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  • 12/14/15--11:27: Mischa Askenazy


  • 1888-1961

    Mischa Askenazy nació en un pueblo cerca de Odessa, Rusia.  Cuando tenía cuatro años su familia se trasladó a Nueva York, donde pasó su infancia. Estudió en  la NAD- Academia Nacional de Diseño- y despues de conseguir una beca pasó dos años en Francia e Italia.  Durante la década de  1920 se hizo famoso como retratista. Su pintura muestra la influencia de Cezanne

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  • 12/14/15--12:03: Konstantin Lupanov


  • Nació en 1977 en Krasnodar, Rusia. Estudió en la Universidad Estatal de cultura y Artes de Krasnodar. Durante algún tiempo se dedicó a la pintura comercial pero hace unos años empezó a pintar a su familia y amigos y la pintura se ha convertido para el en una aventura


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  • 12/15/15--11:21: Oleg Vassiliev



  • 1931- 2013
    Oleg Vassiliev - Pintor ruso nacido en Moscú en 1931 asociado al estilo "noconformista". Emigró a los Estados Unidos en 1990. Primero vivió en Nueva York y despues se estableció en Missesota

    Estudió en el Instituto de Arte Surikov en Moscú. Desde la década de 1950 hasta los 80 trabajó con Erik Bulatov como ilustrador de libros para niños.
     Vassiliev  combina las tradiciones del realismo ruso del siglo XIX con la vanguardia rusa de principios del siglo XX.  Sus temas se basan en la memoria de su país... casas, carreteras, bosques, campos, amigos y familia.  Su mayor influencia fue el artista gráfico soviético Favorsky.

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  • 12/16/15--12:06: NICOLAI IVANOVICH FECHIN

  • Nicolai Fechin  nació en  Kazan, Rusia en 1881.  Estudió en la Escuela de Arte de Kazan y a los 19 años entró en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo donde recibió una gran influencia de Ilya Repin. Al acabar sus estudios recibió el  Premio de Roma que le permitió viajar y estudiar por Europa.  Cuando volvió a Rusia dio clases en la Escuela de Arte de Kazan. Empezó a exponer en America en 1910 y dos años más tarde comenzó a participar con "los errantes" con exposiciones por toda Rusia. .
    Despues de la revolución Bolchevique y la Primera Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos.  Sus retratos recibieron una fuerte demanda y ganó el premio de la Academia de Nueva York en  1924 y una medalla en la Exposición Internacional en Filadelfia, en  1926
    En 1927 cayó enfermo de tuberculosis y se trasladó a Taos, Nuevo Mejico. Debido a un tormentoso divorcio se trasladó a Nueva York y en 1936 el tratante de arte Earl Stendahl lo invitó a irse a California. Murió en su casa de Santa Monica en 1955

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  • 12/17/15--10:24: Mijaíl Yevstáfiev


  • Mikhail "Misha" Evstafiev ( 1963 Moscú) 

    Inspirado por el arte de su madre, abuela y bisabuelo, todos escultores rusos, empezó a dibujar desde niño.  Tambien empezó a fotografiar desde la infancia. Su padre que trabajaba en la radio, le enseñó las técnicas básicas de la fotografía y de la cámara oscura, lo que le hizo interesarse por el periodismo.
    A finales de la década de 1960 y principios de 1970 vivió en los Estados Unidos, donde  a su  padre le habían asignado un puesto diplomático
    Al volver a Moscú, pasaba muchas horas en el estudio de su madre y de su abuela trabajando en cerámica y pintura, pero finalmente se graduó en periodismo en la Universidad Estatal de Moscú
    A mediados de la década de 1980 empezó a trabajar como reportero para la agencia TASS, cubriendo la perestroika de Gorbachev y voluntario en Afganistán
    Durante los dos años en la guerra de Afganistán, aunque tenía la base en Kabul, viajó por muchas provincias y tomó parte en muchas operaciones de combate. Despues de la guerra, en la década de 1990, escribió y publicó la novela " A dos pasos del cielo"

    Sus pinturas y fotografías están en colecciones en Austria, Gran Bretaña, Francia, Polonia, Rusia y los Estados Unidos

    Un gerrillero checheno cerca del Palacio Presidencial en Grozni, enero de 1995. Yevstáfiev



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  • 01/03/16--03:15: Serge Poliakoff





  • 1900, Moscú, Rusia;  1969, Paris



    Su padre criaba caballos y suministraba a la caballería del Zar. Su madre, una mujer muy religiosa, lo obligaba a ir a la iglesia diariamente hecho que dejó en su mente los colores de l os iconos. Empezó a ir a clase de dibujo a los 14 años pero tuvo que abandonar cuando estalló la revolución de 1917. Abandonó la Escuela de pintura, escultura y arquitectura de Moscu y se fue a Bulgaria. Comenzó a viajar por Europa.
    En 1923 se estableció en París y en 1929 comenzo a estudiar pintura en la Académie de la grand chaumiere, Académie Colarossi y en la Adedémie Fochot. Su primera exposición colectiva se celebró en la Galería Drouant-David en 1931 y en 1937 hizo su primera exposición individual en la Galería Zak, ambas en París. En 1935 se trasladó a Londres donde se matriculó en la Slade School of Art. En 1937 volvió a París. Asistía los jueves al salón de Robert y Sonia Delaunay y se hizo amigo de Kandinsky.
    Su primera exposición de pintura abstracta se celebro en  1938 en el Salon des Indépendants, donde expuso regularmente hasta 1945, cuando la Galerie  L´Equisse de Paris presentó una exposición de su obra. Considerado como miembro de la nueva  Escuela de París a partir de la Segunda Guerra Mundial celebró una exposición en Square Gallery en Nueva Yok  en 1952 en  el Palais des beaux-arts de Bruselas en 1953. Trabajó en escenografía para Roland Petit y despues de recibir la nacionalidad francesa el pabellon francés de la Bienal de Venecia  lo dedicaron a su obra en 1962. En 1963 su obra fue incluída en la Bienal de Tokio. Se celebraron exposiciones retrospectivas en el museo de Tel Aviv, en el Kunstmuseum de Suiza, Musée Frabre de Montpellier y Lorenzelli Arte de Milán

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  • 01/04/16--03:38: Varvara Fedorovna Stepanova



  • Varvara Fedorovna Stepanova




    Kovno (hoy Kaunas), 1894-Moscú, 1958

    Varvara Fedorovna Stepanova nació el 5 de noviembre de 1894 en Kovno (en la actualidad Kaunas) en Lituania. Sus primeros pasos en el mundo del arte comenzaron en 1910 en la Escuela de Bellas Artes de Kazán, donde conoció a Alexander Rodchenko, que por aquel entonces también estudiaba en la Escuela y que fue su compañero durante toda su vida. En 1912, en compañía de Rodchenko, la artista se trasladó a Moscú, donde prosiguió su formación, asistiendo a clases en la Academia Stroganov y estudiando con Mikhail Leblan y con Konstantin Yuon. En los primeros años de su carrera Stepanova admiraba a los poetas futuristas y desarrolló por su cuenta lo que llegaría a denominarse poesía visual no objetiva; como ejemplo de la misma cabe citar sus obras Zigra Ar y Gaust Chaba. Después de la Revolución de Octubre, a Varvara Stepanova le fue interesando cada vez más un arte que plasmara la realidad social y fuera accesible a las masas. Por ello comenzó a experimentar con nuevos lenguajes que fueran reveladores y que estuvieran al servicio de las masas, como el diseño de ropa que luego se reproducía a nivel industrial y se comercializaba a través de revistas populares, como Zhurnal Levogo Fronta Iskusstv. Durante la década de 1920, sus obras plasman el movimiento vanguardista ruso que se conoce como Constructivismo y que se caracteriza por las composiciones de gran formato con personajes de dimensiones esculturales. Estos cuadros están ejecutados según los valores pictóricos geométricos con los que se representaba el espíritu positivo que impregnaba el auge del ciudadano ruso después de la Revolución. Desde 1920 hasta 1925 la artista impartió sus enseñanzas en la Escuela de Educación Social de Krupskaia y a partir de 1922 comenzó a colaborar con algunos teatros, entre otros con el Teatro de la Revolución, para el que creó los decorados y el vestuario cuando en él se representó La muerte de Tarelkin. Al igual que muchos otros artistas vanguardistas, Stepanova ejecutó obras en ámbitos muy variados, que van desde la pintura tradicional hasta el diseño de decoraciones para espacios públicos. Además colaboró en publicaciones periódicas y, junto con Rodchenko, experimentó a fondo con la fotografía. Varvara Stepanova falleció el 20 de mayo de 1958

     Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 01/04/16--11:24: Lena Hades


  • Lena Hades  nació el dos de octubre de  1959, un día de eclipse solar total en Siberia, durante un viaje de su padre que trabajaba como ingeniero de comunicaciones. Se graduó en Física y química y en traducción. Trabajó doce años como traductora pero a los  35 años decidió ser artista.

    Su obra fundamental son los cuadros del ciclo "Así habló Zaratrustra" dedicado al libro de Nietzsche. El Instituto de Filosofía de Academia de Ciencias Rusa ha publicado en 2004 el obra de Nietzsche Así habló Zaratustra en ruso y alemán con 20 reproducciones de los cuadros del ciclo de Lena Hades Así habló Zaratustra. Es la primera publicación científica y artística simultáneamente. En el libro hay también artículos de grandes historiadores del arte Jean-Christophe Ammann, Aleksander Jakimovitch, Olga Yushkova. 


    Los obras de la pintora se encuentran en el Museo de Arte Contemporáneo de Moscú, en el Centro de Arte Contemporáneo de Moscú, en el Museo Pushkin  y en la galería  Tretiakov de Moscú



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  • 01/06/16--04:12: Vasili Súrikov






  • 1848-1916

    Considerado como el mejor pintor histórico de Rusia. En sus obras se detallan los dramáticos episodios de la historia de Rusia. Pertenecía al grupo de los itinerantes y estaba muy influenciado por las ideas de los revolucionarios democratras que creían que el arte tenía una misión educativa. Organizaban exposiciones por toda Rusia, acercando el arte a la gente común.

    Nació en Siberia, en  Krsnoyarsk, descendiente de cosacos.
    Tan aislada estaba esa comunidad del resto de Rusia que no tenían ni línea de ferrocarril. La primera persona que se dio cuenta de sus habilidades artísticas fue su profesor Grebnev, en la escuela de distrito de su ciudad. Su padre murió en 1859 y Surikov tuvo que ponerse a trabajar para ayudar a su familia. Tenía que pintar hasta cien huevos de pascua por tres rublos, pero un día le encargaron que pintase una virgen, la cual llamó la atención del gobernador de Krasnoyarsk y lo recomendó a la Academia de Bellas Artes. Fue admitido en la Academia de San Petersburgo y el rico propietario de una mina de oro y coleccionista de arte, Kuznetsov, se ofreció a pagar sus estudios. Viajó a St Petersburgo en una caravana que transportaba pescado congelado a la capital

    Acabó sus estudios en 1875 y le concedieron una beca para viajar durante dos años.  Pidió que en lugar de la beca le permitieran  pintar unos murales para la catedral de Moscú, trabajo que le hizo rico. Se quedó en Moscú, se casó y toda la antigua arquitectura de la ciudad le inspiraba. Empezó a hacer sus grandes obras como "la mañana de la ejecución de Streltsy"- Pedro el Grande se venga de los miembros de Streltsy, una especie de milicia, que son ejecutados en la murallas del Kremlin

    En 1887, su mujer murió. Dejó de pintar y abandonó Moscú con sus hijos y se fue a Siberia.  Su hermano, para animarlo, le pidió que pintase "la tormenta de nieve" una tradición cosaca que se celebraba en Krasnoyarsk. "The Taking of the Snow Fortress" de 1891, su obra más grande. Volvió a Moscú. En 1893 fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes Imperial. Murió en Moscú a los 68 años de edad

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  • 01/07/16--12:25: Marie Vorobieff


  • '''Marie Bronislava Vorobieff-Stebelska''' (1892 – 1984), Tambien conocida como '''Marevna''', fue una pintora rusa.  Es internacionalmente conocida por combinar elementos de cubismo con puntillismo. Sus años de formación transcurrieron en Francia y su madurez en Inglaterra. Tuvo una hija con el pintor mejicano Diego Rivera, Marika Rivera, que sería una bailarina profesional y actriz de cine (1919-2010) 



    Marevna nació en Cheboksay en el distrito de Kazan en Rusia. En 1910 se fue a Moscú para estudiar en la Academia de Arte Stroganov, pero al año siguiente viajó a Italia. En la isla de Capri le presentaron a Gorki quien fue el que le puso el nombre de Marevna

    En 1912 se  trasladó a París donde continuó con sus estudios de arte. Se hizo amiga de los mas importantes pintores y escritores de la época, entre ellos Braque, Chagall, Cocteau, Ehrenburg, Léger, Matisse, Modigliani, Picasso, etc.



    Expone en Tuilleries en 1912 y en el salon de independientes y en el de Otoño en 1913 y 1915 respectivamente. En 1915 el marchante Leonce Rosenbert vende sus primeros lienzos y se reencuentra con el amor de su vida, Diego Rivera, con quien tiene una hija. Rivera nunca la reconocerá pero la mantiene- 



    En 1948 se traslada a Inglaterra, donde vive su hija, casada en segundo matrimonio. En 1968 participa en la retrospectiva del neoimpresionismo en la fundación Guggenheim, en Nueva York. El doctor Iscar Ghez, presidente fundador del Petit Palais en Ginebra le compra 150 cuadros y eso la motiva a exponer en Francia, Estados Unidos y Japón

    En 1979 publica "Memorias de una nómada".



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  • 01/08/16--12:32: Alexej von Jawlensky










  • Torsok, 1864-Wiesbaden, 1941

    De origen ruso, Alexej von Jawlensky desarrolló la mayor parte de su carrera artística en Alemania, donde colaboraría estrechamente con su compatriotaWassilyKandinsky y otros artistas alemanes. Su llegada a Múnich tuvo lugar en 1896, cuando, desilusionado con los métodos de enseñanza de la Academia de San Petersburgo, se trasladó hasta allí para continuar su formación como pintor. Asistió a las clases de Anton Azˇbé y fue en su escuela donde, en 1907, conoció a Kandinsky, que se convertiría en su amigo y colaborador artístico. En 1905 realizó su primer viaje a Francia, donde se familiarizó con las obras de Paul Gauguin y Vincent vanGogh. Asimismo tuvo la oportunidad de conocer a Henri Matisse y la obra de los pintores fauves, junto a los que expondría en el Salon d’Automne de ese mismo año. Tras su regreso a Múnich, pasó varios veranos en Murnau junto a Kandinsky, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin, pintora rusa con la que Jawlensky había llegado a Alemania. Con ellos creó en 1909 la Neue Künstlervereinigung de Múnich, en la que permanecería hasta 1912, fecha en la que se unió al grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Como a la mayoría de sus colegas de Múnich, el sentido musical del color y una concepción mística inspirada en la teosofía marcaron el destino espiritual y artístico de Jawslensky. En 1917 comenzó su conocida serieCabezas místicas, y al año siguiente Cabezas abstractas, en las que se combinan las notas fauvistas y expresionistas con la tradición y espiritualidad del arte ruso
    Tras. la Primera Guerra Mundial, durante la que se vio obligado a emigrar a Suiza, se estableció en Wiesbaden. Con Paul Klee, Lyonel Feininger y Wassily Kandinsky formó el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) en 1924 y expuso junto a ellos en numerosas ocasiones en América y Europa. Desde finales de la década de 1920, Jawlensky sufrió una fuerte artritis que fue restringiendo su movilidad hasta impedirle completamente continuar pintando. En 1938 comenzó a dictar sus memorias
    Museo Thyssen-Bornemisza

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  • 01/10/16--03:53: Pável Korin



  • 1892-1967- Artista ruso nacido en Malekh, miembro de los itinerantes.  Hijo de un pintor de iconos, estudio en la Escuela de Arte, Escultura y Arquitectura de Moscú. Su amistad con Nesterrov y A.M. Gorky infuenció su obra


    En 1911 trabajó como aprendiz de Mijaíl Nésterov en el fresco de la Iglesia de la Protección de la Madre de Dios en el convento de Marta y María (Marfo-Mariinsky


    En 1916, a petición de la Gran Duquesa Isabel Fiodorovna Romanova, viajó a Yaroslavi y Rostov para restaurar los frescos tradicionales de las antiguas iglesias rusas

    En 1917 comenzó a trabajar en su estudio de la calle Arbat de Moscú, donde trabajó hasta 1934


    En 1918 y 1919 dio clases en  el Estudio de Artes Estatales y al año siguiente trab ajo en el teatro anatómico de la Universidad estatal de Moscú

    Entre 1926 y 1931 trabajó como profesor en el Museo de Bellas Artes
    En 1927 una obra suya fue comprada por la Galería Tretiakov y a partir de ahí consiguió reconocimiento como artista.


    En 1931 viajó a Italia y Alemania y comenzo  a trabajar como Jefe de Conservación y Restauración en el Museo Pushkin, puesto en el que estuvo hasta 1959. Despues fue Director de la Oficina Central Estatal de Restauración hasta su fallecimiento

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  • 01/10/16--12:38: Aleksandr Golovín








  • 1863-1930-Diseñador de escenarios y pintor ruso nacido en Moscú. Estudió arquitectura y pintura en su ciudad natal. En 1889 realizó varios viajes por Europa para ampliar su formación. En 1902 se inició en el diseño teatral y se trasladó a San Pertersburgo para trabajar para los teatros imperiales. Fue miembro del grupo "Mundo del arte" y colaboró con Benois en los diseños para la producción Diagulev de la ópera Mussorsgki Boris Godunov en la Opera de París
    El éxito de la producción fue tan grande que animó a Diaguilev a llevar su compañía de ballet, que tanta fama alcanzaría con el nombre de BALLETS RUSOS. Tambien trabajó con eminentes figuras de la historia de la escena como Konstantin Stanislovsky en Moscú  e Ida Rubinstein en París. Su estilo es rico y arquitectónico y abarca el paisaje, el retrato  y bodegones


    Las composiciones tienen un equilibrio muy medido, como no puede ser de otra manera para quien tiene que combinar su arte con lo que sucede en un escenario. La mayoría de estas obras están pintadas con materiales que no son óleo, sirviéndose de técnicas como el guache o el pastel, que imprimen una mayor luminosidad y colorido al conjunto, cercano al que se percibe sobre las tablas de un escenario.
    Sin ser Golovín un seguidor a ultranza del impresionismo, el espectador puede descubrir en sus pinturas deslumbrantes fragmentos con superficies donde los punteados coloristas, propios de la corriente francesa, hacen acto de presencia.

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  • 01/11/16--13:54: Konstantín Vasíliev





  • Nació en 1942 en Maikop, Rusia y murió en Vasilyevo en 1976. Aunque murió muy joven dejó unas  400 obras

    En 1942 los nazis ocuparon Maikop y su padre se unió a los partisanos con los que luchó hasta 1943 cuando Maikop fue liberada. En 1946 la familia se trasladó a Kazan y a partir de 1949 vivieron en Vasilyevo.

    Desde muy joven tuvo talento artístico e hicieron todo lo que pudieron para que desarrollara sus habilidades. En 1954 lo enviaron a un internado en Moscú pero a partir de mediados de esa década no se sintió cómodo con las condiciones impuestas en la escuela. No le gustaba el realismo socialista así que decidio cambiarse a la Escuela de Arte de Kazan.

     Basó su proyecto académico en una  representación en dibujos del drama musical Snegurochka de Aleksandr Ostrovsky, con  música de Chaikovsky.

    Al acabar los estudios su padre murió.  Empezó a trabajar como profesor de dibujo en una escuela secundaria y artista gráfico para una fábrica.


    Tuvo influencias del surrealismo y del impresionismo abstracto pero a partir de la década de 1960 comenzó a trabajar sobre cuentos, leyendas y sagas escandinavas e irlandesas. Sus obras nos narran historias mitológicas de heroes eslavos y escandinavos

    Murió atropellado, junto a un amigo, cuando cruzaban las vías del tren. Fue enterrado en un bosque de abedules  por el que el le gustaba pasear

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  • 01/12/16--13:33: Paolo Troubetzkoy

  • En la orilla occidental del lago Mayor, Italia, nace el pintor y escultor ruso Paolo Trubestkoy. Hijo de un diplomático ruso y de una cantante americana. Pasa su infancia y adolescencia en Ghiffa, situada cerca de su lugar de nacimiento, Intra, situadas ambas ciudades en el lago Mayor. Villa Ada, casa donde viven, es lugar de reunión de artistas y escritores, pero debido a una mala inversión tienen que venderla pero seguiran viviendo allí, en una casa alquilada. 

    Paolo comienza sus estudios en Milan y despues pasó unos años en Moscú. Visita París y los Estados Unidos, para volver al lago Mayor en 1912 donde compró una casa en Suna, lugar de residencia de verano hasta su muerte en 1938

    Tuvo una formación autodidacta pero provocó la admiración de varios artistas, entre ellos, Rodin, que vió obras suyas en una exposición en la galería Hébrard de París, aunque otros escultores no comprendían ese arte que plasmaba lo natural sin ningún condicionante cultural

    La Academia de Bellas Artes de Moscú lo llamó para impartir clases y permaneció allí nueve años

    Ganó el premio de la Exposición Universal de París de 1900 y expuso en el Salón de Otoño de 1904. Su obra más conocida es la estatua ecuestre del Zar ruso Alejandro III en San Petersburgo

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  • 01/13/16--11:46: Alekséi Savrásov

  • Alekséi Savrásov nació en la familia de  comerciantes. Empezó a dibujar desde muy joven, y en 1838 se enroló como estudiante del profesor Rabus en la Escuela de Moscú de pintura, escultura y arquitectura (de la que se graduó en 1850), e inmediatamente comenzó a especializarse en la pintura de paisajes.


    En 1852 viajó a Ucrania. Luego, en 1854, por invitación de la Gran duquesa María Nikoláyevna, presidenta de la Academia Imperial de las Artes, se mudó a San Petersburgo. En 1857, Savrásov se convirtió en maestro de la Escuela de Moscú de pintura, escultura y arquitectura. Sus mejores discípulos, Isaak Levitán y Konstantín Korovin, recordaban a su maestro con gran admiración y gratitud.
    En 1857 se casó con Sofía Kárlovna Hertz, hermana de historiador de arte K. Hertz.


    En los años 1860, viajó a Inglaterra a ver la Exhibición Internacional, y luego a Suiza. En un de sus cartas escribió que ninguna academia en el mundo podía hacer avanzar a un artista más que la presente exhibición mundial. Los pintores que más lo influenciaron fueron el pintor británico John Constable y el suizo Alexandre Calame.


    "Los grajos han vuelto" es considerado por muchos críticos como el punto más alto en la carrera artística de Savrásov. Utilizando una temática común, incluso trivial, de pájaros volviendo al hogar, y un paisaje extremadamente simple, Savrásov mostró emocionalmente la transición de la naturaleza del invierno a la primavera. Era un nuevo tipo de pintura lírica del paisaje, llamado más adelante por los críticos el paisaje del humor. Esta pintura lo hizo famoso.
    En 1870, se convirtió en miembro del grupo Peredvízhniki, rompiendo así con el arte académico patrocinado por el gobierno.

    En 1871, tras la muerte de su hija, hubo una crisis en su arte. La desgracia en su vida personal y, posiblemente, la insatisfación con su carrera artística fueron las razones por las que se convirtió en un alcohólico. Todos los intentos de sus parientes y amigos de ayudarle fueron en vano.
    Durante los últimos años de su vida, Savrásov fue muy pobre. Únicamente el portero de la Escuela de Moscú de pintura, escultura y arquitectura, y Pável Tretiakov, fundador de la Galería Tretiakov, estuvieron presentes en su funeral, en 1897.

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  • 01/14/16--11:51: Javier Villamizar Pinto


  • El pintor  colombiano Javier Villamizar, natural de Bucaramanga, Santander, Colombia, combina dos aspectos complementarios en su vida, las vivencias asociadas al paisaje de montaña de los recorridos en el campo como geólogo y la sensibilidad artística que plasma en sus obras de arte.
    En contacto, desde muy temprana edad, con las artes plasticas, gracias a la profesión de familia dedicada en gran parte a la pintura y escultura, ha sido influenciado por técnicas y estilos heredados y aprendidos. Este artista siente una marcada preferencia por la pintura moderna abstracta, con una paleta muy variada; a veces, sus obras se embelezan con la sutilieza de los tonos pastel y otras se inmersan en los colores cálidos, fuertes, siempre con una tendencia hacia el paisaje abstracto, expresionista.
    Es un pintor artístico aficionado con cualidades de un verdadero maestro profesional del arte. Sus pinturas no se encuentran exhibidas en ninguna Galeria de Arte de Colombia, solamente aquí... su Galería Virtual.
    Últimamente el artista ha hecho varias exposiciones tanto en el exterior como en Colombia.
    En Octubre del 2011 fue invitado por el MUSEUM OF THE AMERICAS en representación de Colombia a la exposicion “7 Artists from 7 Countries” a exponer sus ESCULTURAS EN HIERRO.

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  • 01/14/16--12:30: Consuelo Hernández




  • Consuelo Hernández, extremeña de origen, es pintora española figurativa en la línea del Realismo. Diversos críticos de su obra, como Mario Antolín, José María Bermejo, José Marín Medina, han enmarcado su obra dentro del denominado “realismo madrileño”.
    Desde su infancia y adolescencia alterna los estudios de Bachillerato y de Dibujo y Pintura, así como la práctica de la Pintura. Licenciada a los 22 años en Filosofía y Letras por la Universidad de Salamanca.
    Sus inicios en la pintura siguieron el modelo impresionista, línea que  la artista fue dejando atrás hasta su inmersión plena en el mundo del realismo, al que se ha mantenido fiel a lo largo de los últimos treinta años.


    En esta trayectoria artística puede observarse que Consuelo Hernández ha ido experimentando una evolución en cuanto a la técnica utilizada y en cuanto al contenido de su obra, que es reflejo de su propia evolución vital y la del entorno que la rodea.
    En octubre de 1995, a propósito de su exposición individual en la galería Santa Bárbara, de Madrid, el prestigioso crítico de arte JOSÉ MARÍN MEDINA escribía en el suplemento cultural del diario ABC: “Quienes se interesen por la nueva pintura de paisanaje encontrarán en esta exposición a una artista nada común, Consuelo Hernández, en el trance de su conformación estilística. Perteneciente a las filas juveniles del nuevo realismo, Hernández alcanza su primera madurez en la práctica de un paisaje independiente, desafiante, que, a pesar de la aparente fuerza de su verismo, lo que realmente busca son los dones de la invención imaginativa…”
    Y, sobre la obra expuesta en la galería Paz Feliz de Madrid, en marzo de 2007, CARLOTA DE ALFONSO opinaba: “La obra de Consuelo Hernández trasciende a veces la pura realidad para convertirse en evocaciones y remembranzas, en mundos soñados por la artista, capaces de generar en el espectador sensaciones que permiten transportarle a lugares exóticos o reales, despegados de la cotidianeidad en que se enmarcan…”


    Hay que destacar los seis años de su estancia en Tánger (1997-2003) época en la que sus pinturas se inspiran en la arquitectura decadente de la época internacional de la ciudad, en especial las que dedica al Teatro Cervantes: PrimaveraVeranoOtoñoInvierno en el Teatro Cervantes de Tánger.
    Artista española consolidada, con una extensa trayectoria de exposiciones, su obra se ha exhibido en ferias internacionales de arte, en Chicago, Hong Kong, Singapur, París, La Haya, Madrid, y en festivales internacionales. La obra de Consuelo Hernández ha recorrido las salas del Instituto Cervantes de Tánger, Rabat, Casablanca, Fez y Tetuán (Marruecos)
    En 2012  presentó una selección de pinturas en el marco del Present’Art Festival internacional, Contemporary art, que se exhibieron en la Biblioteca Nacional de Shanghái Pudong y en el CEIBS (Art Investment Forum) de Shanghái (China). Sus exposiciones internacionales han continuado en 2013 en la Bridge gallery de Pekín y en Shenzhen (China), así como en la Gallery-M de Viena (Austria), en el Wison art museum y en el Global Harbor de Shanghái (China).
    Sus exposiciones individuales y colectivas han continuado, como las realizadas en la galería “Botica del Arte” de A Coruña y en la galería “Espacio 36″ de Zamora. Cabe destacar la exposición retrospectiva organizada por la Diputación de Salamanca en julio de 2015 con una gran repercusión en el público y medios de comunicación.

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  • 01/15/16--11:52: Simeón Saiz Ruiz

  • "Matanza de civiles en Sarajevo por proyectiles, junto al mercado principal, el lunes 28 de agosto de 1995. En la calle", 1997.
    Óleo sobre lienzo. 50 x 85 cm

    "Forense yugoslavo examinando el viernes 22 de enero de 1999 la radiografía de una víctima de la matanza de Racak", 2005
    Carboncillo sobre papel. 46 x 75 cms
    "Victima de bombardeos serbios a zona croata por encima de las posiciones bosnias en Mostar", 1996
    Oleo sobre lienzo. 241 x 390 cms



    Simeón Saiz Ruiz nació en Cuenca en 1956. A los dieciseis años conoció a Fernando Zóbel, quien se convirtió en su maestro en el terreno del dibujo y la pintura, al margen de toda academia o institución. En 1976 presentó su primera exposición individual en la Galería Edurne, de Madrid..
    Tras realizar el servicio militar, se marchó a EEUU en 1979, viviendo primero en Boston y luego en Nueva York hasta 1986, año en el que vuelve a España contratado como Profesor de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, tarea que sigue desempeñando en la actualidad.
    Tras su vuelta, Simeón Saiz comenzó a estudiar Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid, terminando la Licenciatura en 1995. En febrero de este año ha obtenido el título de Doctor, tras defender una Tesis sobre Jacques Derrida.
    Aunque su trabajo se centra fundamentalmente en la pintura, Simeón Saiz ha utilizado también la fotografía y el vídeo. Desde 1990 expone habitualmente en la Galería Fúcares, en Madrid y en Almagro. En estos momentos prepara una nueva muestra para la próxima temporada que podrá verse en la Galería Tomás March, de Valencia.



    Arte y realidad


    Que el arte toma la realidad como tema es tan evidente como que igualmente usa la fantasía. También que las mezcla. Muchos artistas han pensado que la vida es suficientemente desagradable como para tener que rodearse de productos artificiales que nos lo recuerden continuamente. Más bien éstos debían servirnos de reposo, como quería Matisse. Crear un arte que nos repare a la vuelta del trabajo es una gran actividad en la dirección de mejorar nuestras condiciones de vida.

    Sin embargo, el arte no puede sustraerse a la necesidad de cambiar el mundo. Acabo de leer la entrevista a Claudio Magris (EL PAÍS, 30-10-06), donde en tres frases pasa de la negación a la afirmación: "¡Ay de la literatura si nace para enseñar la justicia de forma explícita! Su importancia es precisamente que puede, de forma indirecta, crear una atmósfera que permita comprender qué quiere decir la justicia. Ocurre también con la verdadera educación, la más eficaz es siempre indirecta, como la literatura". Y yo añadiría, como cualquier arte que alcance lo mejor de sí. Y sí el arte es una buena manera de educar, cómo no lo vamos a utilizar para influir en la sociedad.
    La pregunta en estos momentos quizá sea: ¿Cómo podemos utilizar el terror para crear ideas? De lo que se trata no es ni de utilizar su valor disuasorio contra la violencia (mostrando que si practicamos el terror sufriremos tales consecuencias) ni mucho menos ensalzarlo (sea en su vertiente patológica de culto a la violencia o sea en su carácter de ataque preventivo para escapar a la posible violencia del otro).
    Después de más de diez años trabajando en una serie de cuadros en torno a las guerras de los Balcanes, me he hecho esta pregunta muchas veces, con algunas respuestas parciales:
    - Que es obsceno representar los actos de violencia o a los violentos porque los únicos humanos dignos en esa situación son las víctimas.
    - Que hay que buscar la especificidad. Sólo desde el análisis de los casos concretos podemos obtener conclusiones universales. Por eso llevo todo ese tiempo trabajando sobre unas víctimas y no otras, a pesar de que la novedad de sus sufrimientos pasó ya hace tiempo.
    - Que no sirve de nada quedarse en lo general, aquello con lo que todo el mundo puede estar de acuerdo (la guerra es mala) o en tomas de postura maniqueístas. Contra ese poder disolvente de lo general, manejo una tesis: hay una violencia que surge de la creencia en el mito de las identidades. Se produce cuando ante su carencia el hombre no acepta su estado y busca recrear la identidad perdida. Busca en lo más falso de sí, sacando todo lo que ha sido grabado en su conciencia desde el inicio de los tiempos por la fuerza de la autoridad. Quisiera que mi trabajo fuese una apuesta fuerte en contra de la identidad, no importa como quiera que sea que alguien pretenda imaginarse esa identidad.
    Simeón Saiz Ruiz



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  • 01/18/16--11:34: Josep Esteve Adam
  •  Josep Esteve Adam. Algemesí, 1946. 


    Licenciado en Bellas Artes por la Escuela Superior de San Carlos de Valencia. En cuarto curso obtiene la beca de El Paular de Segovia, una de las más prestigiosas y antiguas en paisaje. Expone regularmente con gran éxito en diferentes ciudades de España. Obtiene premios como el de Lucena en Córdoba, el del VI Concurso de Pintura Sorolla en Elda, el Certamen de Pintura de Reinosa, el Premio Ateneo de Albacete, El Bacardí en 1993 y como broche de oro el BMW en 1994. Colabora con la Galería Arboreda desde 1992.

       Es también desde hace años miembro del jurado del Premio de Tudela, por el que han pasado acompañándole pintores de la talla de Antonio López, Enrique Brinckmann, Farreras o Juan Genovés.

       Esteve Adam ha recorrido incansablemente toda España para plasmar el paisaje desde una posición de pintor racional y reflexivo. Un admirador de la naturaleza aunque la observe con un ojo casi geométrico y vea un plano sobre otro como un orden que debe resolver y desvelar. De su experiencia a base de oficio y, porqué no, de ser pintor artesano, ha logrado del paisaje un gesto instantáneo de expresión en el que casi no hay forma, pero que encierra la verdad del observador que analiza con rigor matemático todas las posibilidades del natural. Arrozales, interiores pedregosos, meseta hostil, paisaje industrial, son motivos suyos que siempre atraen por la audacia con que son concebidos. Grises, ocres, amarillos y verdes, colores que conforman su paleta y crean una obra coherente, enérgica y expresiva  de la que tan bien ha hablado el crítico Juan Manuel Bonet

    Información- Galería Arboreda                                                                                                                     






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