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  • 07/23/15--12:05: Marsden Hartley

  •  (1877-1943)


    Nació en Maine. Hijo de emigrantes ingleses. Empezó a estudiar arte en el Cleveland Institute y despues en la National Academy of Design en Nueva York. Estuvo tambien en la Art Students League. Estando en Nueva York, llamó la atención de Alfred Stieglitz, fotografo y tratante de arte, que mas adelante se casaría con Georgia O´Keeffe. Stieglitz tenía relaciones con gente de la vanguardia europea y le presentó a artistas como  Matisse y Picasso. En 1912, cuando  tenía 35 años, Hartley  viajó a París por primera vez, cuando ya era parte de la vanguardia americana y había expuesto una vez.  Despues de este primer viaje, pasó la mayor parte de los siguientes  26 años en Europa. Experimentó con varios estilos artísticos como el impresionismo, expresionismo, fauvismo y cubismo, hasta que finalmente adoptó un estilo mas representativo.

    Cuando ya volvió a America en  1934 se quedó en Maine ya por el resto de su vida.  Realmente su obra no fue apreciada durante su vida, pero una retrospectiva postuma le dio a conocer y ahora es apreciado como una figura importante del arte americano de principios del siglo XX


    Mas información, pincha en el enlace

    http://www.danzaballet.com/marsden-hartley-un-americano-gay-en-berlin/

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  • 07/24/15--11:28: Yves Tanguy












  • París, 1900 -Woodbury, 1955



    El pintor francés Yves Tanguy fue un miembro destacado del grupo surrealista parisiense. Su obra fue considerada paradigmática del movimiento por André Breton y, en los años cuarenta, ejerció una fuerte influencia sobre la generación de jóvenes artistas entre los que se encontraban Roberto Matta, Wolfgang Paalen y Esteban Francés. En 1923, tras contemplar una obra de Giorgio de Chirico en el escaparate de la galería Paul Guillaume que le impresionó enormemente, decidió dedicarse a la pintura y comenzar su formación autodidacta. Poco después se interesó por el surrealismo y, tras conocer a André Breton, con el que mantuvo una estrecha amistad, ingresó en el grupo a la vez que sus amigos el poeta Jacques Prévert y el escritor Marcel Duhamel. Su estilo pronto evolucionó del expresionismo de sus obras iniciales hacia el automatismo practicado dentro del surrealismo. A partir de entonces firmaría los manifiestos surrealistas y, desde 1927, participaría en las exposiciones con sus pinturas, caracterizadas por figuras de aspecto fantasmagórico y formas que crean perspectivas irreales que evocan una atmósfera onírica y atemporal en la que reina el silencio

    Tanguy. permaneció cercano a Breton y a su ideario hasta 1946, a pesar de que numerosos artistas afines al grupo surrealista lo abandonaron por desacuerdos con su manera de enfocar el desarrollo del movimiento tanto a nivel artístico como político
    En. 1939 llegó a Nueva York ayudado por la pintora Kay Sage. Un año más tarde contrajo matrimonio con ella, y, aunque volvió de visita a Francia tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, se instaló de manera definitiva en Norteamérica.
    En 1942 compró una granja en Woodbury (Connecticut), donde viviría con su mujer hasta su muerte
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 07/25/15--04:15: Ernesto Tatafiore



  • vivre libre ou mourir by ernesto tatafiore

    Ernesto Tatafiore nació en Nápoles en 1943 donde vive y trabaja. En 1969 presentó su primera exposición individual en la galleria Lucio Amelio. Achille Benito Oliva define su arte como neo ilustración ya que basa su obra en heroes del arte y de la historia, como Robespiere, Mozart, Danton, Masaniello, etc. en temas de la revolución francesa y napolitana. En  1980 participo en la Bienal de Venecia

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  • 07/26/15--11:28: Juan Gris





  • Juan Gris es considerado una de las principales figuras del movimiento cubista. Su importancia radicó tanto en sus obras, en las que predominó el interés por el retrato y el bodegón, como en su aportación teórica. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente con el pintor José Moreno Carbonero, al tiempo que colaboraba con diversas publicaciones periódicas como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a Francia, donde permanecería el resto de su vida, y se instaló en el Bateau-Lavoir de París. Allí conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y a los escritores Guillaume Apollinaire, André Salmon y Max Jacob. Durante esta época, se ganó la vida dibujando para revistas como L’Assiette au Beurre y Le Cri de Paris y decidió abandonar su verdadero nombre y adoptar el seudónimo de Juan Gris
    Expuso. en el Salon des Indépendants de 1912momento, en que su obra era ya plenamente cubista y estaba dotada de esa reflexión intelectual que marcaría toda su pintura. Ese mismo año participó en la exposición de la Section d’Or y comenzó a ser conocido; importantes personalidades dentro del mundo del arte, como Gertrude Stein y Léonce Rosenberg, empezaron a adquirir sus obras. Poco tiempo más tarde firmaría un contrato con el marchante Daniel-Henry Kahnweiler, al que le uniría una estrecha amistad
    Durante. el verano de 1913 Gris estuvo en Céret, donde coincidió con Picasso. En esa localidad del Pirineo francés comenzó a desarrollar la técnica del papier collé, con la que continuaba el camino abierto por Picasso y Braque a principios de ese mismo año
    En. el transcurso de la Primera Guerra Mundial trabajó en París, donde, en 1919, tuvo lugar su primera exposición individual en la Galerie L’Effort Moderne. En 1922, ya con su salud muy debilitada, se instaló a vivir en Boulognesur- Seine donde residió hasta su prematura muerte, en 1927.

    Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Serguéi Diághilev, Les Tentations de la bergère y La Colombe. Paralelamente seguía pintando y escribiendo ensayos teóricos como Notes sur ma peinture (1923) y Des possibilités de la peinture (1924).
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 07/28/15--11:10: Wassily Kandinsky









  • Kandinsky contaba cómo una noche de 1908, en Murnau, tuvo esta revelación: «Todo se volvía claro... la descripción de los objetos perdía todo sentido... en el cuadro sólo quedaban los colores: un abismo se abría a mis pies»


    Wassily Kandinsky
    Moscú, 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944

    Pintor de origen ruso, Wassily Kandinsky fue uno de los iniciadores del arte abstracto del siglo XX. Tomó clases de música y dibujo antes de ir a la Universidad de Moscú a estudiar Derecho y Economía, donde, tras licenciarse, en 1892, comenzó a impartir clases. En 1895 visitó la exposición de impresionismo francés y quedó fascinado por una obra de la serie de los almiares de Claude Monet. Un año más tarde Kandinsky decidió abandonar su profesión y dedicarse por completo a la pintura. Se dirigió a Múnich, entonces un reputado centro artístico, donde estudió en la academia del pintor Anton Azˇbé y más tarde en la Akademie der Bildenden Künste. En 1901 participó en la fundación de Phalanx, asociación que organizó exposiciones y formó una escuela de arteAllí. conoció a la pintora Gabriele Münter, que se convertiría en su amante y colaboradora los años siguientes y junto a la que viajó por Europa y Túnez en 1904. Posteriormente se instaló en París entre 1906 y 1907
    La. lectura de los escritos de Wilhelm Worringer en 1909 y la música de su contemporáneo Arnold Schönberg le llevaron a un creciente interés por el arte no-objetivo. Kandinsky estaba preocupado por el materialismo del mundo moderno y veía en la abstracción una vía de liberación del hombre. Fue miembro fundador de la Neue Künstlervereinigung, donde conoció a Franz Marc. Junto a él abandonaría posteriormente este grupo para, en 1911, comenzar a publicar juntos el almanaqueDer Blaue Reiter (El Jinete Azul), en torno al cual se aglutinó un variado grupo de artistas. En sus páginas, Kandinsky propugnaba una función mística para el arte, un arte no-objetivo que respondiera no a un reflejo de las apariencias, sino a la fuerza interior del artista. Sus escritos, entre los que destacan De lo espiritual en el arte(1912) o Punto y línea sobre el plano (1926), sirvieron para difundir sus ideas

    En. 1914 regresó a Moscú, donde llevó a cabo una importante labor como miembro del Comisariado de Educación PopularAl. imponerse el realismo socialista como estética dominante, Kandinsky regresó a Alemania, donde se convirtió en uno de los más importantes colaboradores de la Bauhaus de Weimar, al tiempo que su pintura se contagiaba de la tendencia geométrica de esta escuela. Con la llegada al poder de Hitler en 1933 y el consiguiente cierre de la Bauhaus, Kandinsky huyó a París y se instaló en las afueras, en Neuilly-sur-Seine, donde su pintura recuperó la abstracción más libre de sus primeros años.
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 07/29/15--13:03: MAX NEUMANN


  • Max Neumann convierte la figura humana en un símbolo abstracto, reduciendo sus composiciones a una pura esencia. Sus cabezas sin rostros y los cuerpos constituyen el tema de sus obras. Dibuja de memoria, fragmentos soñados, reducidos a líneas o sombras.  Neumann  ha construido un lenguaje visual que toma como fuente revistas, periodicos, y otras publicaciones. Trabaja principalmente con negro pero a veces esparce color.   

    Nacido en 1949 en Saarbruck, Alemania, estudió arte en Kalsruhe y despues en la Universidad de Bellas Artes en Berlín. Ha recibido numerosos premios y desde la década de 1970 ha realizado más de 150 exposiciones en galerías y museos de todo el mundo.



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  • 07/30/15--12:50: Francis Picabia



  • Fue un artista francés nacido en 1879 que, a lo largo de sus casi cincuenta años como artista, toca los estilos de vanguardia más diversos, desde el impresionismo, a la abstracción, pasando por el fauvismo, el cubismo, el orfismo o el dadaísmo y, como no, el surrealismo, llegando incluso a ser considerado por algunos críticos, como el precursor del “Hiperrealismo” y del “Pop-Art”. Estudió en l´Ecole des arts Decoratifs. Era amigo de Pisarro, lo que le llevó a practicar el Impresionismo, tras el que se pasó al fauvismo, decantándose luego por el cubismo. A partir de ese momento inicia una gran amistad con Marcel Duchamp, con lo que se inscribe en los movimientos preconizados por éste. Fue uno de los representantes más destacados del Dadaísmo agresivo encabezado por Tristán Tzara, para a continuación unirse al Surrealismo de Breton y compañía. Tras la Segunda Guerra Mundial combinó la Abstracción con una especie de Realismo Kitsch.



     El artista falleció en 1953.

    Lo cierto es que se trató de un hombre de espíritu independiente, claramente defensor de la “libertad en el arte”, quien no solo se ocupó de la pintura, sino que escribió novelas, poesía y también se dedicó al cine. Su vida va a estar marcada por su gusto por el lujo y la búsqueda de todo tipo de belleza, lo que se refleja en su obra por el gusto por los tonos dorados. Fue un hombre muy rico, rodeado de yates, fiestas lujosas, bellas mujeres, etc. Es sorprendente constatar como todos sus excesos no lograron saciar su constante sed y su búsqueda constante como artista. Como pintor constantemente se dedicó a explorar nuevos caminos, nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión, no contentándose con ninguna tendencia, buscando, siempre buscando. Su frase “Nuestra cabeza es redonda para permitir al pensamiento cambiar de dirección”, define a la perfección a Francis Picabia como artista.
    Una de sus obras más atípicas fue “El gato”, obra realizada en 1929, pintada en un momento en el que está editando la revista “391”, fundamental para entender el Dadaísmo y también el Surrealismo. El pintor sentía una especial fascinación por los gatos, tanta que, de hecho en esta época realizó una exposición de obras sobre los mismos en una Galería de Cannes, puesto que el reside en la Costa Azul. Hay una serie de autores que consideran que tal vez pueda tratarse de un autorretrato, al conectar la mirada del felino, desconfiada y a la vez desafiante con la del artista (que se inmortalizó a sí mismo varias veces). Los colores de la obra recogen el intenso azul del Mediterráneo, mezclados con colores cálidos, como el rojo teja, que dotan a la obra de una especie de romanticismo. Los amarillos que se entremezclan en su pelaje parecen ser el reflejo de un crepúsculo solar sobre su cuerpo. El pelaje del animal está construido con unas pinceladas largas, lo que le da un aspecto un tanto descuidado, que encaja a la perfección con el entorno abstracto en el que se encuentra.

    La guía de Historia del Arte

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  • 07/31/15--12:58: OSCAR DOMINGUEZ







  • Hijo de un rico terrateniente tinerfeño, Oscar Domínguez se trasladó a París en 1927, pero no sería hasta 1931 cuando se dedicaría de lleno a la pintura. Dada la escasa aplicación que siempre demostró por los estudios, su padre lo envió a trabajar en la empresa que en la capital francesa se hacía cargo de sus exportaciones de frutas. La muerte de su progenitor y el cambio de signo en la situación económica familiar que aquella comportó, obligó a Domínguez a buscar un medio de sustento, dedicándose al dibujo publicitario. 
    Su adhesión formal al Surrealismo se produjo en 1934, siendo desde entonces un participante asiduo a las tertulias del café La Place Blanche, cercano a la casa de Breton, en pleno barrio de Montmartre, así como a las que tenían lugar en Le Dome y otros locales de Montparnasse, más en boga en el período de entreguerras. 




    Con anterioridad a su incorporación al grupo de Breton, el pintor canario había realizado una serie de cuadros cuyo espíritu se identifica ya plenamente con el Surrealismo. Obras tempranas como Sueño (1929) o Souvenir de París (1930) revisten un gran interés por alumbrar un universo onírico desconcertante. En la obra de Oscar Domínguez abundan las referencias isleñas con alusiones concretas a la flora y orografía canarias. Estas visiones mágicas como las que aparecen en El drago (1933) o Cueva de guanches (1935) contribuyeron junto con sus relatos a crear el clima propicio para que en 1935 se celebrara en Tenerife, con la presencia de Breton y Péret una Exposición Internacional del Surrealismo.



     
    Gran parte del vocabulario pictórico de Oscar Domínguez procede de Dalí, como lo evidencia el recurso frecuentemente utilizado del alargamiento de los miembros y el empleo de figuras protoplasmáticas, aquellas que por efecto del deseo sufren alteraciones en su conformación anatómica, presentando excrecencias gelatinosas y desbordamientos. También es de origen daliniano la imagen paranoica o imagen doble. Sin embargo, y a diferencia del pintor de Cadaqués, el punto de partida de la producción de Oscar Dornínguez no es una sexualidad conflictiva sino el humor y el deseo entendidos ambos como motores de la actividad humana. El Surrealismo consideró el humor como una de las formas más eficaces de subversión de la realidad. 



    Oscar Domínguez desarrolló en 1936 una técnica automática de gran efectividad, la decalcomanía, consistente en aplicar el pigmento muy diluido sobre el soporte y, a continuación, presionar sobre éste con una superficie rígida, lo que provoca la distribución irregular del pigmento y la consiguiente creación de formas arbitrarias. Si las manchas así generadas no sufren modificación posterior, el procedimiento se denomina decalcomanía sin objeto preconcebido, mientras que si el pintor reinterpreta esas formas y las retoca para acentuar su parecido con determinadas manifestaciones, como pueden ser conformaciones coralinas, arborescencias, etcétera, nos hallamos ante la decalcomanía del deseo. La aportación de Oscar Domínguez alcanzó su máxima expresividad en los paisajes de Max Ernst



    El pintor canario demostró ser también uno de los creadores más imaginativos de objetos surrealistas, ámbito de actuación que alcanzó un amplio desarrollo en la década de los años treinta, habiendo participado con L 'arrivée de la Belle Epoque en la gran Exposición de Objetos Surrealistas, celebrada en mayo de 1936 en la Galerie Charles Ratton de París. Los objetos, liberados de su funcionalidad habitual, demostraron que podían convertirse en medios eficacísimos para establecer nuevas relaciones entre el ser humano y el entorno físico en que éste se mueve, al mismo tiempo que posibilitan también la actuación de las potencias del subconsciente. Aunque los surrealistas demostraron siempre un gran interés por las formas naturales de apariencias caprichosas como raíces, guijarros, etcétera, volcaron su atención preferente en la manipulación de objetos cotidianos, cuyas alteraciones responden siempre a las exigencias del deseo. 




    A finales de los años treinta la obra de Oscar Domínguez denota un cambio de orientación sustancial, siendo sustituidos los contenidos oníricos y las manifestaciones del subconsciente propias del Surrealismo por visiones de carácter cósmico. A partir de la Segunda Guerra Mundial su creatividad se resintió bajo el peso del influjo picassiano  


    Ref, Arte Historia.



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  • 08/01/15--12:46: Markus Lüpertz
  • Untitled
    Untitled
    Apocalypse


    Markus Lüpertz (Liberec-Reichenberg, República Checa, 1941)  uno de los artistas alemanes vivos más importantes de las últimas décadas. Representante del Neoexpresionismo Alemán junto a Georg Baselitz, A. R. Penck (Ralf Winkler) y Jörg Immendorff; surgido a comienzos de los años sesenta, Lüpertz y sus compañeros de generación llevaron a cabo una particular rehabilitación de la pintura desde la pintura misma, retrotrayéndose en muchos casos a las vanguardias de comienzo de siglo.
    Su primera etapa se conoce con el nombre de Dithyrambische Malerei (Pintura ditirámbica) (1964-1976), la cual queda marcada por la presentación de su Dityrambische Manifest en 1966. Lüpertz se apropia de un término que remite a una composición poética de la antigüedad griega consagrada a Dionisios y que luego recuperó Nietzsche en forma de poesía hímnica. Como señala Johannes Gachnang,  “hasta mediados de los años setenta Lüpertz utilizó el concepto de ditirambo como epíteto en los títulos de sus obras, y de este modo llamaba la atención sobre un valor suplementario, un excedente de energía, de irradiación o de vitalidad que era capaz de agregar a sus cuadros”. En este momento se reconocen las que serán características de su trabajo posterior: el uso de una paleta predominantemente oscura, el valor expresivo que infiere al color -más que a lo gestual-, la elección de lienzos de grandes dimensiones y la práctica de una pintura siempre con tema. La representación sintética de troncos, tejas y diamantes de sus primeros cuadros deriva enseguida a composiciones más complejas, de colores más vivos en las que recurre a cascos, flechas, caracoles y campos de trigo, pintados y reunidos a la manera de emblemas militares como en el caso de Shwarz, Rot, Gold I - Dityrambisch (1984) y en las que se evidencia el tema de muerte, el cual se instala en su pintura como vanitas. De ese momento es su recomendación a pintar cuadros con temas alemanes.
    En la segunda etapa, Stil-Malerie (Pintura de estilo) (1976-1984) Lüpertz lleva a cabo series y versiones sobre un mismo tema-problema (del motivo a la forma y viceversa), pues al aislarlo pretende resolverlo, al tiempo que rompe su efecto, tal como se puede apreciar en Amor und Psyche (1978) y en Pierrot Lunaire (1984). Sin abandonar la pintura, a mediados de la década de los ochenta, Lüpertz practica la escultura, traduciendo en bronce sus mismos presupuestos formales y expresivos.
    En el último período, denominado  Corot-Poussin (1985-1990), Lüpertz reinterpreta la obra de estos dos maestros del pasado desde intereses pictóricos, rehaciendo sus temas y en los que manifiesta un especial interés en la factura barroca y en palabras del crítico de arte Robert Fleck “el dramatismo virulento en el sentido hímnico”. Además, de Nicolas Poussin retoma su voluntad de haber recuperado la identidad de la pintura clásica (renacentista) en el siglo XVII, tal y como él pretendía para el caso de la pintura moderna tras los dogmas de la modernidad.
    Logotipo del Museo Reina Sofía

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  • 08/03/15--11:42: Lucebert
  • 1924-1994-  Lucebert, el gran artista holandés, uno de los pilares del grupo vanguardista de mediados del siglo XX denominado COBRA.
    COBRA no es sino un acrónimo que funde tres grandes capitales nórdicas: Copenhague, Bruselas y Amsterdam. En la postguerra de los años 40, como sucediera tras la primera conflagración europea, proliferaron los núcleos de vanguardia en arte y literatura. En general, se producía una recuperación renovadora de ismos (expresionismo, surrealismo, dadaísmo) preteridos por los totalitarismos y considerados «arte degenerado» por los regímenes tiránicos de uno y otro signo. COBRA, desde el significado primero de su nombre, se adscribió a una radicalidad directa y profunda: inconformismo estético, mas también inconformismo ético.
    Explícitamente rebelde, en su vida y en su obra (¿acaso cabe disociar ambas cosas, tratándose de un creador verdadero?), Lucebert representaba el vértice holandés de COBRA. Conocido y reconocido internacionalmente como uno de los poetas en neerlandés más representativos del siglo XX, fue distinguido por el rey Balduino como cumbre de la poesía flamenca. Casi adolescente, los ocupantes nazis lo habían condenado a trabajos forzados. Su presumible adscripción comunista pero, ante todo, la calidad de su escritura hacen que el mismísimo Bertolt Brecht lo invite a una estadía profesional y creativa en Berlín Este que, sin embargo, no se prolongó más allá de unos meses en 1956, precisamente el año de la prematura e inquietante muerte del genial dramaturgo. Era un rebelde y no parecía dispuesto a casarse con tirios ni con troyanos ni a creerse las mentiras ni las mistificaciones ni de troyanos ni de tirios.
    El año 1963 sabemos que hace su primer viaje a España. Curiosamente, la luz cegadora de la península cautiva ya de inicio a este poeta y pintor de lo lúgubre, lo bizarro y lo escabroso. Lo deslumbra la luz de España pero no debemos dejar de considerar que el nuestro es también el país de las pinturas negras, de Goya, de Valle y de Solana. Además, la cuestión no es el color, que abunda por cierto en la pintura de Lucebert, sino las pesadillas que éste puede enmascarar.

    En 1970, inaugura su casa-taller en las proximidades de Jávea (luz del amanecer en griego, punta más oriental de España), con el mar a la vista pero prudentemente alejado, tras un panorama de limoneros y naranjales.

    Lucebert cultivó una perdurable amistad con Antonio Saura, así como con Antonio Pérez, tanto en París como en España. De hecho, se rastrean rasgos compartidos entre ambos, esos préstamos artísticos que, espontáneamente, se producen entre creadores con afinidades sustantivas y profundas. Estos vínculos, junto con la gran sintonía que surgió entre Tony Lucebert (viuda del artista) y el presidente de FAP, explican la calidad y cantidad de los fondos Lucebert incorporados con carácter permanente a la sede central de la Fundación (varios óleos de gran formato y un numeroso conjunto de dibujos y grabados).

    En el imaginario de Lucebert predominan figuras de rostros espectrales, que se atomizan y desdibujan del blanco y negro a unos delirantes estallidos de color. El onirismo y un cierto automatismo, —«todo lo que se me ocurre lo pinto», llegó Lucebert a declarar— emparientan su praxis plástica con los postulados surrealistas. Sin embargo, estas pesadillas demasiado reales evocan una recreación personalísima del expresionismo, con reminiscencias goyescas y solanescas y una cierta afinidad con propuestas como la del francés Dubuffet.


    Fuente ABC

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  • 08/03/15--13:02: Leo Gestel




  • Leo Gestel (Woerden22 de noviembre de 1881 - Hilversum26 de noviembre de 1941) fue un pintor holandés, adscrito al expresionismo.

    Su padre, Willem Gestel, director de la Woerdense Avondteekenschool, le dio sus primeras lecciones de dibujo. También recibió lecciones de un tío en Eindhoven. Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes en Ámsterdam. Influido por el fauvismo y el cubismo, desarrolló la mayor parte de su obra en un estilo expresionista, influido por la escuela belga de Sint-Martens-Latem y Constante Permeke. Posteriormente evolucionó a una cierta abstracción. Afectado por problemas de estómago, murió tras una larga enfermedad.
    Wikimedia Foundation





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  • 08/04/15--14:01: David Hockney



  • David Hockney

    Bradford, 1937

    A pesar de que nunca ha querido ser etiquetado como artista pop, a David Hockney se lo considera uno de los pintores británicos más influyentes en la difusión de esta sensibilidad tanto en la propia Gran Bretaña como en el resto del mundo
    Interesado. en ser artista desde muy joven, Hockney empezó su formación en la Bradford School of Art en 1953 y en 1957 se trasladó a Londres para asistir al Royal College of Art. Allí conoció a Ronald B. Kitaj y sus obras abandonaron paulatinamente la abstracción de sus primeros años para comenzar a contar historias en muchas ocasiones inspiradas en poemas. Ya en esta época londinense fue capaz de tematizar por primera vez acerca de su homosexualidad, que se convirtió en uno de los principales asuntos de su obra posterior. Su estilo de estos años tenía reminiscencias del arte infantil y de la obra de Jean Dubuffet y PabloPicasso. Hacia 1962, año de su graduación, su obra ya era observada con interés por profesores y críticos de arte.
    Antes de instalarse en California a finales de 1963, Hockney visitó Nueva York, donde conoció a Andy Warhol. Sin embargo, el deseo de encontrar una sociedad desinhibida y entrar en contacto con el mundo alternativo californiano sobre el que había leído en las revistas, le impulsó a viajar a la costa oeste estadounidense. El estilo de vida de la costa oeste le cautivó y se dejó sentir en los temas de sus obras que en muchas ocasiones retrataban escenas de piscina con hombres mojados y bronceados por el constante sol de la región. El óleo dio paso a la pintura acrílica para conseguir superficies planas, anónimas y brillantes, y ya en este momento, la fotografía comenzó a tomar importancia, en principio como método de trabajo, para llegar a independizarse en los collages de fotos polaroid que realizó durante la década de 1980. Asimismo, Hockney ha mostrado un interés incesante por introducir las nuevas tecnologías en su obra, algo que continúa hasta la actualidad

    La. buena crítica de Hockney no se ha reducido únicamente a sus pinturas, sino que también se ha referido a sus habilidades como dibujante y grabador. Igualmente ha colaborado en la puesta en escena de numerosas producciones teatrales y de ópera, otra de las pasiones que arrastra desde la infancia
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 08/05/15--09:55: Henri Matisse

  • Henri Matisse  nació el 31 de diciembre de  1869 en la pequeña ciudad de Bohain.en. Vermandois en el norte de Francia. Su familia se dedicaba al negocio de semillas y Matisse de joven fue oficinista,  más tarde estudió derecho en  París.  Cuando empezó a ejercer como abogado en Saint-Quentin iba a clase de dibujo. Cuando cumplio 21 años se puso enfermo y mientras se recuperaba comenzó a pintar  y   así fue como confirmó su vocación de artista

    En 1891 se trasladó a Paris para estudiar en la Adademia Julian y en la Escuela de Bellas Artes. Pronto se influenció por la obra de Cezanne y Van Gogh que tambien vivían en París. A mediados de la década de  1890 expuso varias veces en grupo recibiendo una atención favorable. Viajó a Londres y en 1898 se casó con Amélie Parayre



    A principios del siglo XX recibió progresivamente la influencia de Seurat y Paul Signac. En 1904 celebró su primera exposición individual en al galería de Ambroise Vollard. A partir de ese fecha, debido a una visita a Saint-Tropez en el sur de Francia, empezó a pintar con colores brillantes. Expuso en el Salón de Otoño de 1905 en París donde no recibió muy buenas críticas.

    Despues de encontrar su propio estilo empezó a tener éxito. Viajó a Italia, Alemania, España y al norte de Africa buscando inspiración. Compró un gran estudio en un suburbio de Paris y firmó un contrato con la galería Bernheim-Jeune de París. Importantes coleccionistas como Gertrude Stein y el ruso Sergel I. Shchukin, compraron obras suyas


    A partir de  1917 empezó a pasar los inviernos en el Mediterraneo y en 1921 se fue a vivir a Niza en la Riviera francesa.

    A partir de una operación en 1941, tuvo que pasar bastante tiempo en cama, sin embargo continuó trabajando postrado en una cama en su estudio. Murió en  1954 en Niza. Se le recuerda como uno de los artistas más innovadores e influyentes del siglo XX

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  • 08/06/15--04:28: Article 0
  • Yan Pei-Ming






    Nací en  1960 en un templo de Shanghai, que fue demolido hace unos pocos años. Mi padre trabajaba en un matadero y mi madre en una fábrica. Eramos pobres, una familia sencilla pero razonablemente felices. En la escuela era conocido comoel mejor alumno de arte. La Revolución cultural estaba activapero no complicaba mi vida como estudiante en absoluto. Meencantaba pintar y ese era mi objetivo principal. En aquella época yo tenía que ir a clase de propaganda. Los que sabíamospintar bien eramos elegidos para dibujar cuadros de propaganda para la escuela. Yo era uno de ellos. Dibujé a gentecomo Mao Zedong y la guardia roja, era muy fácil. Era cuestiónde copiar y yo lo hacía muy  bien
     Siempre he tartamudeado desde que era un niño.Hablar no es mi fuerte y ​​prefiero la soledad. En el arte, he encontrado un lenguaje para expresarme correctamente. Yo siempre había querido ir a la escuela de arte. Cuando tenía 18 años, traté de entrar en la Academia de Arte y Diseño de Shanghai, pero fui rechazado debido a mi tartamudeo. Estaba decepcionado, pero no perdí la esperanza. Cuando las cosas se ponen difíciles, un hombre con una mente creativa puede encontrar una salida, si mantiene su energía para  sobrevivir. A esa edad, ya calculé que la vida de un artista podría soplar con viento a favor y lleno de baches mas tarde

     Yo tenía un tío que vivía en París. Así que me reuní con él
      en 1980 para comenzar de nuevo.  Quería ir a la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, pero me rechazaron  de nuevo. No sabía que hacer. Afortunadamente, mi tío, me encontró un trabajo en Dijon.  Era para lavar platos en un restaurante chino dirigido por una familia taiwanesa. A diferencia de los adinerados estudiantes chinos en Occidente hoy - cuyos padres son o bien los funcionarios del gobierno o empresarios ricos - Vine a Francia sin un centavo. Lavaba platos en el restaurante por la noche e  iba  a una escuela de francés durante el día. Tuve el placer de ser capaz de ganarme la vida y estudiar al mismo tiempo. Cuando mi francés mejoró, un año más tarde, tuve la oportunidad de salir de la cocina y me convertí en  camarero. También empecé a ir a la escuela de arte de Dijon, donde pasé cinco de los mejores años de mi vida. Los profesores  no nos enseñaban a  dibujar, pero nos guiaban a pensar en por qué queríamos hacer un cuadro y lo que tratamos de expresar. Fue un período en el que encontré y construí mi propia identidad.

    En 1987, empecé a hacer retratos de gran  tamaño ejecutados en  blanco, negro o rojo y. Un hombre que retraté  era el viejo Mao. Yo siempre lo he visto como un gran estadista y un gran hombre de letras .Antes de salir de China, Yo solía pintarlo con frecuencia, asli que continué  pintandolo  en  Francia.Pero había otra razón por la que elegí a  Mao. En ese momento, nadie en Francia sabía quien era  Yan Peiming pero todo el mundo conocía a  Mao Zedong. Así que  Mao fue  una especie de estrategia para pronocionarme a  mí mismo como pintor. La estrategia resultó  bien y la gente empezó a conocerme.En 1991, celebré mi primera exposición individual en el Centro Pompidou (París).

     Pinto en blanco y negro como una forma de mantener mi identidad como artista intacta. Todos los grandes pintores anteriores a mi  pintaban  en diferentes colores. Si yo hiciera lo mismo, siento como si estuviera bajo su influencia; Quiero evitar estar a su sombra. El blanco y negro es también un reflejo de mi lado pesimista. El mundo no es maravilloso. No tengo tiempo para pintar cosas bellas y felices.Yo prefiero  retratar el dolor y el sufrimiento,  es por eso que mi exposición, "Help!" (Que acaba de terminar en la Galerie Tadeo Ropac, en París), se inspira en acontecimientos como la guerra de Libia.

    Me dolía  que China  me hubiese  olvidado desde que fui rechazado por la escuela de arte de Shanghai. Pero tuve la oportunidad de volver en 2005, para mi primera exposición individual (en Shanghai). En el prólogo del catálogo de la exposición,  dije que quería ser el artista más reconocido e influyente en el mundo. Como artista, es necesario establecer un objetivo de motivarte a  ti mismo y llenar el vacío de la vida con algo. He ganado cierto reconocimiento desde entonces, pero no creo que haya  logrado un éxito todavía. De hecho, yo no sé lo que significa el éxito.



    Cuando ( el entonces presidente de Francia, Nicolas) Sarkozy visitó China en 2007, fui invitado a acompañarlo como artista. No había mucho que hacer durante todo el recorrido. Yo realmente no hablaba  con Sarkozy  ya qye estaba ocupado  con  la firma de acuerdos con China y eb hacer frente a los asuntos políticos. Lo mejor del viaje, sin embargo, fue que llegué a conocer al director del Museo del Louvre. Tuvimos una agradable charla en el vuelo a Beijing. Esto llevó a mi exposición "El entierro de Mona Lisa" en el Louvre en 2009. El último artista contemporáneo vivo que tuvo su obra se muestra en el Louvre fue Picasso.


    Ese año, también recibi la medalla de Caballero de la Legión de Honor. Fue un premio para reconocer mi contribución a la cultura y el arte en Francia. Pero creo que Francia me ha dado más de lo que he dado. Me dio todo para convertirse en un artista. Su arte, la literatura, la ciencia y el lenguaje han tenido mucha influencia en todo el mundo. Fue una suerte  que la academia de arte de Shanghai me rechazara. Si no lo hubiera sucedido eso, me habría quedado  en China y mis años más importantes habrían pasado sin pena ni gloria.

    My life: Chinese artist Yan Peiming

    The Franco-Chinese painter tells Shirley Lau that rejection turned out to be the best thing that could have happened to him

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  • 08/06/15--12:04: Mimmo Paladino

  • Domenico Paladino (n. en Paduli, cerca de Benevento, el 18 de diciembre de 1948) es un pintor y escultor italiano, uno de los principales exponentes de la transvanguardia, movimiento fundado por Achille Bonito Oliva en el año1980 que se caracteriza por un regreso a la pintura, después de las variadas corrientes conceptuales y minimalistasque se desarrollaron en los años setenta.
    Sus obras se encuentran expuestas de forma permanente en algunos de los principales museos internacionales entre ellos, el Museo Metropolitano de Arte y el Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, en el Instituto de Artes de Detroit, en la Tate y la Royal Academy de Londres, en el Museo de Arte Moderno Irlandés de Dublín, en el MACBA de Barcelona, el Kiasma de Helsinki, en el Palazzo delle Arti de Nápolesy el MOCA de Shanghái. Últimamente se ha realizado una mestra en Lima en la sala Luis Miró Quesasa Garland con 28 de sus obras.

      Información wikipedia

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  • 08/07/15--10:56: A. R. Penck

  • Penck es uno de los integrantes del movimiento artístico alemán de principios de los ochenta denominado los nuevos salvajes, junto a Georg Baselitz y Anselin Kiefer. Pintor, escultor y teórico, Penck ha creado con los modelos-standard una terminología y una propuesta individual en la que basa el desarrollo de su obra.

    El pintor alemán A. R. Penck, seudónimo de Ralf Winkler, se define básicamente como un autodidacto. Y éste no sería un dato excepcional en un pintor de nuestros días, de no ser porque Penck ha venido elaborando durante más de tres décadas una serie de teorías o ideas que ha manifestado por escrito en varios libros y publicaciones. "Soy autodidacto porque no tuve la oportunidad de estudiar", dice. "Vengo de un país que después de la II Guerra Mundial impuso una ideología comunista o socialista, y yo me formé en ella. Con respecto al arte conocía sólo la ESCAM de Gorki y el realismo socialista. Por eso quizá la teoría, o el pensamiento personal, se ordenan en mi mente de una determinada manera. Uno se pregunta qué es lo que realmente significa todo ese sistema de imágenes realistas. Desarollé ciertas ideas con respecto a eso, que en mi país fueron consideradas subversivas. Ésa fue una de las razones por las que, a la larga, en 1980, tuve que salir de allí y vivir en Occidente".Penck (1939), nacido en Dresde (República Democrática Alemana), pasó a Occidente con una obra de factura singular. Adopta un método de representación esquemática y se aleja del objeto que crea la ilusión de lo real. A partir de su experiencia, introspectiva, recrea un mundo complejo y lleno de signos que remiten a aspectos del comportamiento humano. Conoció a Georg Baselitz y otros artistas, como Markus Lüpertz y Anselm Kiefer, que fueron los que se hicieron conocidos en todo el mundo como los nuevos salvajes. Este movimiento, a favor de un arte representacional bajo un lenguaje expresionista, apareció como un arte ambiguo alejado de la verdad

    "Cuando yo llegué a Occidente no había lo que podría llamarse una pintura alemana, había mucha gente que se dedicaba al arte, pero había pocos o ningún artista. Había gente interesante en América, pero en Europa no".

    'Standard'

    "Adopto el concepto Standard para poder definir de nueva manera las operaciones realizadas con información visual, fruto de la actividad manual", escribe Penck. "Las señales de tráfico, las marcas de fábrica, los rótulos, son standards. Repito: lo que define un standard no es lo primitivo, sino el acceso operacional en lo concerniente a la percepción e imitación real (efectiva) de una imagen Standard'. "Lo que yo hago, sin embargo, no tiene ninguna relación con objetos reales", dice Penck. "Empecé a hacer escultura en los años sesenta con materiales que recogía en cualquier lugar, con papel de alumin ¡o, con yeso, y los llamo modelos-standard.Una amiga mía que hace muñecas de trapo me dio la idea de retomar esa técnica para hacer estas esculturas de formas improbables". Penck, autodidacto y voluble, admite que las personas que le rodean, sus amigos y sus mujeres, han tenido siempre una influencia sobre su trabajo, si empre cambiante.

    Fuente. EL PAIS

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  • 08/08/15--10:50: Enzo Cucchi


  • Enzo Cucchi- provincia de Ancona, 1949- es uno de los principales representantes del movimiento de la Transvanguardia italiana, junto con Sandro Chia, Francesco Clemente, Nicola de Maria y Mimmo Paladino. El grupo empezó a trabajar en un momento en que había desaparecido la obligación de optar por lo novedoso, en que el ritmo productivo de las economías había empezado a ralentizarse y el mundo se encontraba atenazado por una serie de crisis, incluida la llamada crisis del arte, que dejaron al descubierto el frenesí productivo de todos los sistemas ideológicos.
    Cucchi considera que la función del arte consiste en la posibilidad de derribar esa barrera, de abrirla a la descomposición vital de otras imágenes que, como cajas chinas, son dinámicas, impredecibles e inimaginables. El artista, debido a su naturaleza, debe empezar en un paisaje de ruinas; sólo ahí puede también crear un proyecto constructivo. Cucchi es de la opinión que el arte necesita una catástrofe previa para eliminar las estructuras preexistentes y reducirlas, en la cordialidad de los descubrimientos nocivos, para posteriormente manipular los elementos de una obra que luego se mueva con libertad entre la pintura y la escultura. La fuerza creativa no puede inventar algo a partir de la nada, pero sí unir humanamente elementos que antes estaban enfrentados

    guggenheim-bilbao

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  • 08/11/15--11:42: Martin Disler


  • Nacido en 1949 en Seewen  y muerto en  1996 en Ginebra,  Suiza, Disler pertenecía a esa generación calificada de neoexpresionistas   o neofauves que, tras los alemanes Georg Baselitz, Anselm Kiefer y AR Penck, habían dado  nueva vida  a los 80  lo que se llamó entonces el retorno de la pintura. Autodidacta, pronto abandonó los estudios iniciados en un internado católico, después trabajó brevemente como enfermero en un hospital psiquiátrico, experiencia que le afectó mucho. Conoce París y el ambiente de revuelta de 1968 y subrevive vendiendo, o cambiando por comida, sus poemas.  Vuelve a Suiza y comienza a dibujar y a pintar buscando un equilibrio interior y produce un conjunto de obras centradas en el ser humano, en el amor, la muerte y la desesperación. A continuación hizo una larga y turbulenta peregrinación p or Europa y los Estados Unidos. Rapidamente su pintura llena de intuición y violencia atrae el atención de la comunidad artística. Sus pinturas muestran un elevado ambiente de visiones obsesivas en las que la imágenes de sexo y sangre se mezclan con la muerte. 
    En 1981 pinta un cuadro monumental de 141 metros "Die Umgebung der Liebe" en el Kunstverein de Stuttgart. Participa en la Kunsthalle de Basilea, la Documenta VII de Kassel y expone en  el Stedelijk Museum de Amsterdam y en otros museos y galerias de todo el mundo. Falleció victima de un derrame cerebral


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  • 08/13/15--11:31: JÖRG IMMENDORFF

  • JÖRG IMMENDORFF

    Nacido en 1945 en Bleckede, Alemania, pintor, dibujante y escultor. Estudió en la Kunstakademie en Düsseldorf siendo discipulo de Joseph Beuys. Despues de hacer una serie de pinturas en 1966 cuyo motivo principal eran niños, adopto una palabra utilizada en el lenguaje infantil "Lidl" para performances y manifestaciones políticas en Düsseldorf y en otras ciudades desde  1968 hasta 1970- Estas actividades, que se hacían para ayudar a otros artistas, continuaron despues de que empezase a dar clases de arte en una escuela secundaria de Düsseldorf, donde permaneció como profesor hasta  1980.  


    Immendorff renovó su estilo despues de conocer a A. R. Penck en Berlín oriental en  1976. Escribieron un breve manifesto para colaborar y se volvieron a encontrar en  1977, cuando decidieron organizar exposiciones y actividades artísticas. Esta fue la época que Immendorff comenzó su serie  Café Deutschland, utilizando la imagen del interior de un bar como metáfora  del choque de ideologías   entre el este y el oeste. Despues de haber explorado su participación política y compromiso social a través de una didáctica iconográfica en forma de posters, comenzó con su nuevo lenguaje pictórico y realizó esculturas en madera y en bronce.Despues de trabajar como profesor temporalmente en Kunsthochschule en Hamburgo y en Werkkunstschule en Colonia fue nombrado profesor en Städelschule en Frankfurt. 

    Este artista, uno de los más versatiles y provocativos de la Alemania de posguerra, murió a los 61 años aquejado de esclerosis lateral múltiple y enfermedad de Lou Gehrig


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  • 08/14/15--11:37: Donald Judd

  • Donald Judd 1928 [- 1994]


    Escultor y crítico de arte americano. Nació en Excelsior Springs, Missuri. Estudio en la Art Students League de Nueva York y en en College of William and Mary en Williamsburg. Despues hizo un postgrado en filosofía e historia del arte en la Universidad de Columbia. Celebró su primera exposición en la Galería Panoras de Nueva York en 1957. Desde 1959 hasta 1965 fue editor colaborador de la revista Art Magazine y Art International. Comenzó como pintor de bajo relieves, alto relieves y obras exentas a principios de la déca de 1960. Sus primeras esculturas fueron principalmente de madera pero despues de su exposición en Green Gallery de Nueva York en 1963, que le dio fama, empezó a fabricar sus diseños en metal y metacrilato, a veces en colores


    Enlace Museo Reina Sofía

    http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/untitled-floor-sculpture-series-sin-titulo-serie-escultura-suelo

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