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  • 11/03/15--11:35: Constant Anton Nieuwenhuys

  • Constant Nieuwenhuys (1920-2005) miembro
    de la rama holandesa del grupo COBRA. En. 1956, su obra tomó un camino completamente diferente. Abandonó la pintura y se lanzó a la arquitectura, planeando una ciudad que llamó BABILONIA, expresando sus ideas para una sociedad progresiva en maquetas, dibujos,  peliculas y manifiestos. Gracias a adquisiciones en la década de  1970 el Gemeetemuseum Den Haag tiene ahora la mayor colección de la obra relacionada con el proyecto Babilonia. 



    La década de 1950 fue la de mas cambios sociales. Se estaba introduciendo el proceso de automatización y el nivel de vida estaba creciendo.  El crecimiento de las carreteras y tráfico aereo estaban facilitando a la gente viajar cada vez más rápido. El balance entre el trabajo y el esparcimiento ofrecía a la gente más desarrollo. Así nació el utópico proyecto NEW BABYLON, una ciudad  en el mundo ideal del futuro en la que los rápidos cambios pueden vivirse en vertical. Una ciudad diseñada de forma flexible con los edificios formando una red de estructuras apoyadas sobre pilares que se extienden por Europa. Los diseños se basan en la idea de una sociedad alternativa, totalmente automatizada, una ciudad en la cual el ser humano no necesita trabajar. La gente es libre para dedicarse al desarrollo de ideas creativas. Los residentes en NUEVA BABILONIA serán "HOMO LUDENS" con absoluta libertad para decidir cambios en  lo que le rodea.

    El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una muestra del trabajo realizado durante más de 20 años por el artista Constant Anton Nieuwenhuys.

    Del 20-oct-2015 al 29-feb-2016



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  • 11/04/15--11:59: DANIEL RICHTER



  • Daniel Richter nació en 1962 en Eutin (Alemania). Hoy en día, vive y trabaja en Berlín.  A finales de la década de  1990 se hizo famoso por sus cuadros figurativos de gran tamaño. Su obra, de una estética psicodelica, pintada a menudo con colores fluorescentes, tienen una luminosidad que a veces parece electrica. Se basa en composiciones históricas, integrando elementos contemporaneos, que a menudo saca de revistas o periodicos, todo ello lo combina con danzas grotescas, super heroes de comics, zombies y policias


    Estudió en Hochschule der Bildenden Künste, en Hamburgo. Ha expuesto en todo el mundo y ha hecho diseños para el decorado  de la opera de Salzburgo

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  • 11/05/15--11:51: Lois Mailou Jones



  • Lois Mailou Jones (1905-1998)
    Loïs Mailou Jones siempre sintió admiración por el arte y la cultura africana.   Observó, experimentó y contribuyó a los ciclos de la historia del arte. 

    Nació en 1905. en Boston- Estudió en el Museo de Bellas Artes de Boston.  Al principio trabajó como diseñadora de telas.  Pasado un tiempo decidió trasladarse al sur para dar clases. Empezó en North Carolina, antes de irse a la universidad de Howard 

    En 1937 tuvo la oportunidad de pasar un año  estudiando en Paris, hecho que no solo influenció mucho en su obra, sino que le mostró un mundo en el que el color de la piel tenía mucha menos importancia que en su país. Volvió a París todos los años hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial

    En los Estados Unidos, su obra empezaba a ser conocida, pero encontraba mucha discriminación, por ejemplo, no pudo entrar en un concurso en la Galería Corcoran, en  1941, por su raza. Continuó con sus clases en Howard y en  1973 fue, al fin aceptada. Ese año se convirtió en la primera artista afroamericana  en exponer en el Museo de Bellas Artes de Boston. 



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  • 11/06/15--03:35: MANFRED SCHWARTZ





  • MANFRED SCHWARTZ (1909 - 1970)

    Artista americano, hijo de polacos. Estudió en La Sorbona en París y el la Académie de la Grande Chaumiere. En Nueva York en la Art Students League y en la National Academy of Design 

    En París conoció a los grandes maestros del siglo XX, como Braque, Rouat, Picasso y Matisse.

    Schwartz, además de pintor tocaba el cello y el piano. 
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    Entre el círculo de artistas con el que se rodeaba estaba Duchamp y Roberto Matta, de quien podemos ver mucha influencia en su obra


    Murió a los 61 años







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    Camille Claudel, 1864 – 1943


    Alumna, musa, compañera modelo y amante de Rodin desde que le conociese y posase para él cuando apenas había cumplido 19 años, el tiempo ha ido colocando las piezas en su sitio y hoy sabemos que la dimensión artística y creativa de Camille no tenía mucho que envidiar al genio avasallador de su maestro.
    Hoy sabemos que colaboró de manera muy directa en algunas de las obras maestras del escultor y que éste, vencido por celos profesionales y por el temor a que su discípula le hiciese sombra en el mundo del arte, nunca la ayudó.


    Decidida, valiente y directa, Camille Claudel se enfrentó a su familia y a su época para dedicarse con pasión a la escultura y para unirse al hombre del que se había enamorado. Lo pagó caro.
    Tras apasionarse por su alumna, Rodin la asedió. En un primer momento ella esconde sus sentimientos y establece una calibrada distancia que pronto rompería; se entrega. Vendrían después años de encuentros y desencuentros. El escultor nunca abandonó a la costurera Rosa Beruet de la que fue amante hasta su muerte. Con Camille fue distinto. Tras pasiones y arrebatos, muchos intentos de convivencia, un embarazo y un aborto, la relación entre ambos quedaría definitivamente rota en 1898, catorce años después de haberse conocido.
    A Camille las fotos nos la acercan como una mujer no especialmente bella. Sin embargo, quienes en su tiempo la conocieron hablan con admiración de su enorme atractivo. “Tenía luz”, diría de ella su hermano el poeta. Una luz que la vida iría apagando hasta oscurecerse por completo en el manicomio en el que, por razones poco precisas, fue internada cuando acababa de cumplir 49 años.
    Por orden directa de la familia Claudel, en la mañana del 10 de marzo de 1913 unos enfermeros irrumpieron en su taller para recluirla en el centro psiquiátrico del que, pese a sus desagarradas quejas -se conservan muchos escritos y cartas de la escultora exigiendo que la liberaran-, nunca volvería a salir.


    Muy afectado por la que considera situación de indigencia de Camille, en 1913, Paul Claudel escribe: “En cuanto a mi pobre hermana, no tendré más remedio que ir a París para internarla… Cuando volví, hace cuatro años, deliraba por completo, y lo que más me impresionó fue que le había cambiado la voz. Actualmente ya no sale y vive, con los cerrojos echados en puertas y ventanas, en un piso de una suciedad espantosa”.


    Finalmente, en marzo de 1913, Camille Claudel es ingresada en contra de su voluntad en un centro de Ville-Evrard, al este de París. Pero el asedio del ejército alemán obliga a trasladar a todos los internos al manicomio de Montdevergues, al lado de Aviñón, en donde la escultora ingresa el 7 de septiembre de 1914 aquejada, según textualmente reza su diagnóstico médico, “de delirio sistemático de persecución basado principalmente en interpretaciones e imaginaciones falsas”.


    Entre esos muros pasará el resto de su existencia. Treinta años en los que no dejó de reclamar su derecho a ser libre. “Hace años que soporto este atroz martirio”, escribía la artista hacia 1920. “No hace falta que describa mi sufrimiento… Respecto a mi familia no hay nada que hacer; bajo la influencia de unas malas personas, mi madre, mi hermano y mi hermana sólo atienden a las calumnias de que me han cubierto… ¡Me reprochan (oh, crimen espantoso) haber vivido completamente sola, pasar la vida con unos gatos, tener manía persecutoria! Sobre la base de estas acusaciones me encarcelaron como a una criminal, privada de libertad, privada de alimentos, de calefacción y de las más elementales comodidades… Tienen mucho interés en que yo no salga nunca de esta prisión”.


    Nunca salió. A lo largo de esos treinta años largos de estancia en aquel manicomio, Camille Claudel se negó a dibujar o esculpir. Poco a poco se sumió en un doloroso silencio. Le dio la espalda a la vida con la esperanza, cada vez más debilitada, de recuperar la libertad.

    El 19 de octubre de 1943, a los 78 años de edad, alejada de su obra y de su mundo, falleció en Montdevergues.
    Paul Claudel que, en relación con su hermana siempre se meció entre la incomprensión y el remordimiento, expresó entonces: “Proscrita, a partir de ahora, de la plaza pública y del aire libre, la escultura, como el resto de las artes, se retira a esa habitación solitaria en la que el poeta cuida de sus sueños prohibidos. Camille Claudel es la primera obrera de esta escultura interior”.

    .hoyesarte

    Tras la ruptura entre Camille Claudel y Rodin, este último intentó ayudarle por mediación de otra persona y obtuvo del director de Bellas Artes un encargo del Estado. La edad madura fue encargada en 1895, expuesta en 1899, pero el bronce no fue nunca encargado y Camille Claudel jamás lo entregó. Fue, el Capitán Tissier, quien al final, encargó el primer bronce, en 1902.

    El grupo evoca la indecisión de Rodin, entre su ex-amante, que saldría vencedora, y Camille que, para retenerle, se inclina hacia delante. Más allá de su historia personal, Camille realiza una obra simbólica que conlleva una meditación sobre las relaciones humanas. Ella misma se protagoniza en los rasgos de un personaje que llama la Implorante, marcando de este modo lo trágico ligado a su destino.

    Alcanzada su madurez, el hombre está vertiginosamente atraído por la edad, mientras tiende una inútil mano hacia la juventud. Las figuras desnudas están envueltas en drapeados que acentúan la rapidez de la marcha. Las grandes oblicuas convergen en perspectiva. Así hablaba de ella Paul Claudel: "Mi hermana Camille, Implorante, humillada a rodillas, esta soberbia, esta orgullosa, y saben lo que se desprende de ella, en este mismo momento, delante de su mirada, es su alma".



    musee-orsay

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  • 11/07/15--11:59: ANGELES SANTOS



  • 1911-2013

    Ángeles Santos Torroella (Portbou, 1911) , la Angelita de Ramón Gómez de la Serna, Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca y Jorge Guillén, en realidad no era de Portbou, ni de Valladolid, ni de Madrid, ni Barcelona, ni Sevilla, ni de Huesca, y ni tan solo del Sitges que tanto amaba y donde será enterrada junto al que fue su marido, Emili Grau Sala. Ángeles Santos fue ciudadana del mundo, pero no de esa esfera que da vueltas, coqueteando con la luna sin parar, desde hace miles de millones de años, si no de un mundo cúbico, un poco abrupto, lleno de claroscuros, alentado por madres ciegas i angelitas sonámbulas -no angelitos- que encienden constantemente las estrellas, porque si estuvieran solas pronto se apagarían y la oscuridad volvería a reinar para siempre.



    A los 17 años se consagró como pintora precoz en un Valladolid efervescente y moderno, donde vivía entonces con su familia. La ciudad del Pisuerga estaba imbuida de Generación del 27, con Jorge Guillén, los hermanos Cossío o un joven Francisco Pino que se enamoró de ella; todo parecía serle favorable. Al cabo de poco, Angelita Santos arrasó en el Madrid del Café de Pombo, la Residencia de Estudiantes y el Lyceum Club. El Salón de Otoño se rindió a sus pies por dos años consecutivos, en 1929, cuando presentó Un Mundo, y al año siguiente, cuando tuvo una sala especial, a la altura de los consagrados como Gutiérrez Solana. Pero su afán desenfrenado por pintar y sus ansias de libertad se truncaron de golpe y su rebeldía absoluta y tenaz le pasó factura en un entorno poco preparado para tales andanzas. Fue recluida y apartada de su mundo y, en parte, también del de los demás. Entonces Ángeles Santos, en pleno éxito y auge creativo, dejó de pintar y tardaría años en volver a hacerlo.

    Fue cuando conoció, en Olot o Barcelona, a un joven artista, culto y apuesto, amigo como ella de García Lorca, llamado Emili Grau Sala. Él pintaba la luz, el bienestar y la buena vida, ella había pintado la oscuridad y el desaliento, y se enamoraron. Y Angelita volvió a pintar, esta vez mirando a su prometido. La boda se celebró en 1936, pero la Guerra Civil rompió cualquier esperanza de futuro. Grau Sala, republicano empedernido, se exilió en París, y Ángeles se fue junto a sus padres y sola dio a luz a su único hijo. No volvió a unirse con su marido hasta entrados los años sesenta, en el momento en que ella volvía a renacer como una artista conectada al surrealismo y la vanguardia a partir de su obra primeriza. Y convivieron dos Ángeles Santos, la de los paisajes risueños modernos con la de las almas atormentadas del pasado. Justo gracias a esas obras de antaño conquistó el mundo contemporáneo; entró por la puerta grande en el Reina Sofía; el Museo Patio Herreriano le dedicó una retrospectiva en Valladolid; se le otorgó la Medalla Nacional de Bellas Artes y obtuvo la Creu de Sant Jordi en 2005. Siempre redescubierta porque a menudo era olvidada, ahora Ángeles Santos vuelve a ser noticia.

    EL PAIS

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  • 11/07/15--13:11: ALEJANDRA SALGADO

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    Es una artista nacida en la ciudad de Córdoba (Argentina) en el año 1975. Luego de unos años se traslada a vivir a Capital Federal donde realiza sus estudios primarios y a su vez se forma como pintora en el Instituto de Artes Aplicadas del Profesor Eduardo Vieira. El arte que podremos apreciar en sus cuadros se denomina Realismo Mágico Latino Americano. 

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  • 11/09/15--11:48: Isabel Quintanilla

  • Madrid, 1934 Pintora española.

    Entre 1954 y 1959 realiza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, después de haber estado dibujando modelos de esculturas clásicas y copiando viejos maestros en el Museo de Reproducciones Artísticas junto a María Moreno . Durante los años de estudio conoce a su marido, el escultor Francisco López iniciando una fructífera relación personal y artística de recíproca influencia. De 1960 a 1964 reside en Italia, regresando a Madrid en 1966, exponiendo individualmente por primera vez. En 1970 presenta su obra en Alemania iniciando su andadura internacional, lo que hace que su obra esté dispersas en diferentes colecciones europeas. Su obra se ciñe al realismo desde las cualidades extremas de la luz, siendo así, que lo representado, su entorno próximo, adquiera cualidades de atemporalidad.

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  • 11/09/15--12:52: Olga Nicolaevna Sacharoff
  • portrait de femme au bouquet by olga sacharoffpetit bouquet by olga sacharoff

    bodegón con frutas by olga sacharoff
    Olga Nicolaevna Sacharoff  nació en Tbilisi, Georgia, en 1889 y murió en Barcelona en  1967. 
     Despues de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Tbilisi, se trasladó a Munich y allí se puso en contacto con los expresionistas alemanes. Alli conoció a su futuro marido, el fotografo y pintor Otto Lloyd. Se trasladaron a París en  1911 y allí se unieron al círculo de artistas dirigidos por  Marie Vassiliett. Con el estallido de la primera guerra  mundial viajaron a España en  1915. Primero vivieron en Mallorca y en 1916 se establecieron en Barcelona

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  • 11/10/15--12:10: Sarah Stilwell Weber



  • Ilustradora americana. nacida en Concordville, Pensilvania. 1878-1939-  Estudió en el Instituto Drexel con Howard Pyle como profesor. Ilustró libros y revistas como The Saturday Evening post, Vogue y The Century Magazine. Fue ademas escritora y poeta


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  • 11/11/15--11:35: JULIA HIDALGO


  • Julia Hidalgo Quejo nació en Córdoba en 1948.
    Su formación artística comenzó en la Escuela de Artes y Oficios “Mateo Inurria” de Córdoba, continuádola en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, en la que se licenció. Cursó así mismo estudios de Arquitectura Interior en el ICADE de Madrid.
    Ha sido docente en las Escuelas de Artes y Oficios y en la de Restauración de Córdoba.

    Después de realizar un master en Didáctica de la Expresión Plástica, en la Universidad de Córdoba, viajó a Italia con el fin de realizar un curso de Investigación y Perfeccionamiento del Dibujo en la Fundación Ratti, en la ciudad de Como, curso dirigido por G. Richter y Schumacker.
    Desde la decáda de 1970, además de participar en certámenes, ferias y varias exposiciones colectivas, ha expuesto de forma individual en distintas ciudades andaluzas, españolas, Madrid, Bilbao, Barcelona entre otras y en Italia en las de Trevisso y Venecia.

    “En la obra de Julia, nada permanece inmóvil. Cada imagen deviene traspasada por un sonoro acento de energía. El tiempo no se detiene, parece renovarse entre los espejismos vegetales, en la carne trasparecida, en el lenguaje descriptivo de las viejas mitologías. Como el tiempo, el espacio produce desvanecimiento. Se disocia y se integra, busca la perspectiva, el ángulo, esa savia dulce de los contrastes,la posesión de las formas inconcretas que no comienzan ni acaban, creándose a sí mismas. Recinto que no sólo es interno, que se escapa, que busca tocarnos, penetrar en la piel del que contempla. Esencia y existencia.
    En un estado de sabio equilibrio entre figuración y abstracción, está palpitando la gran personalidad de esta artista.

    Realismo frente a informalismo, delicadas veladuras junto a agresivos lijados, fino cromatismo con negros intensos, excelente dibujo frente a la obsesión por desdibujar, trabajos íntimos y formatos desmesurados, en aparente contradicción, no son sino reflejo de las permanentes experiencias vivenciales de la propia artista en las que se armonizan la galanura exterior con la fuerza interior, la alegría innata con el dolor contenido, la seguridad aparente frente a la duda permanente, la pasión desatada junto al juicio cartesiano, el amor y el desamor, el instinto y el raciocinio, la ingenuidad y el talento, la espontaneidad junto a la reposada maduración.
    Su reto de cada día es componer, empastar, dibujar, distorsionar, pulir, velar, retocar, patinar. Tejer y destejer la realidad, en definitiva, para que ésta tras pasar por el tamiz de su exquisita sensibilidad , pierda la transparencia de lo cotidiano y se nos brinde con el atractivo de lo singular.” (Gardena: Grupodeartistasde Navarra).
    Sin duda su pintura atrapa al espectador que se enamora sin remedio de su obra.


    Fuente- trianarts

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  • 11/12/15--11:35: ANA JUAN



  • Pintora, escritora e ilustradora española nacida en Valencia en 1961



    Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en 1982, empezó a colaborar al año siguiente con las revistas La Luna de Madrid y Madriz, aportando para ellas sus únicas historietas hasta la fecha,1 todas en blanco negro y de tintes expresionistas. 

    En 1988 realizó su primera exposición individual en la Galería Notuno de Ginebra. 

    En 1994 pasó tres meses en Japón, becada por la Editorial Kodansha. 


    El salto internacional (1995-2001)

    Little woman 02 de Ana Juan. 

    En 1995, apareció su primera portada en The New Yorker, a la que seguirían muchas más. 

    Durante dos años consecutivos (1998 y 1999), obtuvo la Medalla de Oro en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design.4 

    Publicó en 2001 sus libros Amantes (1000editions) y Snowhite (Edicions de Ponent). 


    La literatura infantil (2001-Presente) 


    Desde 2002, con Frida se ha centrado en la ilustración de libros infantiles, incluyendo también algunos escritos por ella: Comenoches (2004) y The pet shop revolution (2010).2 1 Participó también en la exposición colectiva El Texto Iluminado, organizada por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez. 

    El 24 de septiembre de 2010, el Ministerio de Cultura le concedió el Premio Nacional de Ilustración.

    Información  foroxerbar


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  • 11/13/15--02:14: Carmen Jiménez Serrano

  • Carmen Jiménez Serrano (La Zubia, Granada, España, 1920). Escultora Española. Nació el 21 de septiembre de 1920 en La Zubia, Granada, y fue la mayor de cuatro hermanos, Conchita, Victoria y Miguel. Sus padres, Miguel Jiménez Quesada y su madre, Concepción Serrano Melgarejo, eran comerciantes.
    En 1923, con 3 años de edad se trasladó a vivir con sus padres a Sevilla, ya que gestionaba tres puesto en la plaza de abastos de la Encarnación. Un año vivió en la misma plaza de la encarnación y dos años más en Coria del Rio.

    Con 6 años, en 1926 se trasladó a vivir al barrio del Albaizín de Granada, entrando a estudiar en el colegio Padre Manjón en donde aprendió a leer y escribir y cultura general, demostrando ya que poseía grandes cualidades, debido a que los 8 cursos los hizo en tres años.

    Cuando tenía once años se quedó huérfana, quedando bajo la tutela de sus tíos Fernando Borja y Carmen Serrano, a los que ayuda en las tareas domestica, y que la meten interna en el Colegio de huérfanos, General Riquelme de Granada. Como era una alumna con muchos conocimientos que había adquirido en el anterior colegio, las monjas le enseñaron a bordar y a dibujar.





    A los 18 años, en 1938, cayó en una gran depresión motivada por la soledad y el aislamiento que le afectó a su salud, aconsejando el medico a la Dirección su salida del internado. Fue a vivir nuevamente con sus tíos, y comenzó a salir por primera vez, conociendo a Granada y su gente, con lo que inmediatamente se recuperó.

    En 1939 se matricula en la escuela de Arte y Oficio, en Artesanía Granadina para aprender el bordado en lana ya que no lo conocía, pero cuando la profesora, Trinidad Morcillo, comprobó como dominaba la técnica del bordado le indicó que con lana se hacía igual y le dijo que allí ella no tenia nada que aprender y le aconsejó que asistiera a clases de Dibujo y Pintura como alumna libre.




    Su primer contacto con el Arte lo tuvo en la asignatura de dibujo con el profesor Joaquín Capulino y en Pintura con Gabriel Morcillo. En estas clases coincidió con Miguel Pérez Aguilera, Amalio García del Moral, José Guerrero, Nicolás Prado López, etc y todos se preparaban los ejercicios para el ingreso en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid y al poco tiempo, Carmen Jiménez también estaba haciendo dichos ejercicios de preparación. Como las clases de Arte y oficio eran por la tarde, por la mañana comenzó a trabajar en el taller de Navas Parejo, dedicándose a policromar imágenes. Aquí conoce, entre otros a los escultores Antonio Cano Correa y Manuel del Moral, que acababan de llegar de obtener el título de profesor de dibujo obtenido en la Escuela Superior de BB AA de Madrid, si bien tuvieron que finalizar en la de Valencia porque la escuela de Madrid estaba cerrada después de la guerra debido a que había caído una bomba.

    Todas estas actividades las simultaneaba con la realización de las faenas domesticas en casa de sus tíos así como con el cuidado de la madre de su tío.



    En 1940 realiza sus tres primeros cuadros para participar en el concurso de Becas convocado por el Ayuntamiento de Granada. Los tres cuadros fueron, La Abuela, que era un retrato de la madre de su tío a la que cuidaba, el segundo fue una composición de su hermana Conchita rezando y el tercero fue el Niño de los pinceles, que era el niño que limpiaba los pinceles en el taller de Navas Parejo. Los tres cuadros fueron admitidos y expuestos, pero fuera de concurso ya que las bases indicaban que tenían que ser de Granada capital y Carmen Jiménez era de la Zubia.



    Un señor mayor que visitaba la exposición, llamado Luís Seco de Lucena, escritor y director del periódico “El defensor de Granada” se quedó maravillado con sus cuadros, interesándose por la autora, y desde ese momento se convirtió en el Pigmalión de Carmen Jiménez, ayudándola a todos los niveles en su carrera artística, y con el que acabaría teniendo una gran amistad, así como con toda su familia.

    A los pocos días, el Ayuntamiento de la Zubia, su pueblo natal, le concedió una beca especial para que comenzara sus estudios en la escuela superior de BB AA de Madrid.




    En mayo de 1940 se traslada a Madrid, en donde estuvo todo el verano, practicando a diario, copias de dibujos de estatuas Griegas y Romanas, en el museo de Reproducciones Artísticas, situado en el Casón del Buen Retiro, para prepararse el examen de ingreso en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.



    El 25 de septiembre de 1940, se examinó y aprobó, comenzando los estudios de preparatorio en el curso 1940-41.

    Como no disponía de suficientes medios económicos para vivir en Madrid, ya que con la beca no tenia suficiente, se dedicó a dar clases particulares para poder subsistir. En el curso mostró especial interés por la pintura y debido a las clases particulares, no pudo asistir a las clases de Modelado de Cabezas por lo que pensó no presentarse en Junio, y dejarla para septiembre, pero el profesor la animó a presentarse al concurso de fin de curso que otorgaba la Academia de Bellas Artes para los alumnos oficiales.




    Aprovechó este concurso para practicar el modelado, y sin haber recibido ninguna clase de modelado, ella sola se enfrentó por primera vez con el barro y comprobó que podía plasmar cualquier volumen sin esfuerzo, realizando una preciosa cabeza romana. No le pudieron dar el premio en el concurso por no haber asistido a clase durante el curso, pero este trabajo le sirvió para aprobar la asignatura.

    Entre los miembros del tribunal estaba el afamado escultor, Enrique Pérez Comendador que le aconsejó reiteradamente que se dedicara a la escultura, ya que tenía cualidades, pero ella le indicó que lo que le gustaba era la pintura.




    Terminó el curso con muy buenas notas y decidió practicar el modelado, posándole la hija de una vecina de 8 años de edad, de la calle Moratín de Madrid, realizando una figura de la niña sentada, a tamaño natural, en barro cocido y posteriormente vaciándola en escayola. Esta obra la realizó sin haber recibido una sola clase de modelado, y se la donó a los padres de la niña.

    En el verano volvió a Granada y se dedicó a la pintura, ya que era lo que le gustaba, realizando varios retratos, bodegones y dibujos a los hijos de Luis Seco de Lucena.



    Comenzó segundo de pintura en el curso 1941-42. En las clases de dibujo con Julio Moisés, aprendió la construcción y estabilidad del cuerpo humano y el conocimiento de la anatomía y en pintura con Joaquín Valverde aprendió las valoraciones del color y la composición.

    En el último trimestre, se encontró con el catedrático de escultura, Enrique Pérez Comendador, que tanto le insistió en que se pasara a escultura que aceptó. Le puso de ejercicio el David de Verroquio a tamaño natural para enseñarle a construir el armazón y a manejar el barro en grandes masas. Fue su primer contacto verdadero con la escultura y tanto le interesó esta forma de expresión que decidió dedicarse a ella.

    Terminó segundo con muy buenas notas y en las vacaciones regresó a Granada, en donde realizó un busto a la nieta de Luis Seco de Lucena, un bajorrelieve y pintó un retrato.




    Al final del verano se presentó a una beca de la Diputación de Granada y se la concedieron con lo que pudo comenzar el tercer curso en 1942-43 libre de trabajos particulares para dedicarse todo el tiempo a los estudios.

    En este curso se introdujo de lleno en la escultura, conoció la plástica, la técnica, el barro cocido, la piedra, la madera, los vaciados y moldes, etc y en este mismo curso realizó un precioso retrato en terracota de su compañera de estudios Francesa llamada Francoise.

    Durante este curso conoció a Zuloaga y a Solana, que eran amigos de su profesor de dibujo, Juan Adsuara. A Solana le llamaba la atención los dibujos de Carmen Jiménez por su concepto escultórico.

    Terminó el tercer curso con el premio de fin de curso y el de la Real Academia de BB AA San Fernando. Durante el verano realiza los retratos de Anita y Encarnita Seco.




    En 1943-44 realiza el cuarto curso, último de la especialidad de escultura, bajo la enseñanza de modelado y composición, con su maestro Enrique Pérez Comendador, trabajando con grupos escultóricos. Durante este curso realiza una talla en piedra de su hermana Conchita, titulada Retrato en piedra. En este año de 1944 termino los estudios de la especialidad de escultura con el premio del Estado y el premio de la Academia de BB AA de San Fernando.

    En el verano de 1944 realizó un busto de Luis Seco de Lucena, ya fallecido. También realiza un busto de terracota de una niña con trenzas llamada Conchitina. Durante esta época su hermana Victoria cae enferma y se dedica a cuidarla hasta que fallece, perdiendo la beca de la Diputación y no pudiendo realizar el último curso de Profesorado.




    En 1945 envía para el concurso Nacional de BB AA el busto de terracota llamado Cochitina y el Retrato en Piedra de su hermana, siendo ambas seleccionadas y obteniendo la tercera medalla con la obra Conchitina.

    Al tener la tercera medalla, le daba derecho a presentarse a oposición, a pesar de faltarle el quinto curso de Profesorado, por lo se presentó a la plaza de Auxiliar Numeraria de la Escuela Superior de BB AA de Sevilla, obteniéndola en el año 1947.

    El 4 de enero de 1947 tomó posesión como Auxiliar Numeraria de Modelado, siendo el catedrático, Mauricio Tinoco, desarrollando una importante labor docente, que simultanea con su trabajo profesional y con su vida familiar.


    Fuente - foroxerbar

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  • 11/13/15--02:49: Marianne Stokes




  • 1855-1927

    Nació en Austria y estudió en Munich y en Francia, donde sus profesores fueron colin y courtois. Trabajó en varios sitios, entre otros en París, y como muchos otros jovenes artistas, fue influenciada por naturalistas como Bastien-Lepage. Adoptó métodos similares a los suyos pero poco a poco fue cambiando el estilo rústico a un género romance medieval y a temas biblicos


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  • 11/16/15--11:54: Patricia Watwood
  • Nació en St Louis, Missourai. Estudió en la Trinity University de San Antonio Tejas. Despues de graduarse se estableció en Seattle, Washington y allí comenzó a estudiar en la Academia de Arte realista.

    En 1996, se trasladó con su marido a Nueva York, donde hizo un master en la New York Academy Graduate School of Figurativa Art y tambien fue alumna, en su estudio, de Jacob Collens. En 1998, estuvo en Francia durante ocho meses, donde estudió con el artista americano Ted Seth Jacobs. Al volver a Nueva York completó su master en Bellas Artes

    Ha realizado exposiciones, en grupo e individuales en Nueva York, París, Houston, San Francisco y Long Islad.


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  • 11/17/15--11:15: Antonio Donghi




  • 16 de marzo de 1897 - 16 de julio de 1963), fue un pintor italiano, especializado en escenas de vida privada, paisajes y naturalezas muertas.
    Nacido en Roma, estudió en el Instituto di Belle Arti. Después de prestar servicio en la Primera Guerra Mundial, estudió arte en Florencia y Venecia y muy pronto se convirtió en una de las principales figuras del neoclasicismo, movimiento surgido en los años 20. Poseedor de una refinada técnica, la obra de Donghi se caracteriza por una composición de líneas bien definidas, la claridad espacial y una aparente trivialidad del objeto. Su obra presenta reminiscencias de Piero della Francesca y, sobre todo, de Georges Seurat, cuyas escenas de la vida cotidiana se caracterizan también por esa aparente ligereza de las situaciones. Las naturalezas muertas de Donghi consisten a menudo en un jarrón de flores de pequeño tamaño, representado con una simetría próxima al arte naif. Donghi fue aclamado tanto por el público como por la crítica y en 1927 obtuvo el primer premio en la International Exhibit at thje Carnegie Institute en Pittsburg. En los años 40, el trabajo de Donghi se alejó del modernismo al mismo tiempo que menguaba su popularidad, aunque nunca dejó de exponer. En sus últimos años se concentró principalmente en la realización de paisajes, pintados con diseños lineales. Murió en Roma en 1963. La mayoría de las obras de Donghi se encuentran en colecciones de arte italianas, principalmente en el Museo di Roma.


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  • 11/17/15--13:33: George Tooker





  • George Tooker -1920-2011- fue un pintor americano, nacido en Brooklyn, Nueva York. Considerado como un artista del realismo social, visto desde el ángulo relativo a la crítica social de la época que le tocó vivir. Su técnica destaca por su afinidad con los antiguos maestros del arte. Sus figuras expresan desolación, con apariencia de apatía.

    Pertenecía a una familia acomodada. Recibió clases de pintura de Malcolm Frazier, un pintor de la escuela de Barbizon, despues en Phillips Academy, antes de ir a la Universidad de Harvard, donde estudió Literatura inglesa. En 1942 se enroló en la marina pero pronto dejó el ejercito debido a una crisis psíquica.

    En 1943 se matriculó en la Art Students League en Nueva York, donde conoció a Paul Cadmus que le aconsejó que utilizara tempera, técnica que utilizó mezclando yema de huevo con agua y pigmentos

    Enseñó en Art Students League desde  1965 hasta 1968. Su primera exposición individual fue en Hewitt Gallery en Nueva York, en  1951

    En 1968 fue elegido miembro de la American Academy of Arts and Letters y en 2007 le concedieron la medalla de las artes

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  • 11/18/15--11:39: Georg Schrimpf


  • Georg Schrimpf (Múnich13 de febrero de 1889 - Berlín19 de abril de 1938) fue un pintor y autor de grabados alemán. Está considerado uno de los más importantes representantes de la Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).
    Por la incomprensión de sus padres hacia sus cualidades artísticas, tuvo que pasar el aprendizaje de pastelero, que terminó en 1905, año en que empezó a viajar, ganándose la vida como camarero, carbonero o panadero. En el arte fue un autodidacta.
    En 1915 se trasladó a Berlín, trabajando en una fábrica de chocolate. Pero allí empezó a pintar intensamente, animado por el escritor Oskar Maria Graf, panadero como él. Pronto encontró la estima del galerista Herwarth Walden, que en 1916 expuso por primera vez la obra de Schrimpf, con gran éxito.
    En 1933 fue nombrado Profesor extraordinario en la Escuela Superior de Pedagogía Artística en Berlín, actividad de la que fue suspendido en 1937, por el Ministro de Ciencia, Arte y Educación popular en Prusia, ya bajo los nazis. Como motivo se adujo que entre enero y abril de 1919 había pertenecido al Partido Comunista. Su arte, por tanto, se consideró"degenerado". Entre las 16.000 obras que, por ese motivo y por orden del Ministro de Propaganda Joseph Goebbels se retiraron de los museos alemanes, se encontraban también 33 obras de Schrimpf. Ahora bien, al mismo tiempo algunos jerarcas del Partido nazi, como los ministros Rudolf Heß y Darré coleccionaban sus cuadros.


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  • 11/19/15--10:50: François-Emile Barraud


  • El mayor de cuatro hermanos, todos ellos pintores o escultores. Nació en Suiza. En 1919 expuso en  La Chaux-de-Fonds y participó en la Esposición Nacional de Bellas Artes de Basilea. Animado por el éxito obtenido abandonó Suiza en  1922 y se trasladó a Reims, en Francia, donde trabajó como pintor de casas durante dos años. Se casó con Marie, una mujer francesa, en 1924, que fue modelo en varios de sus cuadros. En 1925 encontró trabajo en París y estudió en el Louvre.

    Pintó bodegones y retratos, principalmente. Murió de tuberculosis, en 1934, a los 34 años de edad




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  • 11/20/15--12:23: Franz Radziwill

  • (Strohhausen, 1895-Bremen, 1983) Pintor alemán. Miembro de la Freie Sezession y del Novembergruppe. A partir de 1924 evolucionó hacia una especie de realismo mágico cercano a la Nueva Objetividad, con paisajes sombríos, ciudades deshabitadas o en ruinas e interiores con personajes inquietantes.
    Biografias y Vidas

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