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  • 06/26/15--12:39: Reginald Marsh



  • Reginald Marsh
    París, 1898 - Dorset, 1954

    Reginald Marsh nació en París el 14 de marzo de 1898. En 1900, sus padres, artistas norteamericanos, se trasladaron a Nutley, Nueva Jersey, y posteriormente a New Rochelle, Nueva York. Marsh estudió Bellas Artes en la Universidad de Yale, donde dibujaba ilustraciones para la revista The Yale Record. Tras su graduación en 1920, trabajó como dibujante independiente en Nueva York. Entre 1922 y 1925, Marsh dibujaba temas urbanos y bosquejos de obras de teatro para el Daily News y diseñaba telones y decorados teatrales en Nueva York y Provincetown, MA. Se casó con la escultora Betty Burroughs en 1923. Su primera exposición individual se celebró en el Whitney Studio Club en 1924. En 1925, Marsh estaba empleado por el New Yorker, hacía trabajos independientes para las revistas Esquire, Fortune y Life, y realizó el primero de seis viajes a Europa. En 1927, se matriculó en la Art Students League para estudiar con Kenneth Hayes Miller, George Bridgeman, George Luks, Macque Maroger, Stanley William Hayter y Mahonri Young. Marsh estudió anatomía en el Colegio de Médicos y Cirujanos de Nueva York y posteriormente escribió Anatomy for Artists. El primer matrimonio de Marsh acabó en divorcio, y en 1934 se casó con la pintora Felicia Meyer. A mediados de los treinta, a Marsh le encargaron que realizara pinturas murales para el edificio de Correos de Washington, D.C., y la Aduana de Nueva York. Aunque pintaba y exponía con regularidad, Marsh aceptó el puesto de profesor en el Art Students League en 1942. En 1943, trabajó como corresponsal artístico de la revista Life en Brasil, Cuba y Trinidad. En 1946 Marsh fue profesor invitado del curso de verano del Mills College, Oakland, California, y en 1949 fue nombrado jefe del Departamento de Pintura del Moore Institute of Art, Science and Industry de Filadelfia. Marsh murió en Dorset, Vermont, el 3 de julio de 1954.

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  • 06/27/15--12:19: Paul Cadmus


  • Paul Cadmus 1904-1999 fue un artista norteamericano, conocido por sus pinturas y dibujos de hombres desnudos. Sus obras combinan elementos eróticos con crítica social, un estilo denominado realismo mágico. Pintaba con témpera y huevo una fórmula asociada a los iconos griegos. 


    En 1934, estando trabajando en el Proyecto de Arte de la WPA, pintó "The Fleet In!", un cuadaro que representaba marinos de juerga, con mujeres y una pareja homosexual, fue objeto de una protesta pública y fue retirado de la galería Cocoran. La publicidad que este hecho causó ayudó a lanzar su carrera.  Tambien trabajó como ilustrador industrial pero Jared French, otro artista, se convirtió en su amante y lo convenció que se dedicase por completo al arte.

    Jon Anderson, que fue su campañero durante 35 años figura en muchos de sus cuadros. 

    Cadmus murió en su casa de Weston, connectucut, a edad avanzada, estaba a punto de cumplir 95 años


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  • 06/28/15--12:22: Archibald Motley




  • Nació en Nueva Orleans y se crió en Chicago. Ya desde niño quiso ser artista y estudió arte en el Instituto de Chicago y en 1928 se convirtió en el segundo artista afroamericano en tener una exposición individual en la ciudad de Nueva York. En 1929 le concedieron una beca Guggenheim y se fue a París. Cuando volvió a Chicago en 1930, comenzó a pintar retratos y escenas de género de la comunidad afroamericana. Aunque no vivió nunca en Harlem lo identifican con el renacimiento de Harlem

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  • 06/29/15--13:44: Arthur Dove
  • centerport by arthur dove



    Canandaigua, 1880-Long Island, 1946
    Arthur Dove es considerado el primer artista norteamericano en crear obras abstractas. Estuvo vinculado a Alfred Stieglitz y al círculo de artistas que promovían la renovación artística en Estados Unidos
    Entre. 1903 y 1907 trabajó como ilustrador en diversas publicaciones periódicas como Century y Life. Viajó a París y el sur de Francia, se sintió atraído por el fauvismo y la obra de Paul Cézanne y conoció a algunos de los artistas americanos que residían en la capital francesa, como Patrick Henri Bruce o Max Weber. Tras su regreso a Nueva York, en 1909, conoció a Stieglitz, que se convertiría en su amigo y marchante y fue quien organizó en 1912 su primera exposición individual. La obra de Dove se expuso con frecuencia en las tres galerías que Stieglitz abrió de manera sucesiva en Nueva York durante esos años: 291, Intimate Gallery y An American Place
    En. 1911 se trasladó a Westport con el propósito de ganarse la vida como granjero e ilustrador. En 1921 se separó de su primera mujer y desde entonces vivió en diversas casas flotantes y barcos con la también pintora Helen Torr, hasta que en 1927, por motivos de salud, se vio obligado a reducir sus estancias en el barco a los meses de verano
    La. obra de Dove se caracterizó desde 1910 por la abstracción. En ella, formas de apariencia orgánica se interrelacionaban y se superponían creando composiciones que destacaban por su movimiento y su ritmo. Su evolución estilística haría que, con el tiempo, éstas se volvieran algo más pausadas y armónicas, con una mayor tendencia a la geometría y a la bidimensionalidad. Dove se interesó por diferentes medios pictóricos, entre los que destacó su dedicación al pastel a finales de la década de 1910. Entre 1921 y 1927 prácticamente abandonó la pintura para experimentar junto a su mujer Helen Torr la técnica del collage con objetos encontrados
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 06/30/15--13:19: Joe Jones







  • Nació en San Luis, Missouri, el 7 de Abril de 1909.
    Artista autodidacta, abandonó la escuela cuando contaba sólo quince años para comenzar a trabajar con su padre que era pintor de brocha gorda, trabajo que ejerció más de doce años.

    Comenzó a pintar en San Luis, ganando varios premios en sendos concursos a los que se presentó, gracias a lo que logró el encargo de pintar un mural para la emisora de radio KMOX y una exposición individual.
    En 1933 Elizabeth Green, junto a diez de sus clientes, fundaron el “Joe Jones Club”, que financió un viaje al artista a la colonia de pintores de Provincetown, en Massachusetts.


    Algunos críticos de arte han clasificado sus primeras obras como típicas del estilo Midwestern Regionalista, del que fue uno de los máximos exponentes Thomas Hart Benton, mientras que otros la encuadran en todo lo contrario, como “antiregionalista”.
    Durante un tiempo se dedicó a trabajar como ilustrador para algunas revistas; según Andrew Hemingway, historiador de arte, Jones fue influenciado por la pintura de los modernistas y cubistas.


    Tras su regreso a San Luis, instaló su residencia en una casa flotante.
    En agosto de 1935, Jones pintó una serie de murales en la Universidad Commonwealth en Mena, Arkansas .



    La obra que le dio más fama fue “Trigo”, que presentó en la II Bienal de Pintura Contemporánea de América, en el Museo Whitney, realizada en 1934 – 1935.
    En sus cuadros de esta época incluyó elementos revolucionarios; Jones escribió a Green, “no está pintado para desviar la atención a cualquier parte” a excepción de la lucha militante de la clase obrera, que contrasta con los artistas que creyeron en el Partido Comunista. En 1935, la revista Times, publicó una biografía sobre Jones, en la que se decía que el pintor había contribuido con una pintura al CiSixteen Cities Show, en el Museo de Arte Moderno. En ese momento, Jones se convirtió en un comunista.


    De vuelta a San Luis, promovió este tipo de pensamiento en sus clases de arte en el St. Louis Artists Guild. En respuesta, el director de Seguridad Pública de la ciudad lo expulsó de la institución.

    En 1936 viajó a Nueva York para asistir a un simposio organizado por los New Masses, en el que participaron, Louis Bunin (titiritero), Stuart Davis (Artista del Congreso Americano), Joseph Freeman (crítico literario y fundador de la New Masses ), William Gropper (pintor y dibujante), Jerome Klein (crítico del New York Post , y Roger Baldwin, presidente de los New Masses.
    Tras esto expondría de forma individual, por primera vez en la Galería de ACA y en la Galería Walker.
    En 1937, la revista Times, informó que el Metropolitan Museum de Nueva York, había adquirido uno de sus cuadros.
    En 1938, igualmente Times, sigue clasificando la pintura de Jones como “proletaria” .


    En 1943, durante el transcurso de la II Guerra mundial, Jones se alistó en el Departamento de Guerra de Estados Unidos en el programa de artistas de guerra; a pesar de su adscripción comunista, el presidente del programa, George Biddle le apoyó alegando que Jones estaba “dispuesto a jurar que Jones jamás perjudicaría los intereses del Gobierno estadounidense”; siendo asignado al Comando de Defensa Alaska, en Fort Richardson, en Anchorage.
    En 1951, ya de nuevo en Nueva York, las nuevas obras de Jones nos muestran imágenes delicadamente coloreadas, playas, ciudades y puertos, sin asomo de tristeza o ira en ellos. Ya contaba con 42 años, perdió todo interés por el comunismo y aparta de sus cuadros los temas de guerra de clases. En ella se interesaba por delicadas líneas y colores en tonos suaves, en contra de “la preocupación por la luz y la sombra que ha victimizado arte occidental desde el Renacimiento.”


    En aquel momento veía la pintura como espacio y no como objeto, buscó el humanismo no del sujeto, sino de la línea. En aquel tiempo trasladó su residencia a Morristown, en Nueva Jersey.
    Murió en abril de 1963, en Morristown, de un ataque cardíaco, contaba solo 54 años de edad.


    Re. trianarts



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  • 07/02/15--12:47: Joseph Stella





  • Joseph Stella nació en 1877 en un pequeño pueblo en las afueras de Nápoles, Italia. Emigró a los Estados Unidos cuando tenía 18 años. Llegó a la ciudad de Nueva York buscando el sueño americano, pero lo que creía cambió drasticamente despues de su llegada. Llego a Nueva York en 1896 y aceptó un trabajo como ilustrador para una revista. Primero fue enviado a Virginia para editar un accidente minero y despues visitó Pittsburgh y lo que vió le truncó la idea de su sueño americano. Dibujó a los obreros de las fábricas y las condiciones en las que vivían, en constante contacto con la muerte. Era la época  en que la inmigración era altísima y los trabajos disponibles eran mal pagados y con grandes riesgos. Cuando Stella mostró sus primeros trabajos  fueron considerados provocadores porque la gente no quería ver los errores de su estilo fe vida.  Está considerado como un artista que describe America y la emigración. Estaba obsesionado con el puente de Brooklyn, aparece repetidamente en su obra. Murió en Nueva York en 1946

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  • 07/03/15--12:25: Ellsworth Kelly

  • Ellsworth Kelly -pintor, grabador y escultor americano que ejerció una fuerte influencia en el arte  de su época. Alcanzó una aclamación de la crítica en los años 50 con sus grandes paneles, en gran parte monocromáticos. Fue uno de los primeros artistas en crear lienzos de forma irregular. Su estilo tuvo una fuerte influencia  en el desarrollo del minimalismo, en el hard-edge, color field y en el Arte Pop. 

    A través de su obra, el artista invita al espectador a una especie de encuentro silencioso.

    Nació en Newburgh, Nueva York,  en 1923. Estudió en el Pratt Institute, Brooklyn. Despues del servicio militar estudió en la Escuela del Museo de Arte Moderno  de Boston. En 1949 se fue a Francia y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de París. En Francia descubrió el románico, la arquitectura y el arte bizantino. Se intrudujo en el surrealismo y en el neo plasticismo, que le condujo a experimentar con la escritura automática y la abstracción geometrica.
    En 1950 conoció a Jean Arp y ese mismo año empezó a hacer relieves en madera y collages  con formas creadas al azar. Pronto comenzó a pintar en paneles separados  que podrían ser combinados para hacer composiciones alternativas. Durante esa década viajó mucho por Francia, donde conoció a Brancusi, Alexander Calder, Alberto Magnelly, Francis Picabia y Georges Vantongerloo, entre otros. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería Arnaud Lefebvre, París  1951

    Volvió a los Estados Unidos en 1954 y su primera exposición en Nueva York tuvo lugar en la galería Parsons, en  1956 y tres años despues  fue incluido en los 16 Americanos del Museo de Arte Moderno de Nueva York



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  • 07/06/15--11:02: Mel Ramos


  • Mel Ramos (Sacramento (California)1935) es un pintor estadounidense. Integrante del Arte pop norteamericano de los años 1960.
    Frente al grupo de Nueva York formado por Andy WarholRoy Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por Willem de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.
    Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en laGalería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.
    Actualmente vive en Horta de Sant Joan, en la provincia de Tarragona, donde también pasó muchos años de su vida Pablo Picasso, que tiene un museo dedicado a él en la localidad.
    Wikimedia Foundation

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  • 07/07/15--11:36: John Baldessari



  • Nacido en 1931 en National City, California. Se crió en una relativa soledad durante la gran depresión. Su madre, luterana, de ascendencia danesa, era enfermera y su padre, católico italiano trabajaba en la construcción, como recolector en el campo y recogía todo lo que encontraba, incluso colillas, pensando en como reciclarlas para hacer dinero. Desde joven, Baldessari montaba y desmontaba  aquellos materiales de su padre, preguntandose la utilidad de  aquellos objetos.  Estudió arte en San Diego State College.

    En los años 1960 comenzó a trabajar en  estilo gestual y despues empezó a introducir texto, rayas etc.  en imágenes que ya existían

    «Me encanta la idea de que, en un mundo en el que todo tiene un uso, sea posible hacer algo gratuito; y me encanta desconcertar un poco a la gente».

    A partir de  1970 trabajó con películas, vídeo, instalaciones, escultura y fotografía. Su obra se caracteriza por una conciencia del lenguaje, para lo cual utiliza juegos de palabras, una semántica basada en el estructuralismo de Claude Levi- Strauss y con la incorporación de material de la cultura popular


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  • 07/08/15--09:52: Richard Prince



  • I got a job in the tear-sheets department, ripping up magazines like People, Fortune, Sports Illustrated, and Time, and delivering the editorial pages.... I started looking at the ads very carefully.... So I began to use a camera to make fake photographs of the ads. By re-photographing a magazine page and then developing the film in a cheap lab, the photos came out very strange. They looked like they could be my photos, but they weren’t.—Richard Prince


    Richard Prince, nacido en 1949 en la Zona del Canal de Panamá (territorio controlado en aquella época por Estados Unidos, hoy en día parte de la República de Panamá) es un pintor y fotógrafo estadounidense. Su obra ha sido a menudo objeto de debate en el mundo del arte. Prince comenzó creando collages con fotografías en 1975. Su obra Untitled Cowboy (una refotografía, es decir, una fotografía de otra fotografía) fue la primera "fotografía" en alcanzar el precio de un millón de dólares en una subasta. Este hecho tuvo lugar en la sala de subastas Christie's de Nueva York en el año 2005.
    En 1977, Prince creó una controvertida refotografía a partir de cuatro fotografías que habían sido publicadas anteriormente en el diario New York Times. Esto suscitó una enorme discusión en el mundo artístico en relación a la autoría y autenticidad de las imágenes, así como los aspectos relacionados con los derechos de autor de las fotografías. Esta controversia tuvo su continuidad en 1983, cuando su obra Spiritual America mostró una fotografía del autor Garry Gross en la que aparecíaBrooke Shields con 10 años de edad, de pie en una bañera, como alusión a la precocidad sexual y a la fotografía homónima de Alfred Stieglitz. La exhibición de esta imagen llevó a la madre de Shields y al fotógrafo a una batalla judicial en relación al papel de voyeurismo en el mundo de la fotografía. Su serie Jokes (cuyo comienzo data de 1986) trata acerca de las fantasías y las frustraciones sexuales de la clase media estadounidense, mediante el uso del humor burlesco.
    Tras vivir en la ciudad de Nueva York durante 25 años, Prince se mudó al Norte del estado de Nueva York. Su minimuseo, Second House, fue comprado por el Museo Guggenheim, pero le cayó un rayo y se quemó después de haber estado abierto únicamente seis años (desde 2001 hasta 2007)

    Wikimedia Foundation

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  • 07/09/15--11:11: Jeff Koons


  • Jeff Koons (YorkPensilvania21 de enero de 1955) es un artista estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.
    Jeff Koons saltó a la fama a mediados de la década de los ochenta como miembro de una generación de artistas ocupada en explorar el significado del arte en una era saturada por los medios de comunicación y por la crisis de representación que ello conlleva. Movido por una declarada intención artística de "comunicarse con las masas", Koons se inspira en el lenguaje visual de la publicidad, el marketing y la industria del entretenimiento. Poniendo a prueba los límites entre alta y baja cultura, su colección escultórica incluye aspiradoras encerradas en contenedores de plexiglás, balones de baloncesto flotando en acuarios de cristal y homenajes en porcelana a Michael Jackson y la Pantera Rosa. Al prolongar el linaje de Dadá y Duchamp, y al integrar referencias al arte minimalista y pop, el artista confiere al arte un carácter de bien de consumo inclasificable dentro de la jerarquía de la estética convencional.

    Guggenheim Bilbao

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  • 07/10/15--11:39: Tony Cragg




  • La escultura contemporánea se caracteriza por un radical proceso renovador que se inicia a finales de los años cincuenta. Dicha renovación se lleva a cabo fundamentalmente a través de tres vías: la reconsideración de los materiales tradicionales y la inclusión de otros tomados de la vida cotidiana, la desfetichización del objeto escultórico y la entrada en juego de otros valores espaciales, de escala y de ocupación. Tony Cragg (Liverpool, 1949) participa en la renovación de la escultura desde las mencionadas tres vías y toma como referencia a los artistas Minimal, las manifestaciones del Arte Povera y el trabajo de Richard Long; puesto que en su opinión “en lugar de remitirse a formas previas, han creado un nuevo lenguaje de las formas, han logrado una reflexión motivada por los aspectos formales mismos”.
    Museo Reina Sofía
    Más información (pincha en el enlace)



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  • 07/11/15--11:57: Kara Walker



  • Artista estadounidense, nacida en  1969. Conocida principalmente por sus cuadros de gran tamaño de siluetas cortadas en papel negro que examinan tensiones raciales y de género en America. Sus obras abordan  la represión del poder, custiones raciales, violencia de género  y sexualidad. Nacida en  Stockton, California, se trasladó al sur a los trece años, cuando su padre artista, aceptó un puesto en la universidad estatal de Georgia. Se fueron a vivir a Stone Mountain, un suburbio de Atlanta.  Se centró en la pintura y en el grabado, graduandose en la Rhode island School of Design.  Fue incluída en en la exposicion bienal del Whitney Museum of American Art en Nueva York el mismo año de su graduacion. A  los 27 años le concedieron la beca "genius" de la fundacion John D and Catherine T MacArthur, hecho que lanzó una gran controversia pública sobre su trabajo.
     En 2002 fue elegida para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Sao Paulo en Brasil.

    Su obra se ha expuesto a nivel nacional e internacional y está incluida en las colecciones de los museos más importantes del mundo.  Actualmente vive en Nueva York donde es profesora de artes visuales en la universidad de Columbia



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  • 07/13/15--10:50: Aleksandr Ródchenko




  • Alexander Rodchenko (1891 – 1956)

    Pintor, escultor, fotografo y diseñador gráfico ruso. Uno de los fundadores del constructivismo. Uno de los artistas más versátiles que emergieron despues de la revolución rusa. Trabajó como pintor y diseñador gráfico antes de dedicarse a la fotografía. Fue ante todo un artista revolucionario, tanto politicamente como en la estetica. Teorico y educador, dio clases en Vkhutemas en Moscú. En 1921 fue uno de los que escribió en  manifiesto constructivista.

    Nació en St Petersburgo en el seno de una familia obrera, se trasladaron a Kazan en 1909 despues de la muerte de su padre. Estudió en  la Kazan School of Art con Nikolai Feshin y Georgil Medvedev como profesores, y en el  Instituto Stroganov de Moscú.  En 1921 se hizo miembro del grupo Productivista, que luchaban por incorporar el arte a la vida cotidiana. 

    Impresionado por el fotomontaje de los dadaistas alemanes comenzó a hacer experimentos en ese medio, primero utilizando imágenes que encontraba, pero a partir de 1924 comenzó a hacer sus propias fotografías
    Desde 1923 hasta 1928 colaboró con Mapyakoysky. Muchas de sus fotografías aparecieron en portadas de periodicos. Sus imágenes eliminaban detalles innecesarios, haciendo enfasis en una composicion diagonal dinámica

    En la década de 1930 se concentró en fotografía deportiva, imagenes de marchas y otros movimientos coreograficos. Se unió al círculo de Octubre en 1928 pero fue expulsado tres años despues acusado de formalista.
    En 1942 volvió a la pintura, realizando obras impresionistas abstractas

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  • 07/14/15--11:16: Kazimir Malévich




  • Kiev, 1878-San Petersburgo, 1935

    Kazimir Malévich fue el máximo representante del suprematismo, una de las principales corrientes defensoras de la abstracción geométrica en la Rusia del primer tercio del siglo XX que tenía como objetivo la búsqueda de «la supremacía de la sensibilidad pura» en el arte
    Asistió. a clases de pintura en Kiev y, desde 1904, en Moscú, donde en 1910 MijaílLariónov le invitó a participar en la exposición Sota de Diamantes y en 1912 participó en la formación de El Rabo de Burro. Durante estos años el arte de Malévich evolucionó desde una estética próxima al postimpresionismo hacia el cubismo y más tarde el futurismo
    En. 1915 fue expuesto su Cuadrado negro (Moscú, Galería Estatal Tretiakov) en la muestra 010. La última exposición futurista de pintura y con este motivo publicó Del cubismo y el futurismo al suprematismo, donde resumía su nueva teoría artística. Desde ese momento su arte se centró en la representación de figuras geométricas, entre las que predominaba el cuadrado, sobre un fondo blanco. Durante el año siguiente trabajó junto a otros artistas en la revista Supremus, pero antes de que se llegase a publicar fue llamado a filas. Poco a poco el proceso de reducción de elementos pictóricos en sus composiciones fue acentuándose hasta llegar a las series de Blanco sobre blanco de 1917-1918
    Tras. la Revolución de 1917, Malévich se convirtió en un activo miembro de los comités artísticos revolucionarios y participó en los actos de celebración del primer aniversario de la Revolución. En 1919 aceptó un puesto de profesor en la Escuela de Arte de Vitebsk que dirigía Marc Chagall y se hizo con la dirección del centro durante una ausencia de éste. Durante los años siguientes, Malévich se centró en la docencia, en sus escritos sobre arte y en la creación del grupo Unovis (Los Heraldos del Nuevo Arte). Tras ser cesado en Vitebsk en 1922, se estableció con algunos estudiantes en Petrogrado (hoy San Petersburgo), donde trabajó en el Museo de Cultura Artística, que a partir de 1923 se llamó Instituto de Cultura Artística (Injuk). El trabajo del instituto se expuso primero en Rusia y después en otros países como Alemania, donde visitó la Bauhaus.
    En torno a 1930 comenzó a tener problemas con las autoridades públicas soviéticas por sus contactos con artistas alemanes y fue arrestado, aunque recuperó la libertad poco después. Al final de su vida regresó a la figuración, si bien se supone que algunas de sus obras no figurativas de esta época fueron datadas en fechas anteriores por él mismo para eludir posibles problemas con la clase dirigente
    Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 07/15/15--12:08: Jasper Johns




  • Nació en Augusta en 1930.  Pasó su infancia en Allendale, Carolina del Sur, donde vivian sus abuelos paternos. Pasó un año con su madre en Columbia, Carolina del Sur y posteriormente, pasó varios años viviendo con su tía Gladys en Lake Murray. Completó sus estudios viviendo de nuevo con su madre. 
    A partir de 1947 estudió arte en la universidad de Carolina del Sur, la cual abandonó para estudiar en la Parsons School of Design en Nueva York. Fue reclutado para el ejército en 1951 y colocado en primer lugar en Fort Jackson, donde dirigió una galería de arte, y más tarde en Sendai, Japón
    En 1953 volvió a Nueva York, donde el y su colega Robert Rauschenberg diseñaban escaparates para los grandes almacenes. Durante esta época experimentó con el collage  y tambien comenzó a pintar la bandera americana que se convirtió en un sello distintivo de su obra. Siguió con cuadros de números  y metas. 
     Johns y Rauschenberg anunciaron el arte pop, un movimiento artístico que comenzó a mediados de la década de  1950, con obras que utilizaban objetos familiares en sorprendentes formas nuevas.  En reacción contra el expresionismo abstracto, el pop rendía homenaje a los medios de comunicación, la publicidad y los bienes de consumo. Los dos artistas colaboraron tambien con otros artistas como el compositor John Cage y el coreografo Merce Cunningham
    En 1957 el museo judío de Nueva York, incluyó una obra de Johns, en la exposición "segunda generación de artistas de la Escuela de Nueva York". Su primera exposición individual tuvo lugar en la galeria Leo Castelli de Nueva York. El Museo de Arte Moderno de Nueva York compró varias obras suyas.  Se incluyeron tres obras en la Bienal de Venecia y recibió el premio Marnegie. Al año siguiente expuso en Paris y Milán. Se interesó por la obra de Marcel Duchamp y comenzó a hacer escultura

    En 1960 comenzó a estudiar litografía. En 1966 un incendio destruyó su casa y estudio en Carolina del Sur. Un año más tarde se convirtió en asesor artístico de Merce Cunningham Dance company, puesto que conservó hasta  1978.
    A partir de 1972 su obra se volvió abstacta, hasta 1980 que cambió una vez más, llegando a ser auto-referencial y profundamente personal, incorporando artefactos, símbolos y recuerdos de su infancia. 

    En 1990, al cumplir sesenta años, comenzó a explorar nuevos temas, incorporando a su obra imágenes icópicas, elementos autobiográficos y referencias a cosas que le inspiraban


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  • 07/16/15--11:59: Sandro Chia

  • La piccola bugia






    Chia nació en  Florencia, Italia, en 1946. Estudió en  el Instituto de Arte en Florencia y más adelante en la Accademia delle Belle Arti. 

    Visitó la India, Turquía y la mayor parte de Europa antes de establecerse en Roma en  1970. Durante la década de 1970 su obra evolucionó de lo conceptural a un un nuevo estilo de lenguaje pictórico que llamó la atención a los críticos italianos y europeos

    En 1981 se trasladó a Monchengladbach, Alemania, con una beca. Pasó un año trabajando allí antes de trasladarse a Nueva York. Allí permanecio más de dos décadas, aunque viajando frecuentemente a Ronciglione y Montalcino

    Parte del grupo de Transvanguardia, expuso con ellos en los museos y galerías más importantes del mundo, aunque en una entrevista de 1984 declaró que el término transvanguardia no significaba nada

    Expuso en la bienales de Parìs y Sao Paulo y varias veces en la bienal de Venecia.

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  • 07/17/15--12:46: Vladímir Tatlin




  • Arquitecto y pintor ruso, fundador del Constructivismo, nacido en Moscú en 1885. Estudia pintura en Moscú en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura; y  despues en Penza College of Art, donde es puesto bajo vigilancia por sus actividades políticas. En 1908 se hace amigo de Larionov y en 1910 estudia pintura en Moscú. Entre 1911 y 1915 participa en las actividades artísticas del grupo en torno al estudio llamado Torre, junto a Goncharova, Larionov y Mayakovski, entre otros.

     Figura importante en el arte ruso de principios del siglo XX. Fue miembro  fundador del constructivismo ruso, una forma  de arte de vanguardia, descrito como escultura abstracta hecha de materiales industriales. Otros artistas rusos asociados con este movimiento fueron Naum Gabo, Antoine Pevsner, El Lissitzky, Liubov Popova y Alexander Rodchenko, así como el húngaro Laszlo Moholy Nagy. 

    Su obra más conocida es el modelo para el Monumento a la Tercera Internacional, que se convirtió en un símbolo del arte constructivista.  A  partir de ahí, a pesar de su compromiso con la nueva cultura sovietica, su contribución al arte moderno fue mínimo. Activo en artes aplicadas y diseño para el teatro, asi como la enseñanza y la administración, acabó su vida en la oscuridad. Lamentablemante solo unas pocas de sus construcciones han sobrevivido, aunque los mejores museos del mundo tienen réplicas de sus dibujos originales. sin embargo, ahora se clasifica junto a Malevich, Goncharova y Larionov como los artistas mas innovadores de su época, cuya influencia se notó en diferentes áreas


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  • 07/21/15--10:43: Max Weber




  • Bialystok, 1881-Great Neck, 1961




    Ruso de nacimiento, el pintor Max Weber emigró con su familia a los Estados Unidos en 1891. Estudió con Arthur Wesley Dow en el Pratt Institute de Brooklyn entre 1898 y 1900, y trabajó como profesor de dibujo en escuelas de Virginia y Minnesota. En 1905 viajó a París con el propósito de completar su formación artística. Acudió a la Académie Julian, estudió junto a Henri Matisse, conoció la obra de Pablo Picasso y entabló amistad con Henri Rousseau. Paralelamente se interesó por el arte de otras épocas en sus viajes a España, Italia y Países Bajos y se acercó a las expresiones artísticas de otros continentes
    En. 1909 regresó a Nueva York y entró en contacto con Alfred Stieglitz, en cuya galería, 291, Weber organizó una exposición de la obra del Aduanero Rousseau en 1910. Un año más tarde, Weber mostró en esa misma galería sus naturalezas muertas y desnudos, en los que la huella de sus años parisienses era evidente. Posteriormente, su estilo se caracterizó por un eclecticismo que combinaba elementos del cubismo y el futurismo con el color del fauvismo. En muchas de sus obras de este momento plasmó sus impresiones sobre la vida de la gran urbe contemporánea, con su movimiento, su ritmo y sus sonidos
    Desde. principios de la década de 1920 su pintura se volvió más introspectiva y se acercó a la tradición judía. En este momento también disminuyó su interés por investigar los caminos que le habían acercado a la abstracción y se centró de nuevo en el estudio de la figura humana. Sus últimas obras, a partir de la década de 1940, mostraban un mayor lirismo. Además, a lo largo de su trayectoria artística, experimentó con la escultura, el grabado y las artes gráficas
    Max. Weber fue uno de los pocos artistas norteamericanos de esta generación, pionera en el interés por el nuevo arte, que desarrolló por escrito sus ideas artísticas. Sus ensayos pudieron leerse en Camera Work, de Stieglitz, en 1910, y en susEssays on Art de 1916Asimismo,. publicó dos volúmenes de poesía: Cubist Poems, de 1914, y Primitives: Poems and Woodcuts, de 1926.
     Museo Thyssen-Bornemisza


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  • 07/22/15--12:08: Raphael Soyer






  • Borisoglebsk, 1899-Nueva York, 1987


    La obra pictórica de Raphael Soyer se inscribió dentro del realismo social que se fraguó en Estados Unidos, inspirado por las corrientes que habían surgido en México tras la Revolución de 1910
    De. origen ruso, Soyer emigró a Norteamérica en 1913. Tanto él, como su hermano gemelo Moses y el menor de la familia Isaac, se dedicaron a la pintura. Las vidas de Raphael y las de sus hermanos estuvieron muy relacionadas y juntos realizaron numerosos proyectos. Estudió en la Cooper Union, la National Academy of Design y la Educational Alliance Art School hasta 1922. En 1929 celebró su primera exposición individual en la Daniel Gallery de Nueva York, y su éxito fue tal, que desde entonces Soyer dedicó gran parte de su tiempo a pintar. A pesar de ello, entre 1933 y 1942 dio clases de manera intermitente en la Art Students League
    Soyer. se decantó desde el comienzo de su carrera por la figuración. Su estilo directo tuvo siempre como protagonista la vida de la ciudad de Nueva York. Sus primeros paisajes urbanos dieron paso a retratos de la clase trabajadora. Durante la década de 1920 se convirtió, junto a sus hermanos, en un miembro importante de la Fourteenth Street School, que aglutinó a artistas interesados por mostrar las desigualdades sociales. Paralelamente, trabajó junto a su hermano Moses en la Works Progress Administration. La crisis económica que sufrió Estados Unidos a partir de 1929 no hizo sino acentuar esta tendencia y en sus pinturas, acuarelas, litografías como en sus ilustraciones para libros, aparecieron los desempleados y seres marginados de la sociedad
    Asimismo. Raphael Soyer se interesó durante toda su vida por el género del retrato. Su familia y sus amigos del mundo artístico neoyorquino aparecieron en sus obras, a veces en solitario y otras en grupo. Él mismo se convirtió en el protagonista en sus más de cincuenta autorretratos
     Museo Thyssen-Bornemisza


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