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  • 06/13/14--11:39: Camille Bombois





  • (1883-1970)


    Camille Bombois nació en Venarey-les-Laumes - Francia.   Abandonó la escuela a los doce años para trabajar en una granja y empezó a dibujar cuatro años más tarde.  En 1907  se trasladó a París, donde trabajó en la construcción del metro. Despues de encontrar un trabajo nocturno en un periódico, ya disponía de más tiempo para pintar.  Estuvo en el ejército durante la Primera Guerra Mundial, durante tres años. A partir de 1922 empezó a dedicarse a la pintura exclusivamente. Al principio exponía su obra en las aceras, despues ya encontró marchantes. Sus cuadros empezaron a venderse bien lo que le permitió comprar una casa en el campo.  Pertenecía al grupo de pintores del   ‘"Sagrado Corazón", que dirigía el historiador de arte alemán Wilhelm Uhde

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  • 06/14/14--14:38: Leon Spilliaert
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    Ostende 1881-Bruselas 1946

    Era el mayor de siete hijos de Leonard- Hubert Spilliaert, un perfumista. Desde niño mostró interés por el arte. Lo primero que empezó a pintar fueron las botellas y frascos de la perfumería de su padre en Ostende. Estudió brevemente en la Terenacademie en Brujas. Enfermizo y solitario, pasó la mayor parte de su juventud dibujando escenas de la vida cotidiana y de la campiña belga. Cuando tenía  21 años se fue a trabajar a Bruselas  con Edmond Deman, un editor,  para ilustrar obras de escritores simbolistas.  Admiraba la obra de Edgar Allan Poe.




    Estuvo fuertemente influido por el simbolismo y tambien en la obra de Edvard Munch y James Ensor.


    En 1904 se fue a París y entró en contacto con el círculo de Picasso y allí descubrió la obra de Munch y de Toulouse-Lautrec. Siguió pasando los inviernos en París para mantenerse en contacto con la vida cultural de la ciudad. Su úlcera de estómago le producía insomnio  y se pasaba las noches haciendo obras lo que nos da a conocer la belleza nocturna de Ostende.

    Entre 1907 y  1913 desarrolló una forma original de simbolismo. Pintó numerosos autorretratos y creó paisajes geométricos. Al mismo tiempo fue desarrollando motivos Art Nouveau, con arabescos y olas.  A partir de 1912 ejecutó grandes obras a pastel de escenas de puertos y figuras estilizadas con influencias de Constant Permeke.



      

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  • 06/16/14--12:25: Paul Citroen






  •  Paul Citroen, hijo de padres holandeses,  nació en Berlín en 1896.  Trabajó vendiendo libros y más tarde abrió una librería "Sturm", que tuvo mucho éxito. Desde 1918 se dedicó a la pintura y se asoció con el movimiento Dada.  Tambien hizo experimentos con el fotomontaje. Desde 1922 hasta 1935 estudió dibujo y pintura con Johannes Iten y Georg Muche en la Bauhaus en Weimar y realizó la película Metropolis en 1923. 


     En 1929 se trasladó a Holanda y trabajó como fotografo y pintor freelance. En 1933, fundó y dirigió la  Nieuwe Kunstchool  (Nueva Academia de Arte)  en Amsterdam, asociado con Charles Roelofsz, con el que compartía unos principios similares desde la Bauhaus.  Se quedó sin dinero y cerró en 1937. Ese año, Citroën se convirtió en académico de la Academia Real de Arte de La Haya. Entre sus muchos estudiantes estuvieron Kees Bol,Madeleine Gans,Henk Hartogy Jos Zeegers. Diseñó sus monumentales sellos postales en 1949. En 1960 dejó la enseñanza y comenzó a pintar retratos como su interés principal. Pintó retratos de famosos holandeses, entre ellos un conocido retrato de Liesbeth List en 1979.Además de pintar y dar conferencias sobre arte visual, tambien intervino en la escenografía para la Opera holandesa.
    Paul Citroen falleció en Wassenaar en 1983.





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  • 06/17/14--13:35: Hannah Höch
  • Si echamos un vistazo al arte de  principios del siglo XX, todos son hombres, hombres en el cubismo, en el futurismo, dadaismo y  en todos los ismos que puedas encontrar, como si solo la tetosterona fuera creativa. Hubo mujeres, claro, muchas mujeres por París, Berlín y todos los grandes centros, pero tendían a ser consideradas, más que artistas, como apéndices de hombres famosos, modelos, musas...

    Pero  han empezado a emerger de la oscuridad un importante grupo de artistas de esa época, como una liberación feminista. Gabriel Munter, compañera de Kandinsky, Sophie Tauber, esposa de Jean Arp, Lyubov Popova, colaboradora de Rodchenko y Frieda Kaholo, que ahora es, probablemente, más famosa que su marido Diego Rivera.




    Hannah Höch con Man Ray en 1958

    Este año Whitechapel Gallery ha realizado una gran exposición en homenaje a una artista y escritora, quizas la más importante, que ha permanecido olvidada, o casi,
    En 1920 Hannah Hoch escribió "The painter", una historia mordaz  en la que habla de una  pareja moderna, que abrazan la idea de la igualdad, pero cuya relación se rompe porque no se cumplen las expectativas  que el hombre, el artista espera. Lavar los platos cuatro veces en cuatro años, al artista le parece una imposición que considera la esclavitud de su espíritu. 


    Hannah Hoch, pionera del fotomontaje, con imágenes de mujeres presagiando las ideas de Simone de Beauvoir, una figura central del dadaísmo, el movimiento anti-arte que indignó a la opinión pública convencional en los años finales de la Primera Guerra Mundial, trabajando junto a artistas masculinos   emblemáticos como George Grosz, John Heartfield y Raoul Hausmann pero no se la menciona en la historia del Dada en Berlin. 

    Aqui podemos ver su famoso fotomontaje "Cut with the Kitchen Knife through the Been-Belly of the Weiman Republic (cortado con cuchillo de cocina a traves de la barriga cervecera de la República de Weimar), una aglomeración explosiva de imagenes presentado en la Primera Feria Internacional Dada de 1920. En la foto está con el artista Raoul Hausmann, con quien tuvo una turbulenta, pero intensamente creativa, relación extra marital, desde 1915  hasta 1922






    Nacida en 1889 en el seno de una familia alemana de clase media alta, Hoch estudió en la escuela de artes aplicadas  de Berlín, donde, al igual que muchas mujeres estudiantes de arte, fue apartada de la pintura y escultura, "cosas de hombres", y estudió diseño de vidrio y artes gráficas. "cosas más adecuadas para las mujeres". 

    Hoch, una mujer carismática, testaruda y de caracter fuerte, se las ingenió para contactar con la vanguardia de Berlin.

    La Primera Guerra Mundial estaba en su apogeo, la capital alemana era  un fermento creativo. Muchos artistas habían acogido  la guerra como medio de limpieza de una sociedad calcificada, pero ahora el estado de ánimo había girado en sentido contrario. El movimiento  Dada había comenzado en Zurich en 1917, un movimiento de protesta de los artistas descontentos que utilizaban consignas provocativas y gestos absurdos para atacar  la cultura y el arte, que, según ellos, había causado la guerra catastrófica.

    Hoch, Hausmann y su círculo de jóvenes artistas de Berlín, incluyendo Grosz y Heartfield, abrazaron con entusiasmo los principios dadaístas. En el primer evento dadaísta de Berlín en abril de 1918, que tuvo lugar en una retrospectiva del artista  Lovis Corinth, Hausmann gritó  sus propuestas para la pintura dadaísta a la multitud casi desenfrenada antes de que el dueño de la galería casi infartado apagase las luces.


    El Dada se   convirtió en un movimiento abiertamente político en una   Alemania que había caído en la anarquía en el período inmediatamente posterior a la guerra, los miembros del grupo se unieron a  facciones comunistas o anarquistas. Mientras Hausmann abrazó la  "destrucción como un acto de creación", Hoch encontró en su participación en la Feria Dada de 1920  la oposición de Grosz y Heartfield, a quien había considerado amigos.


     Durante un descanso en el Báltico, Hoch y Hausmann vieron una fotografía extraña, en la que el rostro del hijo del dueño de la casa donde estaban alojados, se había superpuesto cinco veces, Hausmann afirmó que esto le llevó al descubrimiento del fotomontaje, el del collage libre de  imágenes recortadas que se convertiría en una de las técnicas del Dada por excelencia.



    Después de dos abortos  y una tempestuosa relación, la pareja se separó en  1922. Ella comenzó una relación de diez años con la  académica holandesa Till Bruggen, y se mudaron a Amsterdam en 1926.

    Con la desaparición del movimiento dadaísta de Berlín, cuyo principal propagandista Hulsenbeck había declarado muerto ya en 1920, Hausmann se  reinventó a sí mismo como fotógrafo de  sociedad. Hoch,  por su parte continuó desarrollandose como artista, tomando sus collages una dirección más abstracta. Pero con el ascenso de los nazis, los que habían abrazado el  'bolchevismo cultural "se vieron amenazados. Volvió a Berlín en 1936 pero encontró un ambiente poco propicio para cualquier tipo de actividad emprendedora. Ella y sus compañeros ex-dadaístas fueron a parar  a la lista negra y fueron perseguidos por la Gestapo.


    Hausmann huyó a Francia, donde murió  en 1971. 'Pobre Raoul,' Hoch recordó.'Él necesitaba aliento constante para llevar a cabo sus ideas y lograr cualquier cosa  duradera.' Además, agregó,  'Si no hubiera dedicado tanto tiempo a cuidarlo podría haber logrado más de mí misma. "


    En 1938 se trasladó desde el centro de Berlín a una casa de campo en las afueras  de la ciudad, donde se perdió la guerra y sus secuelas, sintiendo como si hubiera "arreglado para desaparecer  completamente como si me hubiera pasado a la clandestinidad."


    Hoch vivió hasta 1978, a tiempo para ver el reconocimiento a su contribución al arte del siglo 20 en las  exposiciones de París y Berlín en 1976. Sin embargo,  recibió este reconocimiento tardío  'Ellos continuaron durante mucho tiempo  mirandonos a nosotras las mujeres artistas como aficionadas encantadoras y talentosas, negándonos cualquier situación profesional real. Hace treinta años  no era fácil para una mujer  imponerse como una artista moderna en Alemania '.


    TelegraphArt

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  • 06/20/14--10:08: Fernand Léger



  • Fernand Léger
    Argentan, 1881-Gif-sur-Yvette, 1955

    Fernand Léger fue uno de los principales protagonistas de la vanguardia parisiense de la primera mitad del siglo XX
    Se. formó como arquitecto en Caen, y en 1900 se trasladó a París, donde trabajó como dibujante de arquitectura y acudió a las academias de pintura de Gérôme y de Gabriel Ferrier. La fuerte impresión que le produjo la retrospectiva de Cézanne de 1907 le hizo abandonar el impresionismo de sus primeras obras y sumergirse en el lenguaje de la vanguardia. Se relacionó con los pintores cubistas, con Apollinaire, y en 1910 entró a formar parte de los artistas de la galería de Daniel-Henry Kahnweiler. Sus primeras obras dentro de la órbita cubista tuvieron un componente figurativo, que evolucionó a partir de su serie Contrastes de formas, de 1913, hacia planteamientos más abstractos. Estuvo vinculado al grupo de Puteaux, un círculo de artistas entre los que se encontraban los hermanos Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon que, bajo la influencia de las teorías del filósofo Henri Bergson, estaban interesados por la analogía entre el arte, las matemáticas y la música. Léger expuso con ellos en los salones de la Section d’Or. También estuvo en contacto con la vanguardia rusa y con los futuristas italianos, y mantuvo una estrecha relación con el pintor Robert Delaunay


    Durante. la Primera Guerra Mundial fue movilizado y acabó ingresado en un hospital. Posteriormente, durante el periodo de entreguerras su obra acusó la influencia de los preceptos de la revista L’Esprit Nouveau, fundada por el arquitecto Le Corbusier, que defendía la estética de la máquina, dando comienzo a su «periodo maquinista», en el que reflejaba su fascinación por el paisaje urbano de París. Su obra Composición con tres figuras, de 1932 (París, Centre Pompidou- Musée national d’art moderne), marcó el inicio de su interés por la figura humana y su personal acercamiento al clasicismo, siguiendo la tendencia generalizada de «vuelta al orden». Durante la Segunda Guerra Mundial se exilió en Estados Unidos, donde trabajó como profesor en diversas universidades. A su regreso a París, se afilió al Partido Comunista y hasta el final de su vida llevó a cabo una prolífica actividad creadora. Realizó numerosas pinturas murales y se interesó por las vidrieras, los mosaicos y los tapices
     Museo Thyssen-Bornemisza


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     Antonietta Raphaël

    Antonietta Raphaël nació en   Kaunas (Lituania) en 1895.   Su padre murió cuando ella tenía 7 u ocho años y se quedó con su madre sin medios ecónomicos.  Sus trece hermanos eran todos sastres y se habían ido a Londres. En 1905 se fue a Londres con su madre. Estudió música y se ganaba la vida bordando. Despues de conseguir el título de pianista enseñó  música y se convirtió en una asidua visitante del  Museo Británico.  En Londres conoció al escultor  Jacob Epstein (1880–1959), y empezó a dibujar en 1918. 
    Mario


    Despues de la muerte de su madre en  1919 pasó un invierno en  Paris  y despues se fue a Roma para estudiar en la Academia de Bellas Artes.  Allí conoció al pintor romano Mario Mafai (1902–1965),  más joven que ella, con quien empezó una relación que duraría toda la vida.   Se casaron en  1935 y tuvieron tres hijas. Myriam, la primera se convertiría en una famosa periodista y política.
     Antonietta Raphaël

    En aquella época Mafai compartía estudio con Gino Bonichi, conocido como Scipione.
    Raphaël, Mafai y Scipione formaron un grupo artístico tan conocido que el crítico de arte   Roberto Longhi llamó   “Escuela de  via Cavour.” Su estilo se caracterizaba por el uso de una paleta brillante y tonos cálidos, que más adelante se conoció como Escuela de Roma, que marcaría una influencia en  algunos de los más importantes pintores del siglo XX, como Corrado Cagli y Giuseppe Capogrossi. La pintura de Raphaël es de estilo expresionista con colores fauvistas. De los tres artistas, era la que tenía una imaginación más viva por lo que Longhi la llamó "la hermanastra de Chagall"



     Antonietta Raphaël

    En 1930, despues del nacimiento de su tercera hija, se marcharon a París.  En Paris Raphaël conoció a  Chagall,  que dijo que su arte todavia no estaba "maduro" y le aconsejó no exponer allí de momento.   En la capital francesa vivían con mucha escasez y ella dio clases de piano, enseñó inglés e hizo bordados.  Despues de volver a Roma, ella empezó a estudiar escultura para evitar conflictos domésticos. "Es dificil para dos pintores vivir juntos, ambos nos criticamos" confesó.  Despues de acabar sus estudios en 1933, se dedicó principalmente a la escultura. 

    Para evitar las leyes fascistas, toda la familia se trasladó a Genova en 1939, donde el coleccionista de arte Judío Emilio Jesi y Alberto  Della Ragione dieron refugio a Raphaël y a sus hijas hasta el final de la segunda guerra mundial. Mario  fue reclutado en 1942.

    Mario 

     Despues de la guerra  Raphaël, tomó parte  en importantes exposiciones y fue invitada a la XXIV Biennale de Venecia, fue invitada de nuevo en 1947, 1950, 1952, 1954 y 1959.  En  1956 expuso en China con otros artistas italianos. A continuación expuso en El Cairo, Teherán, Lisboa ,  Colonia, Budapest, Buenos Aires, Mejico, Hakone y la última en Malta en 1977. Durante los cinco últimos años de vida se dedicó a la pintura

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  • 06/22/14--12:13: Article 2



  • Rosso Medardo

     (1858-1928). Escultor italiano. Al principio fue pintor y se hizo escultor prácticamente de modo autodidacto: fue expulsado de la Academia Brera de Milán en 1883, tras muy pocos meses de estudio, cuando reclamó una formación más liberal en el desnudo y la anatomía. Llegó a París en 1884, y allí trabajó en el estudio de Dalou y conoció a Rodin; desde 1889 hizo allí la mayor parte de su trabajo. Por ello su obra tiene más afinidad con el arte francés que con el italiano, ya que como reacción frente a la tradición del Renacimiento italiano en la solidez tridimensional, Rosso aplicó a la escultura la estética impresionista de reproducir el impacto inmediato y la frescura de la visión directa en la que los efectos ambientales y las condiciones transitorias de luz rompen la identidad permanente del objeto.Dominó mejor el modelado que la talla, y empleó sutilmente su medio preferido de expresión, la cera, para exponer su punto de vista de que el ambiente hace maleable la materia: «Somos meras consecuencias de los objetos que nos rodean». Anticipó igualmente tendencias posteriores al incorporar ocasionalmente objetos reales a una obra escultórica. Sus temas incluyen retratos y figuras individuales y grupos en escenarios contemporáneos (El corredor de apuestas, 1894, MOMA, Nueva York; Conversación en un jardín, 1893, Gal. Nazionale d'Arte Contemporanea, Roma). A finales del siglo, Rosso disfrutaba de fama internacional sólo inferior a la de Rodin. Luego, después de un período de olvido, fue «redescubierto» por los futuristas, que lo asumieron y desarrollaron muchas de sus ideas. En su manifiesto de la escultura futurista (1912), Boccioni lo consideraba «el único gran escultor moderno que ha intentado abrir un campo mayor a la escultura, expresando plásticamente las influencias de un ambiente y los vínculos del entorno que lo unen al sujeto». Hoy está considerado un escultor de notable originalidad (ni siquiera Rodin desafió de manera tan decisiva las preocupaciones tradicionales de la escultura) y uno de los precursores del movimiento moderno, a causa de la importancia que otorgó a la representación directa de la experiencia visual, y por advertir que lo ordinario y lo vulgar podía tener expresión escultórica. Su producción fue bastante  escasa; hay copias de algunas de sus obras, junto con una colección de dibujos, en el Mus. Medardo Rosso, Barzio (Italia).







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  • 06/23/14--04:26: ANXEL HUETE

  • Huete, Anxel (1944)

    Änxel Huete Vales nace en Orense, donde ya desde su adolescencia disfruta de sus primeros contactos con el mundo artístico en las tertulias apadrinadas por Vicente Risco, en las que se encuentran, entre otros, José Luis de Dios, Virxilio, Acisclo, Xaime Quesada o Conde Corbal, quien instruye sus primeros pasos en la pintura. En 1965 se traslada a Barcelona, para estudiar en la escuela Massana y la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jordi. Posteriormente amplia su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín (H.F.B.K.), donde residirá hasta su regreso definitivo a Vigo, en 1972. Durante este periodo de importante formación personal, de grandes acontecimientos culturales y políticos en Europa, Huete va solidificando su propia forma de entender el arte, primero en Cataluña, con las corrientes informalistas, y después en Francia y Alemania, inmerso en las nuevas miradas artísticas que, en reacción ante el minimalismo de los sesenta, apostaban por el retorno a una pintura, con Matisse y la naturaleza como referentes, que se expresaba con un lenguaje plenamente abstracto y que Huete personaliza adicionando a su pintura un cierto geometrismo de carácter poético. Huete forma parte de ese grupo de artistas que, en la década de los setenta ponen todo su empeño y entusiasmo en abrir las ventanas de la cultura en Galicia para que se renovase el ambiente enrarecido que todavía se respiraba desde la Guerra Civil. Ese esfuerzo desemboca, en 1980, en la formación de Atlántica, una vía de interacción cultural integrada por artistas de muy diferente índole con el proyecto común de impulsar el debate en torno al arte contemporáneo y estimular la incipiente libertad de expresión plástica. Pero si Atlántica significó, además, un trampolín de lanzamiento para algunos de sus integrantes, para otros, entre los que sin duda se encuentra Huete, fue una experiencia nacida en base a una necesidad y su aportación, avalada por una sólida formación y una importante experiencia anterior con la vanguardia europea, tiene que ser reconocida, no solo por los propios protagonistas de aquel espíritu atlántico, sino por la generación posterior que al llegar se encontró con las puertas de la modernidad ya abiertas. Durante los ricos y fructuosos años de la movida atlántica, en los que es seducido por el expresionismo abstracto en sus diferentes vías, su interés se centra en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas, en la combinación y en la estructuración de colores, con preferencia hacia los fríos, en superficies generalmente de grandes dimensiones. Paulatinamente, y siguiendo siempre una línea abstractiva, va concediéndole gran valor a los signos e iconos y su pintura, en general, se hace más densa y gestual, incluso más provocadora. Ya en la década de los noventa, trabaja en series como Albañilería fina, en la que ahonda en campos más conceptuales determinados por la conexión del pintor con la propia naturaleza de los elementos empleados. Huete es, además de un hombre inteligente de espíritu noble y sólidos ideales, comprometido con el tiempo que le ha tocado vivir, un pintor con una densa formación intelectual que ha utilizado la pintura como medio de exteriorización de sus pensamientos más que de sus sentimientos.

    Fundación María José Jove

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  • 06/23/14--13:26: Corrado Cagli



  • Pintor italiano (Ancona 1910-Roma 1976).   En 1915 se trasladó con su familia a Roma. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Roma, la ciudad donde realiza su primera exposición individual en 1932. En esos años, estaba con el grupo de pintores de la Escuela de Roma. Posteriormente su obra refleja su espíritu incansable y  experimental. El artista llegó de forma natural a partir de la pintura figurativa, ya sea manierista, romántica o expresionista, con la ayuda de diversas técnicas, a interpretar influencias psicoanalíticas que emergen en un mundo totémico. 

    En aquellos años en Roma, aunque era muy joven, es considerado el principal exponente de la nueva generación de artistas,  alma de un grupo de jóvenes artistas que gravita en torno a la galería de Darío Sabatello. También ejerce una intensa crítica teórica en las  páginas de las revistas más importantes, entre ellas  la de la arquitectura racionalista "Dial", dirigida por   Pier Maria Bardi y Massimo  Bontempelli.Siempre en las columnas de  "Dial"participa en el debate sobre la pintura mural e invoca la" colaboración de las artes "(pintura y arquitectura) y la necesidad de" construir el músculo de un arte cíclico y polifónico". Realiza un fresco para la V Trienal (1933), cuatro paneles para la Segunda Cuadrienal (1935), un amplio ciclo titulado El triunfo de Mussolini, para la Exposición Internacional de París (1937).  


    En 1938, ante la persecucion, por ser de origen judío, huye a París y luego a Nueva York (1939), donde abrió un estudio. En 1941, se convirtió en ciudadano estadounidense, se alistó en el ejército y participó en la guerra en Europa. En Alemania, entró en el campo de concentración de Buchenwald, realiza una serie de dibujos espectaculares. 


     En 1948, regresó a Roma., A partir de este momento, de acuerdo con su método de búsqueda de múltiples experimentos sigue con diferentes técnicas y formas de expresión, también trabaja en el teatro. Ganó el Premio Guggenheim (1946) y el Premio Marzotto (1954).

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     Trailer de la película Tan Antiguo como el Mundo dirigida por Nayra & Javier Sanz Fuentes from rinoceronte films on Vimeo.




     Agora que  ninguén quere ser o que é, Antón confesa "Eu son aldeán"-,  o mesmo que dicia LAXEIRO  e  PESQUEIRA...

     Que pode transmitir un se non quere o seu?

     

    Moito o marcaron estas paredes

     


     Antón Lamazares nace el 2 de enero en 1954 en Maceira, aldea de Lalín (Pontevedra, España); el entorno rural gallego de su infancia y adolescencia deja una honda huella en su imaginario y su proceso creador. Realiza gran parte de sus estudios internado en el convento franciscano de San Antonio de Herbón, entre 1963 y 1969; en esos años se entrega a la lectura ferviente de textos literarios, sobre todo de los clásicos grecolatinos. A fines de los sesenta comienza a escribir poesía y decide dedicarse a la literatura.

     

     Entabla amistad con el escritor Álvaro Cunqueiro –al que ya leía desde los nueve años–, y también con los pintores Laxeiro y Manuel Pesqueira, que se convertirán en sus primeros referentes plásticos. Su vocación creadora comienza a desplazarse hacia la pintura, y opta por la formación autodidacta. En este sentido será crucial su largo viaje de 1972 por distintos países europeos para estudiar directamente la pintura de los maestros que venera: Van Gogh, Paul Klee, Rembrandt y Joan Miró; entre sus grandes referentes estarán, igualmente, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Alberto Giacometti y Francis Bacon, así como la tradición medieval y el arte oceánico.

     

     A su regreso permanece en Barcelona, donde trabaja como obrero de la construcción, al tiempo que estudia en sus centros de arte, en especial las colecciones de arte románico del Museo Marés y del Museo Nacional de Arte de Cataluña, y también el Museo Picasso. Después viaja a Madrid, donde se reencuentra con su maestro, Laxeiro, y donde conoce al poeta Carlos Oroza: la gran amistad que desde entonces comparten será decisiva para el joven artista, quien se entrega a la lectura de César Vallejo, Juan Ramón Jiménez y Luis Cernuda, y también William Blake, Hölderlin, Baudelaire, Trakl y Rilke. El intercambio entre pintura y poesía será una constante en toda su obra.

     

     

     En 1973, con sólo 19 años, ya da a conocer sus cuadros en exposiciones colectivas e individuales. En 1975 viaja a París huyendo del servicio militar; a los tres meses regresa para evitar ser declarado prófugo, e ingresa en la Infantería de Marina, en El Ferrol. El 27 de septiembre de ese año le sobrecoge la noticia de los últimos fusilamientos del franquismo; uno de los reos ejecutados –tras un juicio sumarísimo y sin pruebas– es su amigo Humberto Baena, poeta pontevedrés de 25 años. Lamazares se sumerge en una honda depresión y es internado en el área de psiquiatría; durante ese tiempo escribirá su poemario Adibal.

     

     Entre 1976 y 1979 es becado por la Diputación de Pontevedra y el Ayuntamiento de Lalín, y después por el Ministerio de Cultura. En 1978 traslada su residencia a Madrid, donde entabla estrecha amistad con el pintor Alfonso Fraile, y también con la galerista Juana Mordó, el crítico de arte y poeta Santiago Amón, y también con el neurólogo Alberto Portera, figura aglutinadora de un amplio grupo de pintores –Antonio López, Antonio Saura, Lucio Muñoz, Martín Chirino, Rafael Canogar, José Guerrero–, escritores –Carlos Bousoño, Francisco Umbral– y cineastas –Carlos Saura, Elías Querejeta–, que se encuentran los fines de semana en su finca de Mataborricos; allí Lamazares realiza una exposición al aire libre en 1979. Ese mismo año conoce personalmente a Joan Miró, y viaja por la Provenza para volver a tomar contacto directo con Van Gogh, Cézanne y Matisse.

     

     Los años ochenta son de intenso trabajo y también de gran proyección: antes de cumplir treinta años, la obra de Lamazares ya ha conquistado un espacio propio en el panorama español y también en el exterior. Utiliza materiales humildes, como el cartón y la madera, donde proyecta figuras de aliento lúdico y onírico, de línea expresionista, con un intenso cromatismo y una poderosa originalidad. Expone su obra con la galería de Juana Mordó en Madrid, la de Elisabeth Franck en Bélgica y la Sala Gaspar de Barcelona. Pronto se traslada a Nueva York, donde permanece dos años con una beca Fulbright, y su pintura evoluciona hacia una concepción más depurada y matérica, que expone en la galería neoyorquina Bruno Fachetti. Comparte su residencia entre Nueva York y Salamanca, y en 1988 viaja por Asia Menor –para visitar el templo de Didima, como homenaje al Hiperión de Hölderlin y Estambul, donde le impresionan vivamente las iglesias bizantinas, cuya imaginería se deja traslucir en las obras que presenta en la Galería Miguel Marcos, elaboradas por yuxtaposición de maderas. En estos años expone la serie Xanelas e Sellos, y también Lerias, Letanías, Mámoas. En 1990 prepara una nueva serie de pinturas que llama bifrontes, concebidas para ser vistas por ambos lados.

     

     

     Se instala en París durante 1990 y 1991, con una beca de la Cité des Arts, y en 1991 abre un gran taller en Madrid, donde trabaja en las series Gracias vagabundas y Desazón de vagabundos. Realiza un nuevo viaje, esta vez a Berlín, donde le imanta la pintura de Caspar David Friedrich. En 1993 conoce personalmente a Antoni Tàpies, al que entrevista con motivo de haber recibido el León de Oro de la Bienal de Venecia. Ese año expone Brasas y baldío (aguafuertes y xilografías), y en 1994 la serie parisina Verde y moreno. Invitado por el CGAC, de mayo a noviembre de 1996 permanece en Galicia y pinta la serie Gracias do lugar: Eidos de Rosalía, Eidos de Bama. En 1997 expone Sueño e colorao en Oporto, y en Madrid una antológica de su obra de 1981 a 1983: Dulce amor. De junio a noviembre de 1997, en Santa Baia de Matalobos (A Estrada), pinta al aire libre Bés de Santa Baia. Ese año con su amigo Domingo Sánchez Blanco conoce al escultor Jorge Oteiza, con quien mantiene una conversación de varias horas que es filmada por la cineasta Chus Gutiérrez. En 1998 pinta en Madrid la serie Titania e Brao, homenaje al verano de Castilla, y después se dedica aPol en Adelán, homenaje a Galicia.

     

     Realiza también tareas de arte gráfico, como los grabados que acompañan cinco textos de Gustavo Martín Garzo en el libro de artista El Canto de la Cabeza (Galería Sen, Madrid), o las litografías que acompañan el Itinerarium de Egeria (Raiña Lupa, París). En 2001 realiza una magna exposición en la Estación Marítima de La Coruña, bajo el título Un saco de pan duro, y presenta Sueño de la casa de las vacas en Colonia. En 2002 expone en Galicia Alma en lunes y Libro dos Jueces. Su obra es seleccionada para su promoción internacional por el programa Arte Español para el Exterior del Ministerio de Asuntos Exteriores (SEACEX), junto con la de artistas españoles como Saura, Chirino, Hernández Pijuan, Millares, Serrano, Oteiza o Tàpies. Lamazares viaja a Florencia y Asís, para acercarse a algunas piezas del arte renacentista y también al universo de San Francisco, al que dedica su serie Follente Bemil.

     En 2004 traslada su residencia a Berlín, donde vive en la actualidad. Tras la muerte de su padre, comienza la serie E fai frío no lume (Hace frío en el fuego), y realiza grandes exposiciones en Eslovenia, y también en Hungría –Museo (Iglesia) Kiscelli de Budapest–. Se dedica después a la serie Domus Omnia, y colabora con sus grabados en otro libro de artista, con poemas de Carlos Oroza, Un sentimiento ingrávido recorre el ambiente (con cinco litografías), publicado en París (Yves Riviére & Raiña Lupa).

     

     En 2008 expone una antología de su obra gráfica en Damasco (Siria) y de su pintura en Ammán (Jordania), donde el poeta jordano Taher Riyad le dedica su serie Cantos de Lamazares. Ese mismo año expone Magna Domus Omnia en la Galería Kai Hilgemann de Berlín. En 2009 expone su obra en Nueva York, y también en el Centro Cultural de la Diputación de Orense, en el décimo aniversario de la entidad. Participa asimismo en exposiciones itinerantes dedicadas al poeta Vicente Aleixandre (España) y a Martin Luther King (Estados Unidos), y recibe el Premio Laxeiro por su trayectoria y proyección internacional. En 2010 expone su obra en la Iglesia de la Universidad, en Santiago de Compostela, y también en Tui. Expone regularmente en Madrid con su galerista Álvaro Alcázar y en Galicia con SCQ.

     El 20 de mayo de 2010 la Universidad de Santiago de Compostela le otorga su Insignia de Oro: es la primera vez, en seis siglos de historia, que esa entidad dedica ese honor a un artista. El 28 de junio de 2010, en un acto celebrado en la Igrexa de San Domingos de Bonaval, la Xunta de Galicia le entrega la Medalla Castelao, que premia “la perfección, el simbolismo o la trascendencia de las obras” como reflejo de la entrega y fe “en la cultura, en la historia y en el ser de un pueblo”. En la primavera de 2011 el Nuevo Museo de Pontevedra le dedica la gran antológica Antón Lamazares 1980-2010, comisariada por Gloria Moure. En junio participa, junto con la actriz Mercedes Sampietro, en el homenaje al Premio Nacional de Poesía José María Millares Sall, en la Biblioteca Nacional de España.

     En 2012 los hermanos Nayra y Javier Sanz Fuentes (Rinoceronte Films) finalizan la película Tan Antiguo como el Mundo, un recorrido por el universo de la pintura, la poesía y la naturaleza, a través de la mirada de Antón Lamazares. La película gana en Bogotá el Círculo de Oro en el apartado de documentales de Arte. Lamazares realiza nuevas exposiciones en Berlín –en la Galería Kai Hilgemann y en el Instituto Cervantes–, y abre un nuevo gran taller en el corazón de Madrid, donde inicia su nueva serie, Alfabeto Delfín.

     En 2013 realiza exposiciones en la Galería Rafael Pérez Hernando (Madrid), en el monasterio El Seminari (Tarragona), y en la Casa del Soldado (Centro Cultural de España) de Panamá, donde presenta su nueva serie Alfabeto Delfín.  Empieza a trabajar con la galería Sala Gaspar de Barcelona

     

    Y de esa exposición, de su serie ALFABETO DELFIN - es el siguiente resumen, de una entrevista ofrecida en Panamá

     

    Poeta de los lienzos de cartón

     CREADOR. Antón Lamazares ofreció un conversatorio en Panamá. LA PRENSA/ David Mesa.


    Vivió hasta los 24 años en Galicia, pero ya desde la adolescencia viajaba a Madrid a ver las pinturas del museo de El Prado. “ Yo me permití conocer el arte contemporáneo, viajar, conocer otras culturas y desde los 18 viajé por el mundo”, comenta quien ha residido en París, en Londres y Nueva York. “Es algo que hay que hacer, y es bueno y necesario para alguien que quiera estar vivo dentro de la pintura”.


    Yo vengo de la poesía, y desde pequeño mi medio era la poesía. En mi tierra [Galicia] la vida me pone cerca de Laxeiro, a Manuel Pesqueira, que son dos pintores grandes, y ellos son los que me acercan al arte contemporáneo. Bajo su influencia, por su inspiración, decido cogerme una mochila y viajar por Europa en auto stop en 1978, y descubro a Miró, Paul Klee, Picasso, Pollock, Matisse, Van Gogh, bueno, todo aquello que no podía ver en España. Y ese viaje me hizo pintor.

    ¿Siempre utiliza la madera y el cartón como soportes?
    Lo que quiero contar, lo puedo contar con estos materiales, entonces, para qué quiero otros. No necesito un lienzo ni una cámara, estos son mis materiales. Los utilizo, porque mi sangre es una sangre campesina, es una sangre heredada y mi manera de comunicar es de una manera directa, acercándome a la entraña de la comunicación.

    Vamos a entender por contemporáneo el arte del siglo XX. El arte del siglo XX gira en torno a un centro, a una máxima, que es: ´tú, persona que te acercas a una obra de arte, tienes que poner de tu parte, tienes que ser activo´. Yo siempre digo que el 50% lo tiene que poner el músico, el pintor, el poeta; y el otro 50% lo tiene que poner el espectador, y esto es lo decisivo del arte contemporáneo.


     

    ¿Quién define lo que es arte?
    Los directores de museos, los críticos de arte. Pero vamos, el arte no se define, el arte es. Yo tengo como pensamiento de cabecera aquello que decía Eugenio de Andrade, ´ ¿qué es poesía?´, decía: ´poesía es un hombro donde apoyar la cabeza´, es algo muy amplio.

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  • 06/25/14--12:06: JOSÉ CAPOGROSSI




  • Roma, 1900-1972; 
    Anticoli Corrado, 1938 ca. Si riconoscono , da sinistra, Giuseppe Capogrossi, Fausto Pirandello, Vera ed Emanuele Cavalli (Roma, Archivio Cavalli).

     Después de completar sus estudios básicos en 1918, luchó en el Adamello (Trentino). En 1922 obtuvo el título de derecho y Pietro Tacchi Venturi, un tío suyo  jesuita,  lo  introdujo en el estudio de  Giambattista Conti, pintor de frescos y artista gráfico.En 1923 entra en  la scuola di Nudo di Felice Carena   en Roma. Allí pintó bodegones y retratos de  mujeres y se  hizo   amigo de  Emanuele Cavalli . Hizo su debut en 1927  en el 'Hotel Dinesen.  

    Expone obras de pequeño tamaño.  Entre 1927 y 1931 realiza repetidas estancias en París. En 1930 fue admitido en la Bienal Internacional de Arte XVII en Venecia. En el año 1931, mantiene una alianza con Cavalli,  asociación que se amplía con Corrado Cagli. La nueva asociación es apoyada por Pier María Bardi , director de la Galería de Roma. En 1932 expone allí con Cavalli y Cagli . A comienzos de 1933  Capogrossi  y los otros dos socios exponen en Milán  como el   "Gruppo dei nuovi pittori romani"
      en la Galleria del Milione, el epicentro del ·"Astrattismo" italiano. En octubre, decidió elaborar el manifiesto del primordialismo plástico, pero debido a  diferencias teóricas y prácticas disuelve  la sociedad con los otros dos pintores. Sin embargo en diciembre expone en París, en la  Galerie Jacques Bonjean, con Cavalli y Cagli- una exposición presentada por Waldemar  George como "Escuela de Roma"

    En 1935 expone en  Roma, en la II Quadriennale d'Arte Nazionale.  Los críticos lo reconocen como uno de los líderes de la renovación de la pintura romana. En 1937 estuvo presente en tres ferias internacionales: en Pittsburgh (donde ganó el segundo premio), en"' Una antología de Pintura italiana contemporanea" en la Galería Cometa  de Nueva York y una muestra  de arte italiano en  Akademie der Kunste de Berlín.  En 1939 participa en la Tercera Cuadrienal de Roma. En 1942 ganó un premio en el IV Premio Bergamo. En estos años reflexiona sobre Cézanne, su pintura  inicia una transformación,  está animado,  inaugurado en 1946 en la Galería San Marcos  su primera exposición individual. En 1948 participa en  la XXIV Bienal de Venecia. En los años de posguerra  emerge como uno de los máximos exponentes del  informalismo  a nivel internacional. En 1974, después de haber destruido o reutilizado varias pinturas figurativas, la Galería Nacional de Arte Moderno organizó una retrospectiva de toda su obra.



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  • 06/27/14--15:13: Thomas Benjamin Kennington







  • Nació en Grimsby, Inglaterra, en 1856. Estudió en varios centros, entre ellos en la Liverpool School of Art, en the South Kensington School of Art y finalmente en la Academia Julian con William Bouguereau, Jules Lefebvre y Tony Robert-Fleury. 

    Durante toda su vida expuso regularmente en la Royal Academy. Ganó una medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889.

    Fue un activista social, se preocupó mucho por la pobreza y creyó firmemente en la asociación de artistas. Fue el fundador y primer secretario del New English Art Club cuyo fin era proporcionar oportunidades a los artistas  a los que no se les permitía exponer en la Royal Academy. Fue tambien fundador en  1909 de la Imperial Arts League, (que se conoce ahora como The Artist League).

    Kennington a menudo pintaba, como otros contemporáneos, imágenes de la pobreza para llamar la atención sobre la necesidad de reformas sociales. Tambien pintó escenas cotidianas y retratos de gente pudiente.

    Murió en Londres en 1916



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  • 06/28/14--12:44: LEON HERBO





  •  Leon Herbo (1850-1907) es un artista belga que estudió en la Academia de Tournai y en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Viajó por toda Europa, especialmente por Italia, Francia y Alemania, para estudiar a los grandes maestros.





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  • 06/29/14--03:27: Laurits Andersen Ring




  • Laurits Andersen nació en un pequeño pueblo situado en el sur de Zealand. Despues cambió su nombre por el de su ciudad natal y es conocido como L.A.Ring.

    Nació en  1854.  Aprendió a pintar casas, ya que su hermano mayor estaba destinado a quedarse con el taller de carpintería de su padre. En 1873 tuvo la oportunidad de irse a Copenhaquen cuando un comerciante local contrató a Laurits para pintar en la capital. Sus primeros paisajes y retratos datan de esa época, pero reconocía la necesidad de formarse y se matriculó en  la Royal Academy of Fine Arts en Copenhaguen.  



    Fue admitido en la Academia en 1875 pero no le gustó la formación. El dibujo técnico le causaba problemas. Despues de tres años abandonó. Durante los años siguientes 

    compartió domicilio entre Copenhaguen y su ciudad natal.



    .
    En 1881 él y su amigo el pintor Hans Andersen, decidieron adoptar el nombre de sus ciudades. Una de las razones para hacer eso era evitar confundir sus identidades. Desde entonces los dos artistas son conocidos como L.A.Ring y H.A. Brendekilde.

    Ring hizo su debut en la exhibición anual en la Royal Academy- The Charlottenborg exhibition- en 1882. Pero fue en 1884 cuando, en realidad, se consagró. Ese año las tensiones políticas en Dinamarca  eran muy altas, cuando Estrup, el primer ministro, adoptó leyes provisionales prohibiendo decisiones democráticas establecidas en la Constitución danesa. El compromiso social y político de Ring fue fuerte y dejó una huella evidente en su arte.

    Entre 1893 y 1895, vendió unos cuadros y esto le permitió hacer un viaje por Italia. Al volver se estableción e Naestved.

    En 1896 se casó con Sigrid Kabler, su modelo, de 21 años de edad. Tuvieron tres hijos. Sigrid murió de cáncer de pulmon en  1923, a los  49 años de edad.
    En 1907 fue nombrado miembro de 
    Caharlottenborg y sus cuadros fueron expuestos en numerosas exposiciones internacionales, entre ellas Londres, Berlin y Nueva York.  

    Murió en 1933 a los 79 años de edad

    Webmaster: Webmaster

    National Gallery of Denmark

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  • 06/29/14--14:11: E. Phillips Fox
  • Emanuel Phillips Fox (1865 - 1915)

    Nació en Fitzroy, Melbourne, en 1865. Comenzó su preparación artística con John Carter. Despues fue  a la National Gallery School y fue discipulo de O. R. Campbell y de G.F. Folingsby, entre 1878-1886. 

    Al acabar sus estudios viajó a París para estudiar en la Academie Julian y en el taller de Gerome en la Escuela de Bellas Artes. Continuó sus estudios  en Europa hsta 1890 y quedó muy influenciado por los impresionistas.



    Despues de completar sus estudios, debutó en la primera exposición del Salon en París en 1890. En 1891 viajó a Madrid, donde pasó un año copiando a Velazquez y volvió a Melbourne en 1892 donde fundó "The Melbourne Art School" con Tudor St. George Tucker. En esta escuela,  a los estudiantes se les introducía en la práctica francesa de la pintura al aire libre.



    Esta escuela de arte se convirtió en la institución más importante de Melbourne en la década de 1890. Fox pronto fue reconocido como la figura clave del mundo del arte australiano. Se unió a la Victorian Artist´s society, y se convirtió en vocal entre 1893-1900. Expuso en 1892 y en 1900-1 en Sydney, Adelaide y Bendigo y fue representado en exposiciones internacionales como  Australian Exhibition en Grafton Galleries en Londres en 1898

    En 1901 la National Gallery de Victoria le encargó una pintura histórica del Capitán Cook desembarcando en la Bahía Botany.


    Para realizar este cuadro y en 1902 viajó a Londres para acabarlo. Durante su estancia en el extranjero expuso en la Royal Academy y en 1903 se casó con una estudiante de la Slade School. Ethel Carrick, despues viajó a Italia y España, finalmente se estableció en París, donde se convirtió en miembro de la Societe Nationale des Beaux Arts en 1910. En 1912 fue elegido miembro de la sociedad Internacional de Pintores y ese mismo año viajó por España y Argelia.


    Fox y su mujer se quedaron en París hasta  1913, antes de volver a Australia para quedarse. Su regreso exhibió 70 obras. Esta exposición fue muy bien acogida y dio lugar a numerosos encargos.

    Cuando estalló la primera guerra mundial Fox se encontraba en Tahiti, un lugar por el que se sentía atraido por la obra de Gauguin, y en 1915 volvió a Melbourne donde organizó una unión de artistas para recaudar fondos para un camión de la Cruz Roja para Francia. Ese mismo año el artista murió de cáncer de pulmón en el hospital de Fitzroy


    Su obra está representada en la National Gallery de Australia, en galerías y en el Louvre, París.


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  • 07/01/14--11:53: Gaetano Bellei








  • Gaetano Bellei (1857 - 1922) - pintor académico italiano.  Nació y murió en la ciudad  de Modena. Fue discípulo de  Malatesta y compañero de Muzzioli. En 1876 ganó el premio de dibujo   Poletti  del Instituto de Bellas Artes. En 1880 fue a Roma, donde perfeccionó sus habilidades en la Academia di San Luca. Expuso en la Royal Academy de Londres en 1888 y 1922. Participó en numerosas exposiciones, entre ellas, Torino (1898), en Milán y Lieja (1906), Roma (1911). Regresó a Módena en 1893 y se convirtió en profesor del Instituto de Bellas Artes.

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  • 06/04/14--12:22: André Bauchant

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    • 1873–1958
    • Pintor Naif francés. vendió flores en los mercados hasta 1914 y no empezó a pintar hasta 1919, despues de ser desmovilizado del ejército cuando acabó la guerra (en el ejército demostró talento para dibujar y fue preparado como cartógrafo). En 1921 su obra fue mostrada en el Salón de Otoño, y pronto se dio a conocer como el pintor más famoso de este estilo.
    Fue promocionado por Wilhelm Uhde, el mayor promotor de los naives. Los temas favoritos de Bauchant eran la historia y la motología, para los que buscaba inspiración en los libros ilustrados

    Text Source: A Dictionary of Modern and Contemporary Art (Oxford University Press)

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  • 07/02/14--12:49: Francesc Miralles i Galaup
  • luxembourg gardens, paris by francisco miralles y galup




    Valencia 1948- Barcelona 1901. Pintor español discipulo de Ramón Marti Alsina. Cuando tenía quince años viajó a París por primera vez, y tres años más tarde se trasladó de nuevo alli, donde se quedó casi  27 años. Trabajó en el estudio de Arturo Canela, que era un lugar de  reunión de artistas catalanes en París.  A través de su compatriota Eduardo Zamacois conoció al prestigioso  marchante Adolphe Goupil, que tambien era agente de Boldini, Gérome y de Bouguereau, a quienes había ayudado en sus carreras. El talento de Miralles se reconoció pronto y se empezaron a vender sus cuadros bien. Expuso en los salones de París regularmente desde 1875 hasta 1896, en la sala Pares de Barcelona y en numerosas exposiciones internacionales en Londres, Berlín, Dieppe, Montpelier y America.


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  • 07/03/14--09:43: Ivar Kamke







  • domkyrkan, visby by ivar kamke
     i väntan på lasten by ivar kamke



    Ivar Kamke (1882 - 1936) pintor y artista gráfico sueco, famoso por sus retratos,  desnudos y paisajes de los Países Bajos, Italia y Norte de Africa.

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  • 07/03/14--13:08: Frederick Sandys



  • Frederick Sandys 1829–1904. Nació en Norwich, fue discipulo de su padre Anthony Sands, dibujante y retratista. Fue educado en Norwich Grammar School y en  la Governmente School of Desighn, tambien en Norwich. Su primer patrocinador fue  James Bulwer, Rector de Stody y discipulo de Cotman. Sandys hizo dibujos de arquitectura y antigüedades para el.

    Expuso dibujos en Norwich Art Union desde 1839 y ganó medallas de la Royal Society of Arts en 1846 y 1847. En 1851 hizo su primera exposición en la Royal Academy, el se había trasladado a Londres. Se casó con Georgina Creed, hija de un artista de Norwich, en 1853 cambió su apellido de Sands por Sandys, aproximadamente en  1855. Dibujante precoz, trabajó principalmente como ilustrador y retratista, pero a finales de la década de 1850 y principios de la de 1860 tambien pintó otros temas.

    Al principio hizo amistad con los  PRE-RAPHAELITES (1857), cuando estaba trabajando en un grabado "A Nightmare", una parodia de Millais. (Sir Isumbras at the Ford). Llamó a Rossetti para asegurarse si le gustaba el grabado y se hicieron amigos. Fue  muy admirado pero se mantuvo apartado del grupo. Su primera ilustración independiente  apareció en la revista Comhill, en 1860. Visitó Holanda y Belgica en 1862. La mayor parte del año 1866 estuvo con Rossetti en Chelsea, permanecieron juntos hasta octubre pero despues rompieron. Empezó a vivir con Mary Jones (la actriz Mary Clive), a finales de la década de 1860, tuvieron nueve hijos. Entre sus últimas obras hay una serie de retratos al pastel, de escritores, encargados  por Alexander Macmillan.

    Expuso regularmente en la Royal Academy, desde 1851 hasta 1886 y el la Galería Grosvenor de Londres, a partir de 1877. Se convirtió en miembro fundador de la International Society of Sculptor, painters and gravers en 1898. Murió en Londres.



    Tate Gallery.

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