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  • 12/03/14--11:57: Brigitte Szenczi



  • (Budapest, 1943)
    Brigitte Szenczi realiza estudios de dibujo y diseño de moda en París. Su pintura de tratamiento realista, se retrotrae a la mitología desde su aplicación al universo de las ensoñaciones y los recuerdos.
    Recurriendo a perspectivas forzadas y a la arquitectura fantástica, Szenczi recupera la visión romántica del paisaje, con una trama narrativa, en la que además de lo que sucede en el lienzo, se evoca un universo complementario de lo vivido, estableciendo en sus obras multitud de paralelismos y complicidades con el pintor Juan Antonio Mañas, con quien ha trabajado conjuntamente des de 1975.





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  • 12/04/14--11:54: Aquiles Laugé



  • Aquiles Laugé
    Aquiles Laugé nacido en Arzens en 1861 pasó toda su vida en el Aude, en especial en el pueblo de Cailhau, cerca de Limoux, excepto durante una estancia de ocho años en París. Allí estudió  Bellas Artes y en los talleres de Cabanel y Laurens, donde se une con Maillol y Bourdelle.en una  Investigación  sobre la sensibilidad de la luz.
    Expuso tres cuadros en en Salón de los Independientes en 1894.  Despues de la muerte de su padre se trasladó a Cailhau en la región  de Razes. Eligió una vida sencilla, le gustaba pintar en la naturaleza y se le veía a menudo vagando entre Cailhau y Lomoux arrastrando "su taller carro" con el que pintaba a veces al óleo y otras al pastel.

    Cansado de sus fracasos en el Salón, su última  pintura fue rechazada en 1908, exponía en los cmercios


    Laugé Aquiles murió en Cailhau 02 de junio 1944 .

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  • 12/06/14--12:58: Adolfo Lozano Sidro









  • Adolfo Lozano Sidro (1872-1935), nacido en Priego, estudió en Málaga con José Moreno Carbonero y se inició como pintor en Granada como miembro de la Cofradía del Avellano. Desde 1893 reside en Madrid y poco después comienza a trabajar como ilustrador en la revista “Blanco y Negro” y en otras publicaciones de la época. Se especializa en la temática costumbrista y realiza numerosos retratos. Ha sido considerado como uno de los más grandes ilustradores españoles del siglo XX.

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  • 12/07/14--11:42: Stipo Pranyko




  • Stipo Pranyko- Nacido en Jajce, Bosnia, artista autodidacta. Despues de vivir en Yugoslavia durante años se trasladó a Alemania, Italia y Francia. Desde 1990 hasta 2012 ha vivido en las Islas Canarias, en Lanzarote. Después de haber residido más de veinte años en Lanzarote, trasladó su residencia a Munich.


    En Lanzarote construyó su propia casa

    Casa Stipo Pranyko:
    “Una casa como una escultura, construida racionalmente y al mismo tiempo poética. Un conjunto de edificios, claro y luminoso, redondeces, formas amorfas, ventanas a través de las cuales la luz baja suavemente, por todas partes obras vivas y huellas del recuerdo de una larga vida. Y bajo tierra un laberinto que Stipo Pranyko ha cavado en la negra lava maciza con sus propias manos grandes y fuertes a lo largo de catorce años con interrupciones, hasta el agotamiento físico. Una escalera de Jacob sale de la cueva hacia el exterior.”

    Stipo Pranyko (Jajce, Bosnia, 1930) es un artista errante que pertenece a la nómina de la cultura desplazada yugoslava surgida después de la Segunda Guerra Mundial. He desarrollado su carrera artística en Rovinj (Istria), Galliate (Milán), Friburgo (Alemania), Chalampé (Alsacia) y Lanzarote (Islas Canarias) donde reside desde 1990. La exposición reúne unas 80 obras procedentes de Alemania, Francia y Lanzarote entre dibujos, objetos-piezas pictóricas, y un reducido número de esculturas en las que muestra su lenguaje de madurez, desarrollado entre 1975 y 2003.



    Stipo Pranyko (Jajce, Bosnia, 1930) inició su práctica artística en Rovinj, a mediados de los años cincuenta, vinculado a lenguajes convencionales, pero, a principios de los sesenta, comenzó a problematizar su obra, tras entrar en contacto con Fontana, Manzoni, Castellani y Bonalumi.


    En 1962, trasladó su residencia a Galliate, Milán, y allí mantuvo contactos con artistas vinculados al spazialismo y, en particular, con Piero Manzoni, que desde 1957 exponía sus acromos, incorporaba materiales diversos y creaba objetos singulares, alumbrando comportamientos que lo situaron como precursor del arte povera.


    En esos años, Stipo Pranyko se interesa por la superficie del cuadro manipulándola para conseguir romper la bidimensionalidad pictórica e introducir matices cromáticos por efecto de los movimientos del plano, y adopta la monocromía, que, con el paso del tiempo, se convertirá en una constante de su obra. En su mundo creativo cala tanto la proyección objetual y la dimensión arquitectónica de la práctica artística, como la referencia a materiales pobres o de deshecho, signo de identidad de su vocabulario a partir de los ochenta. Mientras tanto, a mediados de los setenta, cuando ya reside en Alemania, se adentra en la formulación específica de su poética. Produce obras constituidas por formas singulares y reiteradas que remiten al absurdo de la vida, refutan el ilusionismo del arte y van dando forma al imaginario personal.


    Sus formas creadas conforman un paisaje emocional intenso, relacionado quizá con el desplazamiento cultural y la lectura abstracta de la memoria personal, de los propios orígenes de la vida, hasta figurar un expresivo idioma del desplazado (el desplazamiento constituye una categoría central en el contexto de su obra). Conceptualmente se trata de una actitud sustentada en el principio del azar condicionado, al que Pranyko alude para aproximarse verbalmente su trabajo.


    En adelante Pranyko -que, en 1979, se traslada a vivir a Chalampé, Alsacia, donde permanecerá hasta que, en 1990, fije su residencia en Lanzarote- levantará su universo plástico, marcado por la adversidad y el escepticismo, también por la discontinuidad, al margen del circuito comercial de las galerías. Un universo extrañamente desgarrado, cohesionado en sus signos y figuras, en su idioma y en los conceptos y obsesiones que lo argumentan. Su voz se reconoce en la poética del arte povera, personalizada y leída desde el arraigo del arte en la propia vida -bien decantados, durante más de dos lustros, los reflejos de Manzoni y su mundo de aperturas-, como una suerte de dietario y huella de los días que se van viviendo, en la que no hay lugar para la mediación del esteticismo (antes al contrario, su proyecto es de raíz antiestética).


    El despojamiento y la austeridad de su obra remiten en ocasiones al arte minimal. En sus collages y objetos pictóricos, los materiales pobres (tela, arroz, papeles, celulosa, clavos, tubos de plástico, trapos, gasas, objetos encontrados) se reúnen y conviven, entre el organicismo natural y la racionalidad purista, apoyados en la monocromía blanca y en la tensión formal de los planos y las superficies pictóricas, Stipo Pranyko busca permanentemente a la tridimensionalidad y la expansión espacial, la ruptura del plano, que, a partir de los 90, se amplía mediante la búsqueda de la relación de la pieza pictórica con el espacio arquitectónico, a través de sus tangentes.
    Sus obras se conciben como el equipaje móvil del vagabundo, pertrechos de la impedimenta del nómada: son flexibles, transformables, susceptibles de acoger los roces y las heridas de la vida, incorporando el desgaste y el deterioro como una más de sus marcas existenciales y consustanciales. Así la categoría del tiempo resulta determinante en la obra de Pranyko, que la incorpora y lee a través de metáforas poéticas continuadas, en permanente diálogo con la vida: la muerte, la enfermedad, la desaparición, el envejecimiento, el dolor, el sacrificio, el abandono… conforman el clima poético de su universo creativo.


    En su obra en papel, los pliegues pasan a constituir un signo más de la composición. Los cuadros se enrollan o se pliegan para facilitar su transporte como un elemento más del ajuar básico de la vida. El material adquiere una espesa consistencia física y ética, en sus trazos, además de las señas de la biografía, resuena una memoria cultural antigua, y su consistencia y trabazón parece indicar que estamos ante una escritura o una cartografía vital más que frente a objetos artísticos. Papeles o cartón rasgados con las manos y pegados luego sobre una superficie plana o trazos de grafito arrebatados, muy gestuales y primarios en su agresividad y sencillez, configuran tropos de la herida, en los que el proceso creativo y la relación con el decurso de los días adquieren espesor físico y emocional.


    En la década de los noventa, Pranyko persiste en sus materiales pobres, en su lenguaje austero, abriéndolo a una confrontación más conceptual con el espacio arquitectónico, a través de sus tangentes, barras de metal o listones de madera conectados a sus objetos, a las piezas fijadas a la pared, que se adentran en el suelo de la sala invadiéndola físicamente, expandiendo el propio espacio pictórico u objetual, y acentúa el retorcimiento de sus telas, cargadas de dramatismo Pranyko, alejado del mundo del arte, inscrito en el silencio de su soledad y ya viajero inmóvil, continúa construyendo intermitentemente artefactos blancos, escribiendo relatos abstractos de vida difícil.

    información- Ciudad de la pintura

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  • 12/07/14--14:45: Fritz Bleyl




  • Fritz Bleyl (1880-1966)Nació en  Zwickau en 1880 y se crió en Wrzgebirge. Siguiendo los deseos de sus padres estudió arquitectura en la universidad de Dresde, pero su sueño era ser pintor. Conoció a Kirchner y se hicieron amigos. Los dos estudiaban la naturaleza y discutían sobre sus gustos artísticos. Despues de fundarse la asociación "Die Brucke" en 1905 Bleyl partició activamente con las proyectos expositivos del grupo. Se especializó en diseño gráfico y realizó un gran número de importantes posters. Cuando acabó sus estudios universitaros en 1905, empezó a dar clases en Freiberg y optó por una vida burguesa, se casó y abandonó el grupo "Brucke" en 1907. Continuó dando clases y trabajando como arquitecto viviendo en Rostock, Berlon y Bradenburgo. Continuó realizando su obra gráfica pero nunca expuso en público




    ARTE HISTORIA

    En 1905 cuatro jóvenes estudiantes que vivían en Dresde, Ernst Ludwig KirchnerErich HeckelKarl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl, formaron un grupo al que llamaron Die Brücke, "El Puente". Al año siguiente se les unieron otros dos, Emil Nolde y Max Pechstein.No está claro, como casi siempre, el origen del nombre, y los propios artistas han tenido cuidado en mantener una cómoda ambigüedad. "Nos preguntarnos durante mucho tiempo cómo podíamos aparecer. Una tarde... Schmidt-Rottluff dijo que podíamos llamarle El Puente, ya que era una palabra polisémica que no implicaría ningún programa, pero que en cierto modo llevaría de una orilla a otra. Para nosotros estaba claro de dónde teníamos que alejarnos, pero a dónde llegaríamos estaba más en el aire", decía Heckel. Lo que sí está claro son las resonancias nietzschianas de la palabra: "La grandeza del hombre es que es un puente y no un fin; lo amable del hombre es que es un paso y una caída", se lee en "Así habló Zaratustra".El Puente era un grupo abierto, sin dogmas políticos ni estéticos, abierto y destinado a los jóvenes, cuyo programa es más bien un manifiesto: "Con fe en el progreso y en una nueva generación de creadores y disfrutadores, convocamos a toda la juventud. Como jóvenes que somos, llevamos en nosotros el futuro y queremos inventar libertad de vida y movimiento, frente a las viejas fuerzas establecidas. Todo aquel que comunique con franqueza y autenticidad lo que le impulsa a la creación, es de los nuestros", proclamaban en el texto publicado con motivo de su exposición en Seifert, en 1906. Estas palabras introducen una novedad respecto a escritos anteriores. Se tiene en cuenta a los disfrutadores, a los destinatarios del arte. Hacen obras para alguien y quieren que esas obras les lleguen de verdad; por eso no se limitan a los canales habituales de exhibición y venta y buscan otros medios de promoción para liberar a los miembros del grupo de toda preocupación material. Con ese fin inventan en 1906 la figura de miembro honorario o pasivo, que por doce marcos anuales (veinticinco a partir de 1912) recibe un almanaque, un carnet de socio y una relación de las actividades, todo ello con grabados originales. En 1907 eran veintinueve y en 1910 sesenta y ocho.Otro de sus objetivos eran las exposiciones: "Queremos -escribía Schmidt-Rottluff a Nolde en 1906 tratando de atraerle - presentar exposiciones, lo que nosotros sentimos y cómo, sin hacer una selección de salón artístico". Y lo cumplieron, muchas de ellas eran itinerantes y dieron a conocer sus obras en distintos lugares de Alemania, no sólo en Dresde. En 1913, en el momento de la disolución del grupo, habían participado en unas setenta colectivas, sin contar las individuales. En noviembre de 1905 expusieron obra gráfica en Leipzig, en otoño de 1906 en Dresde, en una fábrica de lámparas, desde 1907 en la sala Richter y en 1910 en la galería Arnold.Iban contra la gente mayor bien acomodada, contra la burguesía como categoría moral, autosatisfecha y conservadora que, en la era guillermina, tenía como objetivo prioritario enriquecerse mucho y rápido, bajo una apariencia de altos ideales.No había en los primeros años entre los miembros de El Puente una voluntad personalista, de destacar sobre los otros (otra cosa sería más adelante, cuando Kirchner en su "Crónica" falseara la realidad para salir beneficiado). Al contrario. Estaban interesados por el trabajo en grupo y gran parte de las xilografías que conservamos son trabajos hechos por uno de ellos sobre un cuadro pintado por otro. Prueba de su apertura constituyen también las adhesiones de artistas -las que consiguieron y las que intentaron: Schmidt-Rottluff quiso atraer a Munch, y también hubo intentos con Matisse. Sí se acercaron E. Nolde en 1906 y M. Pechstein, quien a su vez atrajo a K. van Dongen, al que conoció en París en 1907;C. Amiet (1868-1961), de Suiza, colaboró en 1906, después de exponer en Dresde; A. Gallen-Kalléla (1865-1931), de Finlandia, en 1907; F. Nölken, en 1908, y también B. Kubista (1884-1918), un checo que haría una síntesis delexpresionismo y el cubismo.Ellos mismos eran un grupo de jóvenes, amigos sin una formación académica en bellas artes. Kirchner y Bleyl estudiaban arquitectura cuando, en 1901, empezaron a pintar y dibujar juntos. Schmidt-Rottluff y Heckel se conocían de Chemnitz: Heckel era hermano de un amigo de Kirchner. Los cuatro decidieron formar una especie de comunidad y el 7 de junio de 1905 iniciaron sus actividades como grupo.


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  • 12/08/14--11:46: MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA







  • MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA (Bergara, 1966), es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en las especialidades de Pintura y Escultura. Ha expuesto individualmente en salas institucionales como Sala Rekalde de Bilbao (Ni ez nain hemengoa en 2004), CAB. Centro de Arte Caja de Burgos (Baga biga higa en 2007) o Koldo Mitxelena Kulturunea de San Sebastián (Behar Gori Primavera Azul en 2008) y en destacadas muestras colectivas como la Muestra de Arte Joven(Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid 1994), Pintura Mutante (MARCO. Museo de Arte Contemporáneo, Vigo 2006) oPlanes futuros (Baluarte, Pamplona 2007). Ha participado en importantes ferias internacionales como ARCO (en la edición de 2006 con uno de los Dieciséis Proyectos de Arte Español comisariados por María de Corral), FRIEZE ART FAIR, ART BASEL MIAMI BEACH (en la edición de 2004 con el proyecto individual Orain, Berriz, Gulliver en el sector Art Positions) o CIGE. China International Gallery Exhibition (en 2008 con el proyecto individual El Bosque de Ozú / Ozú’s Forest). Ha obtenido, entre otros, el Primer Premio Generación 2000 de Caja Madrid, el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco en 2000, la Beca Endesa en 2001 y la Beca Altadis en 2005, y tiene obra en el Museo ARTIUM de Vitoria, la Colección Unión Fenosa de La Coruña, la Colección Arte Contemporáneo Museo Patio Herreriano de Valladolid, la Colección CAM de Valencia, la Colección Altadis, la Colección Caja Madrid, la Colección Kutxa, la Colección de Junta de Extremadura, la Colección de la Comunidad Autónoma de Murcia, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Colección Banco de España, la Colección L’Oreal, la Fundación Coca-Cola España o los Ayuntamientos de Pamplona y Vitoria.

    Información- galeria@espaciominimo


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  • 12/12/14--02:41: ANTIA SANCHEZ







  • Es licenciada en Bellas Artes, especialidad de pintura, en la Facultad de Pontevedra en 2004.
    Profesionalmente trabajó como ayudante de producción a los artistas en la Bienal de Pontevedra (julio 2004); coordinadora de recursos humanos en el Festival IFI (Festival Gallego de Nuevas Tendencias) de Pontevedra (mayo 2004); coordinadora de “precuelas y secuelas” actividad paralela al Festival IFI (noviembre y diciembre de 2003, enero y febrero de 2004); comisariada en el espacio A Pastora (Vigo, 2006); docente de pintura en centros sociales (2006); gestora y administradora de la sección de galería gráfica de ‘alg-a.com’; gestora y administradora de la sección de galería gráfica de ‘lechanelas.com’ y docente de dibujo y pintura en centros sociales de Vigo (Teis, Rivera Atienza, Coia) en el curso 2006-2007.
    Hizo los siguientes cursos:
    2004. Entorno max, impartido por Miguel Seoane, miembro del colectivo Ludd.
    2003. Curso de son, edición y creación de música electrónica con los programas ‘Buzz’ y ‘Cool Edit Pro’ impartido por el artista finlandés Teemu Raudaskoski.
    2002. Curso de ilustración impartido por el diseñador Isidro Ferrer.
    Tuvo una bolsa Erasmus a Kuopio (Finlandia) en el 2003 y una beca de paisaje organizada por la Fundación Mondariz Balneario (2004).
    Colaboró con el Grupo ‘Flexo’ de performance y Grupo de Teatro ‘Chévere’ en la “Casa Tomada” (Plaza de Cervantes, Santiago de Compostela, 2000); hizo el dibujo de la portada del CD “Sono” de ‘O fillo pausado’ (2001); realizó la instalación para el Salón del Libro Infantil y Juvenil de Pontevedra en el Palacio de la Cultura (2002); hizo la pintura de portada y maquetación del CD “Pihlaja” del grupo finlandés “Pihlaja” (2003); coordinó y participó en el primer fancine hispano-finlandés “Perquele” (2004); participó en la performance colectiva “Camel-arte” dirigido por ‘La Fura dels Baus’; fue miembro activo del colectivo ‘alg-a’; hizo una exposición de libro de artista y una Zoo-audio-performance con Isaac Cordal en ‘alg-a.com’; colaboró con una interpretación en la performance “Census” del grupo Ludd en la Sala Nasa (2006), fue miembro activo del colectivo alg-a: Diseñadora para los artistas del Net-Label de alg-label.com, administradora del blog ‘apastora.com’, blog experimental del espacio físico de producción artística ‘A Pastora’ (Vigo) y galerista digital para ‘alg-a.org’ y ‘lechanelas.com’.



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  • 12/14/14--01:59: FELICES FIESTAS
  • Gifs Animados Navidad (107)Queridos amigas y amigos, "un biquiño" y buenos deseos para todos
    Gifs Animados Navidad (106)Huyo para evitar este trago de felicidad forzada y espero veros el próximo año

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  • 01/07/15--04:39: Rafael Berenguer Coloma




  • Rafael Berenguer Coloma, Valencia, 18 de febrero de 1890 - Paterna, 29 de abril de 1940, fue un pintor y crítico de arte valenciano.
    Rafael Berenguer Coloma, único hijo del matrimonio formado por Rafael Berenguer Castillo y Luisa Coloma Salavert, nace en el distrito de San Vicente, calle Palomar nº 6, 2º piso, en el popular barrio del Carmen. A los pocos meses, el 24 de julio de 1890, fallece su padre, en Paterna, con tan solo 30 años. Casi cincuenta años después se reunieron en el mismo nicho.
    Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, donde fue discípulo de José Benlliure. Cultivó preferentemente el paisaje, la pintura de género, el retrato y mostró gran predilección por los temas religiosos. Participó en la Exposición Regional Valenciana de 1909, siendo premiado en los Juegos florales de 1925, por un retrato al óleo de Martínez Aloy, hoy, en paradero desconocido. Un año más tarde, su cuadro Cuevas del Parro, es galardonado por el Círculo de Bellas Artes. Es de destacar la exposición realizada en los salones del Ateneo Mercantil Valenciano en 1932, junto a María Labrandero y Luis Díaz Foxá.
    Profesor de dibujo en diferentes centros de enseñanza, fue compañero de Manuel González Martí1 y del Marqués de Lozoya2 en el Instituto Luis Vives. Fue bibliotecario, tesorero del Círculo de Bellas Artes y miembro de la asociación de la Juventud Artística Valenciana. Colaboró como crítico de arte en el Diario de Valencia, y fue corresponsal de la revista valenciana Semana Gráfica y de la madrileña Gaceta de las Bellas Artes, en la que se ocupaba de la sección Notas de arte valenciano.

    Wikimedia Foundation

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  • 01/08/15--15:32: SIMÓ BUSOM


  • panticosa by simón busom grau
    bodegón by simón busom grau
    carrer pelai, barcelona by simón busom grau
    Simó Busom nació en Barcelona el 11 de junio de 1927. A los 14 años tuvo su primer contacto con la pintura, en la Academia Baixas, donde aprendió dibujo lineal y artístico. Poco antes de ir a hacer el servicio militar, Busom se lanzó a hacer acuarelas. Una vez terminado el servicio militar empezó a pintar y exponer con los miembros de la Agrupación de Acuarelistas de Cataluña. En 1954 consiguió un accésit al premio Moncada de pintura, así como una mención Honorífica en la convocatoria que había organizado el Ayuntamiento de Barcelona en el Palau de la Virreina para nuevos artistas.
    Durante aquellos años, Busom, que intentaba combinar el impresionismo con el dramatismo de la pintura castellana que entonces se llevaba, ensayó el constructivismo y se acercó al cubismo. Participó en varios Salones de octubre de las Laietanes y el museo de Arte Moderno en el Parque de la Ciutadella y expuso en el Ateneo Barcelonés y en la Sala Jaimes. En los años 60 dejó el constructivisne y el post-cubismo para volver a la figuración como elemento básico de expresión.

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  • 01/09/15--12:25: RAFAEL LLIMONA


  • Barcelona, 1896 – Barcelona, 1957

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    Pintor. hijo de Josep Llimona. Comenzó estudios de arquitectura. Fue discípulo de Francis a.Galí. Se fue a París, Bélgica e Italia y, tras una estancia en París, comenzó su vocación pictórica (1922), tras observar a los impresionistas. Centrándose en el paisaje — especialmente de Olot y Horta (Barcelona) — la figura — especialmente mujeres —, interiores  y bodegones. Celebró  varias exposiciones individuales y en grupo en Sala Parés de Barcelona y Madrid. Tiene obra en museos de arte moderno en colecciones de Madrid, Barcelona  en Bilbao y América Latina. Premio extraordinario de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Barcelona 

    Gran Enciclopèdia Catalana



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  • 01/09/15--13:36: RAMÓN MOSCARDÓ






  • Ramón Moscardó (Barcelona, 1953) estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes Sant Jordi y en la Escuela Llotja de Artes y Oficios de Barcelona. En 1971 recibe el Primer Premio en el concurso de Pintores Jóvenes convocado por la Sala Parés, donde expone regularmente desde 1978. El propio artista se describe como un pintor “de pueblos y de gente”. En sus paisajes urbanos, interiores y ambientes diversos, despliega al máximo su capacidad intuitiva y su agudo sentido de la captación del entorno. Sus cuadros retratan escenas de la vida cotidiana: bares y terrazas llenos de gente, rincones del Barrio Gótico, calles con transeúntes y playas nocturnas. Su pintura, a base de ágiles trazos y manchas de color, nos ofrece visiones renovadas de la realidad. Pintor, ilustrador y grabador, Ramón Moscardó ha expuesto su obra en Los Ángeles, Florida, México y numerosas ciudades europeas.


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  • 01/10/15--04:21: Brooke Alfaro

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    Brooke Alfaro (1949-), panameño.

    Reservado, pero no tímido, intelectual, sensible, un hombre feliz, amante de la naturaleza, que se siente bendecido con su arte, su familia, los videos que realiza sobre El Chorrillo, así nos pareció el pintor y cineasta Brooke Alfaro, a quien entrevistamos en su residencia, su santuario, en Clayton, donde se respira arte por doquier.
    Recién había estado jugando con su hijo Paulo en el colegio de éste. Dos veces a la semana suelen haber estos encuentros entre padres e hijos.
    A los 29 años cambió la arquitectura por la pintura. Si no hubiese sido lo uno o lo otro habría sido arqueólogo.
    "Soy un arquitecto convertido en pintor. Si hubiera empezado antes me hubiera ido mejor. Si desde joven me hubiera ido a estudiar pintura, como estudié a los 29 años...", expresó.
    "Siempre tuve interés por el dibujo, me gustaba rayar, el color, me gustaba todo lo manual, todo lo que tuviera que ver con la creatividad", agregó.
    Su padre no compartía ese afecto por la pintura. Para complacerlo decidió ir a estudiar Arquitectura, en Washington, Estados Unidos, luego en la Universidad de Los Andes, en Bogotá y terminó en Panamá.
    Arquitecto por tres años.
    Un día quiso tener una exhibición. "Quería colgar mis cuadros, verlos en paredes. Empecé a trabajar. Hice la exhibición. Me di cuenta de que eso me traía mucha satisfacción y veía las posibilidades de crear en ese campo y decidí estudiar pintura, convertirme en pintor", recuerda.
    Fue a estudiar tres años en Nueva York en la escuela que mejor se acomodó a lo que él quería.
    Regresó a Panamá. Empezó a pintar "y poco a poco fui descubriendo ese mundo que rodearía todo lo que es el contenido de la temática. Porque no es hasta que uno realmente pinta con mucha constancia que uno puede dar con un lenguaje personal".
    Ahora está en una etapa de pintura que la considera como un paso a donde quiere llegar, a la excelencia.
    "Ese paso creo que es largo. Pero creo que tú llegas si eres perseverante, si eres disciplinado, si estás viendo, leyendo, actualizándote, nutriéndote de estudios de arte, leyendo, teniendo interacción con el mundo vas adquiriendo ese lenguaje".

    Inicio
    Sábado 10 de Enero de 2015

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  • 01/11/15--13:17: Alberto Magnelli




  • Alberto Magnelli nació en  1881,  en Florencia. Artista autodidacta, admirador de artistas del renacimiento como   Andrea del Castagno, Paolo Uccello,  y Piero della Francesca. Especialmente interesado en pinturas al fresco, cuya influencia se puede observar en sus collages y  dibujos. En 1911  el fundador del futurismo , Filippo Tommaso Marinetti, le invitó a unirse al movimiento pero Magnelli no aceptó.  Expuso con el grupo, siguió el movimiento de la abtracción, aunque inluyó algunos elementos futuristas. 
    Al principio de su carrera artística viajó a París para visitar algunos artistas amigos; en 1914 compró obras de Picasso, Gris, Carrá y Archipenko para su tío, el coleccionista Alessandro Magnelli.  En esta época su obra era principalmente figurativa. Sus primeras obras abstractas aparecieron durante el invierno de 1914-15. Hizo unas series que  tituló "obras inventadas", que se caracterizaban por colores fuertes y dibujos elipticos.  En 1916 cumplió el servicio militar y al acabar experimentó con figuración geométrica. Estas obras celebraban el fin de la guerra integrando colores fauvistas y el dinamismo futurista uniendolo a la armadura del cubismo. Viajó a  Alemania, Suiza, Francia y Austria, para finalmente quedarse en París en 1930.  Un viaje que hizo a Carrara, aquellos grandes bloques de mármol, le inspiraron las series "piedras".
    Durante las segunda guerra mundial vivió en Grasse, Francia, en compañia de otros artistas como Delaunay y Jean Arp. Al principio de 1936 creó collages geométricos. Durante esta época tambien partició en actividades con el grupo de abstracción creativa, con Kandinsky, Mondrian y Arp. Volvió a París en 1944 y pronto comenzó a hacer obras geométicas. En 1959 se trasladó a Meudon, Francia, donde murió en  1971.
    Su primera exposición en Los Estados Unidos tuvo lugar en la Galería Nierendprf. Nueva York, en  1937, despues celebró numerosas exhibiciones, incluyendo la del Palais des beaux-arts, Bruselas, Kunsthaus, Zurich, Palazzo Strozzi, Florencia, Musée d´art moderne de la Ville de Paris, Centre George Pompidou, etc
    Información obtenida del Museo guggenheim  .



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  • 01/12/15--15:10: Article 5


  • Olga Sacharoff[Tiflis, Georgia, 1879 - Barcelona, España 1967]
    Artista nacida en Georgia, se traslada a Munich en 1910, donde entra en contacto con el expresionismo alemán. Al año siguiente viaja a París, acusando la influencia del cubismo. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Olga Sacharoff viaja a España, y primero reside en Mallorca, y luego se establece en Barcelona.

    En la ciudad condal colabora en la revista de Francis Picabia“391”, que se editó en Barcelona y que se considera portavoz del dadaísmo. A partir de esos años, Olga Sacharoff deja atrás sus modos más vanguardistas y se sumerge en la estética del “noucentisme”.

    Contrae matrimonio con el fotógrafo Otho Lloyd. En su trabajo, las notas surrealistas de los comienzos se suman a un tono ingenuo, derivando después a un lenguaje figurativo muy esquemático y colorista, definido por los temas populares y festivos y un tipo de composición marcada por la presencia de numerosos personajes en el cuadro. A partir de la década de los cuarenta su producción se vuelve más decorativa y repetitiva, en respuesta a la demanda, cobrando un mayor impulso en el género del retrato

    9ymas.com/artistas-exposicion-creadoras

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  • 01/13/15--12:31: Eero Järnefelt


  • Eero Järnefelt

    Vyborg 1863 - Helsinki 1937, Finlandia

    Nació en Vyborg en 1863. En 1870 su familia se trasladó en Helsinki. Estudió en la escuela de dibujo Finnish Art Society y a partir de 1883 en la Real Academia de Bellas Artes de St Petersburgo. En 1886 se trasladó a París para estudiar en la Academia Julian. En la década de 1880 pasó mucho tiempo en París con Akseli Gallen-Kallela unidos por su entidad nacional y el deseo de crear un arte original finlandés.  En 1894 Jarnefelt viajó a Italia para estudiar el arte del renacimiento.
    Jarnefelt estuvo influenciado tanto por sus estudios en St Petersburgo como por el fuerte idealismo de su familia. Su casa se convirtió en un punto de encuentro para jovenes intelectuales. "la escuela Jarnefelt" como así se llamó al círculo, incluía a pintores y escritores. Discutían sobre literatura rusa y escandinava y arte.
    En 1892 viajó a Koli por primera vez. Ese mismo año Kallela y Jean Sibelius hicieros sus primeros viajes a Karelia. Para Jarnefelt, las montañas de Koli si convirtieron un lugar de peregrinaje para sus propositos artísticos.
    En 1901 Tuusula, el lugar donde vivía Jarnefelt y su familia estaba completo, Juhani Aho, Pekka Halonen y Sibelius vivía alli tambien. Jarnefelt trabajó desde 1902 hasta 1928 como profesor de arte en la Universidad de Helsinki

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  • 01/14/15--14:47: Emilio Tadini


  • Aunque se le conoce, sobre todo, como pintor, Tadini fue un hombre polifacético, critico de arte, escritor, ensayista, novelista, poeta y periodista. Un intelectual comprometido


    Nació en Milán en 1927. Despues de doctorarse en Humanidades, se convierte en uno de los miembros más activos de la postguerra cultural. Realiza su primera exposición en 1961 en Venecia. Organiza exposiciones de sus obras en París, Estocolmo, Bruselas, Londres, Amberes, Estados Unidos y America del Sur. En 1978 y en 1982 fue invitado a la Bienal de Venecia. En 1986 expuso en la Rotonda di Via Besana de Milán, en 1990 en el Studio Marconi y en 1992 en la Galería du Centre en París. En 2331 el Palacio Real de Milán le dedica una gran retrospectiva. Murió en Milán en 2002.

    Umberto Eco lo definió como: "Un escritor que pinta, un pintor que escribe"


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  • 01/15/15--04:27: Thilo Heinzmann




  • Artista alemán, nacido en  1969- Estudió en Staatliche Hochschule für Bildende Künste, Frankfurt.
    Vive  y trabaja en Berlin. Su obra se encuentra en importantes museos, como en la Tate Gallery de Londres, en el IVAM de Valencia, en el Museo de Arte Moderno de Oklahoma, etc


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  • 01/15/15--13:42: Guido Cadorin
  • il palco alla fenice by guido cadorin


    Nació  en 1892 en Venecia. Un año despues de su nacimiento, su familia  se trasladó a la Fundación Briati, donde su padre que era tallista y ebanista, tenía un taller, lo que le permitió un contacto continuo con el arte. Ya, con el conocimiento de algunas técnicas artisticas, se matriculó en la escuela "Marco Polo" y en el mismo año asistió a la Escuela de desnudo. Frecuentaba el estudio de Mariano Fortuny, donde adquirió conocimientos de arte oriental, especialmente japonés y adquirió un buen gusto personal para las telas de decoración, muebles, vidrio, mosaicos y estucos. Alrededor de 1905 se hizo amigo de Marussig y Amedeo Modigliani. La entrada en la Escuela de Laurenti, en 1907, marcó una fecha clave en su carrera, al año siguiente expuso en Ca Pesaro. En 1910 viajó  a Florencia con Gino Rossi y ese mismo año recibió el encargo para realizar una serie de frescos en la iglesia de la Visitación en San Vito al Tagliamento. En 1911 fue uno de los artistas italianos invitados a exponer en Villa Giulia, donde conoció a Klimt. A su regreso a Venecia, recibió una carta de Marinetti invitandolo a unirse al futurismo, pero se negó. En 1913 la Secesión de Roma lo invitó a exponer. Participó en la Bienal de Venecia de 1922.  Una exposición colectiva en la galería Vittorio Pica Pesaro en Milan en 1923 le abrió las puertas del mercado de Milán, en la que se da a conocer con muebles lacados de vidrio veneciano, cerámicas y pinturas. Estuvo muy activo hasta su muerte, en Venecia, en 1970

    Si te interesa ver toda la información, pincha en el enlace
    http://www.treccani.it/enciclopedia/guido-cadorin_%28Dizionario-Biografico%29/

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  • 01/16/15--14:34: Frederick Carl Frieseke


  • Frederick Carl Frieseke, hijo del propietario de una fábrica de ladrillos, nació en Owosso, Michigan, el 7 de abril de 1874. En 1881, tras la muerte de su madre, la familia se trasladó a Florida, no regresando a Michigan hasta 1892. Estudió periodicamente en el Art Institute of Chicago hasta 1896 -recibiendo formación de John Vanderpoel y Frederick Warren Freer- y en la Art Students League de Nueva York entre 1896 y 1897

    En. 1898, Frieseke viajó a Francia, donde permanecería -excepto breves visitas a los Estados Unidos-, hasta el fin de su vida. Allí estudió en la Académie Julian con Jean-Joseph-Benjamin Constant y Jean-Paul Laurens. Mientras duró su estancia en París, Frieseke se vio influenciado por Whistler, aunque posiblemente no estudió con él, en la Académie Carmen, más allá de una semana. Rodman Wanamaker se convirtió en su mecenas, de quien recibió el encargo de realizar decoraciones murales para sus grandes almacenes de Nueva York en 1904. En 1906 se instalaron los murales realizados también por el artista para el Shelbourne Hotel, Atlantic City, NJ
    En. torno a 1900 Frieseke comenzó sus estancias estivales en Giverny, pasando los inviernos en París; en 1906 alquiló una casa adyacente a la de Monet. Hacia 1901 comenzó a exponer en la Société National des Beaux-Arts. En la Universal Exhibition de San Luis consiguió una medalla de plata, y una medalla de oro en la exposición internacional de Múnich, en 1904; ese mismo año el Musée du Luxembourg, París, adquirió Frente al espejo. Diecisiete pinturas suyas figuraron, asimismo, en la Bienal de Venecia de 1909
    En. 1910 Frieseke expuso con el Giverny Group en la Madison Art Gallery, Nueva York; dos años más tarde celebró la primera de sus numerosas exposiciones individuales en la Macbeth Gallery. Frieseke fue nombrado miembro asociado de la National Academy of Design en 1912 y académico en 1914. En 1912 viajó a Córcega, donde realizó estudios en plein air, pero juró no volver jamás debido a los constantes vientos de la isla. La Pennsylvania Academy of Fine Arts le concedió una medalla de oro, y en 1915 ganó el gran premio en la Panama-Pacific International Exposition de San Francisco. En 1912 fue nombrado caballero de la Legión de Honor francesa. Frieseke se trasladó a Mesnil-sur-Blangy, Normandía, en 1922, y pese a su intención de regresar a su tierra natal, murió en su granja en Normandía el 28 de agosto de 1939
    Kenneth. W. Maddox Museo Thyssen-Bornemisza

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