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  • 08/16/15--11:59: Per Kirkeby

  • El artista danés Per Kirkeby (Copenhague, 1938)  una de las personalidades más rotundas y fascinantes de la actual escena europea. De formación original como geólogo y artista forjado en curiosidades múltiples, con incursiones que van desde la escritura al cine y una trayectoria que recorre las vanguardias radicales europeas de los sesenta y setenta, Kirkeby ha condensado finalmente lo esencial de su atención, durante toda esta última década, en los campos de la pintura y la escultura.


    La aproximación que Kirkeby establece sobre la naturaleza -esa visión íntima y abismal de lo real que siempre permanece en su obra como incitación germinal y confrontación última- toma en la obra una formulación turbadora, desconcertante, como de energía inerte, transparencia opaca, asentada turbulencia. Es siempre, como en sus construcciones con ladrillo de los primeros ochenta -arquitectura sin interior-, algo que se proclama y se hurta a un tiempo. El propio Kirkeby lo definiría ejemplarmente como una "indecisión lírica", una perplejidad que alcanza al artista en la propia elaboración íntima de la obra; y esa indecisión sólo alcanza el objetivo de su deseo -y sólo así arrastra nuestra fascinación- cuando finalmente posee, a través de su contradicción inquietante, una irradiación" esencial.

    Fuente. EL PAIS

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  • 08/17/15--11:44: Jannis Kounellis
  • A la fuerza visual y conceptual de sus creaciones debe el polifacético artista plástico Jannis Kounellis (El Pireo, 1936) su reconocimiento como uno de los creadores europeos más sobresalientes, complejos y contundentes de la posguerra.
    En opinión de los críticos, este griego es uno de los últimos artistas épicos cuyas creaciones y manifestaciones nacen en nombre de unos ideales y principios: para Kounellis el arte es un campo para la reflexión. Afincado desde 1956 en Roma, donde estudió bellas artes, Kounellis es conocido por ser uno de los fundadores y representantes más genuinos del arte povera, movimiento con el que participó en muchas exposiciones, recibiendo un gran reconocimiento internacional.
    Su obra es conocida por incorporar materiales orgánicos e industriales como el hierro, el carbón y el fuego, creando composiciones altamente poéticas. Sus exposiciones individuales se han sucedido en los más importantes museos del mundo, desde la Galería Nacional de Roma hasta el Museo de Arte Moderno de Nueva York, pasando por el Centro de Arte Reina Sofía o el Museo de Arte Moderno de París.
    Logo

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  • 08/18/15--12:53: Emilio Vedova


  • Nació en Venecia en una familia de obreros y artesanos. A partir de la década de  1930 empezó su actividad como artista autodidacta. En 1942 se unió al movimiento  anti- novecento conocido como "corrente"

    Anti fascista, trabajó con la resistencia a partir de 1945 y fue uno de los que firmó eñ manifiesto "Oltre Guernica" en Milán. En ese mismo año en Venecia fue uno de los fundadores de la "Nuova Seccesione Italiana" seguido del "Fronte Nuovo delle Arti"




    En 1948 hizo su debut en la Bienal de Venecia, la primera de varias apariciones en ese evento: en 1952 dedicaron una sala entera a su obra, en 1960 fue premiado y en  1997 le concedieron el prestigioso Golden Lion por su trayectoria vital

    A principios de la década de  1950 creó sus famosos ciclos: "Scontro di situazioni", "Ciclo della protesta" y  "Cicli della Natura"- En 1954, en la segunda Bienal de Sao Paulo ganó un premio que le permitió quedarse  tres meses en Brasil, donde encontró una extrema y dura realidad que le marcó mucho. En 1961 diseñó escenarios  y vestuario para  "Intolleranza 60" de Luigi Nono: en  1984 trabajó de nuevo con el compositor en "Prometeo". A partir de 1961 trabajó en su "Plurimi" creando unas series venecianas que siguieron a partir de  1963-64 en Berlin "Absurdes Berliner Tagebuch 64" que presentó en la Kassel Documenta. A partir de  1965 hasta 1967 trabajó en "Spazio/plurimo/Luce" para la EXPO de Montreal



    Llevó a cabo una intensa actividad dando clases en varias universidades americanas y a continuación en la Sommerakademie en Salsburgo y en la Academia de Venecia. Su carrera artistica se caracterizó por un constante deseo de explorar e innovar. En la década de  1970 creó el "Plurini Binari" en el "Lacerazione" y "Carnervali", ciclos a los que siguieron "teleri" y sus "disks" etc. Su ultima exposición importante , incluyendo su mayor retrospectiva se ofrecieron en  Castello di Rivoli en  1998 y despues de su muerte en 2006 em ña Galleria Nazionale D´Arte Moderna de Roma  y en la Galería Berlinische en Berlon



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  • 08/19/15--11:11: Juan Muñoz




  • Madrid 1953- Ibiza 2001

    Muñoz está considerado un referente en la renovación de la escultura contemporánea. Los dieciséis años que median desde 1984, fecha de su primera exposición individual, hasta 2001 en que realiza su última obra, le permiten crear un corpus artístico de una excepcional narratividad, con el que logra crear un espacio psicológico que implica al espectador y le obliga a reconstruirlo. Su concepción estética se basa en la creación de contenidos radicales con formas tradicionales como sus suelos ópticos de reminiscencias barrocas que enmarcan y escenifican al personaje que los transita para  hacerlo actuar.
    Muñoz forma parte de la primera generación de artistas que reintroducen la figuración en la escena artística y posee además una extraordinaria habilidad para urdir narraciones en atmósferas cargadas de teatralidad. En su obra existe una gran tensión entre los espacios irreales y los tangibles, con referencias al mundo de la magia, la ilusión y el misterio. Sus figuras, entre las que se encuentran acróbatas, enanos, bailarinas y personajes orientales, poseen una presencia física extraordinaria. El silencio, la soledad y la incomunicación adquieren un especial protagonismo en su creación artística, como en su serie emblemática ‘Escenas de conversación’, donde interaccionan entre sí diversas figuras humanas con rostros inexpresivos y bases esféricas.
    Tras recibir en 2000 el Premio Nacional de Artes Plásticas, Muñoz fue el primer artista español en exhibir su obra en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern de Londres con su obra Double Bind(Doble vínculo), 2001, su última creación, además de estar considerada su obra cumbre, con la que profundiza en la idea de que "la obra es tanto la solución como su búsqueda". Muñoz fallece en la cima de su carrera a los 48 años, poco antes de inaugurarse su retrospectiva en el Hirshhorn Museum de Washington.
    Logotipo del Museo Reina Sofía

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  • 08/21/15--11:51: Christian Boltanski





  • Le cambiaban de colegio, pero Christian Boltanski no dejaba de escaparse. Sus padres lo dieron por imposible y le mandaron quedarse en casa. Tenía 13 años. Un día hizo un dibujo que su hermano mayor elogió. “Aquello me marcó. Yo era un idiota casi patológico. Y por fin hacía algo bien. Así que pensé que ese iba a ser mi trabajo”, recuerda el artista parisino. No le ha ido mal. Su trabajo le ha llevado a ser considerado uno de los artistas franceses más influyentes y de mayor proyección internacional. “He tenido la gran suerte de encontrar gente interesante que me ha enseñado muchas cosas. Mi cultura viene de ahí, del oído, del encuentro. Si no me llegan a apoyar mis padres y no nazco en una familia burguesa, con intereses intelectuales, probablemente hubiera acabado en un psiquiátrico”, comentaba  el creador de 71 años en Palma de Mallorca

    La muerte es uno de los temas recurrentes en su trayectoria, así como la memoria, la identidad y el registro de la vida cotidiana de la gente. Nadie lo diría escuchando a este creador humanista, irónico y vitalista, confeso amante de la “comida y la bebida”. “Uno de los males de la sociedad es el rechazo al envejecimiento y a la idea de que vamos a morir. Es mejor no escondernos. Se ha perdido la tradición ancestral de la idea de continuidad, del granjero que sabe que será reemplazado y continuará su obra. Se dice que cuanto más viejos, más sabios, pero ahora somos más viejos y más idiotas, porque no sabemos encender un ordenador…”




    Fotografías, vídeos, cartas, grabaciones, recortes de periódicos,ropa usada, muebles desvencijados son materiales comunes en su arte. “Planteo las preguntas universales de siempre, sobre el sexo, la búsqueda de dios, la muerte, la memoria... Espero con mis preguntas crear emociones en todo el mundo, hablar de cosas que el visitante conoce. Es muy importante que en lugar de estar delante de un cuadro, estemos en el cuadro. Hay dos grandes grupos de artistas: los que trabajan sobre la vida y los que trabajan sobre el arte. Goya y Van Gogh, por ejemplo, trabajaban más sobre la vida que Mondrian o Duchamp, que lo hacían más sobre el arte, aunque muchas veces las cosas se mezclan”.


    Como se mezclan excesivamente arte, dinero y moda, en opinión de Boltanski. “El arte es importante, universal, está ligado con la utopía. No me apetece mucho exponer en las galerías porque el dinero, aunque es necesario, ha tomado una importancia excesiva. El arte se convierte en un bien industrial, como la moda. Pero el arte es mucho más importante que el dinero, que su valor. Por eso destruyo muchas de mis obras”.

    Ref- EL PAIS


    Citas

    Yo empecé a trabajar como artista, cuando empecé a ser un adulto, cuando comprendí que mi infancia había terminado, y estaba muerto. Creo que todos tenemos a alguien que ha muerto dentro de nosotros. Un niño muerto. Recuerdo al pequeño Christian, que está muerto dentro de mí.

    — Christian Boltanski 

    Dejé de ir a la escuela a los 12 años , y yo estaba muy loco, y me quedé en casa. Un día hice un pequeño objeto en plastilina y mis padres me dijeron que era bueno. Así que empecé a hacer más, y a hacer dibujos, y empecé a hacer pinturas de gran formato en mi dormitorio.

    — Christian Boltanski

    Somos todos tan complicados, y total para morir. Somos tema de un día, con nuestras vanidades, nuestros amores, nuestras preocupaciones, y entonces un día, de repente, nos convertimos en nada, solo en una cosa, un montón absolutamente asqueroso de mierda. Pasamos muy rápidamente de una etapa a la siguiente. Es muy extraño. Nos ocurrirá a todos nosotros, y muy pronto también. Nos convertimos en un objeto que se puede manejar como una piedra, pero una piedra que era alguien.
    — Christian Boltanski - 



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    MUSEO RUSO DE MALAGA- EXPOSICION DE PAVEL FILONOVPÁVEL FILÓNOV. TESTIGO DE LO INVISIBLE.

    14 de agosto de 2015-enero de 2016


    filonov
    Entre los destacados artistas de las vanguardias rusas, Pável Filónov quizá sea uno de los pocos que todavía es prácticamente desconocido para el público occidental. El nombre de Pável Filónov, sin embargo, era un enigma hasta hace muy poco no sólo en Occidente sino también en Rusia. Las 66 obras de esta primera exposición de Filónov en España vienen a descubrirnos a este maestro. Sobre su obra se impuso una prohibición terminante que se prolongaría a lo largo de casi cinco décadas. En 1929 una exposición monográfica del artista aguardó casi un año entero en las salas del Museo Ruso de la entonces Leningrado sin llegar a abrir sus puertas al público. No obstante, la primera exposición monográfica de Filónov tuvo que aguardar hasta la primavera de 1988, momento en que se inauguró en el Museo Ruso. En febrero de 1990 se inauguró una exposición del artista en París, en el Centro Georges Pompidou, a la que siguió otra, ese mismo año, en la Kunsthalle de Düsseldorf.

    COLECCIÓN DEL MUSEO RUSO
    San Petersburgo / Málaga
      Avenida Sor Teresa Prat, nº 15
      Edificio de Tabacalera
      29003 Málaga
    Tlf: 951 926150





    (1883 - 1941)

    Pavel Nikolaevich Filonov nació el 8 de enero de 1883 en Moscú. Su padre murió en 1887,y su madre se dedicó a lavar ropa para mantener a su familia. Los niños trabajaban tambien, incluso Pavel, el más joven, ayudaba a sus hermanas a bordar toallas y a venderlas en el mercado.


    A los 6 años empezó a bailar ballet en los pequeños teatros de Moscú para ganarse la vida. En 1896, su madre murió. La hermana mayor de Pavel, Alexandra, ya estaba casada con un ingeniero bien situado. Su marido se llevó a todos bajo su tutela a St. Petersburg y les dió una educación decente.

    Pavel, que ya había mostrado un interés hacia la pintura desde los 3-4 años de edad, empezó a estudiar arte. 

    En 1901,  se graduó y realizó trabajos diferentes. En 1903  intentó entrar en Bellas Artes pero suspendio los examenes de acceso. Realizo estudios privados con L. Dmitriev-Kavkazsky durante 5 años. Durante ese periodo Filonov intentó  de nuevo el acceso en la Academia de Bellas Artes tres veces, pero nunca lo consiguió.Durante los veranos viajaba por el Volga, El Caucaso y Jerusalem, y realizo muchos dibujos del natural. En 1908 fue admitido por fin en la Academia de Bellas Artes. Sus trabajos llamaron la atencion tanto a los estudiantes como a los profesores pero su estilo no academico no era conforme con los standards academicos, y  fue expulsado por influenciar a los estudiantes. Filonov protestó esta decision del rector Beklemishev, y lo volvieron a admitir, pero al cabo de dos años abandonó la Academia en 1910.


    Se inclinó hacia una explicación teórica y racional del arte. En 1912 publicó el artículo (El Canon y la ley ), donde explicaba los principios del arte analítico por primera vez. El talento de Filonov como orador público y su profundo conocimiento de la historia del arte le ayudaron a extender su teoría; su conferencias eran muy populares y atraían a mucha gente.





    En 1913 Filonov,junto con el artista, I. Shkolnik, diseñaron el decorado para la tragedia “Vladimir Mayakovsky”,representada en el Luna Park Theatre, de St.Petersburgo

    Tambien en 1913  inicio la fundación del nuevo grupo artístico que seguía los principios el arte analítico. En 1914 Filonov publicó un manifesto de la pintura analítica. La esencia de este método era romper con el mundo visible y llevarlo a elementos individuales y luego sintetizarlo de imagenes complejas llenas de un escondido significado simbolico. Hacer de lo invisible, visible.

    En 1916 fue alistado en el ejercito y lucho en la guerra. Volvió a St. Petersburg. Como otros muchos de la vanguardia Rusa,  confiaba que los cambios revolucionarios en la sociedad le ayudarían a extender sus ideas. Ademas de pintar,  dio clases en SvoMas (campos de trabajo) en 1918-1920, dirigió el departamente ideológico en la Academia de Petrograd (1923) y fundo el grupo MAI (Maestros del arte analíco) en 1925.


    A finales de los años 20, el gobierno Sovietico interfería en todas las esferas de la vida. En literatura y arte, se abrió camino al movimiento llamada "realizmo social". El arte de Filonov no correspondía a estos principios y fue ignorado. El pintor vivía y trabajaba en completa pobreza y miseria, pero permaneció fiel a sus principios. En 1931-1933 el grupo de Filonov trabajó en las ilustraciones para Kalevala (a Karelian-Finnish epic)para la editorial “Academia”. El pintor se negó a vender sus trabajos, confiado en crear un museo de Arte Analítico.

    Filonov murió de hambre el tres de diciembre de 1941.Sus trabajos fueron guardados por su hermana Evdokia Glebova y luego los donó al Museo estatal Ruso donde se pueden ver casi todos.

    Si primera exposición se celebró en 1988, mas de 50 años despues de su muerte.

    Pavel Nikolaevich Filonov fue uno de los reformadores del arte del siglo XX

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  • 08/24/15--11:36: Guo Jin

  • Guo Jin (1964 Chengdu) se graduó en el Instituto de Bellas Artes   de Sichuan -Departamento de pintura al óleo en 1990.
    En la actualidad vive y trabaja en Chongqing y Beijing, China.

    Fuente. cuaderno de retazos

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  • 08/25/15--10:53: Max Ernst








  • Max Ernst
    Brühl, 1891-París, 1976

    La vida del artista alemán Max Ernst estuvo asociada al desarrollo del surrealismo y, a partir del estallido de la Segunda Guerra Mundial, a la difusión de la vanguardia europea en Estados Unidos
    De. formación artística autodidacta, estudió arte, filosofía y psiquiatría en la Universidad de Bonn. Comenzó su carrera de pintor dentro del expresionismo junto a su amigo August Macke, pero, desencantado de los valores burgueses que habían provocado la Primera Guerra Mundial, en 1918 se vinculó al grupo dadaísta de Berlín. Estableció contactos con los dadaístas de Zurich y París y un año después fue el principal impulsor del grupo dadaísta de Colonia. En esos años utilizó como método artístico un característico tipo de collage realizado a base de recortes de grabados antiguos

    From left, Max Ernst, Gala and Paul ?luard in 1922.
    Tras. conocer personalmente a Paul Éluard y su mujer Gala en Colonia, Ernst se trasladó a París en 1922, donde se relacionó con el grupo surrealista de André Breton y desarrolló una pintura derivada de técnicas semiautomáticas, como elfrottage, que consistía en poner un trozo de papel sobre una superficie de textura especial y frotarlo con un lápiz, o la decalcomanía. Esta última técnica, inventada por Óscar Domínguez en 1935, le ayudó a crear juegos de texturas que convertían sus paisajes en parajes de apariencia devastada


    Leonora Carrington y Max Ernst en Saint-Martin-d'Ardèche (Francia, 1939)
    En. 1938, tras abandonar el grupo surrealista parisiense por solidaridad con Éluard, se fue a vivir con Leonora Carrington a Saint-Martin d’Ardèche, al norte de Aviñón, donde reconstruyeron juntos una casa, llenándola de relieves, esculturas y pinturas. Al comienzo de la guerra fue encarcelado por ser súbdito alemán. Tras escapar y volver a ser internado en varias ocasiones, Ernst consiguió su liberación definitiva y decidió poner rumbo a Estados Unidos. 
    1941
    Top row, left to right: Jimmy Ernst (Max's son), PeggyJohn Ferren
    Middle row: left to right: Max Ernst (Jimmy's father) Amédée Ozenfant
    Front row: left to right: Stanley William Hayter,


    Tras resolver todo tipo de inconvenientes, llegó por fin a Nueva York en julio de 1941, donde al poco tiempo se casó con la coleccionista Peggy Guggenheim, quien le había ayudado a salir de Francia


    Max Ernst and Dorothea Tanning
    En. 1953 regresó a París junto a su nueva compañera, Dorotea Tanning, y en 1958 obtuvo la nacionalidad francesa. El final de su vida lo pasó en Seillans, al sur de Francia
     Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 08/26/15--13:35: GEORGES SEURAT


  • 1859 - 1891

    Georges Seurat nació en París en 1859, el más joven de tres hijos. Su padre, Crisóstomo-Antoine Seurat, era oficial de justicia, un hombre excéntrico que  cuando  Seurat nació ya se había retirado y pasaba la mayor parte de su tiempo en Le Raincy, a unos 12 kilómetros de la cómoda casa de la familia en París. El joven Seurat vivía con su madre, su hermano Émile, y su hermana Marie-Berthe.
    En 1870 la familia se trasladó temporalmente a Fontainebleau, donde permanecieron durante la guerra franco-prusiana. Seurat  sintió interés por el arte desde  niño y se sintió alentado por las lecciones de su tío materno, Paul Haumonté, un comerciante de textiles y pintor aficionado.

    Es recordado principalmente como el pionero de la técnica neoimpresionista comunmente conocida como divisionismo o puntillismo

    " Bañistas en Asnieres" es una importante obra de transición. Se  muestra en ella el desarrollo de la aplicación de su nueva técnica puntillista en un  trabajo de gran tamaño 


    Al comienzo de su carrera, Seurat siguió un camino tradicional como alumno de un díscipulo de Ingres, Henri Lhman, en la Escuela de Bellas Artes en París; estudiando : las obras de artistas italianos y franceses de principios del siglo XVII en el Louvre y luego exponiendo en el Salon oficial. Seurat combinaba un enfoque tradicicional basado en su formación académica, con el el estudio de tecnicas modernas como el impresionismo. Tambien aplicó las ideas de las teorías opticas contemporáneas relacionadas con el color.  El trabajo disciplinado de Seurat que contrasta con el de muchos de sus contemporaneos impresionistas, fue muy influyente


    Su éxito lo llevó rápidamente a la vanguardia  parisina. Su triunfo fue de corta duración, ya que después de casi una década de trabajo  murió a la edad de tan sólo 31 años. Pero sus innovaciones serían muy influyentes, dando forma a la obra de artistas tan diversos  como Van Gogh y los futuristas italianos 

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  • 08/27/15--12:23: Judit Reigl

  • Nació en 1923 en Kapuvár, Hungría. Despues de estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Budapest viajó a Italia con una beca. Volvió a Hungría en 1948 cuando ya había sido invadida por los sovieticos. Despues de siete intentos de escapar del país, lo consiguió en  1950 y pocos  meses despues llegó a París. Sus primeras obras en París fueron surrealistas, incluyendo collages y pinturas de figuras monstruosas. 

    A partir de  1952 empezó a experimentar con pintura gestual, entre surrealismo y escritura automática. 
    En 1954, un colega húngaro, el pintor Simon Hanta, llevó a Adré Breton a su estudio; Breton le ofreció inmediatamente una exposición que se celebró en L´Etoile scellée. Despues de la exposición rompió su conexión con Breton y comenzó su periodo abstracto. 
    En 1963 abandonó París y se trasladó a Marcoussis, un pueblo al suroeste de la capital. 
    Su obra se ha expuesto en París, Grenoble, Munich, Budapest, Nueva York etc. Ha recibido numerosos premios y se han celebrado grandes retrospectivas


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  • 08/29/15--03:40: Yury Annenkov






  • Yury Pavlovich ANNENKOV nació en Pyotrоpavlovsk el 23 de julio  de 1889. En 1894 la familia se trasladó a Annenkovs San Petersburgo. Yury estudió en  la escuela primaria estatal de Petersburgo ,  fue expulsado por dibujar caricaturas políticas. En 1906, continuó sus estudios en la escuela privada de Stolbtsov. 

    En 1908  entró en el Departamento de Derecho de la Universidad de San Petersburgo, compaginandolo con la  pintura. En 1909 el artista  intentó entrar en la Academia de las  Artes, pero fracasó. Sin embargo, no se dio por vencido y  emtró en el estudio  de Tsionglinsky, así como en la Escuela Shtiglits de Dibujo Técnico. 

    La larga ooperación  de Yury ANNENKOV con el Teatro y  revistas de Arte comenzó en 1913. Creó una serie de ilustraciones, por ejemplo, para el famoso poema de Alexander Blok "los doce" además de trabajar para escenografías para teatro de San Petersburgo 

    Yury ANNENKOV colaboró ​​con un montón de directores de escena conocidos de la época, entre ellos KS Stanislavski, Meyerhold VE, FF Komissarzhevsky, NF Baliyev, y NV Pyotrоv. Además de colaborar tambien  con el escritor disidente Yevgeny Zamyatin y el artista   Ilya Repin.


    En 1924 después de la muerte de Lenin ganó el concurso para hacer el dibujo del lider en sellos y emblemas oficiales.  


    En 1924 se trasladó a Italia y se quedó en Europa. Se instaló en París, donde trabajó como diseñador escénico para los teatros franceses. Además de  sus exposiciones personales,  creó escenografía y vestuario para películas. Bajo el seudónimo de Boris Temiryazev el artista  publicó memorias de Máximo gorki, Alexander Blok, Vladimir Maikorvski, Anna Ajmátova, Boris Paternak, etc 


    Yury ANNENKOV murió en París el 12 de julio  de 1974.


    Fuente- Ryssia IC

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  • 08/29/15--03:52: Yaacov Agam






  • Israel. (1928- )


    (Yaacov Gipstein; Rishon le-Zion, 1928) Pintor y escultor israelí. Pionero del arte cinético, es un artista polifacético que ha investigado con nuevos materiales con el fin de crear obras cambiantes según el punto de vista del espectador e invitar a éste a hacer una exploración activa. Su trabajo tiene un fuerte componente espiritual y cultural ligado a la religión judía.



    Hijo de un rabino judío ortodoxo, nació en una la ciudad de Palestina, que por entonces se encontraba bajo dominio británico. Recibió una educación muy marcada por la religión que influyó en su manera de ver el arte como forma de expresión espiritual. En su infancia fue testigo de un atentado contra un autobús perpetrado por un grupo terrorista árabe. Contaba apenas con 18 años de edad cuando fue detenido como sospechoso de pertenecer al Ejército de Resistencia de Israel. Sufrió una condena que le retuvo dieciocho meses en la cárcel, entre 1945 y 1946.
    Su carrera artística comenzó en su adolescencia, en 1940, tras descubrir la pintura de Van Gogh. Más tarde fue descubriendo a los grandes maestros (Rembrandt) y a los artistas del XIX (Soutine, Daumier o Doré) Al finalizar la II Guerra Mundial, en 1946, comenzó sus estudios de arte en la Academia de Artes y Diseño de Bezabel, Jerusalén. Esta escuela estaba en ese momento influida por la escuela alemana Bauhaus y Agam recibió allí las primeras influencias de los movimientos abstractos que triunfaban en Europa, particularmente del constructivismo.

    Para completar sus estudios, viajó a Zurich donde conoció a J. Itten, S. Giedion y M. Bill. Aconsejado por S. Giedion, decidió viajar a Chicago, pero una escala en París le retuvo en esta ciudad, que se convirtió en su residencia definitiva. Pronto entró a formar parte de un grupo de artistas que por entonces, la década de 1950, se conocían como representantes de la Nouvelle Tendence ('Nueva Tendencia'). La estética que defendía este grupo era el arte perceptual, también conocido como Op Art ('Arte Óptico'), basado en los efectos ilusionistas que provocan los objetos y los colores en el ojo humano.
    Este movimiento tiene una fuerte base científica, quizá la más estudiada, o al menos enfatizada, por la crítica. Pero la obra de Agam y sus comentarios hacen énfasis en el significado espiritual de esta estética y en su condición de universalidad al provocar reacciones espontáneas, no mediatizadas, en el público. Desde este punto de partida estético, Agam desarrolló un trabajo que se acercaba cada vez más a la tendencia conocida como arte cinético.



    En 1953 realizó su primera exposición individual, y en 1955 participó en la primera exposición internacional de arte cinético, que tuvo lugar en la galería Denise René de París. A partir de este momento y adscrito siempre a este movimiento, se sucedieron las exposiciones y los premios. Participó en la Bienal de París de 1959 y en la muestra El Movimiento en el Arte celebrada en Amsterdam. En 1963 obtuvo el primer premio en la Bienal de São Paulo, donde se produjo una anécdota significativa de su innovación artística: el tribunal hubo de crear una nueva categoría dentro de la bienal, el Premio a la investigación artística, ya que no sabían si concederle el premio de escultura o el de pintura.
     Fuente, biografás y vidas


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  • 08/31/15--11:49: PABLO GARGALLO




  • Nació en Maella (Zaragoza), en 1881. Se formó en la escuela de La Llotja de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición novecentista, inspirados por las esculturas de Maillol. Sin embargo, en 1911 experimentó un profundo cambio a raíz de su encuentro con Picasso durante una estancia en París. La influencia del arte primitivo estuvo presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de metal. En 1914 regresó a Barcelona, donde gana la cátedra de escultura de la Escuela Superior de Artes y Oficios, en la que ejerció hasta 1924. Con la llegada de la dictadura de Primo de Rivera volvió a París, donde se afincó definitivamente. En su última etapa creativa, la pintura de Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras. Murió en Reus (Tarragona), en 1934.


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  • 09/02/15--11:58: Shirley Jaffe




  • Pintora y escultora  nacida en New Jersey, Estados Unidos, en  1923. Estudio en Cooper Union, Nueva York.


    Se trasladó a París en 1949 donde ha desarrollado su carrera artística, aunque vuelve a los Estados Unidos regularmente para exponer- desde la década de 1990 en la Galería Holly Solomon y en colectivas  en otros sitios. En Nueva York en  la galeria Tibor de Nagy. En París ha expuesto en la Galerie Fournier  y en Nathalie Obadia Gallery.

    Comenzó pintando en estilo expresionista abstracto pero cambió su estilo a partir de 1968 desde un encuentro en Berlin con Arp, Kandinski y Herbin.

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  • 09/04/15--12:14: Wilhelm Lehmbruck





  • (1881 - 1919). Escultor alemán. Su obra temprana era de estilo académico bastante conservador, pero, durante su estancia en París entre 1910 y 1914, descubrió un estilo mucho más personal, influido por las simplificaciones formales de Archipenko, Brancusi y Modigliani, manteniéndose esencialmente en la tradición de Rodin y Maillol. Buen ejemplo de ello son las formas extremadamente atenuadas, la postura angular y la expresión melancólica de su Mujer arrodillada (1911, MOMA, Nueva York). Al estallar la Primera Guerra Mundial, regresó a Alemania y trabajó en un hospital, reflejándose el sufrimiento del que fue testigo en lo conmovedor de sus últimas obras. La guerra le llevó a un estado de profunda depresión, y se suicidó en 1919. Lehmbruck trabajó a menudo en mármol, pero por temperamento era más un modelador que un tallista, y trabajaba el barro sobre un alma, y algunas de sus obras fueron vaciadas en piedra artificial para conservar la textura de la arcilla. Junto a Barlach es el principal escultor expresionista alemán. Lehmbruck también hizo aguafuertes y litografías, pintó y escribió poesía. Hay un museo dedicado a él en su Duisburgo natal.

    fuente-diccionario enciclopédico de arte y arquitectura

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  • 09/07/15--11:32: Aristide Maillol
  • (Banyuls-sur-Mer, 1861- id., 1944) Escultor francés. Inició su formación como pintor, siendo discípulo en París de J. L. Gérome y de A. Cabanel en la Escuela de Bellas Artes. Expuso en el Salón de Artistas Independientes desde su fundación (1884). Gracias a su amistad con Bourdelle, reveló un concreto interés por la escultura, particularmente por la de Rodin. En 1893 creó en Banyuls un taller de tapicería, caracterizado por la excelente calidad de las lanas y por trabajar con colorantes únicamente vegetales, hechos en el propio taller. También trabajó la cerámica. Hacia 1900 su arte escultórico estaba aún ligado a Vuillard, Bonnard y Matisse, pero el contacto con la escultura egipcia, india y clásica centraron su gusto por los volúmenes macizos (Mediterránea, 1902-1905; Pomona, 1907-1910,Armonía, 1940-1944). De su serie de monumentos conmemorativos destaca el dedicado a Cézanne (1912-1920). Maillol fue además un gran artista del libro; gracias al conde de Kessler fundó la papelería de Monval e ilustró las Bucólicas de Virgilio (1927) y Canciones para ella de Verlaine (1939). 

    Ref. Biografías y vidas

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  • 09/08/15--12:24: Antoine PEVSNER




  • Rusia
    Orel 1888 - 1962 

    El y su hermano Naum Gabo comenzaron estudiando ciencias. Luego asistió a la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, donde permaneció hasta 1911. Su siguiente destino fue París. Ya en la Ciudad del Sena entra en contacto con la obra de  Leger, Gleizes Métzinger, entre otros. En un viaje posterior a la capital gala conoce a Archipenko y Modigliani. Es entonces cuando muestra su inclinación por las tendencias del cubismo. También despiertan su interés las realizaciones de Boccioni. Cuando estalla la guerra él y su hermano se van a Oslo e inician sus experimentos con el constructivismo. En el 17 regresa a su país natal e imparte clases en la Academia de Bellas Artes de Moscú, donde coincide con Kandinsky. Tres años después, el y Gabo redactan el Manifiesto Realista, que defiende la independencia del arte y su función social. En 1922 exponen en la Erste russische Kunst Aussstellung de Berlín. Es, precisamente, en esta cuidad donde conoce a  Duchamp , quien le anima a dejar la pintura para experimentar con la escultura. En 1923 traslada su residencia a París. Allí obtendría la nacionalidad francesa. Su arte fue expuesto en distintas exhibiciones y se encargó de diseñas escenarios para algunas representaciones artísticas. El y su hermano defendieron las propuestas del grupo constructivista Abstracción-creación. Con el paso del tiempo su obra gana proyección y es expuesta en las principales ciudades europeas y de Estados Unidos. Por otra parte, es protagonista de exposiciones individuales en los museos más prestigiosos del mundo.


    Ref. Arte Historia

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  • 09/09/15--12:56: Jacques Lipchitz
  • Jacques Lipchitz 1891-1973
    Escultor nacido en Druskininkai,  Lituania . Fue a París en 1909 y estudió en la Escuela de Bellas Artes, en  la Académie Julian y en la Académie Colarossi. Se interesó en el arte primitivo y arcaico y empezó a coleccionar. A través de la amistad con Rivera y Picasso, participó en el movimiento  cubista desde  1914  e hizo unos bajo relieves  de bodegones, payasos, músicos, etc. similares a la pintura cubista,  Su primera exposición individual fue en la Galerie Léonce Rosenberg, París,en 1920. 

    En  1925 se traslada a  Boulogne-sur-Seine. Su uso cada vez más personal del cubismo lo llevó en 1925 y 26 a la creación de esculturas abieras, transparentes con cintas de metal.A partir de  1929 comenzó a utilizar objetos alegóricos extraidos de la mitología o del antigua testamento, con una anatomía más naturalista y un énfasis en enformas retorcidas, anudadas. Hizo una escultura enorme de Prometeo para la exposición Internacional de Paris de 1937. A partir de  1941 vivió casi permanentemente en Los Estados Unidos, pero a partir de  1963 pasaba los veranos en Italia.;Murió durante unas vacaciones en Capri




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  • 09/10/15--10:26: Marko Čelebonović



  • 1902-1986
    Marko Čelebonović  nació en Belgrado en 1902. Estudió leyes y económicas en Inglaterra y Francia. En 1923, despues de volver de Inglaterra, se matriculó en la escuela Grande Chaumiere en el estudio de Baouredelle, con la intención de dedicarse a la escultura, sin embargo, en el verano de ese mismo año, empezó a pintar y ya decidió dedicarse a la pintura. 

    Su primera exposición fue en París en  1925 en el Salon des Tuilleries, y en junio se marchó a Saint Tropez. Los primeros años de su carrera están marcados por el ambiente  de los artistas que le rodeaban, Villard, Signac, Marquet, Segonzac, Tereskovic, etc. Por esta razón su arte tiene muchas características de la pintura francesa. Vivió en París y Saint Tropez hasta la Segunda Guerra Mundial. Durante los años de la guerra fue miembro de la resistencia francesa, despues volvió  a Yogoslavia y excepto breves periodos, fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Belgrado.  Expuso en París, Belgrado, Zurich, Ginebra, Sarajevo, y  Skoplje, aparte de exponer colectivamente con pintores franceses en Francia e Italia y exposiciones yugoslavas en Francia, Inglaterra, Belgica, Italia, Holanda, Brasil, etc.

     Aunque vivió  en Francia, siempre estuvo muy unido a los pintores yugoslavos que visitaban Francia de vez en cuando.


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  • 09/11/15--11:22: Henri de Toulouse-Lautrec
  • Henri de Toulouse Lautrec: El pintor de los burdeles y las tabernas de las calles de París


    Henri de Toulouse Lautrec era enano, pero no nació enano. Sufrió una desafortunada caída de un caballo cuando era un niño en la que se fracturó los dos fémures -otras voces aseguran que fue la columna vertebral-. Lo que sí está claro es que nunca se recuperó del todo. A la lesión se sumaron problemas varios de calcificación que impidieron que el joven aristócrata, de familia adinerada e irrefrenables aspiraciones artísticas, alcanzase un desarrollo físico pleno y caminase de forma equilibrada con ambas piernas.



    «Soy feo, pero la vida es hermosa», solía decir el francés, respaldando con su discurso su prisma vital. Henri de Toulouse Lautrec era el colmo de la burguesía, de la educación, de la formación intelectual, y sin embargo prefirió avanzar por un camino secundario, mísero, defectuoso, asimétrico e imperfecto. Le dio forma y pinceladas de color a un panorama turbio y excéntrico por igual, retrató con singularidad y maestría retazos del París más bohemio y extremo que ha existido, y se convirtió en el dibujante de las cabareteras, de los cafés-concierto, de las tabernas, los bebedores de absenta, de las busconas de Montmartre, los burdeles y las carpas de circo.

    Henri de Toulouse Lautrec encontró en su desgracia un agujero donde escarbar, y en él, lo que mejor supo hacer el resto de su vida. Empezó esbozando caballos; caballos y bailarinas; y, más tarde, bailarinas y can-canes. Bajo los focos de ese gran molino rojo, clonó en láminas de papel cientos de cuerpos femeninos, calcó sus curvas, recogió toda su entrega, tan rendidas a su enigmático talento estaban ya entonces las féminas -tanto las caras como las baratas- de la noche parisina. Pintaba affiches, pintaba la oscuridad, pintaba los lupanares y las calles. Pintaba juguetes rotos, encajes, piernas abiertas; un mundo que hoy, un siglo después, 150 años después de su nacimiento, conocemos como si lo hubiésemos vivido gracias a genios como él.

    Cuando se apagaron las luces de los cabaréts más turbios y también de los más acaudalados, su espíritu siguió vivo entre sombras en los carteles de Henri de Toulouse Lautrec. La fortuna del enano le permitió hacerse habitual del Mirlinton y el Moulin Rouge, de los hipódromos, de los bailes de disfraces del Courrier Français. Observaba todo sin perder detalle; escudriñaba y palpaba, cataba, respiraba y se sumergía en ese ambiente compacto, apelmazado, viciado, como solo él sabía, como solo él podía hacerlo.


    A los primeros apuntes artísticos equinos de Henri de Toulouse Lautrec le siguieron colaboraciones humorísticas en las revistas L’EscaramoucheLe Mirliton y Revue Blanche. Había bebido de los consejos de los profesores Bonnat y Cormon y montado ya su propio estudio en el corazón de Montmartre. Su producción superó todo calculo.Original, realista y lírica, le apuntó como uno de los pioneros expresionistas y lo convirtió en casi una leyenda. Como todo talento vertiginoso, no fue comprendido en el tiempo que le tocó vivir. Desvalorizadas y subestimadas, sus litografías, sus carteles y sus acuarelas tuvieron que hibernar durante años hasta que, en 1914, con una muestra en París, se produjo una justa reivindicación de triunfador. Henri de Toulouse Lautrec vivió rápido, a tragos largos. A merced de su adicción al alcohol y tras un sinfín de visitas a diversas clínicas a causa de su sífilis y de varios episodios de neurosis y algún intento de suicio, Henri de Tolouse Lautrecmurió a los 36 años tras sufrir una parálisis.


    Para Henri de Toulouse Lautrec la fama no fue suficiente aliento para superar sus crisis. La vida de este artista, marcada por la tragedia, se truncó demasiado prontol. Sus adicciones y su enfermedad le condujeron por un camino de continua oscuridad. Sus manías y los repetidos episodios depresivos le acompañaron durante buena parte de su corta existencia. Entre la historia de Henri de Toulouse Lautrechay escritos algunos capítulos negros. Sirva como ejemplo el extraño suceso que el artista vivió en 1897, cuando se ensañó, revolver en mano, con las paredes de su propia casa, en un intento de acabar con unas arañas que no eran más que un fruto de su propia imaginación. Su inmediato ingreso en un hospital psiquiátrico, del que salió pocos años después, no fue suficiente antídoto contra el funesto final. Ya que pocos años después moría en casa de su madre, la condesa Adèle de Toulouse-Lautrec, donde por fin consiguió poner punto y final, de la peor de las formas, a sus propios demonios. En 1952, John Huston contó su historia en la película Moulin Rouge.

    Información La Voz de Galicia

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