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  • 07/30/16--12:15: Evan Penny


  • El artista canadiense Evan Penny (nacido en 1953) hace  un tipo de escultura  tan realista, tan detallada, modelada con gran artesanía en  aluminio, silicona, resina epoxi y pigmentos que sus figuras desnudas  y cabezas  invitan al espectador a examinar toda imperfección carnosa y hendiduras. Pennyutilizala edición deimagen electrónicayla digitalización en 3Dpara crear estosefectos
    Evan Penny nació en Sudafrica pero en 1963 su familia se trasladó a Canadá. Vive en Toronto desde  1988- Estudió en Alberta College of Art and Design.
    Harealizado numerosas exposiciones individualesen todo elmundo, incluyendola GaleríaTomioKoyama,Tokio;el Museode Arte de Columbus, Ohio;del paralelo 49,NuevaYork;y Galeríade Segovia,España,por nombrar unos pocos. Figura en  lascolecciones de la GaleríaNacional de Canadá; Galeríade Arte de Ontario; GaleríaAlbright-Knox Art;Columbus Museum of Art;el MuseoGlenbow;Portrait GallerydeCanadá;el MuseoHirshhorn;y la Galeríade Arte de Ontario yen muchas colecciones privadasimportantesen todo el mundo.


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  • 08/05/16--12:10: David Salle


  • Nacido en 1952 en Norman, Oklahoma, David Salle se crió en  Wichita, Kansas. En 1970, comenzó sus estudios  en el Instituto de Bellas Artes de Valencia, donde trabajó con  John Baldessari.   En 1975 se trasladó a Nueva York
    Este artista ayudó a definir el posmodernismo combinando figuración con un lenguaje extremadamente variado. Utiliza un vocabulario visual basado en la historia del arte, anuncios, diseño, cultura actual y sus propias fotografías.  Desde la década de 1980 incluye en su obra referencias a   pintores, desde Velázquez a Bernini hasta Cézanne, giacometti y Magritte y arte americano de antes y despues de la guerra
    Realizó su primera exposición en el museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam en 1983. Su  obra se ha mostrado en muchos museos y galerías, como el Whitney Museum de Nueva York, Museo de Arte Contemporaneo de Los Angles y Chicago, MOMA, Menil Collection Houston, Paris Biennale, Documenta, Bienal de Venecia, etc.

    Aunque se le conoce principalmente como pintor, tambien ha diseñado vestuario para ballets y operas. Tambien es un prolífico escritor. Sus ensayos y entrevistas sobre arte han aparecido en Artforum, Art in America, Modern Painters, The Paris Review y Art News, así como en numerosos catálogos y antologías




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  • 08/07/16--04:20: Luis Sáez

  • Pintor burgalés nacido en 1925 en la localidad de Mazuelo de Muñó y fallecido el 18 de mayo de 2010.
    Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde obtuvo el título de profesor de dibujo.
    En 1962 fue becario de la Fundación March y diez años después consiguió el Premio Nacional de Dibujo Pancho Cossío.
    En 1991 fue reconocido con el galardón Castilla y León de las Artes.
    Obtuvo además el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Marbella, el Ciudad de Burgos, el de la Bienal de Valparaíso y el segundo de grabado de la Bienal de Alejandría.
    El pintor, a lo largo de su andadura, pasó por diversas etapas, que comenzaron con su participación en movimientos de vanguardia constructiva. Tuvo después una época informalista y neofigurativa, hasta llegar finalmente a un surrealismo muy personal. Con antecedentes en el manierismo italiano, sus cuadros se pueblan de objetos misteriosos y dispares dentro de unos espacios asfixiantes, de angustia y pesadilla.
    Desde 1947, Sáez participó en importantes exposiciones colectivas, que llevaron su obra, además de por toda España, a Alemania, Bélgica, Finlandia, Holanda, Japón, México, Puerto Rico y Estados Unidos. En 2009, cedió 400 obras para una exposición permanente en el Museo de Burgos.
    Luis Sáez es uno de los pintores burgaleses más importantes de la segunda mitad del siglo XX y el que más reconocimiento ha tenido fuera de nuestras fronteras.
    Poseedor de una obra artística de dimensión universal que transciende la referencia a una temporalidad concreta. 

    Información-Ciudad de la Pintura

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  • 08/08/16--10:17: Ricardo Sánchez Grande



  • Ricardo Sánchez Grande (Ávila, 3 de abril de 1955) es conocido como un pintor realista de gran reconocimiento en el panorama pictórico español. En sus orígenes, empezó pintando bodegones, retratos y paisajes. Sin embargo, el artista se dio a conocer en el mundo artístico por su colección de estaciones de ferrocarril que inició a sus veinte años, temática con la que ha conseguido importantes premios a nivel nacional.

    En 1974 comienza la carrera universitaria de Bellas Artes en la Escuela de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla, donde realiza los cuatro primeros cursos. A continuación, se traslada a Madrid para estudiar la especialidad de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando. Durante su etapa formativa, el artista desarrolla su propio estilo realista influenciado por las obras de los grandes maestros de la pintura realista como Velázquez, Rembrandt, Antonio Moro, Leonardo da Vinci y Vermeer. Como técnicas preferidas por el autor se encuentran el óleo, las grisallas aplicadas al dibujo y otras técnicas mixtas. Además en los cursos académicos 1990-1991, 1991-1992 y 2004-2005, fue profesor asociado de Dibujo de la Universidad de Salamanca.

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  • 08/08/16--11:16: Jacint Salvadó



  • Jacint Salvadó (Mont-Roig 1892 – Le Castellet 1983) es una de las figuras más destacadas de los artistas españoles en el París de las vanguardias.
    Reconocida por numerosas exposiciones su trayectoria como figura principal de la escuela de París, su obra fue considerada por los principales críticos del momento –Waldemar George, Uhde y Charensol- como la más prometedora de aquella joven generación de españoles que marcharon durante la década de los diez y los veinte hasta la capital francesa.

    Pintor expresionista figurativo, inscrito en una de las corrientes más populares de la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial, su obra fue expuesta en los principales salones –Tulleries, Automne- y en las galerías más importantes de la ciudad, junto a otros destacados artistas como Grommaire, Lanskoy, Soutine o Rouault.
    De su contacto con Max Bill, Arp, Leuppi, Herbin y tantos otros nació una pintura geométrica de gran atractivo que le llevó a ser uno de los primeros participantes en los salones de Realités Nouvelles.

    A partir de los años ochenta se ha iniciado una lenta pero constante recuperación de su figura por los más importantes críticos de nuestro país, con numerosos textos y exposiciones que avalan su trayectoria, destacando la muestra que le dedicó el Museo Reina
    Sofía en 2002 o la más reciente antológica en el Museo
    de Arte Contemporáneo de Tarragona.

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  • 08/09/16--12:55: Pál Szinyei Merse
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    Pal Szinyei Merse (1845-1920, Hungría) Estudió en la Academia de Munich. En 1973 ganó una medalla en la Feria Mundial de Viena. Su obra empezó a ser conocida a partir de  1896 y ganó varias medallas en Budapest, París, Munich, Saint Louis, Berlin y Roma. Fue miembro del Parlamento hungaro y luchó por la modernización en la enseñanza del arte. En 1905 lo nombraron Director de la Academia de Bellas Artes de Budapest.



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  • 08/10/16--11:31: Victor Servranckx


  • Diegen, 1897-Elewijt, 1965 

    Victor Servranckx se convirtió en uno de los primeros artistas belgas en defenderla la abstracción. Estudió en la Académie des Beaux-Arts de Bruselas entre 1913 y 1917 y, tras finalizar sus estudios, comenzó a trabajar en la fábrica de papel pintado Peters-Lacroix, donde ya diseñó motivos abstractos. La larga colaboración con esta empresa (hasta 1925), en la que conoció a René Magritte, hizo que Servranckx también se interesase por la decoración de interiores o el diseño de mobiliario. Paralelamente expuso sus trabajos pictóricos por primera vez en 1917 en la galería Giroux de Bruselas
    En. 1918 comenzó a colaborar con la galería L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg en París, que desde la Primera Guerra Mundial se había convertido en punto de encuentro de los miembros del movimiento cubista. Conoció a Filippo Tommaso Marinetti, Theo van Doesburg, Fernand Léger y Marcel Duchamp, y, a partir de entonces, su obra estuvo presente en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas. En 1926, gracias a Marcel Duchamp, participó en las exposiciones de la Société Anonyme en Estados Unidos y recibió la invitación de László Moholy-Nagy para dar clases en la New Bauhaus de Chicago, oferta que rechazó
    Servranckx. realizó esculturas abstractas y collages y fue un activo colaborador de las revistas Sept Arts y Opbouwen. Entre 1932 y 1935 impartió clases en la École des Arts Industriels et Décoratifs d’Ixelles y, aunque la aceptación de su obra en Bélgica fue mayoritariamente hostil, su influencia fue relevante en posteriores generaciones de artistas. Fue seleccionado en las Bienales de Venecia de 1948 y 1954 y en 1965, poco antes de su muerte, el Musée d’Ixelles celebró una exposición retrospectiva de su obra 

    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 08/11/16--11:54: BENJAMIN PALENCIA


  • Benjamín Palencia nació el 7 de julio de 1894 en Barrax, Albacete.
    En 1909 se traslada a vivir a Madrid, donde entró en contacto con Rafael López Egóñez, que se erigió en una especie de protector o mecenas del joven pintor. En Madrid asiste a las clases de Elías Tormo.

    Se mantuvo al margen de la formación académica y oficial. Nunca quiso estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, principal foco de aprendizaje para numerosos artistas durante aquellos años, ya que la formación académica y tradicional que allí se impartía nada tenía que ver con su manera de entender el arte. Realiza durante algunos años copias en el Museo del Prado, especialmente de Velázquez y El Greco. Empieza a pintar sus primeros óleos y a viajar por España.


    En 1916 conoce al poeta Juan Ramón Jiménez, que se había interesado por las obras presentadas en una exposición. Gracias a él entra en contacto con otros escritores y artistas.

    Probablemente en 1917, pinta una serie de óleos en cada uno de los cuales trata el tema de la figura humana con cierto carácter arquetípico: El atleta, Futbolista, etc. En 1918 pinta paisajes en el País Vasco y en Madrid, varios óleos sobre temas urbanos. Hacia 1920 sus obras tienen una temática propia de la tradición y cultura española, como son: La celestina, Los toreros.

    Entre los años 1920 y 1922 realiza las Series de Pinturas sobre careto con figuras de muchachos o bodegones, con una vibración del espacio relacionada con el impresionismo y ya con influencia cubista.
     Hacia 1924 realiza bodegones influidos por el cubismo. En estos años conoce a los poetas Rafael Alberti y a Federico García Lorca, con este último colaborará realizando acertados figurines para algunas obras teatrales del granadino. También  tratará con artistas como Salvador Dalí, Pancho Cossío, Bores, Alberto Sánchez y Ucelay. Con Bores y Dalí acude a la Academia Libre.
     En 1925 forma parte del grupo de artistas participantes en la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos en el Palacio de Velázquez del Retiro de Madrid, uno de los acontecimientos clave para el arte español en la primera mitad del siglo XX. En esta muestra cosechará un gran éxito de crítica, consolidándose como parte esencial de la vanguardia del momento.
     Los bodegones y las naturalezas muertas que Palencia realiza durante estos años muestran reminiscencias cubistas. No obstante, esta tendencia hacia la geometrización se combinará con signos inequívocos del nuevo realismo que se estaba produciendo en la obra de numerosos artistas adscritos a las primeras vanguardias y se conoce como retorno al orden. Es a partir de su estancia en París cuando la obra de Palencia adquiere tintes surrealistas, mostrando progresivamente una mayor libertad expresiva. En 1926 pinta los decorados y figurines para La pájara pinta, obra teatral de Alberti. También durante este mismo año se traslada  a Alicante y más tarde a Altea, donde pintará importantes paisajes.

     Durante su estancia en París realiza largas escapadas a España que se prolongarán hasta 1928. Allí comparte algún tiempo el estudio con Cossío. En él se reúnen algunos de los artistas de la Escuela Española de París relacionados con Picasso: Bores, Ortiz, Peinado, de la Serna, Ucelay, etc. Asiste a las clases de dibujo con modelo de la Grande Chaumière. Conoce, entre otros, a Picasso, Miró, Braque, Cocteau, Gargallo, Manolo, Tériade y Zerbos.
     Hacia 1927 introduce una progresiva abstracción en los bodegones, además de trabajar, entre otros temas, el desnudo,  y de pintar paisajes con una modernidad derivada del cubismo. Ese año, gracias a las escapadas desde París, inicia con Alberto Sánchez las salidas al pueblo de Vallecas, a las afueras de Madrid.

     En 1928 se asentó en Madrid, donde se relaciona sobre todo con los poetas que ya conocía, como Alberti y Lorca, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Jorge Guillén o Salinas, entre otros.

     Entre 1929 y 1930 inicia una nueva etapa marcada por el surrealismo. En las pinturas abstractas emplea materiales nuevos, sobre todo arenas. A principios de los años treinta Palencia escribe el ensayo Giotto, raíz viva de la pintura, trabajo que publicará en 1934.
    Sindesligarse en ningún momento de la figuración, Palencia comienza a introducir en sus composiciones ciertas referencias abstractas como el empleo de signos o ideogramas de inspiración surrealista que nos remiten a mundos prehistóricos imaginados, lo que pone de manifiesto su pasión por lo primigenio y lo primitivo.


     En julio de 1932 comienza la itinerancia del grupo teatral La Barraca, creado por García Lorca e inserto en el proyecto de las Misiones Pedagógicas impulsado por el gobierno de la II República. En 1934 Palencia es nombrado director artístico de la mítica compañía teatral y realiza decorados y figurines para diversos estrenos. Entre los años 1936 y 1939, durante la Guerra Civil, permanece en Madrid: primero en su casa de la calle Martín de los Heros, pero la proximidad al frente le obliga a trasladarse al estudio de la calle Sagasta, 19. Consigue transportar sus obras, aunque un incendio provocado por un bombardeo había quemado algunos dibujos. El piso de Martín de los Heros queda precintado, protegido por el Ministerio de Instrucción Pública.

    Tras la Guerra Civil, Palencia inicia un periodo que culminará en la dedicación al paisaje, con un cromatismo casi fauvista y sin elementos figurativos más que de forma eventual. Hacia el año 1939 su obra deriva definitivamente hacia un realismo caracterizado por los paisajes castellanos.

     Entre los años 1939 y 1942 se desarrolló la segunda Escuela de Vallecas, de la mano de un grupo de jóvenes artistas: Álvaro Delgado, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Castelo, San José y Carlos Pascual de Lara. Salían dos o tres veces por semana y pintaban en Vallecas y sus alrededores. De este modo, Palencia se convierte en uno de los artífices del resurgimiento del paisaje castellano.

    Ahora el paisaje es representado con una estética próxima al surrealismo, a lo que se unirá una novedad: el empleo de materiales extraídos del propio paisaje, un tanto inusuales en la práctica pictórica hasta el momento, por lo que esta tendencia se ha calificado como surrealismo telúrico.

    En 1946 inicia una nueva época en su obra, caracterizada por una mayor libertad formal y un color encendido de raíz fauve. Es la tónica que, con las variaciones introducidas hacia 1955, mantendrá en su obra: el uso del paisaje, aunque también a veces representará pueblos, casas, castillos, vistas de ciudades de Castilla, así como la figura de campesinos o el bodegón.
     En el año 1954 muere Rafal López Egóñez, hecho de gran trascendencia ya que estaba muy unido a el, tanto por haber sido su mecenas desde la adolescencia, como por lo que había vivido junto a él desde niño. Hacia 1955 acentúa la composición mediante el uso de grandes elementos y el color se intensifica, tornándose más fogoso e incluso violento. Pierde importancia visible el dibujo y las formas adquieren valores que podemos llamar escultóricos. Durante la segunda gran etapa de su vida, hasta su muerte, Benjamín Palencia llevará a cabo numerosas exposiciones en España y en el extranjero.

    Igualmente, se sucederán los homenajes y el reconocimiento público a su larga carrera en todo el mundo. Habrá alcanzado una gran madurez, expresándose con total libertad y trasladando al paisaje logros y hallazgos de etapas anteriores. Su preocupación por la luz, el abandono de los convencionalismos, la distorsión de los planos reales para elaborar un juego de volúmenes y colores explosivos, serán el reflejo de una obra de gran imaginación, que llega a alterar la concepción clásica del paisaje. Sus últimos trabajos completan el lienzo con gran rotundidad, parecen reflejar la huida a un vacío o abismo inevitable, algo que acabará convirtiéndose en  una característica común en sus últimas pinturas.

    En el año 1974 ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y, unos años después, forma parte de la de San Jorge de Barcelona. Finalmente, recién inaugurada la que será su última exposición en la Galería Biosca de Madrid, Benjamín Palencia muere un 16 de enero de 1980, a los ochenta y cinco años de edad.
      
     Información- Catálogo Artium

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  • 08/11/16--13:11: PANCHO COSSIO


  • San Diego de los Barros (Cuba) 20-10-1894 - Alicante 1970 
     Hijo de emigrantes cántabros instalados en Cuba, al estallar la guerra por la independencia de la isla, en 1896, toda la familia regresa a España, volviendo a su tierra de origen. Un accidente cuando tiene cinco años le provocará una cojera de por vida, signo característico del artista. Durante la convalecencia se entretiene dibujando. En 1907 la familia se traslada a Santander, donde Pancho iniciará estudios de Comercio, pronto abandonados por sus deseos de ser pintor. Las buenas muestras de su quehacer artístico motivan que su familia apoye su decisión, recibiendo clases de pintura de un artista local, Francisco Rivera. Pronto decide ampliar su formación y se traslada a Madrid, entrando en el taller de Cecilio Pla, donde entablará amistad con Francisco Bores


     En estos años realiza aún obras de tendencia académica, aunque empieza a mostrar signos de su personal aplicación del color. En 1919 monta su primer estudio en Madrid y expone por primera vez en público. Las muestras se hacen cada vez más habituales, en primer lugar en Santander, donde escandaliza al público, no acostumbrado a un arte tan "vanguardista". En estos momentos se pone de manifiesto la influencia de Vázquez Díaz, Solana o Zubiaurre, sin renunciar a sus signos de identidad, entre los que destaca la sobriedad en el dibujo.


     En 1923 se traslada a París, donde se pone en contacto con el grupo de Picasso. El cubismo será de su interés, tomando algunos elementos para configurar su obra futura, caracterizada por la presencia de bodegones con piezas cubistas, transformando las influencias hasta hacerlas suyas. El expresionismo alemán también le interesa en estos momentos. Una serie de exposiciones en galerías francesas permiten iniciar al artista un periodo de seguridad, siendo reconocido por aficionados y artistas. Cossio se siente integrado en París, participando en las más diversas actividades de los grupos de vanguardia. Sin embargo, la quiebra de La Gallerie de la France, con la que Cossio tenía contrato en exclusiva, en el año 1933, supondrá un grave descalabro para el artista.


     El duro golpe le hace abandonar la pintura e interesarse por la política, regresando a España para fundar las J.O.N.S. junto a Ramiro Ledesma Ramos. El estallido de la Guerra Civil provoca su reclusión en su casa hasta que la ciudad de Santander cae en manos de las tropas del general Franco, momento en el que es nombrado jefe de prensa y propaganda. Los enfrentamientos con el nuevo régimen le hacen abandonar la política en 1940, retomando sus actividades artísticas y vinculándose al grupo PROEL, donde es considerado un maestro por los jóvenes artistas. 


    Desde 1942 su estilo se hace totalmente personal. En sus cuadros presenta a un tiempo visiones fuertes y nacaradas, llenas de "sabor pictórico de cocina", como el propio Cossio decía, cargadas nostalgia y de poesía, logrando la intemporalidad. De esta época son los retratos sus obras más destacadas. Empieza a exponer en Madrid y Barcelona, aunque con escaso éxito. A partir de la década de los 40 serán los bodegones y las marinas -se declaraba admirador de Turner- sus temas favoritos. Los elementos gozan de vida propia y abunda el color gris, inspirado en Velázquez.

    Re- Arte Historia

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  • 08/15/16--12:35: FRANCISCO BORES





  • Francisco BoresMadrid, España, 1898 - París, Francia, 1972
     Su formación artística tuvo origen tanto en la academia de pintura de Cecilio Pla, donde conoció a Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz o Joaquín Peinado, como en las tertulias literarias madrileñas afines al ultraísmo.
    En esta época realiza grabados y xilografías para un gran número de revistas como son Horizonte, Cruz y Raya, Índice, Revista de Occidente. En 1922 participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes.

    En 1925 participa en la primera exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos. El escaso éxito de esta exposición le empuja a ir a París. En esta ciudad comparte estudio con el pintor español Pancho Cossío y conoce también a Picasso y Juan Gris.
    En 1927 celebra su primera exposición individual en París. A partir de este momento Bores se integra en el ambiente artístico parisino donde va a vivir prácticamente toda su vida. En 1928 primera exposición en una galería de Estados Unidos, en 1930 vuelve a exponer, dentro de una exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

    En los años siguientes sigue exponiendo en diferentes galerías de París, como son la Galería Georges Petit, la Galería Bernheim y la Galería Vavin Raspail. Participa también en varias exposiciones colectivas destacando la Exposición de Arte Español Contemporáneo en el Museo de Jeu de Paume de París , también ilustra libros y revistas de arte como Minotauro.
    Contratos con la Galerías Zwemmer de Londres y Galerie Simon de París. Exposiciones en Estados Unidos, en la Buchholz Gallery de Nueva York. Pasa la Segunda Guerra Mundial en San Juan de Luz donde reanuda la amistad con Matisse.
    En 1947 el Estado francés adquiere, por primera vez, una obra de Bores, en 1949 será el Museo de Arte Moderno de Nueva York el que adquiera sus cuadros. Se reanuda su actividad expositiva por toda Europa: Francia, Alemania, Dinamarca, Italia. Destaca su inclusión en los pintores de la Galería Louis Carré una de las más prestigiosas de París, y por tanto del mundo, en aquellos años (1954).

    Continúa, esporádicamente, ilustrando libros (cinco linograbados "El Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejias" de Federico García Lorca, litografías para ilustrar las obras completas de Albert Camus publicadas por la Imprimerie nationale francesa en 1962). En 1969 expone en la Galería Theo de Madrid lo que supone su aproximación al público español que, prácticamente, desconocía su obra salvo en los círculos profesionales donde, en cambio, era muy apreciada. En 1971 vuelve a exponer en esta misma Galería Theo, falleciendo en París en 1972.

    información-wikipedia

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  • 08/15/16--12:54: JOAQUIN PEINADO
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    Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo nace en Ronda el 19 de Julio de 1898. Muy pronto destacarían sus aptitudes para el dibujo, lo que hizo que se matriculara en 1918 en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, siendo becado durante tres cursos en el Monasterio de Santa María de El Paular (1921-1923). En noviembre de 1923, una vez superados sus estudios, marcha a París, donde se establecería de manera continuada. Desde su llegada se integra en el mundo artístico, conformando junto a otros españoles comoManuel Ángeles Ortiz, Hernando Viñes, Francisco Bores, Pancho Cossío y Picasso -con el que mantuvo una especial amistad- la llamada Escuela Española de París. 

    Sigue manteniendo contacto con sus amigos de España, como Federico García Lorca, al que conoció en Málaga en 1918, y sobre todo, con Francisco García Lorca con el que se encontraba muy unido. Asimismo, continuaría formando parte de la vida artística española, participando en la mítica Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos en 1925, e ilustrando revistas como Litoral, Gallo y La Gaceta Literaria, así como libros de la relevancia de La flor de Californía de José María Hinojosa. La Diputación de Málaga le reconocería en 1929 con el premio de pintura junto aJosé Moreno Villa en la Exposición Arte Regional Moderno en la Casa de los Tiros de Granada. Mantendría relación con las artes escénicas, participando en Un Perro Andaluz (1929) y La Edad de Oro (1930) -de su amigo Buñuel- o como escenógrafo, decorador y figurante enCarmen de Feyder (1925). Igualmente, y en 1926, participaría en la representación de El retablo de Maese Pedro de Falla en Ámsterdam junto a Buñuel, Cossío, Viñes y Ángeles Ortiz. 

    Su trayectoria artística lo llevaría a ocupar un puesto destacado dentro de la Escuela de París; sus méritos artísticos serían reconocidos ostentando los cargos de director de la Sección de Pintura de la Unión de Intelectuales Españoles, la vicepresidencia de la misma y el nombramiento por la UNESCO como delegado de la Sección de Pintores Españoles de la Escuela de París

    En 1946 sería uno de los organizadores de la exposición Arte de la España Republicana. Artistas españoles de la Escuela de París, celebrada en Praga. Desde esta fecha serán frecuentes sus exposiciones internacionales, ya sean individuales o colectivas, siendo agrupado dentro del mejor arte francés de la época. Del mismo modo y en paralelo a esta fecha (desde 1945) un estilo personal acompañará su vida, alternado con experimentos abstracto-geométricos donde se denota en la importancia del modelo, lo estricto del dibujo, la racionalización de lo representado y el uso del color con calidades de acuarela. En 1969 regresa a España gracias a la exposición en la Dirección General de Bellas Artes que consagra su figura en nuestro país.
    Peinado es considerado pieza fundamental para la revisión del arte español contemporáneo y la llamada Escuela de París, así como por su acercamiento a lenguajes plásticos como el Neocubismo, la Figuración Lírica o la abstracción geométrica.
    Muere en París el 13 de Febrero de 1975

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  • 08/15/16--13:17: HERNANDO VIÑES



  • Hernando Viñes nace en París el 20 de mayo de 1904. Su padre era ingeniero y su madre era hija del ex-presidente de la República de Honduras.
    Su tío, el gran pianista Ricardo Viñes - que creó gran parte de las obras mayores de la primera mitad del siglo- lo introdujo de forma natural en el círculo de los artistas más famosos de su tiempo.


     Después de la guerra de 1914 -18, durante la cual estuvo en Madrid, volvió a París y se citó con Pablo Picasso (amigo de Viñes), el cual después de ver sus primeros dibujos, le aconsejó seguir en esa misma vía y perfeccionar los conocimientos adquiridos durante su época de autodidacta. Viñes siguió los consejos de Picasso, primero en la Academia de Arte Sacro con Maurice Denis y Georges Desvallieres y luego en 1922 con André Lhote y Gino Severini.


     Al año siguiente participó como decorador en la creación mundial de "El Retablo de Maese Pedro" de Manuel de Falla y expuso por primera vez en el Salón de Otoño. En aquel mismo año 1923 - gracias a su amigo, el pintor Manuel Ángeles Ortiz- entró en el círculo de los jóvenes artistas españoles que vivían en París: Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco Gacía Lorca (hermano del poeta), Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, etc... La mayoría se convertirían en amigos de "toda la vida".



    A los 20 años decidió dedicarse al oficio. Obtuvo inmediatamente el apoyo de dos críticos importantes: Tériade y Christian Zervos, director de los famosos "Cahiers d'Art"; a partir de aquel momento expuso de forma regular en las galerías Percier y Max Berger.
    En 1931, se casó con la hija de Francis Jourdain, decorador, pintor y hombre de letras.

    Después de la guerra civil española, en la cual se comprometió políticamente con el bando republicano, y unos días antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, nació su hija Nina, el 14 de septiembre de 1939. 

     Entonces empezó para el pintor una época muy dura en la que a pesar de numerosas exposiciones (colectivas e individuales) no consiguió la notoriedad que sus brillantes comienzos prometían. Tuvo que esperar al año 1965 y la inmensa retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Madrid para ser reconocido, por fin, como uno de los pintores más brillantes de su generación. A partir de aquel momento, las exposiciones se sucedieron de manera acelerada, en las Galerías Théo, de Madrid y Valencia (con las que había firmado un contrato), en la Sala Dalmau de Barcelona, en la Galería Ruiz de Santander, etc.



    Desde principios de los años 80, además de las galerías españolas citadas que seguirían exponiendo sus obras regularmente, la Casa de España en París, el Museo de Bellas Artes de Santander y el Museo Bonnat de Bayonne organizaron retrospectivas importantes. En 1988, recibe de la mano del rey D. Juan Carlos I, la medalla de oro de Las Artes y las Letras.
    Paralelamente, en el extranjero, dentro del marco de numerosas exposiciones colectivas (Alemania, Dinamarca, América, Checoslovaquia, Inglaterra y Japón) reconocen su mayor notoriedad, confirmada cada día. Alejado de escuelas, alejado de cualquier atisbo de jactancia, la obra de Viñes siguió su camino en Francia, y museos de todo el mundo empezaron a adquirir sus obras: el Museo de Arte Moderno y el Reina Sofía en España, el centro Georges Pompidou, el Museo de Albi, el de Castres y de Saint- Ouen en Francia, el Museo de Tel- Aviv en Israel, el Museo de Buenos Aires y el de Praga.



    "Hernando Viñes falleció en 1993 y se ha revelado como uno de los pintores que han marcado la Escuela de París.
    Habiendo abordado todos los temas centrales de la pintura, Viñes recorrió todo el campo de la pintura moderna. Vio el final del cubismo analítico y sintético, después se dedicó a los gozos del surrealismo pictórico, sin despreciar el fauvismo que le sirvió como experiencia personal, por fin se decidió por la vía del cromatismo, la cual practicó temporalmente. Fue pintor sin concesiones, de una gran honradez pictórica y perfectamente auténtico" 

     Extracto del libro de Alain Gobin: "Hernando Viñes, su vida- su obra" Ediciones Isabelle Boisgirard. Asociación Hernando Viñes, París, 1997.



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  • 08/16/16--13:07: George Desvallières

  • George Desvallières  nació en París en 1861. Su padre, preocupado por la educación de su hijo, que en su opinión era un soñador, se lo confió a su suegro Ernesto Legouvé que vio en el su vocación artística. En 1877 le presentó al pintor Jules-Elie Delaunay que le enseño la técnica del dibujo, principios de la composición y gusto por los colores originales
    En 1878, George entró en la   Académie Julian. Sus profesores fueron  Tony Robert-Fleury y Jules Valadon. Allí conoció a los pintores  René Ménard  y a  René-Xavier Prinet. Ese mismo año   Elie Delaunay le presentó a   Gustave Moreau.  Este le causó honda impresión y decidió no "ser un artista a la moda" sino un pintor realmente idependiente.  Entró en la Escuela de Bellas Artes de París el mismo año en que Delaunay fue nombrado profesor, pero se quedó solamente un año porque tenía que cumplir el servicio militar
    Viajó varias veces a Italia para estudiar a los maestros del renacimiento y la luz de los paisajistas italianos. 

    Expuso por primera vez en el Salon de Artistas Franceses en 1883 y su cuadro, "el retrato de Melle D., atrajo la atención de Puvis de Chavannes. Expuso allí hasta 1901. La influencia de Gustave Moreau se ve claramente en sus primeros retratos


       Con la muerte de  Elie Delaunay en 1891, Gustave Moreau  fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes y esto dio oportunidad a George de conocer a  René Piot, Georges Rouault y Matisse. Despues de haberle concedido varias medallas, finalmente le nombraron miembro de honoer del Salon De Artistas Franceses en 1895. Ese mismo año viajó a Sicilia y descubrió la luz que dio a su cuadro Ulises y Nausica, obra que fue destinada a adornar las paredes circulares del comedor familiar en París 
    Despues de la muerte de  Gustave Moreau en 1898, y de su abuelo  Legouvé en 1903, George abandonó el Salón de Artistas Franceses. Georges Rouault le presentó a  Léon Bloy. Viajó a Londres a finales del verano de  1903  y aunque al principio pensaba hacer retratos, decidió dedicarse a los  music-halls, y teatros.   
                

    Cuando volvió a París se dedicó a crear el Salón de Otoño. Su objetivo era crear un salon nuevo para maestros olvidados y artistas de talento a los que se excluía en exposiciones oficiales. Esto fue el comienzo de una gran aventura que le  mantuvo ocupado durante más de 40 años. El primer Salon abrió sus puertas en el  Petit-Palais de París el 31 de octubre de 1903
               A partir de 1905 Desvallières  vuelve a la fe cristiana y esto se aprecia en sus obras 
      
    Cuando estalló la guerra de  1914 Desvallières ya tenía 53 años pero se alistó voluntariamente. 

    En 1911 fundó con Maurice Denis los Talleres de Arte Sagrado. Los dos maestros decidieron formar alumnos para construir catedrales. Aunque no abandonó sus exposiciones, con sus alumnos del taller, decoraron varias iglesias.

    Murió en París en 1950



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  • 08/17/16--11:37: José María Ucelay
  • (Bermeo, 1903 - Busturia, 1979) Pintor español. Estudió Derecho y Filosofía en la Universidad de Deusto (1920-1921) y en la Escuela de Química de Oviedo (1921-1922), que abandonó para dedicarse a la pintura.
    Pronto se puso en contacto con la Asociación de Artistas Vascos con los que expuso en 1921. En 1923 se estableció en París, donde hizo amistad con artistas españoles de la Escuela de París como Manuel Ángeles Ortiz y Pancho Cossío, con escritores como Mariano Brull, Alejo Carpentier y Ernest Hemingway y críticos como Maurice Raynal.

     En sus estancias en España participó en la Exposición de Artistas Ibéricos de Madrid y realizó decorados para obras teatrales y un gran mural para el batzoqui de Bermeo. En 1936 fue nombrado Director de Bellas Artes del Gobierno Vasco y fue comisario del Pabellón Vasco de la Exposición de París de 1937. De 1938 a 1949 vivió exiliado en Gran Bretaña, donde presentó varias exposiciones y realizó pinturas murales.

    A su vuelta se refugió en su caserío de Chirapozu donde continuó su labor creadora (especialmente retratos) y expositiva. En los años sesenta formó parte del grupo Emen de Vizcaya, intento de unificación de los artistas de la Escuela Vasca.
    Su pintura, de un personal realismo, se centra en la representación de paisajes y personajes de su tierra, realizados con gran perfección técnica y un estilo característico de formas estilizadas.

    Información- Biografías y vidas

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  • 08/17/16--12:27: Alejo Vera

  • (Viñuelas, Guadalajara, 1834-Madrid, 1923). Pintor español. Inició sus estudios artísticos en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, gracias a una beca de la Diputación Provincial de Guadalajara, y continuó su formación en el taller de Federico de Madrazo. Después se trasladó a Italia, donde quedó seducido por las ruinas de Pompeya, como se puede apreciar en sus obras posteriores. Allí pintó el Entierro de san Lorenzo, que envió a la Exposición Nacional de 1862 y fue premiada con una medalla de primera clase. Idéntico triunfo repitió en 1866, cuando con­currió a la Exposición Nacional con el cuadro Santa Cecilia y san Valerio. Desde 1874 hasta 1878 fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y ­durante esos años pintó el techo del salón comedor de la ­Cá­mara de Comercio e Industria de Madrid con el tema Alegoría de la Abundancia. En 1878 obtuvo una plaza de pensionado de mérito en la Academia de España en Roma, donde pintó su cuadro de tema histórico más célebre, Numancia, que logró una primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1881. Inicialmente integraba el equipo designado para realizar trabajos de decoración de la basílica de San Francisco el Grande de Madrid, como el resto de los pensionados en Roma, aunque posteriormente fue excluido del proyecto. De aquella empresa forma parte el cuadro El milagro de las rosas, basado en un episodio de la vida de san Francisco.

    Museo del Prado

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  • 08/18/16--12:42: Adolfo Guiard


  • Adolfo Guiard (1860-1916) inició tempranamente su formación artística, primero en Bilbao con el pintor costumbrista Antonio
    María Lecuona y más tarde en Barcelona con Ramon Martí i Alsina. En 1878 viajó a París para completar su aprendizaje, convirtiéndose así en el primer pintor vasco de su generación en conocer de primera mano las novedades artísticas de la capital francesa. Allí entró en contacto con el pintor Edgar Degas y los escritores Émile Zola y Alphonse Daudet, que le dieron a conocer en los círculos artísticos franceses, donde se relacionó también a Édouard Manet, Claude Monet o Pierre Puvis de Chavannes, entre otros. 

    Durante esos años Guiard fue abandonando paulatinamente la factura academicista presente en sus primeras obras al tiempo que asimilaba un nuevo lenguaje propio de la pintura al plein air. De este modo, el espíritu impresionista aprendido de Degas se plasma de forma contenida en la obra de Guiard, que utiliza un delicado dibujo en los primeros planos junto a una pincelada más deshecha en los últimos, y una paleta clara con predominio de los tonos luminosos. El mundo rural vizcaíno con su paisaje, habitantes y costumbres será el tema predilecto de su pintura más característica.
    En 1885 o 1886 regresó a Bilbao e instaló un estudio en donde impartió lecciones de pintura. A partir de entonces, se convirtió en un referente de modernidad para los jóvenes artistas y en protagonista relevante de la vida cultural de la ciudad. Junto con Darío de Regoyos, inició la pintura vasca moderna e introdujo los postulados estéticos del impresionismo también en la pintura española.

    En 1887 recibió un importante encargo por parte de la Sociedad Bilbaína para pintar tres lienzos con destino a sus locales. Durante este periodo, buscando el contacto directo con la naturaleza, se trasladó a Bakio (Bizkaia). Dos años después realizó a petición de la Diputación un transparente para decorar la Plaza Nueva de Bilbao. En 1890, con su carrera artística ya plenamente consolidada, se instaló en Murueta (Bizkaia) y al final de esa década trasladó su estudio a Artea (Bizkaia), compartiéndolo con Anselmo Guinea. Por estos años entabló relación epistolar, que más tarde sería personal, con el pintor Darío de Regoyos. En 1900 recibió otro importante encargo, los estudios para las vidrieras de la Casa de Juntas de Gernika (Bizkaia). Tres años más tarde, en 1903, se estableció en Bilbao, en donde pasó los últimos años de su vida.


    Museo de Bellas Artes de Bilbao


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  • 08/19/16--03:19: Article 1

  • ¿Me permiten algo de publicidad?

    Este es Pol,  mi  perro. Un chucho listo, muy listo. Puedo escribir lo de CHUCHO, pero no puedo decirlo con palabras porque el se cree de alta alcurnia. Lo rescaté (por dos mil pesetas) de una caja, llena de perros, que tenían una gitanos delante del mercado del Calvario. El fue el que asomó más la cabeza y en sus ojos vi la súplica "llevame".

    Hoy tiene 16 años, apenas ve, le cuesta oir y aunque olisquea de vez en cuando a las perritas, sabe que hasta la cuesta levantar la pata para mear. 



    HeyJuddy: Diseño | Cerámica | Ilustración



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  • 08/19/16--12:00: Henri Fantin-Latour

  • De izquierda a derecha: Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Elzear Bonnier, Leon Vallade, Émile Blémont, Jean Aicard, Ernst d´Hervilly y Camille 


     FANTIN-LATOUR, IGNACE HENRI JEAN THEODORE (1836-1904), Artista francés nacido en Grenoble. Estudió, primero, con su padre, despues fue a la escuela de dibujo de Lecoq de Boisbaudran y acabó su formación con Couture.  Fue amigo de Ingres, Delacroix, Corot, Courbet y otros. Expuso en el Salón de 1861 y en años posteriores aparecieron muchos de sus más impostantes cuadros. En 1863 se encontró con Harpignies, Manet, Legros y Whistler en el Salón de los rechazados. Whistler lo introdujo en los circulos artísticos ingleses. Fue en efecto en Inglaterra, donde reside con frecuencia, que Fantin-Latour encontró numerosos aficionados para sus composiciones de flores y de fruta. Compras y encargos se suceden entonces, garantizando al pintor un éxito comercial al que el resto de su obra no le había permitido pretender, hasta la fecha.

    Sus retratos de grupos se aproximan de alguna manera a los maestros holandeses.
     La gran pasión de Fantin era la música, especialmente la de Wagner, Berlioz, y  Schumann que le inspiraban para crear.  En su última época se inclinó hacia el idealismo como un presagio del movimiento simbolista. 

    En  1876 se casó con una colega pintora, Victoria Dubourg, y a partir de ese momento pasaron los veranos en el campo con la familia de Victoria, en  Bure, Normandía, donde murió en 1904

     




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  • 08/20/16--13:18: Yukio Fukazawa

  • Grabador japonés nacido en 1924 en la prefectura de Yamanashi. Durante la Segunda Guerra Mundial fue herido y quedó discapacitado.  En 1948 se graduó en la Facultad de Bellas Artes de Tokio. Estudió la técnica de grabado en cobre y esta sería su medio favorito.  


    En 1963 fue invitado por el gobierno mejicano para enseñar grabado en cobre. Durante su estancia en Méjico quedó maravillado por las civilizaciones Azteca y Maya y esto influenció en su obra que se hizo más colorida

    Sus grabados se carecterizan por expresar sentimientos. Los críticos de arte lo denominan "lenguaje lírico"

    En 1991 el Museo de Yamanichi mostró 200 obras suyas en una gran retrospectiva de este artista.  Sus grabados se muestran en los mejores museos y colecciones. El Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Tokio son dos ejemplos



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  • 08/22/16--12:39: Robert Henri




  • (Cincinnati, Ohio, 1865-1929). Pintor estadounidense. Robert Henry Cozad afrancesó su apellido a los dieciocho años cuando su padre, que era jugador profesional, mató a un hombre en una discusión. Tras estudiar arte en Pensilvania, viajó a París (1888), donde asistió a las clases de la Academia Julian y la Escuela de Bellas Artes (1891), con Jean-Léon Gérôme y Léon Bonnat. Pasó seis meses en España y estudió a los pintores del siglo XVII, Velázquez, Ribera y Murillo, en especial. Bajo su influjo, y el de otros maestros del barroco, como Frans Hals y Vermeer de Delft, abandonó los modos académicos, optando por una pintura rápida y sin dibujo previo, de pincelada suelta y empastada, con masas amplias de color. En Roma, en 1891, vio el retrato de Inocencio X (Galleria Doria Pamphilij, Roma) y le pareció «vivo»; y en sus retratos masculinos de los primeros años del siglo veinte hay un recuerdo de las figuras reales de Diego Velázquez (W. J. Glackens, 1904, Chappelier Galleries, Nueva York), en la pose y en la atmósfera; también en los paisajes de esta época (Nieve, 1902) algunos han rastreado huellas del sevillano. Robert Henri se dedicó a pintar, a la enseñanza y a la escritura.
     File:Robert Henri - Figure en mouvement.jpg
     Fue profesor de la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia y abrió una escuela propia en París. Como había hecho con él su maestro William Merritt Chase, transmitió a sus alumnos el interés por los pintores del siglo XVII y, entre ellos, los españoles; en 1906 viajó con ellos a España para enseñarles las pinturas de Diego Velázquez, El Greco y Francisco de Goya. Siguió viajando por Europa, con España e Irlanda como destinos favoritos, y por la América menos urbana, convirtiéndose en una figura prestigiosa. En 1908, fue el principal impulsor de «Los Ocho», un grupo de artistas opuestos a las ideas conservadoras de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York. Interesado «por la vida y no por los estilos», como él mismo afirmaba, pintó retratos y escenas de campesinos, trabajadores pobres e inmigrantes, sin abandonar nunca el paisaje. Pintó gente sencilla, especialmente gitanos, como Madre gitana (1906, John C. le Clair, Nueva York), Muchacha de Segovia (1912, Robert J. Cooper, Illinois) y en los cuadros de tema español que hizo durante su estancia de ocho meses, entre 1923 y 1924, cargaba las tintas en los aspectos realistas y dramáticos.

    Museo del Prado

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