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  • 01/21/14--13:09: Ernst Fuchs
  • Ernst Fuchs (center), Salvador Dalí (left) and Arno Breker.

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     Ernst Fuchs nació en Viena en 1930 en Viena. Su  padre era un judío ortodoxo que se había casado con una cristiana. Cuando los nazis ocuparon Viena en 1938, el padre, Maximilian Fuchs, emigró a Shanghai. Ernst se quedó en Viena con su madre. Las leyes naxis no permitían que su madre lo criase así que Ernst fue deportado a un campo para niños de origen racial mixto. La madre acordó un divorcio para salvar al niño del campo de exterminio

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    A partir de  1942 comienza recibir clases de dibujo, escultura y pintura con Alis Schiemann. Despues con el profesor Fröhlich y con la escultora Emmy  Steinböck 
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     En  1945 entra en la  Academia de Bellas Artes de Viena donde conoce la obra de Egon Schiele y de Gustav Klimt


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    En  1948 se convierte en uno de los miembros fundadores del la "Vienna School of Fantastic Realism"  y  participa en la primera exposición en el Vienna Art Club en Turin, Italia


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    En  1949 se marcha a París, donde se quedará 12 años. Despues de años de miseria, consigue reconocimiento internacional

     Desde  1952 hasta  1956 realiza viajes a Inglaterra, España Italia y se queda año y medio en los Estados Unidos


    En 1956 se traslada a Israel para vivir en un monasterio en el Monte Zion, pinta iconos y le hacen algunos encargos


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    En  1962 regresa a Viena, abre una galeria que se convierte en el centro de reunión del Fantastic Realism.  En 1966 escribe un libro su libro de arquitectura ARCHITECTURA CAELESTIS. En 1970 comienza a trabajar en bronce, granito, plata y resina sintetica1973Compra la villa de Otto Wagner en Viena-Hutteldorf y la renueva completamente. Entre 1974-78 trabaja para el cine y el teatro, diseña los escenarios para las operas La flauta Magica y Cuentos de los Bosques de Hoffamann, en Munich y en Viena y simultameamente trabaja en unas series de acuarelas  y  en sus ensayos folosóficos y poemas. En 1988 se inaugura el Museo privado Ernst Fuchs, coincidiendo con el centenario de la Villa Wagner. En 1993 expone por primera vez en Rusia, en el Museo de San Petersburgo

    Más información (en inglés)...http://www.ernstfuchs-zentrum.com/html/bio2.html



     
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  • 01/22/14--10:28: Anton Lehmden


  • Anton Lehmden1929  nació en Nitra, Slovakia-  Pintor, dibujante y grabador. Co-fundador de la Escuela de Viena de Realismo Fantástico.  Se fue a vivir a Viena despues de 1945 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena.  Hizo su primera exposición en Art Club de Viena y estuvo presente en muchas otras exposiciones internacionales.  Dio clases en Estambul en 1962-63  y desde  1971 hasta 1997 en la Academia de Bellas Artes de Viena

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  • 01/22/14--15:04: Arik Brauer


  • Viena 1929. Hijo de emigrantes judios rusos. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con el profesor Paris von Gütersloh.  Co-fundador del grupo WIENER SCHULE DES PHANTASTICHEN REALISMUS. En contraste con el estilo abstracto dominante en la década del 1950  el grupo desarrolló una obra que denominaron Surrealismo fantástico con gran influencia de los grandes maestros, especialmente de Pieter Breughel y Hieronymus Bosch.  

    La primera gran exposición retrospectiva de Brauer tuvo lugar en  1979, seguidas de otras a través de Estados Unidos en  1982.  Este mismo año printó un gran mural en la universidad de Haifa. Brauer no es solo pintor, sino tambien arquitecto, artista gráfico, poeta y cantante. Un creativo versatil y un gran idealista

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  • 01/24/14--10:37: Albert Bertelsen



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    Artista danés nacido en 1921 en Vejle. Es un pintor autodidacta, principalmente paisajista. Los paisajes de las Islas Feroe y de Noruega son sus preferidos

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  • 01/26/14--11:56: Paul Gustave Fischer





  •  22 de julio de 1860, Copenhague - 1 de mayo, 1934
     Nació en Copenhaguen, hijo del artista Philip fischer de ascendencia judio polaca. Empezó a pintar cuando era muy joven, guiado por su padre. Fue discipulo de C. Möller y despues estudió en la Royal Academy of Arts. Se dio a conocer como ilustrador de la revista Ude og hjemme. Empezó pintando escenas de la ciudad y despues de una estancia en Paris (1891-95) incorporó color a sus pinceles.  Añade escenas de Escandinavia, Italia y Alemania y escenas de desnudos femeninos.  Aunque su obra no consiguió un gran apoyo popular consiguió alguna fama con motivo de la declaración de Noruega de Suecia en 1905 cuando el rey de Noruega le encargó un cuadro histórico del evento


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  • 01/27/14--11:22: Vilhem Hammershøi



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    Vilhem Hammershøi (1864- 1916) fue un pintor danés. Hijo de un comerciante acaudalado. Estudió en en la Royal Danish Academy of Fine Arts.  Su obra se ha conocido más despues de su muerte y hoy en día es uno de los pintores mas famosos en los países escandinavos.   Sus cuadros se han expuesto en el Museo d’Orsay en Paris, en el Metropolitan Museum of Art, en el  Guggenheim, New York  y en la  Royal Academy of Arts, Londres. 


    Se le conoce más por sus interiores en los que refleja la vida cotidiana. La figura femenina que aparece frecuentemente en las imágenes es su mujer Ida, en su casa en     Christianshavn, Copenhaguen. donde vivieron durante diez años. 


    Hammershoi era un trabajador lento y minucioso. Se puede sentir la deliberación con la que se aplica cada toque de pintura a los  cuadros en los que juega  con  la luz contra la oscuridad, sólido contra vacío, y la transparencia frente a la opacidad. Al espacio vacío  le da la misma importancia visual  que a  forma sólida. Una tonalidad baja, casi monocromática unifica los elementos dispares dentro de cada habitación.


    La paz que emana de sus interiores con mujeres leyendo nos recuerdan a Vermeer,  y otras obras en las que vemos a mujeres sentadas mirando al exterior nos llevan a Pieter de Hooch.  La colocación del mobiliario, las puertas, sus grises, blancos y negros se acercan mucho a los tonos de  James McNeill Whistler, un artista  contemporaneo a quien admiraba mucho.

    Sus edificios y paisajes de la ciudad, normalmente mostrados entre niebla, cuando las calles están desiertas, a primera vista, parecen mostrar tristeza, algo que no parecen sus interiores


    Los interiores son generalmente de su propia casa en Copenhaguen. Algunos incluyen figuras, normalmente vistas de espaldas, otras muestran estancias vacías.

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  • 01/29/14--11:19: ELLY STRIK




  • Tenía guardado el PAIS del 22 de enero porque vi anunciada  una exposición del Reina Sofía. Todo el mundo tiene manías y según vas cumpliendo años más.  Yo confieso que tengo "una prevención hacia el mundillo del arte".  Me refiero a esos "figurones" que rodean al artista por snobismo pero que nunca comprarían una obra, y  hacia los museos tambien. Esa, confieso, estúpida puesta en guardia me hace recelarsobre intereses ocultos y estereotipadas intelectualidades. 

    Por fin hoy indagué sobre la obra de ELLY STRIK y...ohhh sorpresa, ME GUSTA! No sabría explicar la razón...Quizás porque tambien me gusta a mí Ensor  y Goya





    Pongo aqui parte de la biografía que está en la página del MUSEO REINA SOFIA

     Durante su trayectoria, Elly Strik (La Haya, Países Bajos, 1961) se ha interesado especialmente por aquellos artistas visionarios que han sondeado los umbrales de la naturaleza humana, como James Ensor o Francisco de Goya. La artista ha creado una obra basada en la precariedad existencial del sujeto contemporáneo y su inserción en una compleja y larga secuencia que le sigue ligando a sus ancestros; los límites, siempre difusos, entre realidad y representación y el poder performativo que sigue teniendo el pensamiento mítico y la lógica del ritual.


     Sus trabajos, por lo general dibujos sobre papel con grafito y óleo que se caracterizan por una ejecución elegante y limpia, exploran el potencial de los procesos de metamorfosis física en paralelo al propio proceso de creación artística (un proceso que es, por naturaleza, transformador). Strik nos confronta con formas y figuras de apariencia mutante que encarnan y despliegan distintos estados del ser, generando un intenso efecto de extrañamiento que desborda la mirada de los espectadores. A partir y a través de ellas, la artista holandesa parece sugerirnos que la construcción de la identidad es siempre un proyecto inacabado y que el proceso creativo constituye, en última instancia, un acto de reproducción individual por el que el artista es capaz de subvertir las leyes naturales.


    An Undeserved Sweetness
    After the wind lifts the beggar
    From his bed of trash
    And blows to the empty pubs
    At the road's end
    There exists only the silence
    Of the world before dawn
    And the solitude of trees.
    Handel on the set mysteriously
    Recalls to me the long
    Hot nights of childhood spent
    In malarial slums
    In the midst of potent shrines
    At the edge of great seas.
    Dreams of the past sing
    With voices of the future.
    And now the world is assaulted
    With a sweetness it doesn't deserve
    Flowers sing with the voices of absent bees
    The air swells with the vibrant
    Solitude of trees who nightly
    Whisper of re-invading the world.
    But the night bends the trees
    Into my dreams
    And the stars fall with their fruits
    Into my lonely world-burnt hands.



    1. Ben Okri

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    http://www.smk.dk/en/explore-the-art/art-stories/artists/vis/jf-willumsen-1863-1958/
    Director: Andreas Bødker, Fabulab
    Voice over: Stine Prætorius
    Producer: Mathilde Schytz Marvit, Statens Museum for Kunst
    Manuskript: Mathilde Scytz Marvit og Merete Sanderhoff, Statens Museum for Kunst
    Manuskript: Anne Lisbeth Lund, J.F. Willumsens Museum
    Kunsthistorisk research: Anne Lisbeth Lund og Merete Sanderhoff
    Video: Jørgen Roos, Peter Roos og Det danske Filminstitut
    Engelske undertekster: Scandinavian Text Service


    Empiezo esta entrada con un buen vídeo sobre este artista (en inglés)

    Cuando lees biografías de artistas encuentras de todo, hasta asesinos, pero no hay más remedio que separar la vida de la obra. Grandes genios llevaron una vida de "indeseables" pero vamos a analizar al público, a nosotros. A veces lees cosas que te cuesta asimilar...pongamos por ejemplo a este artista




    Jens Ferdinand Willumsen (1863–1958)



    Cuando este pintor expuso esta obra, un dibujo titulado FERTILIDAD, en 1891, ocurrió algo que no había sucedido antes en la historia del arte.  Un mujer en estado de gestación avanzado (Juliette, la mujer del pintor), un flanco de grano igualmente fértil y un texto breve sobre un nuevo lenguaje del arte.


    El texto, escrito en francés, dice:
    El arte antiguo es un lenguaje antiguo que el mundo poco a poco ha aprendido a comprender. El Arte nuevo tiene una forma  renovada que el mundo debe aprender para entenderlo

    El dibujo fue hecho en Paris y, por el hecho de haber sido escrito el texto en francés, se entiende que el pintor quería una difusión más amplia que si lo hubiera escrito en danés.  Fue expuesto, primero en el Salon de los independientes, en 1891 y una semana despues en Copenhagen, en Den frie Udstilling, exposición que había sido programada por un grupo de artistas que querían exponer sus obras libres de jurado- como la que se ofrecía en la Royal Academy of Art en Copenhaguen. Willumsen formaba parte de este grupo de artistas rompedores, paralelos a los movimientos secesionistas de artistas jovenes en otros paises europeos

    "Fertility" causó un gran escándalo cuando fue mostrado  en Den frie Udstilling.  Fue visto como  una declaración política de un artista perteneciente a una generación joven que quería liberarse de las viejas instituciones y de modos anticuados de expresión. 

     Leyendo esta historia  yo no lograba entender donde estaba el escándalo- la mujer representada es Juliette Meyer, una joven danesa casada con Willumsen en 1890.  Despues de la boda se fueron a Paris y se quedaron allí hasta 1894. El pintor había abandonado su país para buscar fuentes de inspiración y en París se puso en contacto con   Paul Gauguin y Odilon Redon. Este último estaba muy interesado en las ciencias naturales, especialmente en la evolución de las especies...Willumsen, en Fertilidad, sugiere una expansión de la teoría de la evolución para abarcar no sólo a las plantas, animales, y al desarrollo humano, sino también al lenguaje e incluso al arte. Por  lo tanto aborda uno de los aspectos más controvertidos de la teoría en su tiempo:. La subordinación  del intelecto humano a los procesos de la evolución

    Ah, ahora lo entiendo






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  • 02/02/14--04:38: PICASSO AL DESNUDO






  • Si bien toda la obra de Picasso está impregnada de erotismo y sensualidad, se puede considerar que en dos períodos, el de sus
    inicios (1900-1908) y el del final (1964-1972) el artista se dedicó más intensamente a temas eróticos explícitos. Si en el primer período realiza apuntes y dibujos, crónica irreverente y autobiográfica de su juventud, en los grabados de su última época se puede constatar una gran variedad de encuadres, de perspectivas, de técnicas de representación que confieren tal fuerza a las imágenes representadas que convierte al espectador en el voyeur al que está destinada la escena. 

    El País cultura

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  • 02/03/14--12:34: Gerda Wegener


  • Gerda Wegener, pintora e ilustradora erótica danesa, nacida (aproximadamente) en 1889, muerta en 1940-

    La peculiar historia de esta mujer empezó en 1902, cuando se trasladó desde su ciudad, Jutland, a Copenhaguen para estudiar arte. Dos años despues de llegar conoció a Einar Wegener en la Academia de Arte y pronto se casaron.  Ambos eran artistas y, aunque se dice que Einar era mejor que ella, ella  se hizo más famosa.  Hizo una exposición en Charlottenborg Art Gallery en 1904 y ganó un premio como ilustradora en el periodico Politiken. Pronto empezó a ilustrar revistas de modas -  Vogue, La Vie Parisienne y Fantasio- y se convirtió en una de las principales ilustradoras del movimiento Art Deco.

    En la década de 1910 se descubrió que las mujeres representadas por Gerda en las revistas, no eran mujeres sino su propio marido, Einar. Esto causó un gran escándalo en Copenhaguen asi que se fueron a París.

    Cuando la pareja llegó a París, Gerda presentó a sus amistades a una misteriosa Lili Elbe (el alter ego de Einar). Lili usurpó completamente el cuerpo  y mente de Einar y se presentaba coqueta en clubs  de París y  Gerda vivía abiertamente su lesbianismo.

    Einar fue la primera persona en realizar una operación de cambio de sexo y despues de eso se les presentó el problema de que las leyes danesas no permitían matrimonios del mismo sexo así que su matrimonio, ya de 19 años, quedó anulado. Gerda se casó con  Fernando Porta,  un diplomático italiano y se trasladaron a Marruecos y Lili comenzó un romace con su médico.

    A Lili le realizaron dos operaciones más pero quería tener ovarios, necesitaba ser madre, así que se trasladó a Estocolmo, pero murió pocos días despues de la cuarta operación.  Cuando Gerda se enteró de la noticia se disgustó mucho, se divorció de su marido y volvió a Copenhaguen. Su última exposición ser realizó en  1939.  Acabó olvidada, alcoholizada y sola, solo apareció una pequeña reseña de su muerte en un periodico





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  • 02/04/14--11:43: Theodor Philipsen



  • Copenhaguen 1840 - Copenhaguen 1920

    Philipsen es considerado como el gran renovador del arte danés de finales del siglo 19. Con referencias en sus  paisajes y pinturas de animales de J.Th. Lundbye. 


    Su primer encuentro con los impresionistas franceses, probablemente se produjo cuando visitó la segunda exposición impresionista de 1876, aunque realmente lo que mas le impresionó fueron los pintores de la escuela de Barbizon, como Theodore Rousseau, Constant Troyon y, quizas,  especialmente Jean- Francois Millet.  Pasarían seis años hasta que las primeras  influencias impresionistas aparecerían en la obra de Philpsen.

    Durante los años 1882-84 pasó una larga temporada en el extranjero.  En París  vio la séptima exposición impresionista en la galería Durand-Ruel. Desde París pasó a Andalucía, de allí a Túnez en África del Norte y luego se fue a Roma y Sora. Durante este período creó un número de obras que se han descrito con precisión como proto-impresionistas. Su encuentro con la luz fuerte  del Sur, las tonalidades  del paisaje, y la compañía del pintor impresionista belga semi-Remy Cogghe impulsó a  Philipsen a  aumentar la intensidad de la luz y el color en sus cuadros.
    En 1884 Paul Gauguin se encuentra desolado por la muerte de su amigo Gustave Arosa y de Edouard Manet, uno de los pocos artistas que Gauguin idolatraba. Las finanzas le iban muy mal y se agravan con el nacimiento de su quinto hijo. Su mujer Mette se va a Copenhaguen en julio pensando en enseñar francés alli y además buscar mercado para el arte de su  marido. En noviembre Mette y sus cinco hijos se trasladan a Copenhaguen y Gauguin los sigue una semana despues
    En 1985 Mette se encuentra bien en su ciudad natal, Copenhaguen, pero Gauguin que no habla danés, critica todo lo que le rodea.



    Aunque esta es una época muy infeliz para  Paul Gauguin en Copenhaguen,  en Philipsen, Gauguin no sólo encontró un  artista simpatizante  de los impresionistas,  sino  también, y muy importante, un artista danés que hablaba francés. Alguien con quien conversar con; un oyente atento. A su vez, Philipsen recibió instrucción sólida de  las teorías del  impresionismo, así como instrucciones prácticas para el uso en su propia obra. Philipsen consolidó sus vínculos con el impresionismo en 1889 con su participación en la exposición nórdicos y los impresionistas franceses. Una exposición celebrada en Kunstforeningen en Copenhaguen, a iniciativa de Karl Madsen, que deseaba reunir ejemplos del impresionismo francés de colecciones danesas con artistas escandinavos similares; un círculo que incluía también a Viggo Johansen, Oda y Christian Krohg y Erik Werenskiold.  Por su parte, Paul Gauguin, despues de haber pasado seis meses en Dinamarca, convencido de que su mujer podía ganarse la vida alli, la deja con cuatro de sus hijos y vuelve a Paris con su hijo Clovis de seis años


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  • 02/05/14--12:01: Kurt Trampedach
  • Pincha en el enlace para ver este vídeo. Me parece muy interesante pero solo lo entenderán los daneses...una pena!http://www.dr.dk/tv/se/manden-pa-bjerget/manden-pa-bjerget-kurt-trampedach/#!/


                                  Autorretrato en la década de 1980






     (Mayo 1943 – Noviembre 2013)

    Kurt Trampedach nació y se crió en Hillingdon, deliberadamente eligió quedarse en una remota región montañosa en el país vasco francés, donde durante muchos años ha sido su hogar. 


    Estudió en la  Academia de Bellas  Artes, 1963-1969  e  hizo su debut en la Exposición de Artistas en Copenhague y  consiguió ser famoso a  principios de 1960 en el mundo del arte danés.


    Kurt Trampedach fue uno de los beneficiarios de la subvención para un año de  trabajo de la Arts Foundation Nacional, y también ha sido distinguido con la Medalla Eckersberg. Su arte se puede ver en los museos de arte de toda Dinamarca.

    A pesar de la distinción su carrera no siempre se movió  directamente proporcional a la popularidad. Ha sido influenciado por su propio lado oscuro de la  vida y una serie de eventos desafortunados.

    El artista  habló  en entrevistas de su depresión maníaca,  episodio que  ocurrió durante casi  todo el periodo de su vida en el estudio de Francia,  estos  episodios depresivos  lo hacían aislarse del mundo exterior. 



    En 2002 ardió  tanto a su casa en Francia como su  estudio en Copenhague, donde siete pinturas casi terminadas  se quemaron.

    Un hombre fue  declarado culpable del incendio premeditado en Francia, mientras que el fuego en Copenhague nunca fue resuelto.

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  • 02/06/14--05:07: Anton Kolig

  • Dice la HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL que tres pintores austríacos son  símbolo de la ruptura con el pasado y adalides de la nueva pintura  contemporanea: Klimt, pintor esencialmente modernista, que destaca por su arte esteticista, no exento de nostalgia y reminiscencias bizantinas; Kokoschka y Egon Schiele, ambos representantes de la pintura expresionista de vanguardia. Otros pintores  expresionistas de la  época de esplendor de Viena son; Max Oppenheiner, Anton Koling, Faistaver, Boeckel; Gütersloh, Felix Harta, Richard Gerstl y  Arnold Shönberg, que ademas de músico fue pintor.

    Literatos, músicos y filósofos, especialmente los de la "joven Viena" se reunirán en tertulias intelectuales en los famosos davés vieneses como el "café Griensteidl".  Una figura central en esta Viena de 1900 es Sigmun Freud.

    Pero ahora vamos  a ANTON KOLIG...



    Anton Kolig (1886, Neutitschein, Moravia–1950, Nötsch im Gailtal, Austria) empezó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas, coincidiendo alli con Oskar Kokoschka. Luego estudió en  Academia de Bellas Artes- 1906 - 1912
    Estando en la Academia, Gustav Klimt lo invitó a participar en una de las exposiciones del grupo. Esta exposición le dio cierta fama y por ello le concedieron una beca para ir a París en  1912. En  1913 viajó a  Colmar y a Boulogne-sur-Mer, y tambien  a los Paises Bajos. Finalmente se estableció en  Cassis cerca de  Marseille.
    Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Kolig y muchos otros pintores de vanguardia abandonaron las ciudades para irse al campo. Un grupo de artistas se congregaron en la pequeña ciudad de Nötsch en el valle de  Gailtal  (sur de Austria).  Se conocían como los  “Nötscher Kreis”,(círculo Nötsch).  Este grupo desarrolló una variación regional de expresionismo.  A Anton Kolig  se le considera uno de los protagonistas de este grupo, que incluye Sebastion Isepp, Franz Wieler y  Anton Mahringer.  La mayor parte de la obra de   Kolig  se centra en el desnudo masculino. Sus nostálgicos dibujos de hombres jóvenes son poderosos y tiernos. Sus desnudos y autorretratos están clasificados como estudios psicológicos que expresan emociones mitológicas y estados mentales.
     
    Al acabar la guerra se trasladó a  Zurich donde se quedó hasta  1925. En 1928, le ofrecieron y aceptó un puesto en la Academia en  Stuttgart,   pero lo perdió  en 1943 y volvió a  Austria.  El y su mujer fueron gravemente heridos en el bombardeo de  Nötsch en 1944, se perdió parte de su obra y falleció Wiegele.
     
    Kolig  recibió varias medallas y premios, entre ellos la Medalla de Ordo de "Las Artes Alemanas en la exposición de  Düsseldorf en 1928  y el Premio de Estado Austriaco en  1936. En 1929  el  gobierno de Carinthian le había encargado que pintara unos frescos en  Landhaus en Klagenfurt los cuales, junto con los mosaicos en  Salzburg Festspielhaus,  fueron eliminados despues de la  "Anschluss" (la anexión de Austria a Alemania) en 1938.
     
    Se pueden encontrar cuadros de Kolig en  Salzburgo en la  Residenz Gallery y en Viena en la  Belvedere Gallery,  Museo de Bellas Artes de Viena y en el  the Vienna Museum y en el  Leopold Museum.


     Source: German Wikipedia

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  • 02/07/14--12:58: Carl-Henning Pedersen



  • Carl-Henning Pedersen : 1913-2007

    A finales de la década de 1930 un grupo de artistas daneses crearon una nueva escuela de pintura. Con gran talento y valentía inventaron una nueva forma de expresionismo.  De este grupo, conocido como COBRA, Carl-Henning Pedersen fue una de los artistas más relevantes y su arte influenció a la mayoría de los miembros del grupo. 
    Es un pintor con gran fantasía, crea un mundo de fábula poblado por extraños seres, caballos y  pájaros volando entre entre estrellas doradas, donde en la distancia se ven palacios de cuentos de hadas o el azul del mar. Es un artista del color y de la poesía

    Nació en Copenhaguen en 1913, hijo de una familia de obreros, de pequeño soñaba con ser arquitecto o compositor, pero en el instituto de estudios secundarios conoció a Else Alfelt que lo introdujo en el mundo de la pintura. Se casaron al año siguiente, y en  1936 ambos hicieron su debut como pintores en una exposición en  Kunstnernes Efterarsudstilling en Copenhaguen.

    En 1936 viajó a Paris y allí vió obras de unos artistas tan internacionales como Picasso, Matisse y Chagall. En el viaje de vuelta se detuvo en  Frankfurt Am Mail para ver la exposición "Entartete Kunst". 
     Pintor autodidacta con un estilo muy personal. Al principio Klee y Picasso le influenciaron, pero más tarde fueron Monet y los Neo-impresionistas. El confesaba que le inspiraba el arte primitivo y escribió sobre los murales medievales de las iglesias de Sjælland  en Dinamarca.  Viajó por el sur de Europa y por el este, lo que le dio la oportunidad de absorber el folclore y la filosofía de los lugares que visitaba.
    A partir de la década de 1950, cuando ya estaba en el grupo COBRA, realizó muchas exposiciones. Recibió el premio Eckersber y el Guggenheim  y alcanzó fama internacional a partir de 1962 cuando fue como representante de Dinamarca a la Biennal de Venecia.
    Fue un artista muy productivo. Le encantaba pintar, creía en la creación rápida, trasladar las emociones a la tela sin dilación. Podemos resumir su obra como imaginativa, espontanea, con un toque primitivo, sin estropear, como el  de un  niño




     

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  • 02/08/14--12:03: Karel Appel



  • Christiaan Karel Appel   nació el 25 de abril de 1921 en Amsterdam donde su padre tenía una barbería. Estudió en  Rejksakademie van Beeldende Kunsten,  y  en la Academia de Bellas Artes durante la ocupación alemana. Sus padres se oponían a su deseo de ser artista y lo echaron de casa.   A los catorce años ya pintó su primer óleo, un bodegón con frutas y cuando cumplió quince años, su tío Karel Chevalier, le regaló todo lo necesario para pintar y unas cuantas clases.



    En 1946, hizo su primera exposición en  Groningen, Holanda. Tambien participó en la exposicion Jonge Schilders en el Museo  Stedelijk de Amsterdam y  creó un escándalo en el mundo del arte tanto en la prensa como en el público.  En esta época estaba influenciado por  Pablo Picasso y Henri Matisse, más adelante por  Jean Dubuffet.   En  1947, empezó a hacer esculturas, realizadas con varios materiales y pintadas en colores vivos como blanco, rojo, amarillo, azul y negro. Karel Appel  se hizo miembro del grupo Nederlandse Experimentele Group in Holanda con los jóvenes pintores alemanes Anton Rooskens, Theo Wolvecamp y Jan Nieuwenhuys.  El escritor belga  Hugo Claus se uniría al grupo despues.

    En 1948, Appel  se unió al grupo  COBRA.  Aunque este grupo no era muy popular en los Países Bajos pero si fue bien recibido en Dinamarca. En 1939,inspirados por la mitología danesa y nórdica, los artistas daneses habían empezado a hacer arte espontáneo. En 1949, Appel pintó un mural para una cafetería en Amsterdam. La obra titulada  “Questioning Children”, en la que se veían unos niños todavía sonrientes, aunque habian sido abandonados despues de la guerra, causó mucha controversia y puso tan nerviosos a los miembros del ayuntamiento que fue cubierto durante casi una década.  Ante tantas reacciones hostiles, Appel se fue a Paris en 1950. Luego viajó a Méjico, Estados Unidos, Yugoslavia y  Brasil. Pasó varios años entre Florencia y Nueva York. En Paris se hizo amigo de los pintores daneses  Jorn y del poeta, y  escritor flamenco  Hugo Claus, quien en  1962 escribió un exhaustivo estudio de la obra de Karel.   En la década de 1950, Appel se enamoró del   jazz y  pintó retratos de Dizzy Gillespie, Miles Davis, Count Basie, y Sarah Vaughan. En 1954   recibió el premio de  la  UNESCO  en la Venice Biennale.
     Appel  murió el  3  de  Mayo de  2006  en su casa de   Zürich, Suiza.

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  • 02/10/14--11:33: Asger Jorn



  • Humanista en el sentido más amplio de la palabra, Jorn utiliza toda clase de medios para expresarse: pintura, dibujo, arte gráfico, cerámica y escultura, con una actitud conciliadora entre arte y vida.
    Alumno de Fernand Léger en la Académie contemporaine de París, Asger Jorn muy pronto se deja seducir por la tendencia surrealista representada por Miró, Ernst y Arp, a la vez que recurre a las imágenes legendarias escandinavas para crear unas composiciones que abarcan desde figuras independientes hasta paisajes polifacéticos poblados de animales. Su paleta de colores se hace deudora de Van Gogh, Ensor, Munch y Nolde.
    Con los artistas Appel, Constant, Corneille, Dotremont y Noiret, Jorn funda el grupo Cobra a finales de 1948. Los principios que sustentan este grupo son la experimentación, la transgresión de las categorías y las jerarquías artísticas, y la desaparición de los intereses particulares en beneficio de la obra colectiva. La inspiración en el imaginario popular escandinavo y, en general, en todas las formas de cultura popular, en el surrealismo, en las obras de Klee y de Picasso y en el arte prehistórico se convierte también en un rasgo común. El grupo se deshará a finales de 1951.
    En diciembre de 1953, Jorn crea elMovimiento Internacional para una Bauhaus Imaginista (MIBI), en oposición a la doctrina funcionalista representada por la nueva Bauhaus de Ulm, dirigida por Max Bill. Jorn pretende retomar el carácter experimental y pluridisciplinar de la antigua Bauhaus y hacer de la industria un medio y no una finalidad en sí misma. Al abrigo de este movimiento, Jorn llevará a cabo una serie de experimentaciones en el campo de la cerámica.
    El año 1957 es decisivo en su carrera, aunque pasa por un período dedepresión que deja una huella hasta cierto punto ácida en sus obras. Jorn combina figuras o fondos saturados con otros más fluidos, que representan parejas unidas apasionadamente, tanto por el amor como por el odio, y composiciones complejas, caracterizadas por la imaginería satírica o de cómic que el propio Jorn había promovido en la época de Cobra. Durante estos años, Jorn también empieza a realizar collages y décollages, técnicas que irá retomando en años sucesivos, 1963-1965 y 1967-1969.
    Los contactos del MIBI con el grupo de Guy Debord, la Internacional Letrista, conducen a la creación de la Internacional Situacionista en julio de 1957. Este movimiento conjuga la creación cultural de vanguardia y la crítica social revolucionaria. Su propósito es actualizar el marxismo a partir de una nueva dinámica, que incluye la crítica y la burla, e interviene en todos los aspectos de la actividad humana (sociología, urbanismo, arte, literatura, política). La dura politización que impone Debord causa muchas deserciones y expulsiones en el movimiento. Jorn presenta la dimisión en abril de 1961.
    Tras abandonar la Internacional Situacionista, Jorn se dedica de lleno al proyecto de presentar el arte antiguo escandinavo, que había iniciado más de doce años atrás. Reúne un archivo de más de 25.000 negativos y fotografías, que quiere convertir en un centro de estudios de arte antiguo escandinavo, que titula Instituto Escandinavo de Vandalismo Comparado. Pero en 1965 tiene que abandonar el proyecto por falta de apoyo institucional.
    Durante los últimos años de su vida, Jorn continúa experimentando en el campo de la pintura y la obra gráfica. También trabaja la arcilla, el bronce y el mármol, y obtiene unas esculturas con una textura muy rica y de gran movilidad.


    Jorn muere en Aarhus, Dinamarca, en mayo de 1973 a causa de un cáncer.

    Fundació Antoni Tàpies 


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  • 02/12/14--11:25: EL MOVIMIENTO COBRA



  • El movimiento cobra tuvo un origen dialéctico que partía del subrrealismo, aunque en realidad, rechazaba las doctrinas que este movimiento. El subrrealismo tiene dos vertiendes opuestas la que se desarrolla en Bélgicase opone a la que se originó en París encabezada por Breton. 
    El pintor holandés Constant, nacido en Amsterdam en 1920, llegaría a ser una pieza vital en la formación de COBRA. En 1948 fundó el grupo holandés Reflex y en su revista, del mismo nombre, el grupo publicaba textos literarios, poesía, estudios sobre cultura popular y reflexiones. En la primera entrega de Reflex, Constant, publica dos textos: Un "manifiesto" y una «Declaración de Libertad» cuyos postulados más significativos reproducimos:
    "En el vacío cultural sin precedentes que ha seguido a la guerra [...] cuando la clase dominante ha llevado al arte a una posición de total dependencia [...] Se ha establecido una cultura del individualismo condenada por la misma cultura que la ha producido porque su convencionalismo impide el ejercicio de la imaginación, el deseo y la expresión de la vida [...] En tanto las formas artísticas sean una imposición histórica no podrá haber un arte popular ni siquiera cuando se hacen concesiones al público mediante la participación activa. El arte popular se caracteriza por expresar vida de un modo directo y colectivo."

    "Está a punto de nacer una nueva libertad que permitirá a la gente satisfacer sus impulsos creativos. Como resultado de este proceso, la profesión artística dejará de ocupar su posición de privilegio. Ésta es la razón de que algunos artistas contemporáneos se resistan a ello. En el periodo de transición, la creación artística está en guerra con la cultura existente, a la vez que anuncia el advenimiento de una cultura futura. Debido a este aspecto dual, el arte tiene una papel revolucionario en la sociedad."


    En estos escritos se recogen gran parte de los postulados que constituiran el movimiento Cobra, movimiento que surgirá físicamente en noviembre de 1948 que con motivo de la celebración del Congreso para la Documentación del Arte de Vanguardia, en el Centro Internacional de París, y como protesta por el tono complaciente del debate, seis delegados, que participaban en tal evento, abandonaron el citado Congreso y se reunieron en el café Quai St. Michel constituyendo un grupo disidente, siendo Dotremont el encargado de redactar una breve declaración, la cual firmaron todos los presentes en nombre de los grupos a los que representaban, a saber: Dotremont y Noiret en nombre del Grupo Surrealista Revolucionario mayoritariamente belga; Constant, Appel y Corneille en nombre del grupo holandés Reflex mencionado anteriormente y Jorn en nombre del grupo danés Host.



    Unos días después, Dotremont, basándose en las las primeras letras de las capitales de los tres países de origen de los disidentes que firman la declaración de St. Michel, COpenhage, BRuselas, Amsterdam, le da nombre a este movimiento formando la palabra COBRA.



    A partir de aquí al grupo se incorporan pintores, poetas, arquitectos de distintos paises, dándole el impulso y caracter de universal, organizando para su difusión y conocimiento reuniones informativas, exposiciones, intercambios, todo apoyándose y difundiéndolo por medio de la revista COBRA.


    todacultura.com


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  • 02/13/14--10:56: Wilhelm Freddie






  • Wilhelm Freddie, el pintor surrealista danés que se inspiró en la obra de Salvador Dalí, y que se consideraba a sí mismo como la "oveja negra" del arte en su país. Fue el único artista danés que vio confiscadas sus obras por la policía en varias ocasiones, y tuvo que esperar hasta 1989 para que se le reconociese su valía con una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Estatal de Arte de la capital danesa
     
    El pintor nació en Copenhague en 1909, hijo de un ayudante de laboratorio en el Instituto de Patología, y en 1929 debutó como artista en la exposición conjunta de otoño, donde al año siguiente presentó su cuadro Libertad, igualdad y fraternidad, considerado como la introducción del surrealismo en los países nórdicos. La obra le valió el calificativo de "loco de atar" por parte de sus contemporáneos, y fue el primero de una serie de enfrentamientos con la sociedad, que provocaron la negativa de permisos para exponer en ciudades como Londres y Oslo. En 1937, la policía clausuró en Copenhague una de sus exposiciones y se incautó de seis cuadros, que estuvieron colgados durante 26 años en el Museo de Criminología, por su carácter de "perversa obscenidad". En 1944, durante la ocupación de Dinamarca por las tropas de Hitler, huyó a Estocolmo.


    En 1961, Freddie volvió a recibir la visita de la policía en una galería de la capital danesa, donde el pintor exhibía copias de los cuadros confiscados en 1937, pero en 1963 consiguió que los tribunales les retiraran la etiqueta de"indecentes". El reconocimiento general llegó en 1968, cuando Freddie fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes danesa, organismo que en julio de 1974 le otorgó el título de profesor.
    Sus cuadros se encuentran en el Museo Estatal de Copenhague, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en el Museo Nacional de Estocolmo, entre otros.-

    El País

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  • 02/20/14--12:50: JORGE BALLESTER

  • ¿Quien era Jorge Ballester? Como ocurre muchas veces conoces a personajes cuando fallecen. El otro día vi un artículo en EL PAIS

    Jorge Ballester, el artista enfadado con el mercado

    Y me interesé por su obra



    Aquí está el artículo de EL PAÍS
    Jorge Ballester mamó el arte ya desde la cuna. Su padre, el escultor Antonio (Tonico) Ballester, y su tío, el fotomontador Josep Renau, fueron claves en el panorama artístico de la República y del periodo de las vanguardias españolas, además de ejemplos del compromiso social y político de la creación. Y el pintor valenciano, que falleció ayer a los 72 años, predicó con el ejemplo.
    En 1966 fundó en su ciudad natal de Valencia, junto con Joan Cardells, el Equipo Realidad, que cultivaba una figuración crítica y un pop art que hundían sus raíces en la apropiación de imágenes de la realidad cotidiana y de la historia del arte, en la negación de la autoría y del arte como objeto de transacción y en la denuncia social y política. A los diez años, con el inicio de la Transición, el equipo se disolvió y Jorge Ballester se dedicó al diseño. Fue incluso jefe de publicidad de Porcelanas Lladró, entre otros trabajos alimenticios. Pero nunca abandonó sus pinceles ni su ideología izquierdista. Era un pintor clandestino, un exiliado del mercado del arte que aborrecía. Un mercado que, paradójicamente, no ha dejado de revalorizar en los últimos años la airada creatividad del Equipo Realidad.
    De fuerte personalidad, se relacionó con personalidades de la cultura como Luis Buñuel, Gabriel García Márquez, Sergio Pitol o Jorge Ibargüengoitia. Con motivo de una exposición organizada por la Universitat de València en 2011, que exhibía la obra que fue atesorando en su estudio, Jorge Ballester declaraba en una entrevista concedida a este diario: “Me gusta pintar pero no ser pintor. Los condicionamientos del mercado rebajan las virtudes de una obra porque siempre se enfoca a la venta y al éxito, que son dos palabras que me provocan rechazo. El éxito y la fama hacen a la gente estúpida y al producto, también”. Hasta el último momento lamentó la pérdida de conciencia del artista. Hoy será incinerado en Valencia.

    22-enero 2014

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  • 02/21/14--11:08: HA MUERTO AGUSTINA ALVAREZ

  • Ayer en FARO DE VIGO- Fernando Franco escribe una nota de despedida a Agustina

    Un adiós sentido a Agustina

    Parece imposible que sea ella, pero es cierto. En Madrid se nos fue, de modo repentino, Agustina Álvarez,la que le dio vida a la Laxeiro la última etapa de su vida. La hija de Antonio, ebanista de mucho fuste en Teis, la hermana de Antonio, taxista jubilado, y de Lola, mujer tranquila en contraste con ella, que era un fuxe fuxe. Como cada año Agustina vino en verano a Vigo, expuso esta vez en Sargadelos... con la misma fuerza de siempre. Murió Agustina de lo que tanto le sobraba, el corazón. Hoy la incineran en Madrid y el lunes, a las 7 de la tarde, habrá funeral en Santiago de Vigo.

    Me llamó una amiga para contarmelo ¿Sabes que se ha muerto Agustina? Una muerte siempre sorprende, además acordándome de una mujer que parecía un terremoto más. Buscando en internet encontré un artículo de ALBERTO CORTEZ y extraigo un trocito que se refiere a Agustina:

    "Nosotros no podíamos creer que pudieran convivir en aquel clima de odio y
    agresiones constantes, pero debo decir que Agustina por la inmensa admiración que sentía por él (Laxeiro), le soportaba todo y nunca lo abandonó. En el fondo aquello era una forma distinta de amor a todo lo conocido pero amor al fin y al cabo. Anciano cascarrabias como él pocos, pero al mismo tiempo denotaba una ternura infinita que trataba de ocultar para no parecer un débil".



    Me rio recordando el día que fuimos a cenar al Gran Hotel de la Toja con Alberto Cortez y su mujer. Nos sentamos y antes de empezar a cenar Agustina se levantó, seguro que enfadada por no ser el centro de atención, y se fue a pasear por el jardín. ¿Que hacemos? Preguntó Cortez- "Cear" contestó tranquilamente Laxeiro.  Al acabar apareció Agustina con andares de diva, hablando del tiempo, mientras Laxeiro murmuraba "está tola"


    Y aqui la tenemos, con su delantal... no veo muy bien si lleva puesta la cofia. Ese era su papel favorito. Mejor ponerse el delantal sin nada por debajo, todos nos reiamos. A Laxeiro le encantaba la actuación.

    Yo he vivido tantas situaciones esperpénticas, o más bien podría decir "surrealistas" con Agustina que tendría para escribir un libro.  La última vez que la vi fue hace unos tres años, paseando por la playa de Samil. Un día me dijo que me quería,  no tanto a Elorrieta (ja, ja). No me gusta ir a funerales pero estoy pensando si ir.

    "Arriba" seguro que todo se ha desestabilizado...

    Busco algo sobre su vida artística y me he llevado una sorpresa


    Estuvo exponiendo en Vigo, en la Galería Sargadelos



    ¡Si no lo veo no lo creo!


    Si al final si que se convirtió en artista...


    Descansa en paz Agustina

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