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  • 10/02/15--13:30: Luis García-Ochoa Ibáñez
  • Pintor español, nacido en San Sebastián en 1920. Cursó estudios de bachillerato en Madrid y posteriormente, en 1936, comenzó a estudiar música. Pintó sus primeros cuadros en los años de la guerra y junto a otros jóvenes pintores constituyeron la "escuela de Madrid".
    Tras la guerra civil, en 1941, ingresó en la Escuela de Arquitectura y en la de Bellas Artes, pero más tarde se decide por la pintura y realiza su primera exposición, en 1949, en la Galería de Estilo de Madrid.
    Viajó a París, donde tomó contacto con las obras de Gaudin y Bonnard, de Kokoschka y de Ensor, de Juan Gris, de Picasso y de Braque y ha realizado exposiciones en Madrid, Barcelona, Roma, Nápoles, Milán y otras ciudades.
    Ya en la década de los cincuenta, tomó contacto con el grabado en el estudio de Dimitri Papageorgius y realizó litografías con el estampador Manuel Répila, quien ha colaborado en toda su labor litográfica.
    Durante los años sesenta gana el Premio de la pintura Vasca, la primera medalla del Salón del Grabado, la medalla de Oro de la Mancha y en 1964, el Gran Premio de la Bienal del Mediterráneo, en Alejandría.
    En 1980 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sustituyendo a Benjamín Palencia.
    En la obra de García Ochoa se observa la influencia de Goya, padre del expresionismo español y su formación italiana. Sus obras pictóricas más destacadas son: Miss Leona y los payasosEl apocalipsisLa composición de caballo y otras.

    Información 
    • Enciclonet

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  • 10/07/15--11:18: Jean Émile Laboureur

  • Jean-Émile Laboureur pintor,dibujante, ilustrador y diseñador. Nació en Nantes, Francia, en  1877. Eb 1895 se trasladó a París para estudiar derecho pero cuando se relacionó con el mundo artístico, se matriculó en la academia Julian. 
    Aprendió grabado en  madera con Auguste Lepere. Fue amigo de Toulouse-Lautrec que le aconsejó que dejase sus estudios y se dedicase a viajar. Eso hizo y durante una década viajó. En 1903 se fue a los Estados Unidos para vivir en Nueva York y Pittsburgh, aunque iba a menudo a Montreal, Toronto, boston, Albany, Newark y filadelfia.
      Durante el tiempo que estuvo en America se ganaba la vida dando clases de grabado.  En 1907 volvió a Nantes y ese mismo año alquiló un estudio en Chelsea en Londres.  En 1909 se traslado a Paris y hizo obra cubista.  En 1914 se alistó en el ejército britanico como interprete y mientras permaneció  continuó con el grabado. Su primera exposición individual tuvo lugar en  Nueva York, en  1917 y en  1919 se casó.
     Comenzó a ilustrar libros, ilustró más de cincuenta. Fundó la Société des Peintres-Graveurs Indépendants en  1923 en la cual  fueron miembros Braque, Dufy, Vlamnick, Laurencin y Segonzac. En 1927, se trasladó con su mujer a Kerfahler, en la costa Bretona. En 1939 sufrió una hemiplegia que le causó una paralisis. Murió en 1943

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  • 10/08/15--11:30: George Adomeit

  • George Gustave Adomeit 1879-1967. Pintor nacido en Memel Alemania. Se trasladó con su familia a Cleveland a los cuatro años de edad. Animado por su familia, empezó a pintar a los ocho años. Estudió en la Cleveland School of Art.  Hizo su primera exposición en Ohio.  Despues expuso en Pennsylvania Academy of Fine Arts y en muchos museos americanos. 



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  • 10/08/15--11:49: Francisco Pazos

  • Nace en 1961 en Cobas, localidad de Meaño. Despues de cursar los estudios primarios en el colegio, ingresa en la "Escola de Canteiros". Finalizados los estudios, instala su taller en su pueblo natal, en donde comienza con sus primeras obras. En 1991 comienza a dar clase en la "Escola de Canteiros", actividad que abandona en el año 2000 para dedicarse de lleno a su taller.

    Premios

    • 1983 :
      • Beca "Novos Valores". Bienal de Pontevedra.
    • 1984 :
      • Beca "Novos Valores". Bienal de Pontevedra.
    • 1990 :
      • Medalla de Bronce XXI Bienal de Pontevedra.
    • 2008 :
      • Premio Antón Fraguas. Diputación de A Coruña.
      • 1º Premio concurso escultura aire libre Fundación FEIMA. Madrid.

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  • 10/09/15--14:02: Oscar Florianus Bluemner


  • 1867-1938
    Conocido por el uso del color e influencia cubista. Nacio en Hanover, Alemania. Despues de estudiar arquitectura y diseño en Berlín, abandonó Alemania en 1892 y se trasladó a chicago, donde consiguió un empleo como diseñador en la Feria Mundial de Chicago. Se estableció en Nueva York en  1901 y su proyecto para el palacio de justicia del Bronx Borough, en 1904, le dio fama como arquitecto. Desencantado con los encargos públicos, paso los años siguientes diseñando casas privadas. Abandonó la arquitectura y se dedicó exclusivamente a la pintura. En 1913 expuso en el Armory Show y Alfred Stieglitz se convirtió en su mecenas, le consiguió una exposición en la Galería 291 y publicó su obra en Camera Work


    Como teórico del color, estaba interesado en como el color producía un impacto psicológico y emocional en el espectador. Hasta la década de 1920, sus cuadros, que mostraban edificios y paisajes abstractos, revelan la influencia de sus estudios de arquitectura, así como del sincronismo del cubismo americano, aunque el estaba más interesado en un realismo simplificado

    Aunque su obra fue bien recibida por la crítica, a menudo tenía dificultades para vivir. El sentimiento anti-alemán que se produjo durante la primera guerra mundial provocó que abandonara Nueva York y se trasladara  a New Jersey. Cuando su  mujer murió en 1926 se fue a vivir con su hijo en Brainree, Mass. En 1935 resulto herido en un accidente de coche y tuvo que dejar de pintar. Se suicidó tres años despues




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  • 10/11/15--11:26: Mordecai Ardón





  • 1896-1992. Nació en Tuchow, Polonia. Considerado por muchos como uno de los mejores pintores de Israel. Se marchó de casa a los  trece años porque quería ir a Viena pero con los problemas de la primera guerra mundial no lo consiguió. Despues de la guerra quería  ir a Paris, pero no pudo permitirse el viaje y llegó a Berlin. Estudió en la Bauhaus con Klee, Kandinsky, Feininger y Itten como profesores. La influencia de la Bauhaus y especialmente de Paul Klee en su desarrollo artístico se nota profundamente. La otra gran fuente de inspiración fueron los  maestros clásicos, especialmente Rembrandt y el Greco. Despues de graduarse en la Bauhaus estudió técnicas pictóricas de los clásicos con Max Doemer en la Academia de Munich.

    Empezó a exponer con el grupo Berlin November, luego, en  1933, emigró a Jerusalen. Alli fue a la Facultad de Bellas Artes New Bezalel. Cinco años más tarde fue elegido Director de la Escuela Bezalel. Durante la década de 1950 enseñó en la Universidad Hebrea de Bellas Artes y desde 1952  hasta 1963 fye asesor artístico del Ministerio de Educación y Cultura israelí. A partir de esa fecha se dedicó exclusivamente a pintar  

    Recibió el premio de la Unesco en la Bienal de Venacia de  1954. Cuando se retiró para dedicarse solamente a la pintura se asoció con la galería Marlborough y dividió su residencia entre Jerusalén y París.

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  • 10/13/15--11:39: Mirta Cerra Herrera



  • (Bejucal, La Habana, Cuba 1904-1986) 
    Entre 1928 y 1934 estudió en la Academia de San Alejandro en la Habana y posteriormente en Nueva York, en la Art Students League (1935-1936). Desde los años 30 incorpora una temática social con los “guajiritos” y las niñas campesinas mostrados con gran ternura, que ampliará con los paisajes, participando en importantes exposiciones en Cuba y en diferentes países, como Estados Unidos, México, Francia o España. Obtiene también un gran número de premios, entre ellos, el primer y segundo premios de la Bienal Hispanoamericana de Arte (1954) organizada conjuntamente por Cuba y España. Fue también grabadora y diseñadora de portadas con propuestas muy avanzadas para su época. En 1979 se realizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana y, en 2001, se inauguró un Centro de Arte que lleva su nombre en Bejucal, su ciudad natal. 

    Información con la a. com, habana

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  • 10/13/15--12:30: ALFONSO DE OLIVARES
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    Pintor nacido en Hernani en 1898 y muerto en  1936. Estudió derecho en Madrid y despues entró en la carrera diplomática. Al mismo tiempo asiste al taller de López Mezquita. Desde 1923 hasta 1932 reside en París como diplomático, aunque sigue vinculado a la vanguardia madrileña ya que habia sido uno de los organizadores de la Exposición de Artistas Ibéricos de  1925. En París conoce a Picasso, Gargallo, Hernando Viñes, Julio González, Juan Gris, Ismael de la Serna, Peinado, Bores, Oscar Dominguez, etc. A su vuelta a España se aparta de la actividad artística, aunque en 1929 toma parte en el exposición Pintores Españoles residentes en Paris que tuvo lugar en  el Pabellón villanueva del Jardin botánico de Madrid. Murió de un accidente de caza con 38 años por lo que su producción artística es escasa, aunque su obra ha estado presente en  las exposiciones de artistas de la escuela de París  y en Madrid se le dedicó una exposición monográfica en  1976




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  • 10/13/15--13:03: Ismael González de la Serna



  • Ismael González de la Serna, pintor español, (Guadix, Granada, 1898-París, 1968). Establecido en la capital granadina desde 1899, con tan sólo 9 años de edad comienza su formación pictórica en la Academia de Bellas Artes de Granada. Expone por primera vez en 1915, y se traslada a Madrid dos años después donde continúa formándose en La Real Academia de San Fernando y exhibe en el Ateneo, con claras referencias impresionistas. Retorna a tierras andaluzas en 1918 y representa sus lienzos en el centro artístico de Granada, además de ser quien se encarga de ilustrar el primer libro de su amigo Federico García Lorca, titulado: Impresiones y paisajes. Asentado en París desde 1921, entra en contacto con los artistas españoles en París, como: Juan Gris, Pablo Picasso o Pablo Gargallo. A finales de la década (1927), la prestigiosa galería parisina: Paul Guillaume, se convierte en el primer escaparate galo para parte de su producción. Poco después, ciudades como: Bruselas o Berlín (Galerías Centauro y Flechtheim o La Nacional de Berlín, respectivamente), se convierten en escenarios idóneos donde exhibir de nuevo sus trabajos y adquirir relevancia internacional. Asimismo, participa en una exposición colectiva en Dinamarca (Copenhague, 1933), o colabora con posterioridad en el Pabellón Español Internacional de París en 1937. A lo largo de los años cuarenta y cincuenta, no ceja en su actividad artística estando presente en diversas muestras en la Galería nacional de Praga, en la Galería Tate de Londres, en el Museo Nacional de México o en la Galería Hammer de Nueva York al ocaso de su carrera.. 

    Dueño de un estilo personal, su carrera no estuvo adscrita a ningún estilo concreto, más bien cabalgó entre el: surrealismo, cubismo, expresionismo, impresionismo o incluso la abstracción. Su cromatismo y el exquisito tratamiento de las formas, aportaron un legado reconocido notablemente por futuras generaciones. 
    A comienzos de los sesenta (1963), una parálisis cerebral lo condena a interrumpir su trayectoria artística y le provoca la muerte cinco años después. Miembro destacado de la denominada como Escuela de París. En la actualidad, su ecléctica producción está presente entre otros centros en: El Museo de Arte Moderno de París, El Centro Reina Sofía,  La Galería Nacional de Berlín o el Museo Nacional de Arte Moderno de México.


    Fuente. Are, pintura y genios

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  • 10/15/15--13:36: Marie Spartali Stillman

  • Nació en Middlesex en 1843. Pintora prerrafaelita y musa de pintores. Pertenecía a una familia adinerada y culta perteneciente a la comunidad griega en Londres. Se preparó con Maddox Brown y Rossetti, cuya influencia es palpable en su obra. Se casó, en contra el parecer de su familia, con el periodista americano William J. Stillman en 1871. Despues de la boda se fueron a vivir a Florencia  y despues a Roma. Aunque vivían fuera de Inglaterra, exponía regularmente en el Galería Grosvernor.

    Regresaron a Inglaterra en 1898 y se establecieron en Surrey y desde que el marido murió en 1902 se fue a Londres
    Los temas de sus obras son los típicos de los prerrafaelitas,, figuras femeninas, escenas de Shakespeare, Petrarca, Dante y Boccaccio y paisajes  italianos. 

     Marie murió en  1927 

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  • 10/16/15--11:50: Eleanor Fortescue-Brickdale


  • 1872-1945. Pintora, ilustradora y diseñadora. Su obra,  muy influenciada por los prerrafaelitas, presta especial atención al detalle, color y narradora de historias. Su arte, que gozó de mucha popularidad y exito comercial, especialmente despues de la vidriera conmemorativa, dedicada a las victimas de la Primera Guerra Mundial,carteles publicitarios,  así como varias retablos para iglesias del norte de Inglaterra, fue olvidado despues de su muerte.

    Estudió en la Crystal Palace School of Art y despues en la Royal Academy School. Pasó años viajando por Europa, especialmente Francia  e Italia, especialmente para buscar inspiración en los grandes maestros clásicos. Dio clases en la Escuela de Arte Byam. Expuso durante más de treinta años en la Roya Academy, hasta 1939 que debido a su falta de salud se vio muy limitada.




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  • 10/18/15--04:13: Toko Shinoda


  • Revisando hoy los comentarios que aparecen en mis vídeos, me llamo la atención uno de un japonés, o japonesa, no sé. que decía "nunca he conocido una mujer tan elegante"- se reféría a Shinoda. Le dí la razón. Ha cumplido 102 años y aún lo es
    Con motivo de su centenario se celebró en el Museo Tomo en el distrito central Toranomon de Tokio una exposición de la artista y las palabras que sonaban eran "poder" y "poesía"- Su arte transciende a su propia cultura
    Shinoda nació en Dalian, Manchuria, en 1913. Poco despues su familia regresó a Tokio. Un tío abuelo suyo ya había sido maestro de caligrafía y transmitió el interés por la caligrafía y la poesía al padre de Shinoda, quien se lo pasó a ella.
    En las primeras exposiciones de Shinoda mostraba, principalmente, interés por la caligrafía y en las de la década de  1940 revela un interés por la califrafía abstracta. En la década de  1950 seleccionaron obra suya para las exposiciones de caligrafía que se montaron en  el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que despues rotaron por Sudamerica. Despues le encargaron murales para el pabellón japonés en exposiciones culturales en Estados Unidos, Brasil y Suecia. Cuando llegó a Nueva York, en 1956,  ya era conocida en los círculos artísticos
    Pasó una década viajando entre Nueva York y Toko, cuando el expresionismo abstracto estaba en su cenit. Expuso en  la galería de Betty Parsons, la galería de los expresionistas, que llevaba a artistas como Pollock, Rothko o Jasper Johns.
    Shinoda maneja el espacio con una precisión increible, ha desarrollado un diseño elegante en tres dimensiones, como queda atestiguado en numerosos trabajos realizados como elementos arquitéctonicos

    A pesar de su edad, todavía trabaja todos los días. Además de pintar tambien escribe. Es autora de varios libros. Como dice Takamado como introducción en uno de sus libros "Esta artista no ha perdido la frescura y aguda sensibilidad de la juventud, sin eso no habría podido crear una obra tan vigorosa"
    Pintora con gran personalidad que se ha negado a cumplir estereotipos, desafiando muchas tradiciones del arte japonés. Rompió con las estrictas reglas de la caligrafía y comenzó a hacer  pintura abstracta, expresandose con absoluta libertad.

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  • 10/19/15--03:38: Edward Middleton Manigault


  • Edward Middleton Manigault (1887 - 1922) tuvo una carrera breve pero aclamada como un pintor modernista, ceramista y fabricante de muebles. Creyendo que el ayuno podría aumentar su sentido de la conciencia y la creatividad y que le permitiría "ver colores no perceptibles para el ojo físico", ayunaba durante largos períodos mientras trabajaba en la pintura.

    Aunque Manigault mostró una paleta increíble, esta práctica condujo a su muerte por inanición a los 35 años. Después de su muerte, Manigault cayó en el olvido durante muchos años, en gran parte debido a la escasez de obras conocidas (en un momento dado, destruyó hasta 200 de sus obras porque creía que eran indignas de su firma).

    Recientemente, sin embargo, ha habido un renovado interés por su obra, debido a un pequeño círculo de eruditos y coleccionistas. Manigault nació en London, de familia importante, sus padres alentaron su interés por el dibujo. A la edad de 18 años fue encargado por su ciudad natal para hacer representaciones de los edificios públicos, que fueron reproducidas y vendidos como postales.

    En 1905 se trasladó a Nueva York para asistir a la New York School of Art, donde fue apadrinado por Kenneth Hayes Miller. En poco tiempo se convirtió Manigault en el centro de la escena artística de Nueva York, su arte fue coleccionado por J. Paul Getty y Arthur Jerome Eddy y mostrado en las prestigiosas Armory y Whitney. Como pintor fue versátil y muy emocional
    .
    En 1915 la vida de Manigault cambió bruscamente cuando interrumpió su exitosa carrera como pintor para ser voluntario como conductor de ambulancias en la Primera Guerra Mundial. Fue enviado a Flandes, lugar de algunos de los combates más intensos. Después de la exposición al gas mostaza, sufrió una crisis nerviosa y fue dado de baja. Desde este momento su salud poco a poco se deterioró. Al volver a Nueva York se encontró con dificultades para concentrarse en la pintura.

     Fue ayudado a pasar sus episodios de depresión  por su esposa, Gertrudis, con quien se había casado apenas unos días antes de ir a la guerra. A pesar de su deteriorada salud, Manigault se mantuvo experimentando en la creacion de obras brillantes.

    Buscando un clima más suave y un ritmo más lento, los Manigaults se trasladaron a Echo Park en 1919, comprando una casa en San Lemoyne en Fellowship Park. Este cambio le llevó a centrarse más en las artes decorativas, y produjo hermosas cerámicas y muebles. También recibió un encargo lucrativo para diseñar cubiertas para Oneida.

    Beth A. Beth A. Venn describió a Manigault como: visionario modernista en un catálogo publicado por Hollis Taggart Galleries en Nueva York: "Parece ser que casi inmediatamente después de su llegada a California, Manigault con entusiasmo se entregó a la premisa básica del movimiento Arts and Crafts - que la artesanía y trabajos manuales podrían ser elevados al nivel de estética de la pintura"

    El error fatal de Manigault fue cuando aceptó un trabajo en San Francisco. Con Gertrude en Los Ángeles, no había nadie para controlar su ayuno. El 25 de agosto de 1922, Gertrude recibió un telegrama diciendo que Manigault estaba muy enfermo. Ella tomó el tren a San Francisco y cuando llegó lo encontró demacrado y semi-inconsciente. Cuando lo ingresó en un hospital, el médico dijo que haría falta aproximadamente un mes para que recuperase sus fuerzas. Nunca lo consiguió.

    El 31 de agosto Manigault fue declarado muerto debido a inanición y neurastenia. Se había martirizado por su arte. La obra de Manigault forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Columbus en Ohio y del SC Gibbes Museo de Arte en Charleston, SC 

    Historic Echo Park

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  • 10/22/15--02:23: REMEDIOS VARO




  • Hoy en LA VOZ DE GALICIA, nos recuerdan a esta magnífica pintora  surrealista- REMEDIOS VARO





    La memoria es maquinaria débil, lo que favorece injustos olvidos como el de la pintora Remedios Varo (nacida María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga; Anglés, Gerona, 1908-Ciudad de México, 1963), a la que no ayudó en España que ella hubiese muerto en su exilio mexicano -en el que se había instalado en 1941 tras no soportar la ocupación nazi de París; allí había llegado huyendo de la Guerra Civil-. Es una de las más grandes figuras femeninas del surrealismo, a la altura de Leonora Carrington o Maruja Mallo, y en América Latina, EE.UU. o Japón su obra goza de un enorme prestigio. A pesar de que la escritora cubana Zoe Valdés le dedicó una novela, Televisión Española realizó un bonito documental y Madonna hizo referencias a la artista en varios de sus espectáculos visuales, por estos pagos sigue siendo una desconocida. Pues bien, ahora el sello -también gerundense- Atalanta pone una piedra angular decisiva en ese edificio que debe ser el conocimiento con la edición del bello volumen Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo, que rescata el libro que Artes de México publicó en el 2008 y que incluye, además de exquisitas reproducciones de las pinturas de Varo, un ramillete de ensayos de algunos de los más reputados expertos en su obra. Y que exploran, entre otras líneas de estudio, la relación de la creadora con el universo del líder espiritual y maestro místico ruso-armenio George Ivanovich Gurdjieff.
    Óscar Domínguez, André Breton, César Moro, Roberto Matta, Benjamin Péret -con quien estuvo casada- o Max Ernst formaron parte de su círculo, pero los vínculos, de algún modo, terminan ahí. Porque la obra de Varo es personalísima, está llena de misterio, de delirio, de literatura: lo onírico, la magia y el simbolismo reinan pese a la precisión de sus paisajes, geometrías y estructuras arquitectónicas. Decía Octavio Paz algo así como que Varo «no pinta el tiempo sino la fantasía contra el furor en que el tiempo reposa».

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  • 10/27/15--13:54: Christian Bérard




  • Christian Bérard (1902-1949) De prodigioso talento, pintor, ilustrador, diseñador.  Artista muy conocido y querido en el París de las décadas de  1920 y 1930, donde era conocido como "Bebe" por su cara sonrosada  y ojos claros-  Su obra, inclasificable para los críticos porque se salía de todas las corrientes artísticas.  Sus pinturas, la mayoría autorretratos y retratos, le dieron otra dimensión a su reconocido prestigio como ilustrador. 

    Aparte de su carrera artística, cuando necesitaba dinero continuaba haciendo ilustraciones para la moda  y  revistas. Tenía buen ojo para la ropa de mujeres de los años 1930 y 1940- Su trabajo servía de inspiración para modistos como Dior, Schianarelly y Nina Rici. 


    En 1930 diseñó el primer decorado para Jean Cocteau, quizas el más conocido sea que que creó para la película de Jean Cocteau - La Bella y la Bestia-  Berard se hizo amigo de Cocteau pàra toda la vida, pero con él tambien compartió el vicio de fumar opio, lo que le llevó a una adicción que le condujo a varias curas en psiquiatricos y quizas tambien contribuyó a su temprana muerte.

     En 1931 se unió a la compañía de los ballets rusos y trabajó con el coreografo Balanchine 

     Murió en 1949 mientras estaba haciendo el vestuario para una obra en el teatro Marigny


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  • 10/28/15--12:22: Cesare Biseo



  • Cesare Biseo (1844–1909)Pintor italiano conocido principalmente por sus temas orientales

    Nacio en Roma, hijo de una familia procedente de Brescia.  Se preparó con su padre. Inicialmente trabajó en decoraciones artísticas para casas. El virrey de Egipto lo invitó a ir a Alejandría para decorar su palacio y este viaje le inspiró y le  proporcionó temas para su producción artística.  Regresó en compañía de Stefano Ussi y Edmondo De amicis, que formaban parte de la embajada de  Marruecos. Con De Amicis publicó un libro en Marruecos y Estambul. En la Mostra di Venezia de 1887 expuso acuarelas tituladas "recuerdo del Cairo"

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  • 10/29/15--11:50: Michaël Borremans


  • Michaël Borremans (1963) se confiesa un interesado de la técnica barroca en términos de eficacia, de ahí su interés por maestros del Barroco español, donde recurre a menudo como fuente de inspiración. Maestros como Velázquez, Goya, Rembrand o Manet, y otras corrientes artísticas posteriores como el surrealismo, están presentes en su discurso. Así mismo, la mayoría de sus obras se encuentran muy marcadas por su admiración a la fotografía, disciplina que compartía con su abuelo, y su pasión por el cine, donde se siente atraído por directores como David Lynch o Stanley Kubrick. Con el paso del tiempo, su trabajo ha ido aumentando en cuanto a complejidad y a una técnica más meticulosa en sus últimas pinturas.

    Michaël Borremans estudió artes gráficas y fotografía en Gante y ya en época tardía se adentró en el mundo de la pintura, dándose a conocer en la década de los 90, con 
    exposiciones en espacios europeos, asiáticos y americanos

    CAC Málaga

    HASTA EL 17 DE ENERO DE 2016

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  • 10/30/15--13:01: FERNANDO VICENTE
  • FERNANDO VICENTE Madrid 1963
    Fernando Vicente comenzó en el mundo de la ilustración durante la Movida trabajando para revistas emblemáticas de la época entre las que destacan Madriz o La Luna de Madrid. Durante cerca de una década, dejó de lado la ilustración como su principal actividad profesional para pasar al sector de la publicidad donde sería director de arte en diversas agencias. Más tarde, reapareció como ilustrador con sus colaboraciones en el diario El País y sus suplementos. Gracias a su trabajo para el cultural Babelia, Fernando Vicente ha sido premiado en tres ocasiones con el Award of Excellence de la prestigiosa Society for News Design –los considerados ‘Nobel’ de la ilustración–. También ha realizado colaboraciones con Gentleman, Cosmopolitan, Vogue, Ronda Iberia, Letras Libres, Rolling Stone o DT, entre otras. Además, ha ilustrado más de veinticinco libros tanto dirigidos al público infantil y juvenil como a adultos.
    Información, RTVE

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  • 10/31/15--12:30: Jorge Fin








  • Jorge Fin se adelantó al actual descrédito (en todos los sentidos) del mundo bancario y abandonó hace 23 años su puesto de trabajo en un banco. “Fui muy obediente con mis padres, estudié Economía, me puse a trabajar en el NatWest, y a los dos años estaba harto”, explica. “A mí lo que me gustaba era pintar, así que, cuando me salió una exposición en San Sebastián, me cogí un año sabático. Me decían que volviera, que me subían el sueldo, pero no lo hice”. Pintando y pintando dio con las nubes. “Yo pintaba series de cuadros de otras temáticas para las exposiciones, y las nubes las pintaba para relajarme y tenerlas en casa. Pero un galerista me animó a exponerlas y cada vez me fui metiendo más”. Ahora se define como pintor de nubes y, además de pintar cuadros, llena de enormes nubes fachadas y murales. Una tradición pictórica bastante fecunda, por cierto, sobre todo en el Romanticismo, de los pinceles de autores paisajistas como Turner o Caspar David Friedich, de quien su mujer decía que cuando pintaba nubes no se le podía interrumpir pues estaba “hablando con Dios”.

    El PAIS

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  • 11/01/15--03:31: DAVID ASKEVOLD





  • DAVID ASKEVOLD


    1940 – 2008
    Conocido como uno de los artistas que mas ha contribuido al desarrollo y pedagogia del arte conceptual. Nació en Conrad, Montana. 
    Despues de estudiar en la universidad de Montana, en 1963, consiguió una beca para estudiar un año  en la Brooklyn Museum Art School  en Nueva York. Vivió alli durante tres años y despues de conseguir un trabajo en la librería del  Museo de Arte Moderno, se trasladó a Manhattan. Asistió a todos los eventos artísticos y le impresionaron artistas como James Rosenquist y Claes Oldenberb- La influencia de Rosenquist se puede observar en la obra grafica de Askevoldy. En 1966 se matriculó en el Kansas City Art Institute para completar sus estudios, esta vez con una beca de escultura.  Se trasladó a Halifax en 1968 para dar clases en  Nova Scotia College of Art and Design. Durante la década de 1970,  le acompañaron en sus proyectos de enseñanza, artistas como Sol Lewitt,  Vito Acconci, John Baldessari, Dan Graham y Lawrence Weiner, centrandose en su forma no ortodoxa de acercarse al arte-
    Su obra, a menudo se muestra en video. Ha exhibido en La galería Kuhlenschmidt en Los Angeles, en el MOCA, Documenta Kassel, Galería Nacional de Canadá,  Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles, Museo Hammer, etc

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