Bruno Ceccobelli

November 14, 2014, 12:34 pm

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Bruno Ceccobelli nació en Monte Castello di Vibio (Todi) 2 de septiembre de 1952. 

Su pintura oscila entre la abstracción y la figuración, empujada por una gran creatividad que le lleva a utilizar el azufre y la cera para encontrar nuevos colores. En los últimos años, también experimenta en el terreno de la escultura. 

Los artistas integrantes de la Nueva Generación romana rechazaron ser considerados como grupo, pero su búsqueda de la naturaleza misma de la pintura les unió. Su comportamiento era diferente al defendido por artistas anteriores, aliados con ideologías políticas. Intentaron reapropiarse del dibujo y de la pintura, con un proyecto de transformación total, heredado de Sandro Chia y Francesco Clemente, los artífices del neoexpresionismo en Italia, que activaron el uso del dibujo como fuerza complementaria al color.

Los integrantes de la Nueva generación experimentaron y manipularon los medios tradicionales y su regreso a la figuración fue interpretado como una reacción a la producción intelectualizada de arte abstracto. La Nueva Generación romana se inclinó por desarrollar un lenguaje más poético.

Información EL PAIS

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Begoña Egurbide

November 15, 2014, 11:53 am

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Begoña Egurbide. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, hace los cursos de doctorado en la facultad de Filología y en 1986 se inicia en el mundo de la pintura. Sus primeras obras investigan la relación entre sonido, texto e imagen.

Recibe el segundo premio de pintura de La Bienal de La Caixa de Barcelona (1990) y el primer premio de la Bienal de Girona y la Generalitat de Catalunya (1991). A partir de 1993, introduce la fotografía, el video y las herramientas digitales en su obra y se interesa por el acceso a la memoria, la construcción de la conciencia, y la inestabilidad de las emociones. Desde el año 2000, becada por la Generalitat de Catalunya y por la Fundación Arte y Derecho trabaja en el proyecto Aprendizaje, que utiliza la fotografía lenticular y el video.

Da clases de Expresiones de Vanguardia en la Escola Massana de Barcelona.y expone con las galerías Bolsa De Arte de Brasil, y Anya Tish de EEUU.

  

DARIO DE REGOYOS Y VALDES

November 17, 2014, 1:31 pm

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Darío Regoyos y Valdés

(Ribadesella, Asturias, 1857 – Barcelona, 1913)

Aunque de origen asturiano, pasó gran parte de su infancia y su juventud en Madrid, donde se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando bajo la tutela de Carlos de Haes.

Con veintidós años viajó a Bruselas acompañando a dos amigos, los músicos Isaac Albéniz y Enrique Fernández Arbós, y no volvió a España de forma permanente hasta diez años después. En esta ciudad continúo formándose como artista en la Académie Royale des Beaux Arts y como discípulo del pintor belga Joseph Quinaux. Fue miembro de algunos de los círculos artísticos más destacados del momento, tales como L’Essor (1881-83) y Les XX (1883-93).

Regresó a España en 1894, se instaló en el País Vasco, donde contribuyó a dar un importante impulso a la nueva pintura vasca. Su estilo evolucionó desde unos inicios naturalistas, característicos de su etapa belga, pasando por el presimbolismo, con su serie La España negra, hasta el impresionismo de su periodo de madurez.

Expuso en multitud de países: Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Italia, Reino Unido, México, Argentina y España. Despertó un gran interés entre los jóvenes artistas de su época, como Isidre Nonell, Ramón Pichot, Mariano Pidelaserra o Pablo Picasso

En 1911- Regoyos se instaló en Barcelona, donde vivió hasta su muerte como consecuencia de un cáncer

WILL FABER

November 18, 2014, 11:34 am

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Saarbrücken-Alemania: 1901-:Barcelona: 1987 Aprendiz de herrero en su ciudad natal, se traslada a Munich donde se forma en las técnicas del grabado en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas. En 1925 publica su primera obra de importancia, una carpeta de diez litografías cuyo título, El Grito, remite a la filiación expresionista de su estética. Un año más tarde se instala en Berlín, ciudad donde comienza su actividad pictórica, influida por la línea lírica de Kandinsky y Der Blaue Reiter. El ambiente opresivo que se vive en la Alemania de inicio de la década de los treinta le llevan a abandonar Berlín e instalarse en Barcelona en 1932, donde trabaja como grafista e ilustrador.  Rápidamente integrado en los círculos artísticos de la ciudad condal, realiza importantes trabajos como diseñador gráfico, destacando diversas portadas para las revistas D’Ací i d’Allá o AC, editada por el GATCPAC. Tras una estancia en Ibiza, donde coincide con otros artista alemanes como Wolfgang Schulze o Raoul Hausmann, el inicio de la guerra civil en España le devuelve a Alemania, regresando nuevamente a Barcelona en 1939, donde prosigue su actividad en el terreno del diseño y la ilustración, que compagina con la práctica relajada de la pintura.  A finales de la década de los cuarenta toma conciencia de su vocación pictórica, en cuya raíz se encuentra su admiración por la figura y la obra de Paul Klee. Paralelamente a su activa participación en el homenaje que se le rinde desde las páginas de la revista Dau al Set en 1950 con motivo del décimo aniversario de su muerte, reorienta su obra, adoptando una significativa reducción de las referencias figurativas y el desarrollo de un lenguaje de orden geométrico que, junto a una rica gama cromática, establecen la base de sobre la que ordena sus composiciones. En 1957 imprime un nuevo rumbo a su producción, desarrollando una abstracción informalista de fuerte colorido y amplia variedad de técnicas -grattage, collage, assemblage, frottage, dripping-. Estas nuevas obras le abren las puertas de su país natal, donde comienza a exponer en los últimos años de la década de los cincuenta –Munich, Francfort-.  Sin abandonar la plástica informal, a partir de 1963 introduce elementos referenciales -signos, símbolos, letras-, cuyas primeras obras incorpora a su primera exposición antológica, celebrada en la Galería René Metrás de Barcelona un año después. Puesto en relación con las fichas perforadas de los primeros lenguajes informáticos, el uso de referencias lingüísticas evoluciona hasta incorporar en la superficie del lienzo el título de la obra. Aunque en los últimos años de su vida abre una interesante línea de tratamiento plástico de objetos encontrados –piedras, maderas-, su obra pictórica vuelve a hacer explícita su admiración por Klee, volviendo a recuperar el gusto por el color y la capacidad del mismo para articular mediante facetas y planos la composición. A lo largo de la década de los ochenta se suceden distintas muestras de reconocimiento a su trayectoria. Tras la exposición antológica que se celebra en 1981 en la sede barcelonesa de la fundación Joan Miró, el Ayuntamiento de la capital catalana le concede el Premio Ciudad de Barcelona. Poco antes de su muerte la ciudad de Ibiza le rinde un homenaje en forma de nueva exposición antológica.

Arnau ALEMANY

November 19, 2014, 2:05 pm

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Arnau ALEMANY nace en Barcelona en 1948. La enseńanza básica la aprende en la escuela municipal de su barrio, destacando siempre por sus buenas notas en las asignaturas como dibujo y manualidades, con las que disfrutaba desde sus primeros ańos de infancia. Al cumplir 12 ańos ingresa en régimen nocturno en la sucursal de artes y Oficios del barrio y al ańo siguiente se matricula en el conservatorio de Artes Suntuarias donde asistirá durante 5 ańos, alternando estudios y trabajo. 

Su primer empleo es el de aprendiz en un estudio de dibujos animados y anuncios publicitarios y en los ańos siguientes ejerce otros oficios como el de dibujante publicitario, fotógrafo, delineante industrial y ayudante de escultores. Su último trabajo lo realiza en una fabrica de juguetes, donde hace los modelos, moldes y contra moldes y hasta el diseńo de las cajas. Este trabajo, realizado por las tardes, le permite pintar por las mańanas. 

En 1978 organiza su primera exposición en la galeria Serrallonga de Barcelona y a partir de entonces, se dedica únicamente a pintar. Las obras de estos primeros ańos siguen unos planteamientos abstractos que se convirtieron pronto en figurativos, evolucionando hacia un realismo detallista y cercano a lo mágico, que se ha convertido en característico de su estilo. 

Ha expuesto en Barcelona, Madrid, Valencia, Paris, Lyón, San Francisco, Nueva Cork, Chicago: Se ha presentado a muy poco concursos, pero posee el segundo premio en Bienal de Montecarlo de 1991. Hay obra suya en el Museo Marugame Hirai de Arte Contemporáneo Espańol de Marugame (Japón). 

Arnau ALEMANY mira y ve algo que después plasma en la tela. Ese “algo” es lo que algunos han definido como realismo mágico. Se trata de imágenes urbanas que el artista no reproduce sino que inventa, recreando una atmósfera fría e indiferente que simplemente quiere mostrar aquello que no existe - lo mágico. 

Otakar Kubín

November 19, 2014, 3:27 pm

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Otakar Kubín nació en 1883 en la localidad de Boskovice, en el sur de Moravia.

Estudió primero escultura, pero posteriormente prefirió la pintura que estidio en Praga  en  la Academia de Artes Plásticas. Independientemente de los éxitos en el estudio, Otakar Kubín se sentía en la Academia muy atado y limitado en su trabajo, le faltaba la sensación de respirar aires nuevos y agitados.

Se unió por ello al grupo de artistas llamado "Los ocho". La primera exposición de los artistas del grupo de "Los ocho" se celebro en Praga, en 1907, tuvo un gran éxito. Según los especialistas, fue precisamente esa muestra que sentó las bases de la pintura moderna checa.

Kubín deseaba seguir ampliando sus conocimientos sobre las nuevas técnicas artísticas, por lo que decidió viajar por Europa y reunir algunas experiencias. Visitó Francia, Bélgica y Holanda. Francia le impresionó de tal manera que en 1913 Kubín abandonó las Tierras Checas y se fue a vivir al sur de ese país, a Provence. En esa soleada provincia, rodeado de campos de lavanda y extensos olivares, pasó cuarenta años de vida.

Aunque vivía distante de su Patria, Kubín nunca perdía contacto con ella. Frecuentemente visitaba su tierra de origen y a partir de 1952 se trasladó a Checoslovaquia para quedarse en ella

Pero los lazos que le unían con Francia eran muy fuertes y así, al cabo de doce años de vivir en Checoslovaquia, decidió volver a la pintoresca provincia de Provance, donde pasó los últimos años de su vida. Otakar Kubín falleció en 1969 en la ciudad francesa de Marseille.

El legado artístico de Otakar Kubín es amplio y difícilmente podríamos enumerar con exactitud todo lo que abarca. Los expertos en arte calculan que su obra consta de unos tres mil cuadros y otras decenas de obras gráficas y esculturas. El artista lograba pintar hasta cincuenta cuadros al año. Pero debido a que gran parte de su vida Kubín la pasó en el exterior, se supone que muchos de sus cuadros podrían seguir en el anonimato y encontrarse en diversos países del mundo.

La obra de Kubín se caracteriza por varias etapas. Al comienzo, el artista se inspiraba en el impresionismo, para optar luego por el expresionismo que le ofrecía una mayor libertad en el aprovechamiento de los colores y la posibilidad de plasmar en su obra sus propias vivencias. Un gran ejemplo para Kubín fueron los pintores Vincent Van Gogh y Paul Gauguin.

Parte de la obra de Kubín refleja también tendencias del cubismo y se debe especialmente a su amistad con Pablo Picasso. La más exitosa etapa artística de Kubín comenzó después de la Primera Guerra Mundial, cuando se dejó influir por el neoclasicismo. Se inspiraba especialmente en la naturaleza de Provance donde, según decía Kubín, "encontró paisajes que cantaban".

Sus cuadros de aquella época se encuentran hoy en las pinacotecas de varios países del mundo. Y gracias a esa etapa de su creatividad, Kubín llegó a ser considerado representante legítimo de la escuela de pintura moderna parisina.

Un capítulo especial de la obra de Otakar Kubín lo representan sus cuadros realizados en Checoslovaquia. El artista solía dibujar mayormente los amplios campos rodeados de bosques y montes, característicos de la zona de Vysocina que separa a Bohemia de Moravia. Aunque Otakar Kubín pasó mayor parte de su vida en el extranjero, esos cuadros testimonian que el corazón del artista permanecía en su tierra natal.

Información Radio Praga

Alphonse Moutte

November 20, 2014, 12:07 pm

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Pintor francés nacido en Marsella- 1840-1913

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Marsella, bajo la tutoría de Emile Loubon. Continuó sus estudios en París y trabajó en el taller de Ernest Meissonier. Fue el pintor más representativo del naturalismo provenzal. Expuso e el Salón de 1869. Fue profesor de la Escuela de Bellas Artes y Arquitectura de Marsella y  más tarde su director

Malcolm Drummond

November 21, 2014, 1:19 pm

≫ Next: Jean Tinguely

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 1880-1946

Hijo de un vicario anglicano, se crió en Boyne Hill, en 

Berkshire, cerca de Maindenhead, Inglaterra.

Estudió historia en Oxford, pero ya durante la carrera sentía

pasión por la música y la pintura, así que en 1903 decidió

abandonar su primer trabajo pra dedicarse al arte y se matri-

culó en  la Westmister School of Art

Como otros muchos de los estudiantes que pasaron por esta

institución, tuvieron como profesor a un hombre que ejercería

una gran influencia en su desarrollo como artista. Richard

Sickert. 

 En 1911 se formó el grupo Camdem Town y Drummond se unió a ellos. Expuso con ellos en las tres exposiciones que se celebraron en 1911-12.  En 1913 envió obra al Salon de los independienes en París y en 1913 fue uno de los miembros fundadores del London Group con los que expuso regularmente entre 1913- 32- Drummond no vivía en la zona de Candem Town, prefería vivir en Chelsea, donde tenía un estudio que compartía con Zina Ogilvie. Drummond seguía la línea de sus colegas de Candem Town, representar escenas cotidianas, de la vida en las calles y doméstica. Despues de un parón  de cinco años en su carreradebido a la guerra, en 1920, se embarcó en un periodo de in-tensa actividad.  Fue profesor  en la Escuela de Arte deWestminster, pero   tras la muerte de su mujer, en 1931, abandonó Londres y  se trasladó a Berkshire y se casó de nuevo.  En 1937 sufrió un accidente y a consecuencia del mismo perdió la vista de un ojo.Poco a poco fue perdiendo la visión y en 1943 estaba comple-tamente ciego. Murió dos años despues sin haber celebradouna exposición individual durante toda su vida

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Jean Tinguely

November 22, 2014, 1:37 pm

≫ Next: MARIA CARBONERO

≪ Previous: Malcolm Drummond

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Nacido en 1925 en Friburgo , murió en Berna en 1991. Artista suizo, famoso por sus esculturas cinéticas, entroncandas en el arte dada.  Estudió pintura y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Basilea, mostrando desde el comienzo de sus estudios por el movimiento como estilo artístico. Se trasladó a París en  1953 y empezó a hacer sus primeras esculturas, verdaderamente sofisticadas, que el denominó meta-mecánicas.  Grandes artilugios construidos con alambre y chapa metálica, con partes móviles que se movían o giraban a velocidades variables. Pretendía satirizar la sobreproducción sin sentido de bienes materiales en una sociedad industrial avanzada.

En la década de  1950 comenzó a hacer "máquinas pintadas"- En 1953 el y Daniel Spoerri, un bailarín y artista rumano, crearon un "autoteatro automático", una actuación que utilizaba un escenario mecánico diseñado por Tinguely. 

En 1971 se casó con la artista Niki de Saint-Phalle. A partir de  1970 se embarcó en una serie de proyectos para fuentes.

Tinguely partició en varias exposiciones importantes.  En 1996 se abrió en museo Tinguely en Basilea

MARIA CARBONERO

November 23, 2014, 11:50 am

≫ Next: Édouard Debat-Ponsan

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Vive y trabaja en Palma. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en 1981, realiza su primera exposición individual en 1982 en Palma. Desde entonces, los rostros y las figuras femeninas se han convertido en el tema central de su obra, en la que ofrece perspectivas muy diferentes que confluyen en su mirada, la de la artista. El trazo grueso, los contrastes y la intensidad cromática definen su expresión.

Ha expuesto en Mallorca, y fuera de las islas, en la galería Juana Mordó de Madrid (1985 y 1988), en la Sala Gaspar de Barcelona (1987), en el Forum de Düsseldorf (1990), en el Appiani Arte Trentadue de Milán (1995) y en el Palau de la Virreina de Barcelona (1998), entre otros. En 2010 fue  elegida Artista de l'Any por el Govern Balear y el Casal Solleric organizó una retrospectiva que repasaba 25 años de trayectoria creativa. Su obra está presente  en colecciones públicas y privadas como “Sa Nostra”, Caixa de Balears, Museo de Bellas Artes de Álava y Govern de les Illes Balears. 

Édouard Debat-Ponsan

November 23, 2014, 1:30 pm

≫ Next: Virgil Finlay

≪ Previous: MARIA CARBONERO

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Édouard Debat-Ponsan, nacido en 1847,  artista académico  francés, díscipulo de Alexander Cabanel. Debutó en el Salón de  1870. A principios de su carrera se dedicó a temas religiosos, mitologicos e historicos. Sus obras con animales se conviertieron en una importante diversificación de su obra. En el Salón de 1975 expuso uno de estos temas. Otra parte importante de su obra es el orientalismo, su obra más importante de este periodo es Massage, hammam scene, que tambien fue expuesta en el Salón   Debat-Ponsan tambien hizo numerosos retratos para clientes influyentes.Murió en París en 1913

Virgil Finlay

November 24, 2014, 12:45 pm

≫ Next: Liu Chenyang

≪ Previous: Édouard Debat-Ponsan

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Virgil Finlay 1914 – 1971  Uno de los máximos exponentes de la ilustración de lo que se denominó fantasía y ciencia ficción Pulp.. Aunque trabajó con todo tipo de técnicas, se especializó  en dibujos a tinta.

Nació en Rochester, Nueva York. Durante su etapa escolar fue dibujante, poeta y atleta de éxito. Pronto fue descubierto como un dibujante con una técnica singular y se inició como ilustrador en la revista Amazing Stories, en 1927 y la famosa Weird Tales en 1928.  

Se alistó para combatir en la II Guerra Mundial y las escenas de los combates que vio en Okinawa durante los tres años que hizo de servicio militar las describió en posters e ilustraciones. Despues de la guerra ulustró revistas y  libros con trabajos de ciencia ficción. A partir de la década de 2950 los gustos cambiaron y se metió en el campo de la astrología. Tambien escribio libros de poesía a lo largo de su vida que fueron publicados despues de su muerte.

En 1969 se le descubrió un cáncer, despues de ser operado volvió a trabajar pero finalmente murió de esa enfermedad en 1971 a los  56 años de edad.  Finlay no llegó a ver el resurgimiento de su obra, a finales de los  setenta Donald M. Grant y Gerruy de la Ree publicaron una serie de las obras del artista que  relanzaron su fama.

Liu Chenyang

November 25, 2014, 1:02 pm

≫ Next: ORTEGA MUÑOZ

≪ Previous: Virgil Finlay

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Prometedora artista nacida en  1984 en la provincia de Henan, China. Estudió en el Instituto de Bellas Artes del departamento de Guangxi. Ha expuesto en China y en el exterior. Su arte se basa en raices occidentales, a veces su color nos recuerda a Gaughin y en cieta forma tambien a Edvard Munch y a Egon Schiele

ORTEGA MUÑOZ

November 26, 2014, 12:06 pm

≫ Next: MIGUEL ANGEL CAMPANO

≪ Previous: Liu Chenyang

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Alejo Godofredo Manso Ortega, que con el tiempo habría de adoptar como nombre artístico el de Ortega Muñoz, nació el 17 de febrero de 1899 en San Vicente de Alcántara.

Era hijo de una destacada personalidad local, quedando huérfano de madre a los 6 años. Inicia sus estudios bajo la dirección del farmacéutico Mamerto Sama, obteniendo el título de bachiller en Salamanca en el año1921.
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Resultaría imposible una biografía de su vida que no fuera unida a su actividad artística. Cada paso responde a un imperativo de carácter artístico, la pintura como motor principal de la existencia del pintor.

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Hasta tal punto que, a partir de una determinada fecha, los únicos acontecimientos reseñables son aquéllos que tienen que ver con su obra.

Inclinado vocacionalmente a la pintura desde muy joven, comienza su aprendizaje artístico de forma autodidacta y tras rechazar la recomendación paterna de seguir una carrera universitaria, se traslada ese mismo año a Madrid, donde durante algún tiempo dibuja en el Museo de Reproducciones y realiza copias en el Museo del Prado.

Pronto marchó a París con el propósito de mejorar su formación, visitando entre 1925 y 1930, además de Francia, Italia, Centro-Europa, los países nórdicos, Grecia y Oriente Medio. Entre 1930 y 1935 vivió en Stressa, a orillas del lago Mayor, en donde entabló amistad con el acuarelista inglés Rowlwy Smart, que había sido compañero del pintor August John. En 1935 vuelve a España y con 30 años, celebra una importante exposición en el Circulo de Bellas Artes de Madrid. En 1936emprende otro viaje por Europa hasta el término de la Guerra Civil en 1939. De regreso a España traslada su estudio a Madrid aunque hasta su fallecimiento siguió haciendo prolongadas estancias en el campo.

En 1954 obtuvo el Gran premio de la II Bienal hispanoamericana celebrada en la Tate Gallery de Londres. 

El gran éxito de su carrera habría de llegar en 1954 en la II Bienal Hispanoamericana de Arte de La Habana y donde Ortega Muñoz obtuvo el Gran Premio de Pintura con la obra ’La Carretera’. Este premio le abriría definitivamente las puertas, permitiéndose ampliar sus circuitos de exposición a Alejandría, Londres, París, Nueva York,...

A partir de 1958 tuvo la sala de honor en la Bienal de Venecia, en 1962 expuso en el Ateneo Madrileño, en 1968 tuvo una sala en la exposición de Bellas Artes de Madrid y en 1970 sus trabajos se expondrían en el Casón del Buen Retiro de Madrid, en las Salas Góticas de la Biblioteca de Cataluña en Barcelona, en el pabellón Mudéjar de Sevilla y en la Casa de la Cultura de Badajoz. 

Ortega Muñoz obtuvo en 1970 la Medalla de Oro de la crítica de Barcelona, y en 1978 fue galardonado con la Medalla de Oro de la provincia de Badajoz. Murió en Madrid el 2 de octubre de 1982.

Técnicamente, Ortega Muñoz trabaja la superficie del cuadro mediante un procedimiento que sugiere la pintura al temple, hasta dejar sobre el lienzo un efecto mate, de gran austeridad.

Un principio de orden arquitectónico establecido a partir de formas elementales, el camino y la cerca, el campo despoblado, los tocones de castaños y alcornoques, rige su pintura, que armoniza descripción naturalista y capacidad de abstracción; la ilusión de profundidad que crean los elementos estructurales del cuadro y el diseño plano de la composición. 

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En la pintura de Ortega Muñoz la interpretación del asunto, cargado de contenido poético, dicta a la mirada un sereno equilibrio entre realidad y sustancia espiritual y toda su producción mantiene una constante unidad de fondo entre naturaleza y ser, de raíz y sentido profundamente religioso.

Extremadura fue constante referencia en la pintura de Ortega Muñoz, que alcanzó a dar de su paisaje una visión rudamente ingenua y, al mismo tiempo, severa, de contenido patetismo y extraordinaria veracidad. 

ortega muñoz: breve biografía

MIGUEL ANGEL CAMPANO

November 27, 2014, 11:38 am

≫ Next: Charles Lacoste

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Nacido en Madrid en 1948, Miguel Ángel Campano cursó estudios en Arquitectura y Bellas Artes en Madrid y Valencia. En sus inicios, la pintura de Campano se caracteriza por una abstracción basada en el informalismo, pero a partir de 1973 se transforma en una pintura fluída cuyos orígenes pueden encontrarse en las abstracciones geométricas de Gerardo Rueda o Gustavo Torner. A finales de la década de los setenta se instala en París, donde su obra adquiere una modalidad gestual, abandonando las rígidas estructuras geométricas por una línea suelta que recuerda a la Escuela de Nueva York y el Expresionismo Abstracto. Su temprana participación en las importantes exposiciones como "1980" (Galería Juana Mordó, Madrid 1979) y "Madrid DF" (Museo Municipal, Madrid, 1980), le certifica entre los artistas jóvenes más significativos de cara a la nueva década.

La obra de Campano, que se caracteriza por el gesto amplio, la riqueza del color, intenso y enigmático, y los grandes formatos, practicando una pintura de un gestualismo suelto que anima toda la obra. Su interés en la tradición clásica le ha llevado a hacer reinterpretaciones de los grandes maestros, creando series basadas en obras de Cézanne (para la cual viajó por la Provenza francesa y los alrededores de la montaña de Saint Victoire), Delacroix y Poussin, entre otros.

Premio Nacional de Artes Plásticas (1996), Campano expone desde 1969 de forma continuada tanto en exposiciones individuales como colectivas, y a nivel nacional e internacionalmente. En los últimos años, dado su delicado estado de salud, Campano ha tenido una pausada trayectoria expositiva, pero disfruta una amplia representación museística y su obra forma parte de las más prestigiosas colecciones institucionales: Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca), British Museum (Londres), Museo de Bellas Artes de Bilbao, Universidad Complutense (Madrid), MNCARS (Madrid), Banco de España (Madrid), Centro Georges Pompidou (París), Fundación Juan March (Madrid), Fundación Caja de Pensiones (Barcelona), Museo de Bellas Artes de Álava (Vitoria), Museo de Navarra, Museo Municipal (Madrid), y la Colección Caixa Galicia (A Coruña) entre otros. 

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Charles Lacoste

November 28, 2014, 1:15 pm

≫ Next: Ruperto Jay Matamoros

≪ Previous: MIGUEL ANGEL CAMPANO

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En muchos de los cuadros de  Charles Lacoste (1870-1959) los  paisajes   y  vistas  urbanas están enmascarados  en una fina niebla.  Al simplificar las formas  las  imágenes  de estilo simbolista, resultan   oníricas.

Lacoste era  hijo de un contable de Burdeos y una madre criolla. Fue en gran parte autodidacta y se movió en los mismos círculos artísticos como el compositor Henri Duparc y el escritorAndré Gide. Sus obras reflejan una visión melancólica de la naturaleza, inspirado inicialmente por los frecuentes viajes a Londres transformó la realidad a través de un proceso de simplificado creando imágenes inquietantes de una ciudad moderna.

En 1901 se instaló  definitivamente en París, donde vivió hasta 1914, exhibiendo su obra en el Salón de los Independientes. Fue miembro fundador del Salón de Otoño y también expuso con el grupo de vanguardia La Libre Esthétique en Bruselas en 1907 y en el Salón de la Toison d'Or, de Moscú en 1908. Posteriormente se trasladó a Monein y, finalmente a Pardies en el suroeste de Francia, donde está enterrado.

Ruperto Jay Matamoros

November 29, 2014, 1:08 pm

≫ Next: Ernst Josephson

≪ Previous: Charles Lacoste

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Ruperto Jay Matamoros (1912-2008)

Nace en Santiago de Cuba. En 1937 ingresa en el Estudio Libre para Pintores y  Escultores, creado por Eduardo Abela. En la primera y única exposición de este taller, Matamoros presenta su cuadro Escena ganadera, con el cual recibe mención de honor.

Considerado desde los años cuarenta como uno de los máximos representantes de la pintura popular en Cuba. Más de sesenta años fueron dedicados por él con pasión a la pintura, sobre todo al desarrollo del paisaje donde se muestra su arraigo indiscutible al campo cubano. Ha reflejado también otros temas como paisajes urbanos y costeros, temas históricos y retratos. A partir de 1959 su obra gana merecido reconocimiento  tanto en exposiciones nacionales como en el extranjero, deviniendo figura emblemática de la pintura popular cubana, con una indiscutible proyección internacional respaldada por los elogios de la crítica especializada.

Obras suyas se encuentran en Rusia, Canadá, Inglaterra, Bulgaria, Italia, Francia, Estados Unidos, Suiza, Polonia, Venezuela, así como en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba.

En el año 2000 se le confiere el Premio Nacional de Artes Plásticas, nominación ésta que respaldó la importancia que ha alcanzado la pintura popular en Cuba y la legitimización  internacional que ha obtenido esta expresión.

Ernst Josephson

November 29, 2014, 1:34 pm

≫ Next: Marcel Gromaire

≪ Previous: Ruperto Jay Matamoros

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Ernst Abraham Josephson (Estocolmo, 1851-1906) fue un pintor y escritor sueco del siglo XIX, influido por el Impresionismo y elSimbolismo.

Su familia era una influyente familia judía de Estocolmo. Conoció desde su juventud las escuelas pictóricas europeas a través de viajes de estudios a Francia, Holanda e Italia, entre otros lugares.

Sus primeras pinturas muestran cierta cercanía a los presupuestos de la Hermandad Prerrafaelista, que había sido fundada en 1845 en Inglaterra; se aprecia en ellas un vivo interés por reflejar las costumbres populares de manera precisa y un tanto idealizada. Muchas de estas obras tempranas fueron retratos, plasmados con un colorido rico, de raigambre impresionista, como sucede con el de Pontus von Fürstemberg. El escritor William Butler Yeats, en un panegírico de agradecimiento a Suecia por suPremio Nobel (La Generosidad de Suecia, 1925), dirá de estas primeras obras: Su pintor [Josephson] estaba enteramente preocupado en la personalidad del modelo; luz, color, diseño, todo, debía ser subordinado a esto.

Sin embargo, estos prometedores inicios se vieron frenados en parte por ciertos síntomas de inestabilidad mental. Hacia 1871declaró haber visto, durante un paseo campestre por Noruega, la figura de una ondina o espíritu de las aguas, tema que desarrollará en un famoso ciclo de pinturas. En 1887 marcha a la Bretaña francesa, donde da rienda suelta a todas estas visiones con la ayuda de un médium de la localidad de Bréhat. La familia del artista, sin embargo, logró que volviera a Suecia, siendo internado en un hospital de Upsala. Es posible que la esquizofrenia que le fue diagnosticada estuviera agravada por la sífilis, que había contraído de joven.

A pesar de los crecientes ataques, Josephson continuó con sus actividades artísticas. Su pintura se apartó del costumbrismo brillante y optimista de sus primeros tiempos, y, aunque atenta a la realidad cotidiana, adquirió tintes sombríos, altamentes expresivos. Su paleta se oscureció, bajo el influjo de ciertos pintores barrocos, significativamente Velázquez, cuya huella es palpable en el cuadro Herreros españoles, muy cercano a la pintura de José Gutiérrez Solana; en algunos casos, las formas se abrevian y aparecen como abocetadas, como se ve en su famosa serie sobre Nöck, el genio de las aguas, figura de la mitología escandinava que "atrae y pierde a los humanos con su canto".

Se han destacado las analogías de su obra con la del pintor francés Gustave Moreau y con su compatriota, el literato August Strindberg, que también fue pintor. Como se ha señalado, su obra presenta "todos los elementos estridentes y contradictorios de la psique de Josephson: el judío contra el sueco, el sueño contra la realidad, el amor por la tierra contra el exilio".³

Murió en Estocolmo, el 22 de noviembre de 1906.

Marcel Gromaire

November 30, 2014, 1:26 pm

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Marcel Gromaire pintor francés-1892-1971. Empezó estudiando direcho en París, donde se hizo amigo de los artistas de Montparnasse y decidió convertirse en artista tambien. Al principio de su carrera estuvo muy influenciado por la obra de Matisse, Cézanne y Léger. En 1902 fue reclutado y sirvió en el ejército hasta que resultó herido en 1916. Durante la guerra recibió tales sensaciones que determinarían su carrera a partir de entonces. Volvió a París en 1919 y trabajó como crítico de cine. En 1920 conoció al Dr. Girardin, que durante décadas compró sus óleos y acuarelas. Su obra recibió reconocimiento público en una exposición celebrada en 1933 en la galería Bale art. En 1937 le encargaron la decoracion del pabellón de la fábrica de porcelanas de Sévres para la Feria Mundial de París. Desde 1933 hasta 1944, colaboró en el movimiento de renovación de tapices. Viajó a los EStados Unidos en 1950 y en 1952 le concedieron el premio Carnagie. Murió en París 3n 1971

Hans Purrmann

December 2, 2014, 12:43 pm

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Hans Purrmann (1880-1966) es considerado uno de los más importantes impresionistas tardíos alemanes. Pintor, artista gráfico, crítico de arte y coleccionista.  Nació en Soever, estudio en Karlsruheand, Munich, antes de irse a París en 1906. Allí se hizo amigo de Matisse. A partir de 1916 se fue a vivir a Berlin,  de donde se trasladó en 1935 a Florencia para dirigir una fundación en Villa Romana. Vivió allí hasta 1943 para trasladarse a Suiza. Murió en Basel. Dejó unas 1.400 pinturas al óleo, acuarelas y más de 400 obras gráficas, cantidad  considerable que está representada en los museos más importantes del sur de Alemania. En sus paisajes, bodegones, retratos y desnudos  crea poéticps  contrastes de luz   con gran intensidad de color.