pública, en el Museo de Arte de la Universidad de Iowa. Semejante en muchos aspectos a sus esculturas cinéticas, las numerosas fuentes que Bury diseñó a lo largo de su vida implican arreglos de cilindros y esferas que se mueven lenta e irregularmente. En estas obras, abrazó los reflejos y efectos de luz producidos por la interacción del metal y el agua al aire libre-
A finales de los años cincuenta y principios de los 60, Bury expuso su obra junto a la de otros artistas ZERO en Vision in Motion-Motion en Hessenhuis, Amberes (1959); Bewogen Beweging (Movimiento Movimiento, 1961), que viajó desde el Museo Stedelijk de Amsterdam al Moderna Museet, Estocolmo, y el Museo de Louisiana, Humlebk, Dinamarca; tuloonstelling nul (Nul 62) y nul negentienhonderd vijf en zestig (Nul 65), ambos en el Museo Stedelijk de Amsterdam (1962 y 1965, respectivamente); y Documenta 3 (1964) en Kassel, Alemania. Las retrospectivas con la obra del artista han sido organizadas por el Museo de Arte de la Universidad de California, Berkeley, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1970); Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (1977-78); Museo de arte moderno de la Ciudad de París (1982); y el Museo Josef Albers en Bottrop, Alemania (1990). Bury murió el 27 de septiembre de 2005, en París. Guggenheim Museum
Albert André nace en Lyon, donde su padre tiene una fábrica de sombreros de seda. Se educa en el Lycée de Lyon y pasa las vacaciones en Laudun (Gard). Hacia 1885 se orienta hacia el dibujo y colabora en algunos proyectos para las sederías. Pero ante su falta de entusiasmo por esta actividad, su familia accede a enviarle a París, para que se dedique en serio a la pintura.
Llega a la capital probablemente en 1889 y se matricula en la Académie Julian, en la que traba amistad, entre otros, con Paul Ranson (miembro del grupo de los Nabis) y con Valtat. En 1894 participa por primera vez en el Salon des Indépendants. Renoir se fija en él y lo recomienda a Durand-Ruel, que será su futuro marchante. Así comienza una verdadera carrera. Colabora con Toulouse-Lautrec en la realización de los decorados de Chariot de terre cuite (obra vanguardista que se representa en el Théâtre de L'Ouvre). Con Maurice Denis, Bonnard y Vuillard (todos ellos miembros del grupo de los Nabis), expone en la sala de Bing, el gran marchante de arte japonés e inventor del estilo Art Nouveau.
Tras su consagración, en 1904, gracias a su primera exposición individual en la galería Durand-Ruel, se suceden las exposiciones y los encargos. Figura, junto a Monet, Cézanne, Renoir y Pissarro en la exposición titulada Natures Mortes (Durand Ruel, 1908); le encargan un gran panel decorativo para el pabellón francés de la Exposición Universal de Turín; lo eligen para celebrar L'Interprétation du midi en el salón de La Libre Esthétique de Bruselas (1913) y alcanza un gran éxito en Estados Unidos con su primera exposición individual en Nueva York (Durand Ruel, 1912).
Luego vendrían la guerra y por fin la desmovilización en 1917; después se traslada a Endoume, cerca de Marsella, donde el artista, que ha recuperado la alegría de pintar, firma algunos de sus lienzos más hermosos (El día del armisticio, Paseo por Endoume, Terraza a orillas del mar).
Biógrafo y retratista de Renoir anciano, al que pinta en escenas de conmovedora autenticidad, lo será también de Monet. Rodeado de amigos entre los que cabe citar a Julie Manet, Pierre Renoir, Marquet y Paul Signac, su vida transcurre entre París, sus actividades como pintor y como secretario del Salon d'Automne, y sus prolongadas estancias en Laudun (donde es conservador del Musée de Bagnols-sur-Sèze), donde se refugia durante la Segunda Guerra Mundial. Poco a poco, su paleta, tan viva en los primeros tiempos, se va templando. Pero Albert André permanece fiel a sí mismo, a su sentido de la intimidad, a los interiores acogedores, a los objetos familiares, flores, jarrones, muebles, espejos, ventanas abiertas a Laudun...
Jan Cobbaert (Heverlee, 24 de junio de 1909– 3 de octubre de 1995) fue un pintor, escultor, dibujante y ceramista belga, que practicó diversas artesanías (hierro forjado, grabado en madera y placa de vidrio). Nació en Heverlee el 24 de junio, en 1909. Hijo de familia rica, vivió en Korbeek-Lo,1 cerca de Lovaina. Una vez a la semana, siguió las clases de cerámica en el taller de Jacques Charlier (1899 - 1964) e ingresa en la Academia de Bellas Artes. Después de su educación secundaria se da cuenta de que quiere seguir con el arte. Cobbaert inicia estudios de historia del arte durante sus primeros años en la de la Universidad Católica de Lovaina. Luego estudió en el Instituto Superior de Arqueología e Historia del Arte en Bruselas. Después de estos estudios, trabaja como cadete en el negocio de zapatos de su padre. Entre tanto, pintó sus primeras obras y, alternando con sus clases en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas. En Bruselas, entró en contacto con el expresionismo flamenco y descubre los grandes expresionistas de la segunda Escuela Latemse, como Gust De Smet (1877 - 1943) y Constant Permeke (1886 a 1952). En 1937 recibió el primer Premio Internacional de Roma; a causa de ello, su obra se presenta en el ayuntamiento de Lovaina, en lo que sería su primera exposición. En 1939 recibió una subvención estatal, para viajar a Italia, Alemania y Francia y estudiar el arte antiguo. Su carrera consigue dar un nuevo giro, pero a causa de la guerra en Italia, regresó a Bélgica. Desde octubre de 1944 fue profesor en la Academia de Lovaina. Mientras tanto, conoce a José Beeckman, con quien se casaría más tarde. Tuvieron dos hijos y la familia se estableció en Kessel-Lo. Es en el mundo confiado de la familia donde encuentra su principal fuente de inspiración. La pérdida de su esposa y de su hijo Marc en 1958 paralizó su actividad unos años, hasta que conoce a Vika Lambert, con quien se casaría poco después. Su obra incluye varios componentes de movimientos artísticos como la referida segunda Escuela Latemse, pero su trabajo está determinado por profundas raíces en la artesanía y por los acontecimientos de su vida. La muerte de su hijo juega un papel importante. Así, parece sumergirse en el mundo de los sueños de los niños buscando mantener la unión con su hijo. Alrededor de 1950 entró en contacto con el movimiento Cobra, en el que sin embargo no está oficialmente incluido. Además de en su país, tiene obra en Noruega, Luxemburgo, Dinamarca y Alemania.
Georges Croegaert nació en Bélgica en 1848 y pasó su infancia allí hasta 1880 cuando se trasladó a París. Su fama se debe a sus pinturas de cardenales, meticulosas y muy detalladas, un género que se hizo famoso a finales del siglo diecinueve. Tambien son conocidos sus cuadros anti clericales, especialmente de católicos.
Era uno de los pocos artistas a los que se permitía entrar en los cuartos privados de los cardenales, donde los pintó trabajando o descansando. Tambien pintó a mujeres muy elegantes.
Expuso en el Salón de París desde 1882 hasta 1914 y en Viena en 1888 con críticas muy loables. Sus pinturas fueron muy populares en Europa y en Estados Unidos
Antheit, 1897-Furnes, 1994 Paul Delvaux fue uno de los principales representantes del surrealismo en Bélgica. Procedente de una familia de abogados, tuvo que convencer a su padre para que le permitiese acceder a la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruselas. Allí, y tras un breve periodo dedicado a la arquitectura, se decidió a estudiar pintura decorativa, graduándose en 1924.
En sus primeras obras estuvo presente la influencia de expresionistas flamencos, como Constant Permeke y Gustave de Smet, que constituían la vanguardia belga del momento. El contacto con el expresionismo haría que desde entonces en Delvaux primase un interés por la representación del ser humano, en su caso centrado especialmente en la figura de la mujer, algo que se mantendría como una constante a lo largo de su obra.
Cuando, a mediados de la década de 1930, Delvaux descubrió el surrealismo a través de la obra de René Magritte y la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, sintió la «libertad de transgredir la lógica racionalista» a la que hasta entonces se había sentido ligado. A pesar de no haber sido un miembro ortodoxo del grupo, participó en la Exposition Internationale du Surréalisme organizada por André Breton y Paul Éluard en París en 1938 y en las muestras que siguieron en Amsterdam y México. La obra de Delvaux destaca por su unidad estilística. El realismo verista de sus obras nos remonta a un mundo onírico, con seres tan aislados y ensimismados, que parecen sonámbulos. Son figuras cuyos ojos no comunican nada, que parecen mirarse a sí mismas y que se sitúan generalmente en escenarios nocturnos. Tanto su obra pictórica tardía, como los grabados que realizó al final de su vida, continuaron en la misma línea con la que había comenzado su trabajo en los años treinta. Tras numerosas exposiciones y reconocimientos en su país natal y en el extranjero, en 1982 se abrió al público el Musée Paul Delvaux en Saint-Idesbald. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
(1894-1985) fue un pintor belga nacido en Eine, cerca de Oudenaarde. La obra de Ernest van den Driessche se enmarca dentro de la figuración naïve de los pintores belgas, aunque su técnica es claramente heredera de los pintores flamencos costumbristas que influyeron en su formación. Su obra se expuso en numerosas ocasiones en Bruselas, Hasselt, Luik, Bratislava (1966, 1969), Zagreb (1970). Fue un pintor muy querido en su entorno geográfico, Assenede, Gante, Lokeren, Oudenaarde, Wagerem, Verviers, París, y su obra se encuentra presente en numerosos museos belgas.
La riqueza de dibujos y pinturas de Ernest Van den Driessche suelen estar relacionada con una interpretación onírica de la realidad. Su pintura se caracteriza por una interacción entre la realidad y la imaginación, dando como resultado una gran riqueza de elementos que aparece muy pormenorizada e individualizada durante la madurez. Entre sus temáticas habituales destacan la familia, las fiestas populares, las leyendas y lo sacro, sobresaliendo en esta sección las historias bíblicas y religiosas. Todo ello da lugar a una unidad narrativa que no está exenta de una interpretación personal de la realidad que es poco común en la pintura del período en su entorno geográfico. Muestra de ello es el hecho de que en su pintura de emadurez rara vez faltan las personas, siendo estas de una gran importancia para conformar un paisaje urbano o rural. Van den Driessche pintó de manera instintiva y su obra es un fiel reflejo de la tradición popular del mundo rural belga.
Nicolas Mathieu Eekman o Nikolaas Mathijs Eekman (Bruselas, 9 de agosto de 1889 - París, 13 de noviembre de 1973), fue un pintor figurativo nacido en Bélgica de padres neerlandés, conocido también en Francia y en los Países Bajos como Nico Eekman o Nik Eekman, y también con el seudónimo de "Ekma".
Tres grandes períodos caracterizan su obra: expresionista, entre 1914 y el fin de la década de 1920, luego flamenco-realista hasta principios de 1950, y, por último, fantástico.
Nicolás Eekman nació en Bruselas, en la misma casa donde Victor Hugo comenzó a escribir “Los Miserables”, durante su exilio.
A los 18 años dio su primera conferencia en Bruselas, dedicada a "Van Gogh, el desconocido", que en 1907 era todavía un pintor casi ignorado por el público en general. En 1912, visita la primera exposición de Van Gogh en Colonia, una experiencia que sería decisiva.
Después de obtener su diploma de arquitecto en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, fue invitado por su amigo pastor Bart De Ligt a permanecer durante la Primera Guerra Mundial en el presbiterio del templo de la iglesia reformista de Nuenen, en los Países Bajos. Treinta años antes, había vivido allí la familia Van Gogh, y allí había pintado Vincent "Los comedores de patatas".
Las exposiciones de Eekman se sucederían en el país hasta el final de la guerra, y son numerosas las adquisiciones por parte de los principales museos y coleccionistas de los Países Bajos, sobre todo por Helene Kröller-Müller.
Eekman se trasladó a París en 1921 y continuó exponiendo en Francia y en el extranjero. Frecuentó la compañía de los artistas neerlandeses que vivían en París, como Fred Klein, Piet Mondrian, César Domela, Georges Vantongerlooy Frans Masereel. Entabló una amistad con la galerista Jeanne Bucher, que expondría obras suyas junto a otras de Mondrian en 1928: fue la única vez que Mondrian exhibiría sus pinturas en París. Estos dos hombres que la visión del arte separa, Mondrian, promotor del arte abstracto, y Eekman, figurativo convencido, permanecerían unidos por una sólida amistad durante toda la vida.
En la década de 1930, Eekman participó periódicamente en exposiciones colectivas, sobre todo en los Estados Unidos, mientras que sus exposiciones personales se organizaban por toda Europa.
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, fue buscado por los nazis, y encontró refugio en San Juan de Luz, en el suroeste de Francia, donde firmaría su obra provisoriamente con el seudónimo "Ekma".
En 1944, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas organizó una exposición muy importante de Eekman, y a ella asistió la Reina Elisabeth de Bélgica.
En los años 1950 y 1960, las exposiciones continuaron a un ritmo constante en Francia, Bélgica, los Países Bajos y Suiza. En la Exposición Internacional de Deauvillede 1956, Eekman recibió el Premio del desnudo.
Poco después de una gran retrospectiva en la galería Reflets de Bruselas, Nicolás Eekman falleció en París el 13 de noviembre de 1973, y fue enterrado en el cementerio de Ivry, cerca de París.
Con el impulso de su hija Luce, fue creada en1989la asociación"Le Sillon Nicolas Eekman", que está dedicada a perpetuar la memoria y la obra del pintor a través de la elaboración de un catálogo y de la organización de exposiciones en Francia, Bélgica y los Países Bajos.
Jef Leempoels nació en Bruselas en 1887. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expuso en la Federación Nacional de Artistas Belgas de 1897.
Fue un artista muy conocido en el mundo del arte. Ganó una mención de honor en 1893 y la medalla de plata en la Exposición Universal de 1900 de París. Tambien le concedieron medallas en Anvers en los Estados Un idos y Buenos Aires.
Para mantener su clientela internacional mantuvo estudios en Bruselas, París, Nueva York y Buenos Aires
Ana Lentsch es una pintora, es cultora y grabadora. Nacida en Montzen 1943 Bélgica, con raíces polacas y holandesas y nacionalizada española desde 1963. De formación autodidacta, su obra es extremadamente significativa dentro de la alternativa del Arte Contemporáneo, por su fidelidad en la investigación técnica, lenguaje pictórico y compromiso con la sociedad de su tiempo. Lentsch es la creadora y máxima exponente del Óleo Shmatting, una valiente aportación en el arte de vanguardia de los últimos años. Debido al complejo proceso al que somete a sus lienzos, sus obras aportan una textura casi escultórica, fácilmente reconocible por los matices y relieves así como por las continuas capas de color que inserta sobre los lienzos y sobre los que finalmente realiza vaciados. Busca la renovación constante y por ello no se encierra en una sola temática u estilo concreto, diriase una artista inetequitable ya que su extensa obra ha pasado por diferentes movimientos pictóricos hasta encontrar su técnica propia en 1991, antes: Expresionismo desde 1955 a 1963 y Realismo mágico desde 1970 a 1988, dentro de este género admira a Rembrandt, Goya, Modigliani y a James Ensor. Su trayectoria pictórica empieza a los 15 años de edad cuando gana el primer concurso de pintura en la ciudad de Dülken (Alemania), sirviendo de fuerte inspiración las obras de Durero y Gaugin. Fruto de la escuela centro europea, donde la acidez era condición insustituible en la plástica, Lentsch deja la dialéctica flamenca o germánica para conectar y transmitir su visión desde la ironía o al dramatismo más profundo. Presenta sus obras por series pictóricas que difiere por años, temáticas y lectura, preservando en todas ellas una mordaz crítica social. Gusta también de recuperar series pasadas para enlazarlas con sus últimas creaciones. Misterio, mística, música, literatura y vivencias pasadas, forman parte de la obra de Lentsch. Su vida transcurrió en Alemania: Dülken hasta 1963, cuando dejó su país de origen para trasladarse a Barcelona. Ha expuesto dilatadamente en España, Francia, Austria o Estados Unidos .
Pintor simbolista. Estudió en la Academia de Gante con Theodore Canneel como profesor. Acabó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de París. Le concedieron el Premio de Roma en 1886. Viajó a Italia, Grecia, Egipto y Turquía. Fue miembro del grupo artístico"Pour l'Art" in 1890.
Se casó en 1892 con Gabriëlle Canivet, una famosa diseñadora de artículos de Art Nouveau. Participó en el "Salon d'Art Idéaliste" in 1896.
En 1896 se convirtió en profesor de artes decorativas en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y en esos años realizó una de sus obras más importantes, el tímpano del Teatro Real de Gante.
Su casa, construída alrededor de 1909, se convirtió en un importante punto de encuentro para muchos artistas.
Terminada la primera guerra mundial, en 1920, fue co-fundador, junto a Jean Delville, Emile Fabry, Albert Ciamberlani, Emile Vloor y Omer Dierickx, de un movimiento que promovía un arte decorativo relacionado con la arquitectura.
Paalen se deslindó de Breton y el grupo surrealista para formar la revista Dyn, la que sirvió como plataforma para el desarrollo y promulgación de sus ideas. Dyn viene del concepto aristotélico kata tú dynaton, lo que potencialmente “es”, o lo posible. Para Paalen, los avances de la física y la crisis de la modernidad, significaron la posibilidad de adentrarse en un universo “de lo imaginable”, y no sólo de las tres dimensiones del mundo visible. Criticaba los conceptos del materialismo, pues concebía las cosas que lo rodeaban como partículas en constante y salvaje movimiento, que le permitían adentrarse en ellas y atravesarlas en un nivel microfísco, y así visualizar como surgen los fenómenos.
Biógrafo y retratista de Renoir anciano, al que pinta en escenas de conmovedora autenticidad, lo será también de Monet..jpg)
Rodeado de amigos entre los que cabe citar a Julie Manet, Pierre Renoir, Marquet y Paul Signac, su vida transcurre entre París, sus actividades como pintor y como secretario del Salon d'Automne, y sus prolongadas estancias en Laudun (donde es conservador del Musée de Bagnols-sur-Sèze), donde se refugia durante la Segunda Guerra Mundial.
Poco a poco, su paleta, tan viva en los primeros tiempos, se va templando. Pero Albert André permanece fiel a sí mismo, a su sentido de la intimidad, a los interiores acogedores, a los objetos familiares, flores, jarrones, muebles, espejos, ventanas abiertas a Laudun...
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